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La colección de libros del editor italiano Franco María Ricci, FMR, rotulada como Los Signos del Hombre, es una de las más bellas de las realizadas durante el Siglo XX.

Hubo un tiempo en el que los libros bellos tenían cabida en nuestra vida. Hubo un tiempo (no muy lejano) que un editor milanés se empeñó en sacar los ejemplares más hermosos con la temática más estrambótica o estrafalaria que te puedas imaginar para deleite de los amantes del arte. Porque esos libros, los que hoy tocamos o recordamos, solo pueden ser calificados como tal.  Responden al nombre de Los Signos del Hombre.

FMR, la editorial de Franco María Ricci

Este editor  italiano de nombre Franco María Ricci, nacido en Parma en 1932, se pone primero a hacer una revista de arte (de la que hablaré otro día con más detenimiento) con todo el lujo que un editor con gustos aristocráticos puede hacer. Eso fue en los gloriosos años ochenta, cuando todo parecía que iba ir siempre a mejor.  Aquella primera publicación se realizó con el negro como protagonista, el cual servía de fondo a las imágenes de una calidad extrema. Ni corto ni perezoso, nuestro hombre movió todas las fichas que había que mover para que aquí escribieran las mejores plumas del momento (Umberto Eco fue uno de los primeros) mano con mano y codo con codo con los más reputados especialistas sobre las distintas temáticas tratadas en la publicación.

Gusto demostraba este editor cada dos meses (la periocidad de la revista), ya que lo mismo se paraba a darnos detalles sobre un Beato, que sobre los zapatos de Ferragamo, que de las más hermosas iglesias o palacios que hay sobre la faz de la Tierra. Ropajes, atrezzo, decorados, artistas plásticos, esculturas, marfiles, jardines o libros… todo ello era atendido de una manera casi reverencial en esta publicación que llegó viva, intacta y con nulos cambios estilísticos casi a los albores del siglo XXI.

Los Signos del Hombre de Franco María Ricci

Pero esto no era suficiente para este editor enamorado de las cosas bellas y a principios de los años ochenta se pone a sacar unos libros que tenían por seña la elegancia extrema. Hasta el año 2002 sacó a la calle 27 títulos en 31 volúmenes porque algunos eran dobles o triples. Las obras no solo se publicaron en italiano sino que fueron traducidas al inglés, francés o español. Los hispanohablantes podemos disfrutar de ellas sin ningún problema. El negro, el oro, la elegante letra de tipos Bodoni o la seda eran característicos de estos libros. Se sacaban todos iguales, aunque la temática era de lo más heterogénea y, a veces, estrambótica a más no poder. Pero aquí reside el encanto de estas obras.

En los Signos del Hombre te puedes encontrar la reproducción de un Beato, un estudio sobre un libro de farmacopea antiguo. Aquí ha publicado Borges (El libro de las ruinas) y abundan las temáticas extrañas como el Codex Serafinianus o las historias prodigiosas del Medievo. Como he comentado anteriormente, las firmas de los estudios o los relatos no tienen pega porque, sencillamente, están entre lo más granado de la literatura o de la investigación científica. Ahora bien, estos libros tenían en su momento (y lo siguen teniendo aún más en la era de Instagram) un encanto muy especial por la calidad formal con la que estaban ejecutados. Anota que es para quedarse con la boca abierta:

  • Nada de pequeño formato. Todos son de la misma medida en gran folio.
  • Franco María Ricci era un enamorado de la fuente Bodoni, creada por el impresor homónimo fallecido en Parma (lugar de nacimiento de nuestro editor) a principios del siglo XIX. En busca de un tipo más suave y de fácil lectura que los del barroco, creó una letra que, más tarde, ha dado lugar a otras tan conocidas como la Garamond. Franco María Ricci fue fiel a este tipo en todos sus libros.
  • Detalles aparte, los Signos del Hombre hacen gala de un papel precioso en un color extrañísimo, gris azulado, realizado en Fabriano de forma casi artesana. Es de una textura verjurada, una rareza casi en estas primeras décadas del siglo XXI.
  • Los libros se cosían al hilo de tal manera que es casi imposible romperlos si alguien quisiera hacer tal cosa con ellos.
  • Pero lo que más llama la atención es su portada en una seda en color negro profundo sobre la que no se tenía empacho en colocar oros por doquier: el título, el autor y la editorial en una fuente enorme. Se remataba esta bella portada con una lámina pegada.
  • Eran las mismas láminas que iluminan estos bellos libros, porque si la colección los Signos del Hombre se caracteriza por algo es por su fuerte impacto visual. Los textos siempre se acompañan con fascinantes láminas brillantes que se pegan sobre las hojas. No están impresas sobre el papel sino que están realizadas aparte. Esto aporta una calidez preciosa y precisa.
  • Ediciones numeradas y firmadas (aunque bastante amplias a nivel internacional)
  • Y todo resguardado en un estuche en color negro para que ningún agente externo dañe tanta belleza.
  • Es una colección, en definitiva, que invita al deleite de los sentidos físicos como espirituales. Da gusto tener un ejemplar en las manos por lo que de apoteosis de la belleza bibliófila supone.

Los títulos de los Signos del Hombre

En 2002 la colección llegó a su fin. Hasta ese momento se pusieron en las mejores bibliotecas del mundo 27 títulos, algunos en varios volúmenes. No me voy a detener en todos, pero sí en los más curiosos. Anota que todos están en nuestra tienda online:

Codex Serafinianus

Quizás haya sido el mayor acierto editorial de Franco María Ricci. Este libro escrito por un arquitecto y diseñador en la década de los setenta, con un fuerte carácter surrealista, se ha convertido en uno de los más enigmáticos jamás publicados. Aunque si se lee como si fuera la expresión del subconsciente (con un toque de humor), la obra quiere ser la representación de nuestro mundo como si de un espejo se tratara.

Tamara de Lempicka con los diarios de la gobernanta de Gabriele D’ anuncio

Solo por las bellas imágenes de las obras de esta aristocrática pintora fiel exponente del más puro Art Decó ya merece la pena este libro. No es un estudio de arte cualquiera. Es una de las ediciones más bellas que se han realizado a lo largo de la historia de un artista

Historias prodigiosas

Reproduce el Manuscrito 136 de la Wellcome Library realizado íntegramente (tanto las iluminaciones como el texto) por Pierre Boaistuau como regalo para la reina Isabel I de Inglaterra. En él se narran aventuras de todo tipo desde martirios de cristianos hasta apariciones de fantasmas pasando por un buen puñado de casos curiosos de la naturaleza (monstruos, siameses… )

Ciudades del Amor

Las láminas (no pueden ser de otra manera) son reproducciones del clásico Kamasutra indio mientras que los textos no tienen desperdicio tanto por su originalidad, sentido del humor como por ser chocante, al día de hoy, a nuestra cosmovisión. Es un libro para regalar o regalarse y también para compartir

Napoleón apócrifo

Una historia que no es historia, que es invención como si de literatura se tratara y que narra, con Napoleón como protagonista, los avatares de la conquista del mundo para instaurar una monarquía universal. Este reino homogéneo sin estados con una sola cabeza coronada comenzaría en Moscú para terminar en Madrid. De aquí seguiría de Londres a Berlín. Después de Europa le tocaría el turno a Asia, Oceanía, África y América.  Obra adornada con los retratos de la familia Bonaparte. Edición de 3500 ejemplares. El nuestro es el 903. Tiene 181 páginas más guardas.

Larkin

En la corte de la Reina Isabel I un pintor de cámara de nombre William Larkin se dedica a retratar no solo a su Majestad sino a todos los cortesanos más ilustres del reino. Lo hace con todo lujo detalles reproduciendo hasta la extenuación el último detalle del bordado más fino de los suntuosos vestidos isabelinos. Larkin es un retratista. No hay nada simbólico en las obras y ni mucho menos algo de carácter mítico. Todos los protagonistas posan, en el 80% de los casos, de igual manera: mano izquierda sobre el respaldo de silla o sillón, mano derecha con abanico o bolso. Como fondo, una cortina de seda y pisando tan aristocráticos pies siempre una alfombra colorida. Edición de 3000 ejemplares. Más información sobre la obra aquí

Libro de las ruinas

¿Por qué nos atraen los finales en lugar de los principios? ¿Por qué son seductores los Apocalipsis? ¿Por qué es grandioso un paisaje volcánico? En este volumen, nada más y nada menos, que Jorge Luis Borges nos introduce en la belleza de las ruinas e, incluso, la destrucción. Las imágenes románticas nos ayudan con más fuerza. Ejemplar de 3.500 ejemplares. Una de las obras de Borges en una edición más allá del lujo de Franco María Ricci

Zötl

Un texto de Cortázar nos lleva hasta el bestiario del dibujante naturalista Aloys Zötl. Este título de Los Signos del Hombre de Franco Maria Ricci es uno de los más discretos en cuanto a temática se refiere de los pertenecientes a una colección que se caracteriza, en alguna que otra ocasión, por la extravagancia. Edición de 5000 ejemplares. El nuestro es el número 2094.

El Fayum

Es una sugerente recopilación de las tablas mortuorias más hermosas del Antiguo Egipto. Estos retratos con todo lujo de detalles se hacían en vida, en el mejor momento individual, y se guardaban para cuando llegaran "la hora". Su finalidad era ser colocadas sobre las momias que eran custodiadas por las familias en armarios realizados ad hoc. Es una de mis obras favoritas y tenemos un ejemplar en nuestra tienda online. El viajero ávido de cosas bellas no puede perderse la buena colección de estas peculiares obras que se custodia en el Museo de El Louvre de París

Los Signos del Hombre son un lujo para cualquier biblioteca, para cualquier amante de las cosas bellas. Son un capricho que sacia, como tal, el alma en busca de la excelencia artística.

Texto y foto por Candela Vizcaíno

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La colección de libros del editor italiano Franco María Ricci, FMR, rotulada como Los Signos del Hombre, es una de las más bellas de las realizadas durante el Siglo XX.

Hubo un tiempo en el que los libros bellos tenían cabida en nuestra vida. Hubo un tiempo (no muy lejano) que un editor milanés se empeñó en sacar los ejemplares más hermosos con la temática más estrambótica o estrafalaria que te puedas imaginar para deleite de los amantes del arte. Porque esos libros, los que hoy tocamos o recordamos, solo pueden ser calificados como tal.  Responden al nombre de Los Signos del Hombre.

FMR, la editorial de Franco María Ricci

Este editor  italiano de nombre Franco María Ricci, nacido en Parma en 1932, se pone primero a hacer una revista de arte (de la que hablaré otro día con más detenimiento) con todo el lujo que un editor con gustos aristocráticos puede hacer. Eso fue en los gloriosos años ochenta, cuando todo parecía que iba ir siempre a mejor.  Aquella primera publicación se realizó con el negro como protagonista, el cual servía de fondo a las imágenes de una calidad extrema. Ni corto ni perezoso, nuestro hombre movió todas las fichas que había que mover para que aquí escribieran las mejores plumas del momento (Umberto Eco fue uno de los primeros) mano con mano y codo con codo con los más reputados especialistas sobre las distintas temáticas tratadas en la publicación.

Gusto demostraba este editor cada dos meses (la periocidad de la revista), ya que lo mismo se paraba a darnos detalles sobre un Beato, que sobre los zapatos de Ferragamo, que de las más hermosas iglesias o palacios que hay sobre la faz de la Tierra. Ropajes, atrezzo, decorados, artistas plásticos, esculturas, marfiles, jardines o libros… todo ello era atendido de una manera casi reverencial en esta publicación que llegó viva, intacta y con nulos cambios estilísticos casi a los albores del siglo XXI.

Los Signos del Hombre de Franco María Ricci

Pero esto no era suficiente para este editor enamorado de las cosas bellas y a principios de los años ochenta se pone a sacar unos libros que tenían por seña la elegancia extrema. Hasta el año 2002 sacó a la calle 27 títulos en 31 volúmenes porque algunos eran dobles o triples. Las obras no solo se publicaron en italiano sino que fueron traducidas al inglés, francés o español. Los hispanohablantes podemos disfrutar de ellas sin ningún problema. El negro, el oro, la elegante letra de tipos Bodoni o la seda eran característicos de estos libros. Se sacaban todos iguales, aunque la temática era de lo más heterogénea y, a veces, estrambótica a más no poder. Pero aquí reside el encanto de estas obras.

En los Signos del Hombre te puedes encontrar la reproducción de un Beato, un estudio sobre un libro de farmacopea antiguo. Aquí ha publicado Borges (El libro de las ruinas) y abundan las temáticas extrañas como el Codex Serafinianus o las historias prodigiosas del Medievo. Como he comentado anteriormente, las firmas de los estudios o los relatos no tienen pega porque, sencillamente, están entre lo más granado de la literatura o de la investigación científica. Ahora bien, estos libros tenían en su momento (y lo siguen teniendo aún más en la era de Instagram) un encanto muy especial por la calidad formal con la que estaban ejecutados. Anota que es para quedarse con la boca abierta:

  • Nada de pequeño formato. Todos son de la misma medida en gran folio.
  • Franco María Ricci era un enamorado de la fuente Bodoni, creada por el impresor homónimo fallecido en Parma (lugar de nacimiento de nuestro editor) a principios del siglo XIX. En busca de un tipo más suave y de fácil lectura que los del barroco, creó una letra que, más tarde, ha dado lugar a otras tan conocidas como la Garamond. Franco María Ricci fue fiel a este tipo en todos sus libros.
  • Detalles aparte, los Signos del Hombre hacen gala de un papel precioso en un color extrañísimo, gris azulado, realizado en Fabriano de forma casi artesana. Es de una textura verjurada, una rareza casi en estas primeras décadas del siglo XXI.
  • Los libros se cosían al hilo de tal manera que es casi imposible romperlos si alguien quisiera hacer tal cosa con ellos.
  • Pero lo que más llama la atención es su portada en una seda en color negro profundo sobre la que no se tenía empacho en colocar oros por doquier: el título, el autor y la editorial en una fuente enorme. Se remataba esta bella portada con una lámina pegada.
  • Eran las mismas láminas que iluminan estos bellos libros, porque si la colección los Signos del Hombre se caracteriza por algo es por su fuerte impacto visual. Los textos siempre se acompañan con fascinantes láminas brillantes que se pegan sobre las hojas. No están impresas sobre el papel sino que están realizadas aparte. Esto aporta una calidez preciosa y precisa.
  • Ediciones numeradas y firmadas (aunque bastante amplias a nivel internacional)
  • Y todo resguardado en un estuche en color negro para que ningún agente externo dañe tanta belleza.
  • Es una colección, en definitiva, que invita al deleite de los sentidos físicos como espirituales. Da gusto tener un ejemplar en las manos por lo que de apoteosis de la belleza bibliófila supone.

Los títulos de los Signos del Hombre

En 2002 la colección llegó a su fin. Hasta ese momento se pusieron en las mejores bibliotecas del mundo 27 títulos, algunos en varios volúmenes. No me voy a detener en todos, pero sí en los más curiosos. Anota que todos están en nuestra tienda online:

Codex Serafinianus

Quizás haya sido el mayor acierto editorial de Franco María Ricci. Este libro escrito por un arquitecto y diseñador en la década de los setenta, con un fuerte carácter surrealista, se ha convertido en uno de los más enigmáticos jamás publicados. Aunque si se lee como si fuera la expresión del subconsciente (con un toque de humor), la obra quiere ser la representación de nuestro mundo como si de un espejo se tratara.

Tamara de Lempicka con los diarios de la gobernanta de Gabriele D’ anuncio

Solo por las bellas imágenes de las obras de esta aristocrática pintora fiel exponente del más puro Art Decó ya merece la pena este libro. No es un estudio de arte cualquiera. Es una de las ediciones más bellas que se han realizado a lo largo de la historia de un artista

Historias prodigiosas

Reproduce el Manuscrito 136 de la Wellcome Library realizado íntegramente (tanto las iluminaciones como el texto) por Pierre Boaistuau como regalo para la reina Isabel I de Inglaterra. En él se narran aventuras de todo tipo desde martirios de cristianos hasta apariciones de fantasmas pasando por un buen puñado de casos curiosos de la naturaleza (monstruos, siameses… )

Ciudades del Amor

Las láminas (no pueden ser de otra manera) son reproducciones del clásico Kamasutra indio mientras que los textos no tienen desperdicio tanto por su originalidad, sentido del humor como por ser chocante, al día de hoy, a nuestra cosmovisión. Es un libro para regalar o regalarse y también para compartir

Napoleón apócrifo

Una historia que no es historia, que es invención como si de literatura se tratara y que narra, con Napoleón como protagonista, los avatares de la conquista del mundo para instaurar una monarquía universal. Este reino homogéneo sin estados con una sola cabeza coronada comenzaría en Moscú para terminar en Madrid. De aquí seguiría de Londres a Berlín. Después de Europa le tocaría el turno a Asia, Oceanía, África y América.  Obra adornada con los retratos de la familia Bonaparte. Edición de 3500 ejemplares. El nuestro es el 903. Tiene 181 páginas más guardas.

Larkin

En la corte de la Reina Isabel I un pintor de cámara de nombre William Larkin se dedica a retratar no solo a su Majestad sino a todos los cortesanos más ilustres del reino. Lo hace con todo lujo detalles reproduciendo hasta la extenuación el último detalle del bordado más fino de los suntuosos vestidos isabelinos. Larkin es un retratista. No hay nada simbólico en las obras y ni mucho menos algo de carácter mítico. Todos los protagonistas posan, en el 80% de los casos, de igual manera: mano izquierda sobre el respaldo de silla o sillón, mano derecha con abanico o bolso. Como fondo, una cortina de seda y pisando tan aristocráticos pies siempre una alfombra colorida. Edición de 3000 ejemplares. Más información sobre la obra aquí

Libro de las ruinas

¿Por qué nos atraen los finales en lugar de los principios? ¿Por qué son seductores los Apocalipsis? ¿Por qué es grandioso un paisaje volcánico? En este volumen, nada más y nada menos, que Jorge Luis Borges nos introduce en la belleza de las ruinas e, incluso, la destrucción. Las imágenes románticas nos ayudan con más fuerza. Ejemplar de 3.500 ejemplares. Una de las obras de Borges en una edición más allá del lujo de Franco María Ricci

Zötl

Un texto de Cortázar nos lleva hasta el bestiario del dibujante naturalista Aloys Zötl. Este título de Los Signos del Hombre de Franco Maria Ricci es uno de los más discretos en cuanto a temática se refiere de los pertenecientes a una colección que se caracteriza, en alguna que otra ocasión, por la extravagancia. Edición de 5000 ejemplares. El nuestro es el número 2094.

El Fayum

Es una sugerente recopilación de las tablas mortuorias más hermosas del Antiguo Egipto. Estos retratos con todo lujo de detalles se hacían en vida, en el mejor momento individual, y se guardaban para cuando llegaran "la hora". Su finalidad era ser colocadas sobre las momias que eran custodiadas por las familias en armarios realizados ad hoc. Es una de mis obras favoritas y tenemos un ejemplar en nuestra tienda online. El viajero ávido de cosas bellas no puede perderse la buena colección de estas peculiares obras que se custodia en el Museo de El Louvre de París

Los Signos del Hombre son un lujo para cualquier biblioteca, para cualquier amante de las cosas bellas. Son un capricho que sacia, como tal, el alma en busca de la excelencia artística.

Texto y foto por Candela Vizcaíno

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La literatura y la cultura en la Era Meiji

En 1868 y hasta 1912, Japón se embarca en unos cambios radicales en lo que se refiere a lo político, a lo social, a lo cultural y a lo económico. Reduciendo mucho esta compleja época, comienzan a abandonarse los modos tradicionales para ir acogiendo costumbres occidentales. En estas décadas, por poner solo un caso, se prohíben los atuendos de los samuráis y lucir espadas en público. Son los años conocidos como Era Meiji. Por supuesto, no se acabó con las tradiciones, folclore (los seres mitológicos aún perduran y  han inundado video-juegos de todo el orbe), religión o elementos sustanciales de la cultura japonesa, pero sí supuso una de las transformaciones más radicales de la historia del país del Sol Naciente. Esta nueva manera de ver el mundo, no puede ser de otra manera, se hace sentir y ver en la literatura japonesa, así como en el resto de las artes.  

Antes de esta fecha, 1868, la literatura de Japón estaba bastante encorsetada y se reducía mayoritariamente a la producción de los hermosos haikus (que han traspasado fronteras), al simbólico teatro Noh, también a los desmanes del Kabuki y algo de Bunraku. Las obras clásicas de la narrativa tradicional  habían sido escritas siglos atrás. Me refiero al Romance de Gengi, por poner un solo caso, que data de una fecha tan temprana como el siglo X.

Hasta esa revolución cultural, eran los valores del grupo social los que predominaban. Los metros y modos tradicionales apenas innovaban. El cambio por el cambio ni se hacía ni estaba bien visto. Pero, con la apertura hacia Occidente, comienzan a entrar nuevas formas y modelos. Se deslizan obras de Naturalismo, del Simbolismo de los franceses o del Romanticismo Alemán. Los escritores japoneses  descubren un nuevo modo de enfrentarse al espíritu humano: el del genio de la individualidad. Ya no sería el grupo social el que impusiera su cosmovisión y ciertos creadores se embarcan en narran los recovecos del alma humana a partir de un personaje concreto e individualizado, a veces desgajado del cuerpo social. Los protagonistas son héroes solitarios, por tanto, que emprenden su propia y particular búsqueda de la verdad personal.

El más grande literato de la Era Meiji es Natsume Soseki (1867-1917), el cual junto, con Yasunari Kawabata (1899-1972), primer Premio Nobel de Literatura en japonés, son los más conocidos fuera del País del Sol Naciente.  Hoy te traigo una obra de cada uno de ellos en un intento por introducirnos juntos en la bella literatura japonesa, muy distinta de los parámetros occidentales.

Katsume Soseki, el Cervantes de la literatura japonesa

Es en esta época (Meiji) cuando podemos hablar de la novela como género en Japón. Y uno de sus máximos representantes en Natsume Soseki, padre de Yo, el gato y Kokoro. Cuando estos autores afianzan sus publicaciones, estas comienzan a ser conocidas en Occidente. El efecto es multiplicador, ya que, los creadores occidentales empiezan, a la par, a interesarse no solo por las obras contemporáneas sino también por las fórmulas tradicionales niponas. El haiku o el teatro Nô, de ser nacionales, se vuelven universales.

La vida y la obra de Natsume Soseki sintetizan a la perfección esos cambios culturales que se dieron en la época Meiji. Nacido un año antes de la revolución, pertenecía a una familia de samuráis tan abocada a la pobreza y a la desubicación que vivió con unos sirvientes hasta la edad de los nueve años. Eso no fue problema para que cursara estudios en la Universidad de Tokio donde se licenció en Literatura Inglesa. Tras dar clases en una  de las islas más remotas de Japón (experiencia que le sirvió para una de sus novelas, Botchan de 1906) donde contrae matrimonio, pasa cuatro tristes años en Londres. A su vuelta, a pesar de que tiene un buen puesto como profesor de inglés en la Universidad, se enfrasca en su pasión por la escritura. Yo, el gato (una de sus obras más conocidas) de 1905 narra en clave satírica todos los males de esa sociedad japonesa a medio camino entre las costumbres ancestrales y la apertura occidental casi forzada.

Sin embargo, es Kokoro de 1914, la obra considerada como cumbre por el canon japonés donde Natsume Soseki encabeza la lista, ya que en el País del Sol Naciente sus escritos son como los de Shakespeare para los angloparlantes o El Quijote para la cultura hispánica.

Kokoro de Natsume Soseki


Aunque Yo, el gato es la obra más conocida de Natsume Soseki fuera de Japón y de los ámbitos académicos, tengo especial predilección por Kokoro. Este vocablo puede traducirse de distintas maneras al español. En sí encierra las acepciones de “alma”, “corazón”, “espíritu”, “mente” e, incluso, “voluntad”. El término más frecuente es corazón, entendido como el elemento simbólico donde residen los sentimientos.

La obra se articula en forma de monólogo a dos veces: una es la de un sensei y la otra la de su discípulo. Kokoro no cuenta grandes aventuras sino que se recrea en la descripción detallada de los conflictos anímicos. El anciano vive atormentado por un suceso acaecido décadas antes: el no haber estado a la altura de un espíritu noble (un pecado bastante grave en la cultura japonesa). Mientras tanto el joven, hace lo que puede con las circunstancias de alrededor, ya que su padre se encuentra enfermo y esto le lleva a las primeras preguntas existenciales.

Si el asunto es “sencillo”, no lo es menos las formas con las que se reviste, ya que el lenguaje va desprovisto de todo adorno y se presenta en toda su crudeza emocional. Es, sin lugar a dudas, uno de esos libros imprescindibles, de cualquiera que se quiera introducir en los recovecos del alma humana en este desnaturalizado siglo XXI. Kokoro está en la lista de los libros escolares japoneses.

Yasunari Kawabata  y la Nueva Realidad de Japón

Perseguido por el dolor por las sucesivas muertes de sus familiares (primero sus padres, su hermana, sus abuelos paternos, maternos…) estudio tanto literatura inglesa como japonesa en la Universidad de Tokio.  Marcado por esta tragedia en la infancia, las guerras y el cambio en la sociedad civil obligado tras la derrota en la II Guerra Mundial, formarían el carácter de Yasunari Kawabata. Recibió el Premio Nobel de Literatura en 1968 y sus obras forman parte de los libros de cabecera de dos de los nobeles hispánicos. Mario Vargas Llosa reconoce que La Casa de las Bellas Durmientes (1978) es una de sus novelas de referencia, mientras que Gabriel García Márquez no ocultó nunca el sustrato del escritor japonés en su quehacer artístico.   

Sus obras no narran aventuras ni peripecias al estilo occidental. Todas ellas se articulan en torno a los sentimientos en los que profundiza de una manera abismal. La muerte, la vejez, la soledad, la imposibilidad de comunión anímica o la incomunicación forman parte de la temática de Yasunari Kawabata.   

País de nieve de Yasunari Yawabata 

Como en el caso de Kokoro, la novela está articulada a través de una trama sencilla e incluso banal. Narra los encuentros esporádicos de un hombre ocioso de mediana edad en busca constante de belleza. Durante los meses de invierno acude a una estación termal (algo frecuente en aquella época y hoy en día incluso). Allí ejerce como geisha Komako, la cual ya ha visto pasar sus mejores días como mujer y como artista. Esos encuentros son la excusa para que salgan en tropel todos los fantasmas de los protagonistas.

La obra está marcada por un erotismo fino, sutil y elegante que, a veces, pasa desapercibido para el lector occidental. Sus protagonistas son solitarios irremediables que poco o nada pueden hacer por aplacar esa circunstancia. Ambos tienen que conformarse con el bálsamo que ofrece una naturaleza exuberante en su esplendor o por la simple comunicación entre los cuerpos, que se nos antoja ficticia o poco curativa para tal mal.   

Es siempre la soledad que acaba impregnando todas las facetas de la vida. Con delicadeza lo expresa el novelista japonés en otra de sus maravillosas novelas, Lo bello y lo triste:

 “Era como si viera su propia soledad, que giraba y giraba dentro de su corazón”.

Era como si no hubiese salida, solo la espiral de la incomunicación, como si no hubiese salvación o consuelo posible para el hombre encerrado en los límites de un cuerpo que se marchita un poco más cada día, a la par que se va llenando el pozo profundo de los recuerdos. Al mismo tiempo, es en la elegancia con la que sobrellevan esta derrota vital donde reside la intemporal magnitud de todos los personajes de Kawabata.

País de Nieve es una fuerte sacudida al espíritu, una ventana abierta al bosque de los sentidos, una puerta abierta de par en par al intelecto que no puede conformarse con una visión mediocre del mundo. Es un balcón volado a la fascinante y atrayente pero, a la vez, peligrosa y, a veces, destructora vivencia del erotismo.

Por Candela Vizcaíno

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La literatura y la cultura en la Era Meiji

En 1868 y hasta 1912, Japón se embarca en unos cambios radicales en lo que se refiere a lo político, a lo social, a lo cultural y a lo económico. Reduciendo mucho esta compleja época, comienzan a abandonarse los modos tradicionales para ir acogiendo costumbres occidentales. En estas décadas, por poner solo un caso, se prohíben los atuendos de los samuráis y lucir espadas en público. Son los años conocidos como Era Meiji. Por supuesto, no se acabó con las tradiciones, folclore (los seres mitológicos aún perduran y  han inundado video-juegos de todo el orbe), religión o elementos sustanciales de la cultura japonesa, pero sí supuso una de las transformaciones más radicales de la historia del país del Sol Naciente. Esta nueva manera de ver el mundo, no puede ser de otra manera, se hace sentir y ver en la literatura japonesa, así como en el resto de las artes.  

Antes de esta fecha, 1868, la literatura de Japón estaba bastante encorsetada y se reducía mayoritariamente a la producción de los hermosos haikus (que han traspasado fronteras), al simbólico teatro Noh, también a los desmanes del Kabuki y algo de Bunraku. Las obras clásicas de la narrativa tradicional  habían sido escritas siglos atrás. Me refiero al Romance de Gengi, por poner un solo caso, que data de una fecha tan temprana como el siglo X.

Hasta esa revolución cultural, eran los valores del grupo social los que predominaban. Los metros y modos tradicionales apenas innovaban. El cambio por el cambio ni se hacía ni estaba bien visto. Pero, con la apertura hacia Occidente, comienzan a entrar nuevas formas y modelos. Se deslizan obras de Naturalismo, del Simbolismo de los franceses o del Romanticismo Alemán. Los escritores japoneses  descubren un nuevo modo de enfrentarse al espíritu humano: el del genio de la individualidad. Ya no sería el grupo social el que impusiera su cosmovisión y ciertos creadores se embarcan en narran los recovecos del alma humana a partir de un personaje concreto e individualizado, a veces desgajado del cuerpo social. Los protagonistas son héroes solitarios, por tanto, que emprenden su propia y particular búsqueda de la verdad personal.

El más grande literato de la Era Meiji es Natsume Soseki (1867-1917), el cual junto, con Yasunari Kawabata (1899-1972), primer Premio Nobel de Literatura en japonés, son los más conocidos fuera del País del Sol Naciente.  Hoy te traigo una obra de cada uno de ellos en un intento por introducirnos juntos en la bella literatura japonesa, muy distinta de los parámetros occidentales.

Katsume Soseki, el Cervantes de la literatura japonesa

Es en esta época (Meiji) cuando podemos hablar de la novela como género en Japón. Y uno de sus máximos representantes en Natsume Soseki, padre de Yo, el gato y Kokoro. Cuando estos autores afianzan sus publicaciones, estas comienzan a ser conocidas en Occidente. El efecto es multiplicador, ya que, los creadores occidentales empiezan, a la par, a interesarse no solo por las obras contemporáneas sino también por las fórmulas tradicionales niponas. El haiku o el teatro Nô, de ser nacionales, se vuelven universales.

La vida y la obra de Natsume Soseki sintetizan a la perfección esos cambios culturales que se dieron en la época Meiji. Nacido un año antes de la revolución, pertenecía a una familia de samuráis tan abocada a la pobreza y a la desubicación que vivió con unos sirvientes hasta la edad de los nueve años. Eso no fue problema para que cursara estudios en la Universidad de Tokio donde se licenció en Literatura Inglesa. Tras dar clases en una  de las islas más remotas de Japón (experiencia que le sirvió para una de sus novelas, Botchan de 1906) donde contrae matrimonio, pasa cuatro tristes años en Londres. A su vuelta, a pesar de que tiene un buen puesto como profesor de inglés en la Universidad, se enfrasca en su pasión por la escritura. Yo, el gato (una de sus obras más conocidas) de 1905 narra en clave satírica todos los males de esa sociedad japonesa a medio camino entre las costumbres ancestrales y la apertura occidental casi forzada.

Sin embargo, es Kokoro de 1914, la obra considerada como cumbre por el canon japonés donde Natsume Soseki encabeza la lista, ya que en el País del Sol Naciente sus escritos son como los de Shakespeare para los angloparlantes o El Quijote para la cultura hispánica.

Kokoro de Natsume Soseki


Aunque Yo, el gato es la obra más conocida de Natsume Soseki fuera de Japón y de los ámbitos académicos, tengo especial predilección por Kokoro. Este vocablo puede traducirse de distintas maneras al español. En sí encierra las acepciones de “alma”, “corazón”, “espíritu”, “mente” e, incluso, “voluntad”. El término más frecuente es corazón, entendido como el elemento simbólico donde residen los sentimientos.

La obra se articula en forma de monólogo a dos veces: una es la de un sensei y la otra la de su discípulo. Kokoro no cuenta grandes aventuras sino que se recrea en la descripción detallada de los conflictos anímicos. El anciano vive atormentado por un suceso acaecido décadas antes: el no haber estado a la altura de un espíritu noble (un pecado bastante grave en la cultura japonesa). Mientras tanto el joven, hace lo que puede con las circunstancias de alrededor, ya que su padre se encuentra enfermo y esto le lleva a las primeras preguntas existenciales.

Si el asunto es “sencillo”, no lo es menos las formas con las que se reviste, ya que el lenguaje va desprovisto de todo adorno y se presenta en toda su crudeza emocional. Es, sin lugar a dudas, uno de esos libros imprescindibles, de cualquiera que se quiera introducir en los recovecos del alma humana en este desnaturalizado siglo XXI. Kokoro está en la lista de los libros escolares japoneses.

Yasunari Kawabata  y la Nueva Realidad de Japón

Perseguido por el dolor por las sucesivas muertes de sus familiares (primero sus padres, su hermana, sus abuelos paternos, maternos…) estudio tanto literatura inglesa como japonesa en la Universidad de Tokio.  Marcado por esta tragedia en la infancia, las guerras y el cambio en la sociedad civil obligado tras la derrota en la II Guerra Mundial, formarían el carácter de Yasunari Kawabata. Recibió el Premio Nobel de Literatura en 1968 y sus obras forman parte de los libros de cabecera de dos de los nobeles hispánicos. Mario Vargas Llosa reconoce que La Casa de las Bellas Durmientes (1978) es una de sus novelas de referencia, mientras que Gabriel García Márquez no ocultó nunca el sustrato del escritor japonés en su quehacer artístico.   

Sus obras no narran aventuras ni peripecias al estilo occidental. Todas ellas se articulan en torno a los sentimientos en los que profundiza de una manera abismal. La muerte, la vejez, la soledad, la imposibilidad de comunión anímica o la incomunicación forman parte de la temática de Yasunari Kawabata.   

País de nieve de Yasunari Yawabata 

Como en el caso de Kokoro, la novela está articulada a través de una trama sencilla e incluso banal. Narra los encuentros esporádicos de un hombre ocioso de mediana edad en busca constante de belleza. Durante los meses de invierno acude a una estación termal (algo frecuente en aquella época y hoy en día incluso). Allí ejerce como geisha Komako, la cual ya ha visto pasar sus mejores días como mujer y como artista. Esos encuentros son la excusa para que salgan en tropel todos los fantasmas de los protagonistas.

La obra está marcada por un erotismo fino, sutil y elegante que, a veces, pasa desapercibido para el lector occidental. Sus protagonistas son solitarios irremediables que poco o nada pueden hacer por aplacar esa circunstancia. Ambos tienen que conformarse con el bálsamo que ofrece una naturaleza exuberante en su esplendor o por la simple comunicación entre los cuerpos, que se nos antoja ficticia o poco curativa para tal mal.   

Es siempre la soledad que acaba impregnando todas las facetas de la vida. Con delicadeza lo expresa el novelista japonés en otra de sus maravillosas novelas, Lo bello y lo triste:

 “Era como si viera su propia soledad, que giraba y giraba dentro de su corazón”.

Era como si no hubiese salida, solo la espiral de la incomunicación, como si no hubiese salvación o consuelo posible para el hombre encerrado en los límites de un cuerpo que se marchita un poco más cada día, a la par que se va llenando el pozo profundo de los recuerdos. Al mismo tiempo, es en la elegancia con la que sobrellevan esta derrota vital donde reside la intemporal magnitud de todos los personajes de Kawabata.

País de Nieve es una fuerte sacudida al espíritu, una ventana abierta al bosque de los sentidos, una puerta abierta de par en par al intelecto que no puede conformarse con una visión mediocre del mundo. Es un balcón volado a la fascinante y atrayente pero, a la vez, peligrosa y, a veces, destructora vivencia del erotismo.

Por Candela Vizcaíno

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Viniera,

viniera un hombre,

viniera un hombre al mundo, hoy, llevando

la luminosa barba de los

patriarcas: debería,

si de este tiempo

hablase, de-

bería

tan solo balbucir y balbucir

continua, continua-

mente

PAUL CELAN

Hilando 1 001

La espiral

Hilando 2 001

Es cosa que con los años pasa

Hilando 2 001   copia

Alfa y omega

Hilando 3 001

Silencio. Versión 1ª y 2ª

La caravana

los perros 

en verdad

han ladrado

pero es lo único que hacer hacer los perros

                                                           ladrar

ante el fuego reservado a los elegidos

la caravana se detiene

no es principio

                   ni fin

es camino

es

simplemente

                 camino

nosostros estuvimos aquí

                                   y La Historia

encontró durante algunos minutos

refugio en nuestras manos

La Historia con mayúsculas

la única Historia posible

la que escoge a los llamados

                                     para ser grandes

 

Hilando 4 001

Concierto coral para cinco instrumentos

 

Confesión 

querido amigo         desconocedor de mi esencia

un imposible trabajo me pides

a mí

a mí       que de sueños y más sueños

de sueños al ocaso regurgitados

he pasado la vida alimentando

de sueños

oye bien

y no de materia

de sueños

y no de luces y de sombras

ah amigo

mi otro

mi espejo

cómo esperas que tan admirable proeza

mis manos débiles urdan

ellas

ellas que malviven con las pocas palabras

que a oscuras atinan a enhebrar

Hilando 6 001

Silencio. Versión 3ª

Hilando 7 001

Acertijo

 

El camino

ahora

      en este ahora

                    mortal y pasajero

              y por eso mismo eterno

       en este ahora

que ha sido

   desde siempre

     has alcanzado el camino

el camino que lleva a los sueños

no lo abandones nunca

sin él serás la nada

con él lo serás todo

Hilando 8A 001

Silencio. Versión 4ª

Hilando 8 001

Silencio

El poema

supongo que sucedió a principios de los noventa

y lo supongo

porque no guardo en la memoria un solo gesto

que lleve a aquel día

en mi crónico descuido

de las cuentas a mantener con el tiempo

lejos quedaban los años vividos

solo con lo puesto

con la fe que dan los sueños

ya entonces

se había instalado la vida

la vida

y su realidad

y

lo que es peor

mentiras haciéndose pasar por realidad

lo que vino después es aún más borroso

las palabras amanecían a diario

en pie de guerra

inevitable la partida

la derrota siempre mía era

siguieron diálogos frustrados

con los pronombres y los verbos

y con giros sintácticos que 

afortunadamente

ha arrastrado el viento

   y así

      hasta esta mañana

        o hasta hace un rato

           y así

              sé que seguirá

                  hasta la aniquilación de la voz

                     o

                            del

                                       tiempo

Hilando 9 001

El fuego

 

Medio poética

he dicho del vacío

y del silencio

de la humillación

y del cansancio

en la guerra contra el tiempo

creo

que

en otro lugar he dicho

más no me repito

de la voz de hoy

esta que no es voz

que es solo tartamudeo

de un mundo nuevo

sin dioses ni credo

y también del que es mi no

oculto deseo

este que de nuevo

revelo

que más allá del eco

del último gemido

del último grito

encuentren estos versos

el hermano 

en el que seguir existiento

 

Nueva pregunta

es que tampoco sabías que había que defender las palabras que un día grabaste en el aire

 

Hilando11 001

 

Si en verdad pudiera

Hilando 12 001

Brindis para conjurar la tristeza

 

El libro Hilando palabras se imprimió en el verano del año 2004

en los talleres de la Prensa Cicuta (Cuevas de Almanzora, Almería)

bajo el cuidado de Doris y Emilio Sdun. 

Diseño y composición tipográfica a mano sobre papel Traçe de 160 gr.

fabricado por Papeterie Zuber Rieder.

Encuadernación de Gert Hoffrath, Rossdorf (Alemania). 

Edición limitada a 40 ejemplares firmados por Emilio Sdun y Candela Vizcaíno

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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Libros y palabras, poemas y cuentos, pausas y tertulias, recursos estilísticos, autores que nos inspiran, estilos que nos atrapan... Literatura de todos los tiempos y de todos los lugares que nos ayudan a viajar por el mundo. 

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Viniera,

viniera un hombre,

viniera un hombre al mundo, hoy, llevando

la luminosa barba de los

patriarcas: debería,

si de este tiempo

hablase, de-

bería

tan solo balbucir y balbucir

continua, continua-

mente

PAUL CELAN

Hilando 1 001

La espiral

Hilando 2 001

Es cosa que con los años pasa

Hilando 2 001   copia

Alfa y omega

Hilando 3 001

Silencio. Versión 1ª y 2ª

La caravana

los perros 

en verdad

han ladrado

pero es lo único que hacer hacer los perros

                                                           ladrar

ante el fuego reservado a los elegidos

la caravana se detiene

no es principio

                   ni fin

es camino

es

simplemente

                 camino

nosostros estuvimos aquí

                                   y La Historia

encontró durante algunos minutos

refugio en nuestras manos

La Historia con mayúsculas

la única Historia posible

la que escoge a los llamados

                                     para ser grandes

 

Hilando 4 001

Concierto coral para cinco instrumentos

 

Confesión 

querido amigo         desconocedor de mi esencia

un imposible trabajo me pides

a mí

a mí       que de sueños y más sueños

de sueños al ocaso regurgitados

he pasado la vida alimentando

de sueños

oye bien

y no de materia

de sueños

y no de luces y de sombras

ah amigo

mi otro

mi espejo

cómo esperas que tan admirable proeza

mis manos débiles urdan

ellas

ellas que malviven con las pocas palabras

que a oscuras atinan a enhebrar

Hilando 6 001

Silencio. Versión 3ª

Hilando 7 001

Acertijo

 

El camino

ahora

      en este ahora

                    mortal y pasajero

              y por eso mismo eterno

       en este ahora

que ha sido

   desde siempre

     has alcanzado el camino

el camino que lleva a los sueños

no lo abandones nunca

sin él serás la nada

con él lo serás todo

Hilando 8A 001

Silencio. Versión 4ª

Hilando 8 001

Silencio

El poema

supongo que sucedió a principios de los noventa

y lo supongo

porque no guardo en la memoria un solo gesto

que lleve a aquel día

en mi crónico descuido

de las cuentas a mantener con el tiempo

lejos quedaban los años vividos

solo con lo puesto

con la fe que dan los sueños

ya entonces

se había instalado la vida

la vida

y su realidad

y

lo que es peor

mentiras haciéndose pasar por realidad

lo que vino después es aún más borroso

las palabras amanecían a diario

en pie de guerra

inevitable la partida

la derrota siempre mía era

siguieron diálogos frustrados

con los pronombres y los verbos

y con giros sintácticos que 

afortunadamente

ha arrastrado el viento

   y así

      hasta esta mañana

        o hasta hace un rato

           y así

              sé que seguirá

                  hasta la aniquilación de la voz

                     o

                            del

                                       tiempo

Hilando 9 001

El fuego

 

Medio poética

he dicho del vacío

y del silencio

de la humillación

y del cansancio

en la guerra contra el tiempo

creo

que

en otro lugar he dicho

más no me repito

de la voz de hoy

esta que no es voz

que es solo tartamudeo

de un mundo nuevo

sin dioses ni credo

y también del que es mi no

oculto deseo

este que de nuevo

revelo

que más allá del eco

del último gemido

del último grito

encuentren estos versos

el hermano 

en el que seguir existiento

 

Nueva pregunta

es que tampoco sabías que había que defender las palabras que un día grabaste en el aire

 

Hilando11 001

 

Si en verdad pudiera

Hilando 12 001

Brindis para conjurar la tristeza

 

El libro Hilando palabras se imprimió en el verano del año 2004

en los talleres de la Prensa Cicuta (Cuevas de Almanzora, Almería)

bajo el cuidado de Doris y Emilio Sdun. 

Diseño y composición tipográfica a mano sobre papel Traçe de 160 gr.

fabricado por Papeterie Zuber Rieder.

Encuadernación de Gert Hoffrath, Rossdorf (Alemania). 

Edición limitada a 40 ejemplares firmados por Emilio Sdun y Candela Vizcaíno

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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¿De quién hablamos cuando hablamos de Homero? Lo poco que se sabe de la vida del precursor de la literatura contrasta con el legado inmenso que nos ha dejado. El milagro del aedo desconocido que alcanzó la inmortalidad.

El mundo estaba a oscuras y él lo iluminó con su canto. Cuando Homero se puso a cantar, la maquinaria de la civilización occidental se puso en marcha y aún hoy seguimos enganchados a la poesía épica de este aedo con el que comenzó todo. Homero abrió las puertas de la escritura, de la literatura, de la mitología, de la sociedad. Y el mundo se ha limitado a seguir su estela. 

Al hablar de Homero podemos hablar de literatura, de genio creador, de magia, de cultura, de pionero, de sabio...pero sobre todo hablamos de inmortalidad. Porque la Ilíada y la Odisea son poemas épicos que cantan el carácter inmortal de los héroes griegos, de los dioses y del propio autor. Navegamos por las procelosas aguas homéricas intentando no hundirnos en el misterio.

Quién fue Homero, el poeta griego

La figura de Homero se ha estudiado hasta la saciedad, pero poco es lo que se ha podido verificar sobre su biografía. Habitualmente se le caracteriza como un aedo ciego procedente de Asia Menor que recorría el mundo heleno allá por el siglo VIII a. C. ejerciendo su profesión, es decir cantando sus poemas épicos para un público variado que podía ir desde el pueblo llano en las plazas y mercados hasta los nobles en sus cenas de palacio.

Lo que sí está claro es que tanto la Ilíada como la Odisea son majestuosas obras atribuidas a Homero, a la figura de Homero. Y es su figura la que ha perdurado a través de los siglos como inmortal gracias a los antiguos griegos que consideraron a Homero como un gran sabio, un maestro que condensó en sus epopeyas todo el conocimiento necesario. Y tal y como los antiguos griegos adoraron a Homero y le elevaron casi a la categoría de divinidad, así lo hacemos nosotros.

El minucioso análisis al que han sido sometidas tanto la Ilíada como la Odisea han planteado la posibilidad de que Homero ni siquiera existiera. Homero como tal, como aedo y poeta creador de las dos obras primeras de la literatura griega sería una especie de pseudónimo bajo el que se agruparían varios autores desconocidos. Esta duda sobre la existencia real de Homero es lo que se conoce como la 'cuestión homérica' y es un debate abierto desde la antigüedad que aún hoy no se ha cerrado.

La cuestión Homérica

Sin duda, resulta asombrosa la capacidad creativa y memorística de una persona capaz de cantar los 15.690 versos de la Ilíada o los 12.110 de la Odisea, porque no podemos olvidar que la épica griega se concebía para ser cantada en público y que no fue hasta la llegada de Homero cuando perdió su carácter oral para pasar a obra escrita. Pero no fue la extensión de los poemas lo que más alertó sobre la posibilidad de que Homero no fuera uno, sino varios.

En los poemas encontramos ciertas incongruencias, digresiones que poco tienen que ver con los versos anteriores, diferentes estilos narrativos especialmente si se comparan las técnicas narrativas de la Ilíada con las de la Odisea, distintas variedades de la lengua griega y anacronismos que sitúan las escenas en diferentes épocas históricas. Todo esto llevó a pensar que había varios autores tras las epopeyas y que en algún momento se habrían decidido a poner por escrito las historias que se cantaban en una larga tradición oral.

Y hablando de tradición oral también debemos mencionar el aspecto que más llamó la atención que quienes buscaban la verdadera identidad del autor que compuso los versos más cantados, recitados, leídos, traducidos y estudiados de la historia. Nos referimos a las fórmulas, epítetos y repeticiones.

Las fórmulas de poesía y literatura de Homero

En la lectura de las obras de Homero llama poderosamente la atención del lector la cantidad de repeticiones que se encuentran. Versos que aparecen repetidos en los distintos cantos, series de versos o incluso escenas típicas que leemos una y otra vez y que casi llegamos a memorizar. Ocurre lo mismo con los epítetos atribuidos a dioses o a los diferentes héroes y personajes que aparecen.

Aquiles 'de pies ligeros', 'la ventosa' Ilión, 'la arenosa' Pilos, Eos 'de rosados dedos', Héctor 'de tremolante penacho', Diomedes 'domador de caballos'...son expresiones que encontramos repetidas muchas veces y que no responden a una falta de creatividad del autor, sino al carácter oral de la poesía épica. La dicción formular homérica fue explicada de forma convincente por Milman Parry cuando descubrió el mismo proceso de creación formular y repetitivo en la poesía oral serbocroata.

Ante la enorme extensión de la Ilíada y la Odisea, el aedo se ve obligado a utilizar estas fórmulas que le permiten hacer una especie de descanso para recordar los siguientes versos. No podemos olvidar en ningún momento que son poemas pensados para ser cantados, no para ser leídos. Lógicamente, al público oyente no le resultaban extrañas las repeticiones formulares de Homero.

La obra de Homero

Entramos de lleno en la obra de Homero haciéndonos una pregunta, ¿qué sería de la literatura sin la épica homérica? En efecto, Ilíada y Odisea suponen la puerta de entrada de la literatura occidental y Homero, fuera quien fuera este misterioso aedo o poeta, es el primer nombre que aparece en el canon literario. La Historia de la literatura comienza con Homero, con la Ilíada y con la Odisea.

- Ilíada

Se considera la Ilíada como una obra anterior a la Odisea, por lo que estamos ante la primera obra de la literatura griega y el foco de inspiración de toda la literatura posterior. En contra de la opinión general, la Ilíada no narra la guerra de Troya, aunque sí es una buena fuente para adentrarse tanto en la mitología griega como en la Historia del mundo egeo en el II milenio a. C. Insistimos, Homero no canta la guerra de Troya, el tema de la Ilíada es la cólera de Aquiles tal y como se anuncia en los primeros versos.

'Canta, oh musa, la cólera funesta del pelida Aquiles que causó infinitas desgracias a los aqueos y precipitó al Hades numerosas almas valerosas de héroes...'

Esto coloca a este héroe griego, hijo de Tetis y Peleo, casi inmortal excepto por el talón, como protagonista indiscutible del poema épico. Sin embargo, otros personajes como Agamenón, Odiseo, Menelao, Néstor, Paris Alejandro, Héctor o Príamo le hacen sombra en cuanto a fama gracias no solo a las artes del autor de la Ilíada, sino a la tradición posterior que se encargó de contarnos lo que Homero calló. Y no nos olvidemos de la bella Helena.

- Odisea

Sin salirnos del género de la épica, la Odisea además inaugura el género de aventuras y viajes. El protagonista indiscutible de esta obra que se considera posterior a la Ilíada es el héroe griego Odiseo (más conocido por su nombre latino Ulises) que pasa 10 años intentando regresar a su Ítaca natal tras la guerra de Troya. De lectura más amena que la Ilíada, la Odisea también cuenta con la problemática narrativa que hizo dudar de la existencia de Homero.

En la Odisea se dan respuesta a muchas preguntas que surgen entre los versos de la Ilíada, por lo que el conocimiento de la historia mítica se amplía. Las aventuras de Odiseo han generado el interés durante milenios y aún siguen generándolo. ¿Acaso no se trata de eso la inmortalidad? Pero más que los hechos que acontecen en la Odisea, interesa las consecuencias de esos hechos para la humanidad. Y como botón de muestra y colofón de lo que la obra de Homero desencadenó, nada mejor que cerrar el capítulo de la Odisea con estos versos del poeta griego Kavafis.

'Ten siempre a Ítaca en tu mente.

Llegar allí es tu destino.

Mas no apresures nunca el viaje.

Mejor que dure muchos años

y atracar, viejo ya, en la isla

enriquecido de cuanto ganaste en el camino...'

El impacto de Homero en la cultura occidental

Literatura, música y pintura, filosofía y ética, arqueología e historia...pocas disciplinas escapan a la influencia que ejerció Homero. Venerado por los antiguos, las obras de Homero contienen todo lo que concierne al ser humano y por eso son poemas inmortales. A quienes dudaron de la veracidad de lo que cantaba Homero, a quienes aseguraron que el relato de Homero eran simples cuentos, solo les contestamos con un nombre: Heinrich Schliemann.

Este comerciante prusiano del Siglo XIX veneró a Homero tanto como los antiguos griegos y pasó media vida amasando una ingente fortuna para poder dedicarse su otra media a vida a conseguir su sueño: seguir los pasos marcados por los relatos homéricos y encontrar Troya. Con Homero comenzó la literatura y con Schliemann comenzó la arqueología. Y entre ambos consiguieron que el mundo reconociera que lo cantado por Homero no eran meras leyendas para entretener a la audiencia, sino que era real. Tan real era Troya como la guerra y como los lugares marcados en los poemas. Cabe suponer, por tanto, que Homero también fue real.

Por Laura Vélez

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¿De quién hablamos cuando hablamos de Homero? Lo poco que se sabe de la vida del precursor de la literatura contrasta con el legado inmenso que nos ha dejado. El milagro del aedo desconocido que alcanzó la inmortalidad.

El mundo estaba a oscuras y él lo iluminó con su canto. Cuando Homero se puso a cantar, la maquinaria de la civilización occidental se puso en marcha y aún hoy seguimos enganchados a la poesía épica de este aedo con el que comenzó todo. Homero abrió las puertas de la escritura, de la literatura, de la mitología, de la sociedad. Y el mundo se ha limitado a seguir su estela. 

Al hablar de Homero podemos hablar de literatura, de genio creador, de magia, de cultura, de pionero, de sabio...pero sobre todo hablamos de inmortalidad. Porque la Ilíada y la Odisea son poemas épicos que cantan el carácter inmortal de los héroes griegos, de los dioses y del propio autor. Navegamos por las procelosas aguas homéricas intentando no hundirnos en el misterio.

Quién fue Homero, el poeta griego

La figura de Homero se ha estudiado hasta la saciedad, pero poco es lo que se ha podido verificar sobre su biografía. Habitualmente se le caracteriza como un aedo ciego procedente de Asia Menor que recorría el mundo heleno allá por el siglo VIII a. C. ejerciendo su profesión, es decir cantando sus poemas épicos para un público variado que podía ir desde el pueblo llano en las plazas y mercados hasta los nobles en sus cenas de palacio.

Lo que sí está claro es que tanto la Ilíada como la Odisea son majestuosas obras atribuidas a Homero, a la figura de Homero. Y es su figura la que ha perdurado a través de los siglos como inmortal gracias a los antiguos griegos que consideraron a Homero como un gran sabio, un maestro que condensó en sus epopeyas todo el conocimiento necesario. Y tal y como los antiguos griegos adoraron a Homero y le elevaron casi a la categoría de divinidad, así lo hacemos nosotros.

El minucioso análisis al que han sido sometidas tanto la Ilíada como la Odisea han planteado la posibilidad de que Homero ni siquiera existiera. Homero como tal, como aedo y poeta creador de las dos obras primeras de la literatura griega sería una especie de pseudónimo bajo el que se agruparían varios autores desconocidos. Esta duda sobre la existencia real de Homero es lo que se conoce como la 'cuestión homérica' y es un debate abierto desde la antigüedad que aún hoy no se ha cerrado.

La cuestión Homérica

Sin duda, resulta asombrosa la capacidad creativa y memorística de una persona capaz de cantar los 15.690 versos de la Ilíada o los 12.110 de la Odisea, porque no podemos olvidar que la épica griega se concebía para ser cantada en público y que no fue hasta la llegada de Homero cuando perdió su carácter oral para pasar a obra escrita. Pero no fue la extensión de los poemas lo que más alertó sobre la posibilidad de que Homero no fuera uno, sino varios.

En los poemas encontramos ciertas incongruencias, digresiones que poco tienen que ver con los versos anteriores, diferentes estilos narrativos especialmente si se comparan las técnicas narrativas de la Ilíada con las de la Odisea, distintas variedades de la lengua griega y anacronismos que sitúan las escenas en diferentes épocas históricas. Todo esto llevó a pensar que había varios autores tras las epopeyas y que en algún momento se habrían decidido a poner por escrito las historias que se cantaban en una larga tradición oral.

Y hablando de tradición oral también debemos mencionar el aspecto que más llamó la atención que quienes buscaban la verdadera identidad del autor que compuso los versos más cantados, recitados, leídos, traducidos y estudiados de la historia. Nos referimos a las fórmulas, epítetos y repeticiones.

Las fórmulas de poesía y literatura de Homero

En la lectura de las obras de Homero llama poderosamente la atención del lector la cantidad de repeticiones que se encuentran. Versos que aparecen repetidos en los distintos cantos, series de versos o incluso escenas típicas que leemos una y otra vez y que casi llegamos a memorizar. Ocurre lo mismo con los epítetos atribuidos a dioses o a los diferentes héroes y personajes que aparecen.

Aquiles 'de pies ligeros', 'la ventosa' Ilión, 'la arenosa' Pilos, Eos 'de rosados dedos', Héctor 'de tremolante penacho', Diomedes 'domador de caballos'...son expresiones que encontramos repetidas muchas veces y que no responden a una falta de creatividad del autor, sino al carácter oral de la poesía épica. La dicción formular homérica fue explicada de forma convincente por Milman Parry cuando descubrió el mismo proceso de creación formular y repetitivo en la poesía oral serbocroata.

Ante la enorme extensión de la Ilíada y la Odisea, el aedo se ve obligado a utilizar estas fórmulas que le permiten hacer una especie de descanso para recordar los siguientes versos. No podemos olvidar en ningún momento que son poemas pensados para ser cantados, no para ser leídos. Lógicamente, al público oyente no le resultaban extrañas las repeticiones formulares de Homero.

La obra de Homero

Entramos de lleno en la obra de Homero haciéndonos una pregunta, ¿qué sería de la literatura sin la épica homérica? En efecto, Ilíada y Odisea suponen la puerta de entrada de la literatura occidental y Homero, fuera quien fuera este misterioso aedo o poeta, es el primer nombre que aparece en el canon literario. La Historia de la literatura comienza con Homero, con la Ilíada y con la Odisea.

- Ilíada

Se considera la Ilíada como una obra anterior a la Odisea, por lo que estamos ante la primera obra de la literatura griega y el foco de inspiración de toda la literatura posterior. En contra de la opinión general, la Ilíada no narra la guerra de Troya, aunque sí es una buena fuente para adentrarse tanto en la mitología griega como en la Historia del mundo egeo en el II milenio a. C. Insistimos, Homero no canta la guerra de Troya, el tema de la Ilíada es la cólera de Aquiles tal y como se anuncia en los primeros versos.

'Canta, oh musa, la cólera funesta del pelida Aquiles que causó infinitas desgracias a los aqueos y precipitó al Hades numerosas almas valerosas de héroes...'

Esto coloca a este héroe griego, hijo de Tetis y Peleo, casi inmortal excepto por el talón, como protagonista indiscutible del poema épico. Sin embargo, otros personajes como Agamenón, Odiseo, Menelao, Néstor, Paris Alejandro, Héctor o Príamo le hacen sombra en cuanto a fama gracias no solo a las artes del autor de la Ilíada, sino a la tradición posterior que se encargó de contarnos lo que Homero calló. Y no nos olvidemos de la bella Helena.

- Odisea

Sin salirnos del género de la épica, la Odisea además inaugura el género de aventuras y viajes. El protagonista indiscutible de esta obra que se considera posterior a la Ilíada es el héroe griego Odiseo (más conocido por su nombre latino Ulises) que pasa 10 años intentando regresar a su Ítaca natal tras la guerra de Troya. De lectura más amena que la Ilíada, la Odisea también cuenta con la problemática narrativa que hizo dudar de la existencia de Homero.

En la Odisea se dan respuesta a muchas preguntas que surgen entre los versos de la Ilíada, por lo que el conocimiento de la historia mítica se amplía. Las aventuras de Odiseo han generado el interés durante milenios y aún siguen generándolo. ¿Acaso no se trata de eso la inmortalidad? Pero más que los hechos que acontecen en la Odisea, interesa las consecuencias de esos hechos para la humanidad. Y como botón de muestra y colofón de lo que la obra de Homero desencadenó, nada mejor que cerrar el capítulo de la Odisea con estos versos del poeta griego Kavafis.

'Ten siempre a Ítaca en tu mente.

Llegar allí es tu destino.

Mas no apresures nunca el viaje.

Mejor que dure muchos años

y atracar, viejo ya, en la isla

enriquecido de cuanto ganaste en el camino...'

El impacto de Homero en la cultura occidental

Literatura, música y pintura, filosofía y ética, arqueología e historia...pocas disciplinas escapan a la influencia que ejerció Homero. Venerado por los antiguos, las obras de Homero contienen todo lo que concierne al ser humano y por eso son poemas inmortales. A quienes dudaron de la veracidad de lo que cantaba Homero, a quienes aseguraron que el relato de Homero eran simples cuentos, solo les contestamos con un nombre: Heinrich Schliemann.

Este comerciante prusiano del Siglo XIX veneró a Homero tanto como los antiguos griegos y pasó media vida amasando una ingente fortuna para poder dedicarse su otra media a vida a conseguir su sueño: seguir los pasos marcados por los relatos homéricos y encontrar Troya. Con Homero comenzó la literatura y con Schliemann comenzó la arqueología. Y entre ambos consiguieron que el mundo reconociera que lo cantado por Homero no eran meras leyendas para entretener a la audiencia, sino que era real. Tan real era Troya como la guerra y como los lugares marcados en los poemas. Cabe suponer, por tanto, que Homero también fue real.

Por Laura Vélez

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‘Canta, oh musa, la cólera funesta del pelida Aquiles que causó infinitas desgracias a los aqueos y precipitó al Hades numerosas almas valerosas de héroes…’

Con esta épica frase da comienzo la literatura occidental. Se trata de los primeros versos de La Ilíada de Homero y con ellos nos adentramos en un breve pero intenso recorrido por la literatura griega que es, al fin y al cabo, la literatura de la que nos hemos nutrido a lo largo de la Historia. Bienvenidos a este viaje iniciático a la inversa en el que buceamos hasta las profundidades de nuestro bagaje cultural.

Los comienzos de la literatura griega

Para llegar hasta los inicios de la literatura griega debemos remontarnos a la tradición oral en épocas donde la escritura aún no había hecho su aparición. Esa tradición oral con la que todas las culturas cuentan conforma la base literaria y tiene un marcado acento mitológico. Sin embargo, llega un momento en que la tradición oral se pone por escrito y es el punto justo para dotar a esa literatura de un carácter permanente.

Por si alguien aún no se había dado cuenta, en los inicios de la literatura griega sentamos la base de la cultura occidental y hoy somos capaces de organizar nuestras lecturas o creaciones en géneros literarios que los antiguos griegos inventaron. En la literatura griega dos son las figuras a las que se atribuye la compilación de todo el material proveniente de la tradición oral y a los que se considera habitualmente como padres de la literatura griega. Nos fijamos tanto en Homero como en Hesíodo.

Homero

No podemos imaginar otro nombre para empezar a hablar de literatura. Poeta, aedo, bardo, rapsoda...este genio compuso en el s. VIII a. C. los dos poemas épicos que dieron pie a toda la creación literaria posterior. La Ilíada y la Odisea, las grandes epopeyas que nos descubrieron en hexámetros dactílicos todos los secretos de la ira de Aquiles y del regreso de Odiseo respectivamente, fueron compuestas por la figura de Homero. Un figura contundente que contrasta con las dudas en cuanto a la autenticidad de la persona real.

Hesíodo

Posterior a Homero, pero caminando de su mano en cuanto a la composición en hexámetros, encontramos a Hesíodo y sus dos poemas que no pueden ser considerados épicos en el sentido estricto de la palabra. Se ha intentado encuadrar la obra de Hesíodo en un subgénero llamado lírica didáctico-moral, pero la realidad es que es imposible encasillar tanto sus 'Trabajos y Días' como su 'Teogonía'.

Con ellos, con Homero y Hesíodo, comenzó esta aventura.

La gran aventura de la literatura griega

Tan complicado es clasificar la literatura griega por géneros como hacerlo por épocas, porque inevitablemente quedará algo que no podamos abarcar. Parece ser que no se puede poner límites al genio creador, que las grandes obras maestras fluyen rompiendo las barreras de cualquier clasificación. Aún así, intentamos esbozar a grandes rasgos un panorama de la literatura griega que nos permita encontrar más fácilmente las fuentes de las que bebemos incluso sin ser conscientes de ello.

Épica

Como ya hemos adelantado, el género épico en la literatura griega llega liderado por Homero. Esta épica que más tarde sería imitada por los autores latinos con mayor o menor éxito sirve de recurso compilatorio de toda la mitología griega. Entre los versos de La Ilíada se encuentra un hilo infinito del que podemos tirar para enredarnos en el laberinto de dioses, héroes y hombres.

La poesía épica viene marcada por su carácter oral que le da esas características particulares al género épico como son las fórmulas, la invocación a las musas, las escenas típicas, la repetición de versos y los epítetos fijos. Podemos recordar que en la épica griega hay vida más allá de Homero, La Ilíada y la guerra de Troya pero también podemos reconocer que ninguno de los poemas épicos posteriores adquirió la relevancia de esta obra maestra.

Lírica

Se define la lírica como esa poesía cantada con acompañamiento de un instrumento musical, fundamentalmente la lira, y en la literatura griega este género comparte muchos rasgos con la épica además de ser el germen sobre el que se sustentará posteriormente el drama. Habitualmente se distinguen dos tipos de lírica: la lírica monódica y la lírica coral, que se cultivaron desde el S. VIII a. C hasta el S. V a. C.

Dirigimos la atención hacia la isla de Lesbos para encontrarnos con los principales autores de lírica monódica, Terpandro, Alceo y Safo y sus temas intimistas, pero también religiosos y algunos políticos. Nos quedamos con la primera poetisa de la antigüedad, Safo de Lesbos y sus cantos líricos al amor y a la amistad.

'Llegaste, lo hiciste y yo te deseé ardientemente

y helaste mi corazón, encendido en deseo'

Por su parte, la lírica coral se empieza a desarrollar en Esparta con un propósito propagandístico, podríamos decir, en himnos homenaje a dioses y también a personalidades de la época. Con el tiempo esta poesía coral se fue desarrollando y ampliando sus temas hasta incrustarse como parte fundamental en tragedias y comedias. Si tenemos que quedarnos con un nombre que represente la lírica coral, ese sería Píndaro y sus himnos a los vencedores en las distintas pruebas de los Juegos Olímpicos.

Historiografía

La historiografía nace como género literario en la Grecia del S. V a. C. y coloca a Heródoto como autor primero o 'padre de la historia'. En efecto, a Heródoto se le debe la primera gran obra literaria en prosa elaborada con criterios racionales y desarrollando el pensamiento crítico en contraposición a la utilización del mito como forma de explicar cualquier acontecimiento.

Heródoto fue el primero con su 'Historias', obra fundamental para entender el pensamiento y la estructura del mundo antiguo, pero no podemos dejar de lado al posterior Tucídides con su  'Historia de la guerra del Peloponeso', una narración por aquel entonces contemporánea y no histórica. Como también es imprescindible adentrarse, aunque sea ligeramente, en la extensa producción de Jenofonte para obtener una visión privilegiada de la grandiosa Atenas del S. V a. C.

Tragedia

Si hay un género que ha influenciado tanto la literatura posterior como la concepción del ser humano en general ese ha sido la tragedia. Imposible de constreñir en una definición precisa o de darle una fecha aproximada de inicio, la tragedia griega es todo un arte que nace directamente de los dioses, concretamente del culto a Dionisos. Los 3 trágicos griegos por excelencia no se limitaron a hacernos disfrutar de un espectáculo teatral, sino que nos enseñaron a aceptar el destino impuesto por los dioses.

La vida no se entiende sin su sentido trágico y eso se lo debemos a Esquilo, Sófocles y Eurípides. Los 3 autores acumularon en sus obras todo el corpus mítico de los griegos. Épica, lírica, Historia y actualidad se daban forma en representaciones que hoy en día generan tanta expectación y tanto éxito como en la Grecia del S. V a. C. A modo de continuación de la épica, en la tragedia griega encontramos las respuestas a todas esas preguntas que La Ilíada dejó abiertas. Qué pasó con los héroes griegos, qué pasó con los dioses griegos, qué pasó, en definitiva, con el ser humano.

Comedia

Si la tragedia griega no estaba destinada a hacer llorar al público, sino a hacerle reflexionar, la comedia griega sí era capaz de arrancar la carcajada en cada representación. Y ese sentido del humor no exento de crítica política y social se lo debemos fundamentalmente a Aristófanes, el gran genio de la comedia que superaría con creces al twitero más ingenioso de hoy en día.

En la comedia griega se puede rastrear la realidad social y política de la Atenas del S. V a. C. Una vía de escape en clave de humor capaz de satirizar sobre políticos, filósofos, literatos y personajes públicos en general, nada muy alejado de lo que ocurre en la actualidad pero que en algún momento y lugar tuvo que ser la primera vez. Y ese momento fue el siglo V y ese lugar fue Grecia, como no podía ser de otra manera.

Diálogos

El diálogo también se considera un género literario como tal y por supuesto tuvo su origen en la antigua Grecia. Destacamos a Platón como maestro de los diálogos, aunque fuera Sócrates el precursor de tan dinámico género. Sin duda, la creación del diálogo va irremediablemente unida a otro de los grandes inventos de la Humanidad que nos ha dado Grecia. Nos referimos, por supuesto, a la filosofía, disciplina en peligro de extinción cuya desaparición causaría 'infinitas desgracias' a la humanidad, tantos o más como los que causó la cólera de Aquiles a los aqueos.

Oratoria

Tal vez sea el autor latino Cicerón el que ha ganado la partida en cuanto a fama y popularidad en el género de la oratoria, pero los discursos no se entienden sin una figura como Demóstenes, que con su manejo de la lengua griega, sus recursos retóricos y su ingenio insuperable creó los modelos de discursos más perfectos.  Aunque Demóstenes fue el mejor y más grande orador de la Historia, no fue el único y la literatura griega nos ha legado también las habilidades de Lisias e Isócrates.

Por Laura Vélez

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‘Canta, oh musa, la cólera funesta del pelida Aquiles que causó infinitas desgracias a los aqueos y precipitó al Hades numerosas almas valerosas de héroes…’

Con esta épica frase da comienzo la literatura occidental. Se trata de los primeros versos de La Ilíada de Homero y con ellos nos adentramos en un breve pero intenso recorrido por la literatura griega que es, al fin y al cabo, la literatura de la que nos hemos nutrido a lo largo de la Historia. Bienvenidos a este viaje iniciático a la inversa en el que buceamos hasta las profundidades de nuestro bagaje cultural.

Los comienzos de la literatura griega

Para llegar hasta los inicios de la literatura griega debemos remontarnos a la tradición oral en épocas donde la escritura aún no había hecho su aparición. Esa tradición oral con la que todas las culturas cuentan conforma la base literaria y tiene un marcado acento mitológico. Sin embargo, llega un momento en que la tradición oral se pone por escrito y es el punto justo para dotar a esa literatura de un carácter permanente.

Por si alguien aún no se había dado cuenta, en los inicios de la literatura griega sentamos la base de la cultura occidental y hoy somos capaces de organizar nuestras lecturas o creaciones en géneros literarios que los antiguos griegos inventaron. En la literatura griega dos son las figuras a las que se atribuye la compilación de todo el material proveniente de la tradición oral y a los que se considera habitualmente como padres de la literatura griega. Nos fijamos tanto en Homero como en Hesíodo.

Homero

No podemos imaginar otro nombre para empezar a hablar de literatura. Poeta, aedo, bardo, rapsoda...este genio compuso en el s. VIII a. C. los dos poemas épicos que dieron pie a toda la creación literaria posterior. La Ilíada y la Odisea, las grandes epopeyas que nos descubrieron en hexámetros dactílicos todos los secretos de la ira de Aquiles y del regreso de Odiseo respectivamente, fueron compuestas por la figura de Homero. Un figura contundente que contrasta con las dudas en cuanto a la autenticidad de la persona real.

Hesíodo

Posterior a Homero, pero caminando de su mano en cuanto a la composición en hexámetros, encontramos a Hesíodo y sus dos poemas que no pueden ser considerados épicos en el sentido estricto de la palabra. Se ha intentado encuadrar la obra de Hesíodo en un subgénero llamado lírica didáctico-moral, pero la realidad es que es imposible encasillar tanto sus 'Trabajos y Días' como su 'Teogonía'.

Con ellos, con Homero y Hesíodo, comenzó esta aventura.

La gran aventura de la literatura griega

Tan complicado es clasificar la literatura griega por géneros como hacerlo por épocas, porque inevitablemente quedará algo que no podamos abarcar. Parece ser que no se puede poner límites al genio creador, que las grandes obras maestras fluyen rompiendo las barreras de cualquier clasificación. Aún así, intentamos esbozar a grandes rasgos un panorama de la literatura griega que nos permita encontrar más fácilmente las fuentes de las que bebemos incluso sin ser conscientes de ello.

Épica

Como ya hemos adelantado, el género épico en la literatura griega llega liderado por Homero. Esta épica que más tarde sería imitada por los autores latinos con mayor o menor éxito sirve de recurso compilatorio de toda la mitología griega. Entre los versos de La Ilíada se encuentra un hilo infinito del que podemos tirar para enredarnos en el laberinto de dioses, héroes y hombres.

La poesía épica viene marcada por su carácter oral que le da esas características particulares al género épico como son las fórmulas, la invocación a las musas, las escenas típicas, la repetición de versos y los epítetos fijos. Podemos recordar que en la épica griega hay vida más allá de Homero, La Ilíada y la guerra de Troya pero también podemos reconocer que ninguno de los poemas épicos posteriores adquirió la relevancia de esta obra maestra.

Lírica

Se define la lírica como esa poesía cantada con acompañamiento de un instrumento musical, fundamentalmente la lira, y en la literatura griega este género comparte muchos rasgos con la épica además de ser el germen sobre el que se sustentará posteriormente el drama. Habitualmente se distinguen dos tipos de lírica: la lírica monódica y la lírica coral, que se cultivaron desde el S. VIII a. C hasta el S. V a. C.

Dirigimos la atención hacia la isla de Lesbos para encontrarnos con los principales autores de lírica monódica, Terpandro, Alceo y Safo y sus temas intimistas, pero también religiosos y algunos políticos. Nos quedamos con la primera poetisa de la antigüedad, Safo de Lesbos y sus cantos líricos al amor y a la amistad.

'Llegaste, lo hiciste y yo te deseé ardientemente

y helaste mi corazón, encendido en deseo'

Por su parte, la lírica coral se empieza a desarrollar en Esparta con un propósito propagandístico, podríamos decir, en himnos homenaje a dioses y también a personalidades de la época. Con el tiempo esta poesía coral se fue desarrollando y ampliando sus temas hasta incrustarse como parte fundamental en tragedias y comedias. Si tenemos que quedarnos con un nombre que represente la lírica coral, ese sería Píndaro y sus himnos a los vencedores en las distintas pruebas de los Juegos Olímpicos.

Historiografía

La historiografía nace como género literario en la Grecia del S. V a. C. y coloca a Heródoto como autor primero o 'padre de la historia'. En efecto, a Heródoto se le debe la primera gran obra literaria en prosa elaborada con criterios racionales y desarrollando el pensamiento crítico en contraposición a la utilización del mito como forma de explicar cualquier acontecimiento.

Heródoto fue el primero con su 'Historias', obra fundamental para entender el pensamiento y la estructura del mundo antiguo, pero no podemos dejar de lado al posterior Tucídides con su  'Historia de la guerra del Peloponeso', una narración por aquel entonces contemporánea y no histórica. Como también es imprescindible adentrarse, aunque sea ligeramente, en la extensa producción de Jenofonte para obtener una visión privilegiada de la grandiosa Atenas del S. V a. C.

Tragedia

Si hay un género que ha influenciado tanto la literatura posterior como la concepción del ser humano en general ese ha sido la tragedia. Imposible de constreñir en una definición precisa o de darle una fecha aproximada de inicio, la tragedia griega es todo un arte que nace directamente de los dioses, concretamente del culto a Dionisos. Los 3 trágicos griegos por excelencia no se limitaron a hacernos disfrutar de un espectáculo teatral, sino que nos enseñaron a aceptar el destino impuesto por los dioses.

La vida no se entiende sin su sentido trágico y eso se lo debemos a Esquilo, Sófocles y Eurípides. Los 3 autores acumularon en sus obras todo el corpus mítico de los griegos. Épica, lírica, Historia y actualidad se daban forma en representaciones que hoy en día generan tanta expectación y tanto éxito como en la Grecia del S. V a. C. A modo de continuación de la épica, en la tragedia griega encontramos las respuestas a todas esas preguntas que La Ilíada dejó abiertas. Qué pasó con los héroes griegos, qué pasó con los dioses griegos, qué pasó, en definitiva, con el ser humano.

Comedia

Si la tragedia griega no estaba destinada a hacer llorar al público, sino a hacerle reflexionar, la comedia griega sí era capaz de arrancar la carcajada en cada representación. Y ese sentido del humor no exento de crítica política y social se lo debemos fundamentalmente a Aristófanes, el gran genio de la comedia que superaría con creces al twitero más ingenioso de hoy en día.

En la comedia griega se puede rastrear la realidad social y política de la Atenas del S. V a. C. Una vía de escape en clave de humor capaz de satirizar sobre políticos, filósofos, literatos y personajes públicos en general, nada muy alejado de lo que ocurre en la actualidad pero que en algún momento y lugar tuvo que ser la primera vez. Y ese momento fue el siglo V y ese lugar fue Grecia, como no podía ser de otra manera.

Diálogos

El diálogo también se considera un género literario como tal y por supuesto tuvo su origen en la antigua Grecia. Destacamos a Platón como maestro de los diálogos, aunque fuera Sócrates el precursor de tan dinámico género. Sin duda, la creación del diálogo va irremediablemente unida a otro de los grandes inventos de la Humanidad que nos ha dado Grecia. Nos referimos, por supuesto, a la filosofía, disciplina en peligro de extinción cuya desaparición causaría 'infinitas desgracias' a la humanidad, tantos o más como los que causó la cólera de Aquiles a los aqueos.

Oratoria

Tal vez sea el autor latino Cicerón el que ha ganado la partida en cuanto a fama y popularidad en el género de la oratoria, pero los discursos no se entienden sin una figura como Demóstenes, que con su manejo de la lengua griega, sus recursos retóricos y su ingenio insuperable creó los modelos de discursos más perfectos.  Aunque Demóstenes fue el mejor y más grande orador de la Historia, no fue el único y la literatura griega nos ha legado también las habilidades de Lisias e Isócrates.

Por Laura Vélez

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Nos preguntamos qué podemos hacer para atraer a los niños hacia los libros y se nos ocurren muchas ideas, aunque la más importante es que tengan acceso a ellos. Si bien podemos inculcar el amor por la lectura con cuentos infantiles modernos como El Bosque de las Respuestas con los que se pueden identificar más fácilmente, no debemos perder de vista a los clásicos. Aunque hay cuentos de princesas clásicos que deben ponerse en cuarentena, también otros de la literatura universal que sí son más que recomendables, como estos que os traigo hoy.

La literatura infantil clásica nunca pasa de moda. Son los libros con los que hemos crecido los adultos y que han estimulado la creatividad por generaciones, porque estamos hablando de libros infantiles que merecen la pena. En la literatura infantil no solo hay estereotipadas historias de princesas, también hay aventuras, magia, ilusión, amor, amistad, misterio y, en definitiva, todo un mundo que los niños estarán encantados de descubrir.

La literatura infantil que todos los niños deberían leer

Hemos seleccionado una lista con 10 libros clásicos que sí deberían leer los niños porque nos parece que contienen los aspectos más interesantes y llamativos para los pequeños. Lógicamente en esta lista no están todos, hay más, muchos más libros infantiles que animamos a que sean los propios niños quienes los descubran. Nosotros nos limitamos a sembrar la semilla de la curiosidad.

1.- La Historia Interminable de Michael Ende

La historia interminable se presenta como uno de los libros más leídos en todo el mundo por niños, jóvenes y adultos. Con este aval, no dudamos que cualquier niño se sentirá irremediablemente atraído por esta historia fantástica donde el término 'fantasía' adquiere todo el protagonismo de diferentes maneras.

Fantasía y realidad se entremezclan en este libro infantil clásico de la mano del niño protagonista, Bastián, capaz de entrar en un mundo dentro de otro mundo, capaz de ser partícipe de la propia historia que está leyendo. Un personaje de libro que entra en la aventura del reino de Fantasía. Estamos ante un libro clásico imprescindible al que nos atrevemos a añadir otro del mismo autor, Momo, que también hará las delicias de los niños.

2.- La vuelta al mundo en 80 días de Julio Verne

El género de aventuras no se entiende sin el imprescindible Julio Verne. El libro que hemos elegido es solo un avance para introducir a los niños en el mundo de la literatura infantil de forma amena y divertida. Un libro infantil que estimula la curiosidad  por el mundo, por los viajes y que les hará reír con las peripecias de Phileas Fogg y su ayudante.

La vuelta al mundo en 80 días seguro atraerá la atención de los niños hacia otros títulos del mismo autor como La isla misteriosa, Viaje al centro de la Tierra, De la Tierra a la Luna o la apasionante trilogía submarina del capitán Nemo.

3.- El pequeño vampiro de Angela Sommer-Bodenburg

Si los adultos vivimos fascinados por la literatura, el cine y las series de vampiros, los niños tienen su equivalente en esta saga de literatura infantil en la que un pequeño vampiro llamado Rüdiger muestra su mundo vampírico al niño humano Anton. El misterio está asegurado en estas aventuras para quitar el miedo a los más pequeños acerca de los seres sobrenaturales y lo desconocido.

El pequeño vampiro es ese tipo de cuentos infantiles que captan la atención hasta de los niños menos lectores. Las aventuras de la curiosa familia de vampiros son irresistibles y además de misterio y acción, este libro fomenta unos valores tan importantes como los de la amistad y el respeto por la diversidad.

4.- El libro de la selva de Rudyard Kipling

Una increíble serie de cuentos infantiles que inspiran el amor por la naturaleza nos encontramos en este libro de la selva que ha entusiasmado a generaciones de niños y adultos. Nos situamos en la India, con un bebé que desaparece y va a parar a la selva donde es criado por una manada de lobos. Mowgli, así le llaman al bebé, por su escasez de pelo y su parecido con una ranita.

Como muchos otros de los títulos que aparecen en esta lista, El libro de la selva no es un libro exclusivamente infantil, pero los niños disfrutan como nadie con las aventuras de todo tipo de animales selváticos, sus relaciones y la llamada 'Ley de la selva'. Sin duda, un clásico que debe estar en la estantería al alcance de los niños.

5.- El principito de Antoine de Saint-Exupery

Es uno de los libros más leídos de todos los tiempos. Aunque se considera un libro infantil por su forma narrativa, lo cierto es que es una joya literaria para todos públicos y uno de esos libros que pueden permanecer durante toda la vida en la mesilla de noche. Un libro de cabecera que a pesar de su brevedad nunca deja de sorprendernos por más que lo leamos una y otra vez.

En este cuento poetizado e ilustrado un piloto sufre una avería en su avión y se encuentra en el desierto del Sahara. Allí conoce a un pequeño príncipe, protagonista del libro, que procede de otro planeta. La espontaneidad con que el pequeño príncipe aborda la naturaleza humana ha convertido a este libro en una fuente inagotable de sabiduría sobre la amistad, el amor o la soledad.

El principito llama a la necesidad de recuperar ese niño que todos llevamos dentro para simplificar la forma de entender el mundo y llenarlo de emociones más positivas. Las frases que se extraen de este libro infantil son utilizadas frecuentemente tanto para inculcar valores a los más pequeños como para ayudar a los adultos a abordar algunas circunstancias de su día a día.

6.- El león, la bruja y el armario de C. S. Lewis

Aventura, magia y fantasía a raudales corren  por las páginas de este libro que abre la colección de las Crónicas de Narnia. Con cuatro niños que encuentran en la puerta de un armario la entrada a un mundo mágico, la atención del joven lector está asegurada desde la primera hasta la última página.

Este libro tal vez pertenece más a la literatura juvenil que a la infantil, pero los pequeños y ávidos lectores no van a querer esperar para disfrutar de un mundo fantástico que estimula su imaginación como ningún otro. Además, el autor bebió de las fuentes de la mitología clásica y se inspiró en las antiguas leyendas irlandesas para configurar un mundo inolvidable del que los niños no querrán salir.

7.- Las aventuras de Tom Sawyer de Mark Twain

Uno de los clásicos de la literatura infantil es esta obra maestra al que podemos añadir también su secuela Las aventuras de Huckleberry Finn. El libro está pensado y dedicado para los niños con un objetivo esencialmente lúdico para ellos, pero contiene una reflexión para los adultos y es la de recordarnos que una vez también fuimos niños.

Como anuncia en su título, este libro infantil es un libro de aventuras, con el niño Tom Sawyer como protagonista y todo su círculo de amigos. Un canto a la infancia y a ese derecho universal de los niños a la diversión que no deberíamos olvidar en ningún momento.

8.- Alicia en el país de las maravillas de Lewis Carrol

Que Lewis Carrol escribiera este libro como un libro infantil basado en las historias que le contaba a una niña de 10 años llamada Alicia no quiere decir que los adultos no disfrutemos más que nadie de esta joya de la literatura que ha tenido un gran impacto en todos los ámbitos culturales.

La historia es bien conocida, pero difícil de resumir. Alicia sigue al conejo blanco hasta su madriguera y entra en un mundo de fantasía en el que las situaciones aparentemente absurdas e ilógicas se convierten en reflexiones sobre la vida en general con un detalle de agradecer: sin moralinas, sin juicios de valor. Aventuras infantiles, magia y fantasía a pecho descubierto tal y como hacen los niños sin los prejuicios de la madurez. Y si hay algún propósito en el libro es precisamente el de engrandecer la imaginación.

9.- El mago de Oz de L. Frank Baum

Este clásico de la literatura infantil imprescindible nos sorprende por la carga simbólica que contiene. Un mundo gris frente a un mundo de color, desentrañando todos los aspectos del alma, se trata del viaje iniciático de la protagonista Dorothy que aprende a conjugar lo físico con lo emocional incitada en todo momento por la curiosidad, esa característica que no puede faltar en ningún niño.

El mago de Oz ha sido versionado hasta la saciedad y sus personajes están muy asimilados en nuestra cultura incluso por quienes no han disfrutado entre las páginas de este libro que es como un ciclón de emociones, como ese ciclón que transporta a Dorothy y Toto hasta la Tierra de Oz.

 

10.- Peter Pan de James M. Barrie

Concebida como una obra de teatro a principios del S. XX, este niño que nunca crece, su fiel compañera Wendy y su hada Campanilla nos han llevado generación tras generación al país de Nunca Jamás. Niños que vuelan, piratas, hadas, sirenas y, en definitiva, un mundo mágico para no perder la inocencia jamás.

Las diferentes adaptaciones de la obra en forma de películas, musicales y series de televisión han dado para numerosas interpretaciones de Peter Pan que han llegado a ser analizadas por la Psicología. Nosotros nos quedamos con el encanto de estos niños capaces de mantener la ilusión por siempre y capaces, también, de volar hacia sus sueños.

Por Laura Vélez 

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Nos preguntamos qué podemos hacer para atraer a los niños hacia los libros y se nos ocurren muchas ideas, aunque la más importante es que tengan acceso a ellos. Si bien podemos inculcar el amor por la lectura con cuentos infantiles modernos como El Bosque de las Respuestas con los que se pueden identificar más fácilmente, no debemos perder de vista a los clásicos. Aunque hay cuentos de princesas clásicos que deben ponerse en cuarentena, también otros de la literatura universal que sí son más que recomendables, como estos que os traigo hoy.

La literatura infantil clásica nunca pasa de moda. Son los libros con los que hemos crecido los adultos y que han estimulado la creatividad por generaciones, porque estamos hablando de libros infantiles que merecen la pena. En la literatura infantil no solo hay estereotipadas historias de princesas, también hay aventuras, magia, ilusión, amor, amistad, misterio y, en definitiva, todo un mundo que los niños estarán encantados de descubrir.

La literatura infantil que todos los niños deberían leer

Hemos seleccionado una lista con 10 libros clásicos que sí deberían leer los niños porque nos parece que contienen los aspectos más interesantes y llamativos para los pequeños. Lógicamente en esta lista no están todos, hay más, muchos más libros infantiles que animamos a que sean los propios niños quienes los descubran. Nosotros nos limitamos a sembrar la semilla de la curiosidad.

1.- La Historia Interminable de Michael Ende

La historia interminable se presenta como uno de los libros más leídos en todo el mundo por niños, jóvenes y adultos. Con este aval, no dudamos que cualquier niño se sentirá irremediablemente atraído por esta historia fantástica donde el término 'fantasía' adquiere todo el protagonismo de diferentes maneras.

Fantasía y realidad se entremezclan en este libro infantil clásico de la mano del niño protagonista, Bastián, capaz de entrar en un mundo dentro de otro mundo, capaz de ser partícipe de la propia historia que está leyendo. Un personaje de libro que entra en la aventura del reino de Fantasía. Estamos ante un libro clásico imprescindible al que nos atrevemos a añadir otro del mismo autor, Momo, que también hará las delicias de los niños.

2.- La vuelta al mundo en 80 días de Julio Verne

El género de aventuras no se entiende sin el imprescindible Julio Verne. El libro que hemos elegido es solo un avance para introducir a los niños en el mundo de la literatura infantil de forma amena y divertida. Un libro infantil que estimula la curiosidad  por el mundo, por los viajes y que les hará reír con las peripecias de Phileas Fogg y su ayudante.

La vuelta al mundo en 80 días seguro atraerá la atención de los niños hacia otros títulos del mismo autor como La isla misteriosa, Viaje al centro de la Tierra, De la Tierra a la Luna o la apasionante trilogía submarina del capitán Nemo.

3.- El pequeño vampiro de Angela Sommer-Bodenburg

Si los adultos vivimos fascinados por la literatura, el cine y las series de vampiros, los niños tienen su equivalente en esta saga de literatura infantil en la que un pequeño vampiro llamado Rüdiger muestra su mundo vampírico al niño humano Anton. El misterio está asegurado en estas aventuras para quitar el miedo a los más pequeños acerca de los seres sobrenaturales y lo desconocido.

El pequeño vampiro es ese tipo de cuentos infantiles que captan la atención hasta de los niños menos lectores. Las aventuras de la curiosa familia de vampiros son irresistibles y además de misterio y acción, este libro fomenta unos valores tan importantes como los de la amistad y el respeto por la diversidad.

4.- El libro de la selva de Rudyard Kipling

Una increíble serie de cuentos infantiles que inspiran el amor por la naturaleza nos encontramos en este libro de la selva que ha entusiasmado a generaciones de niños y adultos. Nos situamos en la India, con un bebé que desaparece y va a parar a la selva donde es criado por una manada de lobos. Mowgli, así le llaman al bebé, por su escasez de pelo y su parecido con una ranita.

Como muchos otros de los títulos que aparecen en esta lista, El libro de la selva no es un libro exclusivamente infantil, pero los niños disfrutan como nadie con las aventuras de todo tipo de animales selváticos, sus relaciones y la llamada 'Ley de la selva'. Sin duda, un clásico que debe estar en la estantería al alcance de los niños.

5.- El principito de Antoine de Saint-Exupery

Es uno de los libros más leídos de todos los tiempos. Aunque se considera un libro infantil por su forma narrativa, lo cierto es que es una joya literaria para todos públicos y uno de esos libros que pueden permanecer durante toda la vida en la mesilla de noche. Un libro de cabecera que a pesar de su brevedad nunca deja de sorprendernos por más que lo leamos una y otra vez.

En este cuento poetizado e ilustrado un piloto sufre una avería en su avión y se encuentra en el desierto del Sahara. Allí conoce a un pequeño príncipe, protagonista del libro, que procede de otro planeta. La espontaneidad con que el pequeño príncipe aborda la naturaleza humana ha convertido a este libro en una fuente inagotable de sabiduría sobre la amistad, el amor o la soledad.

El principito llama a la necesidad de recuperar ese niño que todos llevamos dentro para simplificar la forma de entender el mundo y llenarlo de emociones más positivas. Las frases que se extraen de este libro infantil son utilizadas frecuentemente tanto para inculcar valores a los más pequeños como para ayudar a los adultos a abordar algunas circunstancias de su día a día.

6.- El león, la bruja y el armario de C. S. Lewis

Aventura, magia y fantasía a raudales corren  por las páginas de este libro que abre la colección de las Crónicas de Narnia. Con cuatro niños que encuentran en la puerta de un armario la entrada a un mundo mágico, la atención del joven lector está asegurada desde la primera hasta la última página.

Este libro tal vez pertenece más a la literatura juvenil que a la infantil, pero los pequeños y ávidos lectores no van a querer esperar para disfrutar de un mundo fantástico que estimula su imaginación como ningún otro. Además, el autor bebió de las fuentes de la mitología clásica y se inspiró en las antiguas leyendas irlandesas para configurar un mundo inolvidable del que los niños no querrán salir.

7.- Las aventuras de Tom Sawyer de Mark Twain

Uno de los clásicos de la literatura infantil es esta obra maestra al que podemos añadir también su secuela Las aventuras de Huckleberry Finn. El libro está pensado y dedicado para los niños con un objetivo esencialmente lúdico para ellos, pero contiene una reflexión para los adultos y es la de recordarnos que una vez también fuimos niños.

Como anuncia en su título, este libro infantil es un libro de aventuras, con el niño Tom Sawyer como protagonista y todo su círculo de amigos. Un canto a la infancia y a ese derecho universal de los niños a la diversión que no deberíamos olvidar en ningún momento.

8.- Alicia en el país de las maravillas de Lewis Carrol

Que Lewis Carrol escribiera este libro como un libro infantil basado en las historias que le contaba a una niña de 10 años llamada Alicia no quiere decir que los adultos no disfrutemos más que nadie de esta joya de la literatura que ha tenido un gran impacto en todos los ámbitos culturales.

La historia es bien conocida, pero difícil de resumir. Alicia sigue al conejo blanco hasta su madriguera y entra en un mundo de fantasía en el que las situaciones aparentemente absurdas e ilógicas se convierten en reflexiones sobre la vida en general con un detalle de agradecer: sin moralinas, sin juicios de valor. Aventuras infantiles, magia y fantasía a pecho descubierto tal y como hacen los niños sin los prejuicios de la madurez. Y si hay algún propósito en el libro es precisamente el de engrandecer la imaginación.

9.- El mago de Oz de L. Frank Baum

Este clásico de la literatura infantil imprescindible nos sorprende por la carga simbólica que contiene. Un mundo gris frente a un mundo de color, desentrañando todos los aspectos del alma, se trata del viaje iniciático de la protagonista Dorothy que aprende a conjugar lo físico con lo emocional incitada en todo momento por la curiosidad, esa característica que no puede faltar en ningún niño.

El mago de Oz ha sido versionado hasta la saciedad y sus personajes están muy asimilados en nuestra cultura incluso por quienes no han disfrutado entre las páginas de este libro que es como un ciclón de emociones, como ese ciclón que transporta a Dorothy y Toto hasta la Tierra de Oz.

 

10.- Peter Pan de James M. Barrie

Concebida como una obra de teatro a principios del S. XX, este niño que nunca crece, su fiel compañera Wendy y su hada Campanilla nos han llevado generación tras generación al país de Nunca Jamás. Niños que vuelan, piratas, hadas, sirenas y, en definitiva, un mundo mágico para no perder la inocencia jamás.

Las diferentes adaptaciones de la obra en forma de películas, musicales y series de televisión han dado para numerosas interpretaciones de Peter Pan que han llegado a ser analizadas por la Psicología. Nosotros nos quedamos con el encanto de estos niños capaces de mantener la ilusión por siempre y capaces, también, de volar hacia sus sueños.

Por Laura Vélez 

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En Japón existe una forma teatral conocida como teatro "Nô" o "Noh" refinada en extremo y dirigido a la élite culta.

El teatro Noh o Nô japonés es una de las manifestaciones teatrales más exquisitas del mundo. Altamente codificado y estandarizado, va dirigido a un público entendido que disfruta con una puesta en escena minimalista sobre la que se desarrolla un espectáculo colorista de danza y canto dando primacía a los trajes, las máscaras y los movimientos.

Características del teatro no o noh 

Todas las manifestaciones de teatro japonés (también el kabuki o el bunraku), al igual que sucede con la dramaturgia autóctona de India, China o Corea, comparten un formato similar que someramente, se pueden resumir en lo siguiente: 

  • primero, son una amalgama o una mezcla de ceremonias rituales cortesanas con bailes populares.
  • segundo, en ellos priman la música, la danza, el canto, la poesía y exagerados gestos y gesticulaciones. 
  • tercero, el actor se erige en único protagonista del espectáculo con un sorprendente uso de la voz y del cuerpo, sometidos ambos a un duro entrenamiento desde la infancia. 
  • cuarto, en todas estas manifestaciones teatrales es fundamental la tradición y la transmisión de los conocimientos entre los diferentes miembros de las sucesivas generaciones de una misma familia. 
  • quinto, son espectáculos muy codificados y altamente simbólicos, con escenarios vacíos, pero de una gran riqueza de vestuarios, maquillajes y máscaras. 
  • sexto, suelen recurrir al travestismo, ya que las mujeres, históricamente, tenían vetado el acceso a las tablas y,
  • séptimo, la puesta en escena, en cuanto a escenario se refiere, es casi inexistente.


El fascinante y extraño espectáculo de Nô es definido de la siguiente manera:

“Por su parte, el Nô, todavía cercano al mundo del rito, muestra un espectáculo solemne y refinado en el que los dioses y los espíritus son frecuentes, con gran presencia de lo fantasmal; destacan la calidad y la belleza del vestuario sobre un escenario vacío, sin telón, con un estilizado pino pintado sobre el panel del fondo; un coro sentado en escena y una pequeña orquesta de dos o tres tambores y una flauta proporcionan ambiente sonoro a una actuación que conjuga danza, canto y poesía” (1)

El teatro Nô como expresión del pueblo nipón


La espiritualidad del pueblo japonés se ha ido conformando a lo largo de los siglos por un constante sincretismo de filosofías y religiones diversas (tao, shintoismo, budismo, etc.) y veces dispares, que, en esencia y por buscar un nexo en común, intentan situar al hombre de una manera adecuada en su relación con la naturaleza (buen ejemplo de ello son los jardines de la antigua ciudad imperial Kyoto). Esto, por un lado, lleva a una moral sujeta, en principio, a unas normas de conducta espontáneas propias de un corazón puro pero, por otro lado, se han ido ritualizando de una manera tal que cualquier relación o ejercicio de la cotidianidad más elemental se convierte en protocolo o ceremonia complicada (nada más tenemos que recordar la ceremonia del té). 

Esto, unido a una especial percepción del tiempo en el que el mundo es concebido de modo cíclico sin principio ni fin y en el que solo podemos aspirar a la percepción completa de los instantes –de hecho, ésta es la filosofía profunda que anima la estética del haiku-, conlleva que, en cualquier manifestación artística japonesa, sea muy difícil el deslindamiento claro entre lo estético y lo religioso.

Estas características de la percepción estilística y anímica del pueblo nipón, aunque expresadas de manera somera, son fundamentales para entender el exquisito y la vez complicado teatro Nô o Noh, el cual surge precisamente cuando se está conformando el carácter plástico y expresivo de toda una nación.

Teatro noh 1

Orígenes del teatro No o Noh 

El teatro Nô empieza a formarse como género totalmente independiente a partir de las primeras décadas del siglo XIV, en plena era Muromachi (1393-1558). Como cualquier forma de expresión artística, surge de una mezcla y de una evolución de modos de representación anteriores, todos ellos ligados a oficios religiosos.La crítica ha distinguido, al menos, cuatro formas espectaculares anteriores al Nô y presentes, de una forma u otra, en este modo de representación. Son, a saber:

  • Kagura, una pantomima danzada acompañada de música y voz y ligada a los ritos vinculados a las ofrendas de pequeños templos sintoístas.
  • Gigaku, una especie de procesión en la que los participantes llevaban máscaras acompañados por el sonido de flautas e instrumentos de percusión y que, como el anterior, también estaba unido a los servicios religiosos -en este caso, budistas-.
  • Bugaku, o la danza de la Corte Imperial (banquetes y ceremonias de etiqueta) interpretada por funcionarios altamente profesionalizados, ataviados con exquisitos y elaborados trajes y acompañados por una pequeña orquesta de cuerda, viento y percusión.
  • Sarugaku, una mezcla de las danzas folclóricas autóctonas y espectáculos procedentes de China en que actuaban saltimbanquis, acróbatas, bailarines, mimos, domadores de animales, etc.

El Nô nació en un ambiente refinado al extremo, dominado por la élite aristocrática de los samuráis ocupada, en sus ratos de ocio, en el perfeccionamiento de artes diversas: la ceremonia del té, la pintura a la tinta china, la caligrafía, la composición de haiku, la música. Inmerso en un boato cortesano, el Nô se instauró como el espectáculo colectivo propio de los espíritus cultivados de la clase dirigente japonesa y coincidió con el auge y la expansión de la filosofía del budismo Zen, la cual tiene una enorme huella en los temas y las formas de expresión del arte de esta época, en general, y del Nô en particular.

Concretamente, el budismo Zen –como también el Tao- se asienta sobre la persecución de un “despertar”, de una iluminación hacia el otro lado de las cosas, hacia el centro perfecto y verdadero que existe en la realidad pero que, a la vez, es ocultado por el materialismo del mundo. Una vez alcanzada esta iluminación o satori, el yo queda abolido y el diálogo entre el sujeto y las cosas queda felizmente interrumpido para alcanzar la plenitud, la cual se manifestaría en la total fusión cósmica. El hombre, entonces, pasa a formar parte del universo para dejar de ser una mera criatura mortal. Por su parte, el taoísmo también nos dice de un mundo sin contrarios donde el cuerpo y el espíritu son la misma y única energía vital o ki.

Una élite refinada, rica, culta y ociosa fue la que creó esta manifestación teatral tan peculiar de Japón para regocijo de sus horas de ocio. Afortunadamente, aunque con algunos altibajos, el Nô ha llegado, prácticamente sin cambios, hasta nosotros. Otra cosa es poder acceder a este tipo de representaciones.   

Zeami Fushikaden y su manuscrito secreto

El Nô fue estructurado con Kan’ami (1333-1384) y, sobre todo, con su hijo Zeami (1353-1443). Las normas de actuación de entonces –incluso las obras- se han mantenido incólumes a lo largo de los siglos de tal manera que, hoy en día, las representaciones son prácticamente idénticas a las que se desarrollaban en el siglo XV. Es Zeami quien codifica el espectáculo y quien crea la mayor parte del repertorio Nô. De él se ha dicho: 

“Fue el mejor actor de su tiempo, el principal escritor de la tradición Nô, el primer –y hasta el momento- más importante teórico de la estética teatral y director artístico poderoso e innovador y un aclamado músico y coreógrafo responsable de hacer del Nô un continuo éxito durante siglos. Todos estos logros le dan un lugar único como uno de los muy pocos grandes genios en la historia del teatro mundial” (2) 

Por otro lado, Zeami escribió y compiló entre 1402 y 1418 un catálogo de todas las prácticas de interpretación del Nô que ha sido la base para todos los tratados posteriores. Su nombre Fûshikaden, o Transmisión de la flor y de los estilos de interpretación. Como ocurre (afortunadamente solo en raras ocasiones) en la historia cultural de cualquier país, a inicios del siglo XX, de Zeami solo se conocía el nombre y poco más. Fue en 1909 cuando un investigador japonés, Yoshida Togo, publica en Tokio su Colección de dieciséis escritos de Zeami basándose en un manuscrito olvidado y encontrado, por pura casualidad, entre los papeles arrugados y mal clasificados de unalibrería de viejo de Tokio. En esos textos ya estaban todos los postulados que animan al Nô.

El secretismo en torno a esos escritos se explica, en parte, por el carácter iniciático de las enseñanzas. Efectivamente, Zeami escribió Fûshikaden exclusivamente para su hijo Motomasa a quien tenía que confiar el futuro de la empresa y, por tanto, estaba obligado a guardar las enseñanzas solo para sí y para, más tarde, legarlo a sus vástagos o, en su defecto, a cualquier miembro más cualificado de su propio clan familiar. 

El resultado fue que el tratado circulaba en raras copias manuscritas custodiadas bajo un excesivo celo por los descendientes de Zeami. No se conoce quién se deshizo o vendió el manuscrito que apareció en la librería de viejo de Tokio ni tampoco los motivos que le pudieron impulsar a desprenderse de tan preciado bien.

Theatre Noh 1

Teatro Noh: espectáculo oficial de Japón

Con Zeami el Nô quedó definitivamente fijado hasta hoy en día, pero lo que realmente hizo que esta forma de representación se asentara totalmente en la esfera cultural japonesa fue la proclamación de “espectáculo oficial” de los Tokugawa durante el período Edo (1602-1868). Se seguía representando para un reducido grupo aristocrático y, paulatinamente, se fue ritualizando sobremanera, tal como gustaban a los poco flexibles dirigentes Tokugawa: 

“Los Shôgun Tokugawa, devotos de las doctrinas confucianas, consideraron los ritos y la música como elementos esenciales de su forma de gobierno y dieron gran importancia a la ejecución elaborada y exacta de la ceremonia, lo cual contribuyó a la repetición minuciosa de gestos, palabras, danzas… según un código muy estricto que ahogaba las capacidades de iniciativa particular del actor y cerraba la posibilidad de evolución del género Nô“ 

(Rubiera e Higashitami en “Introducción” a Tratado sobre la práctica del teatro Nô y cuatro dramas Nô de 1999, página 45).


Y con estas mismas características el teatro Nô llegó hasta la era Meiji y hasta bien entrado el siglo XX cuando, tras una larga crisis en el que esta forma de espectáculo solo era comprendida por una reducida élite de entendidos e intelectuales, fue recuperando, muy tímidamente, parte de la espontaneidad primigenia, aquella que tenía con Zeami, antes de los Tokugawa.


El teatro japonés conocido como Nô o Noh apenas ha sufrido modificación alguna desde que quedó sistematizado en sus orígenes por Zeami en su tratado Fushikaden. Todas las funciones se realizan sobre una escena tremendamente sencilla, sin ningún adorno, ni accesorio, ni telón que separe el escenario de los espectadores. La decoración se reduce a un panel pintado con la representación de un pino estilizado. Sobre las tablas un actor principal (o Shite) soporta todo el peso de la actuación, ayudado por su alter ego -llamado Waki- y una pequeña orquesta de músicos.

Los actores del teatro Noh o nô

Durante siglos el Nô ha sido un arte dominado por el sexo masculino y solo a partir del siglo XX se ha permitido la entrada a las mujeres en la actuación. Anteriormente, el papel de éstas se reducía a trabajos subalternos. En la época clásica, los personajes femeninos eran representados por actores masculinos especializados en este tipo de actuación. Eran los conocidos como hombres-mujeres del Nô.

En esta forma teatral, hay, prácticamente, un solo actor, denominado Shite, literalmente “el que actúa”, y un co-protagonista o Waki, cuya traducción sería “el que está al lado del Shite”. 

“El Waki es el lado pasivo, negativo, oscuro (el yin), en contraste con el activo, positivo, brillante (yang) del Shite, y deben complementarse para lograr la armonía de la representación. Su papel a veces se reduce a ser un médium que con su simple presencia o mediante plegarias convoca a un espíritu, representado por el Shite. Otras veces da la sensación de que todo lo que presenciamos en escena ocurre solo en la mente o en un sueño del Waki” (3) 

¿Qué es el Shite del Nô o no?


El Shite es el actor principal y auténtico protagonista de un drama Noh. Es el que danza, canta y cuenta la historia. Va siempre ataviado con suntuosos y exquisitos vestidos de brocado o seda. Un accesorio importante del actor principal es el abanico, que en el teatro Nô se configura como un elemento claramente simbólico: su función es la de representar objetos, sentimientos, hechos, etc. mediante unos movimientos altamente codificados y conocidos de antemano por el público.

Fundamental en el Noh es la máscara. Esta está realizada en madera de ciprés por artesanos especialistas y son por ellas mismas obras de arte guardadas con celo por las familias de esta particular forma teatral, como los vestidos y los manuscritos con las claves para la consecución de un oficio perfecto.

Teatro noh 2

Las máscaras del teatro Noh o no de Japón

Las máscaras son de muy diversas formas y expresiones y pueden ser clasificadas en tres tipos fundamentales:

  • Las que reflejan expresiones faciales exageradas (grandes dientes o narices, cuernos, colores extravagantes, etc.).
  • Las realistas (viejos, enfermos, mujeres, etc.).
  • Las simbólicas, las más interesantes ya que son de expresividad neutra y se utilizan para reproducir cambios en la emociones. 

Todas ellas son más pequeñas que la cara de un hombre, lo que contribuye a apagar y a deformar la voz del Shite y, por tanto, realza, aún más si cabe, el carácter irreal y fantasmagórico propio del Nô.


Canto, música, coro, atrezzo especial son fundamentales en este tipo de espectáculo pero quizá lo más característico sean los movimientos del Shite. La danza del protagonista forma un código de comunicación pre-establecido que se estructura a semejanza del lingüístico. Cada uno de los movimientos tiene un significado propio y éstos se combinan en unidades mayores para formar unidades significativas complejas para poder, así, “narrar” la historia.

Se han contabilizado un número de treinta movimientos elementales que se combinan entre sí para formar más de doscientas cincuenta “oraciones”. Cada uno de estos esquemas ha sido bautizado con un nombre propio: por ejemplo, el conocido como Mie consistente en una actitud estática de extrema majestad con la que el actor expresa los más profundos sentimientos de dolor.

Todos los gestos se realizan con una contención y estilización extremas siguiendo un ritmo preestablecido: comienza suave, se incrementa el ritmo hasta el clímax y abruptamente se para. Durante la totalidad de la coreografía, el actor va deslizando los pies –vestidos con unos calcetines blancos- por las tablas del escenario. El sonido producido por esta fricción es característico del Nô.

El actor secundario del Noh: el Waki

El Waki es el personaje secundario del Nô y su función en la escena es la de hacer las pertinentes preguntas al Shite. Éste responde y con sus movimientos, danza y canto se va estructurando la narración. El Waki va vestido sobriamente con un kimono negro, no lleva máscara ni abanico. Su papel se limita a una


“espera hasta que alguien aparezca. Dios, héroe, ermitaño, fantasma, demonio; el Shite es siempre el embajador de lo desconocido y para esto, lleva una máscara” (4)

La orquesta y el coro del Noh o nô

Las representaciones se acompañan de una pequeña orquesta compuesta de una flauta travesera y varios instrumentos de percusión. Los instrumentos musicales, al igual que la danza, el texto poético, las representaciones estilizadas del pino o del bambú, la máscara o el abanico, tienen una función simbólica. Por último, otro elemento presente en el Nô es el coro compuesto por ocho personas que se sientan a un lado del escenario vestidos sobriamente, sin máscaras y con un pequeño abanico delante.

En el fascinante teatro Nô es el Shite, el actor principal, el que -sobre una escena tremendamente sencilla y minimalista- lleva todo el peso de la interpretación. A pesar del aparente hermetismo de la cultura japonesa, el teatro Nô o Noh no solo se ha contaminado de las técnicas dramáticas europeas sino que sus modos, sus formas y sus temas han dejado una importante huella en creadores europeos, sobre todo en aquellos vinculados a la corrientes del simbolismo, primero, y surrealista, más tarde.

Los esquemas del Noh que han influido en Occidente

Los temas y modos del teatro Noh que más han calado en los autores occidentales responden al denominado Nô fantástico-ilusorio, el creado y sistematizado por Zeami en su obra Fushikaden. Por supuesto, Zeami no crea de la nada y este gusto por el mundo sobrenatural está muy presente en la tradición folclórica y cultural del pueblo japonés para el que (siguiendo las enseñanzas del budismo) el mundo real y auténtico se encuentra en un lugar más allá de las apariencias, siendo lo que percibimos una mera ilusión de la que hay que liberarse para alcanzar el estado de gracia espiritual.

En este tipo de obras, la realidad se combina con la fantasía en un espacio atemporal e indeterminado. Todo ello proporciona un ambiente de carácter onírico, fantasmal e irreal que se ve acentuado por largos silencios en los que, aparentemente, nada ocurre. Por lo demás, el Nô fantástico-ilusorio tiene dos partes bien diferenciadas: en la primera, un viajero se encuentra con un pueblerino que le cuenta alguna historia antigua del lugar; en la segunda, otro pueblerino narra el mismo relato ampliando los detalles. Es el momento de la actuación del Shite que vuelve a narrar la historia ejecutando la danza.

Teatro Noh y la influencia en autores occidentales

Estos formatos (Shite que canta y Waki que interroga) y el ambiente del Nô fantástico-ilusorio lo vamos a encontrar en el denominado teatro de máscaras –adaptación de los estilos orientales- en algunos dramas de W.B. Yeats ambientados, eso sí, en los mitos y leyendas irlandeses, o las adaptaciones preparadas para un público occidental realizadas por Ezra Pound -siguiendo las traducciones de Ernest Fenellosa, publicadas en Dublín en 1916-, o la viva impresión que esta forma teatral causó en un dramaturgo de la importancia de Bernard Shaw.La lista de creadores occidentales que confiesan o transparentan referencias (intertextualidad en la jerga científica) del Nô se completa con Stanislavski, Meyerhold, Grotowski, Copeau, Artaud o Bretch, cuya obra Lehrstück (1929) es una lectura de una pieza Nô en la que la moral de superación japonesa se traspone a la disciplina rigurosa impuesta por el partido comunista.Además el Nô, al no considerar la danza como un arte separado de la dramaturgia, constituyó un punto de referencia en las transformaciones de las coreografías modernas, las de la primera mitad del siglo XX, las de Nijinski, Ted Shawn, Ruth Saint Denis, Glenn Tetley, etc.

El Noh como sustrato del teatro simbólico europeo

Pero si el Nô ha dejado una referencia en los modos teatrales europeos, esta ha sido el sentido especial que el actor impone a la obra. Los gestos contenidos, escuetos y parcos del Nô son leídos por los dramaturgos europeos de las primeras décadas del siglo XX como lo que son, como símbolos, como trasposiciones de un más allá invisible a este mundo tangible por medio de la máscara, la cual 

“conduce al extremo la vida interior. La máscara despierta los instintos y hace aparecer el alma” (5) 

Además, las distintas versiones de un mismo hecho, de los acontecimientos acaecidos a un mismo personaje, los distintos puntos de vista de la realidad presentes en el Nô fantástico-ilusorio enlaza con la deconstrucción del personaje del teatro occidental del siglo XX, el que se gesta tras los movimientos surrealistas y una vez asimiladas las teorías psicoanalíticas.A pesar de las diferencias y las distancias, los moldes de este fascinante modo teatral traspasaron fronteras para influir en los modos, los temas y las formas de los autores occidentales de principios del siglo XX, aquellos que revolucionaron el teatro con su enfoque centrado en los símbolos.

NOTAS Y BIBLIOGRAFÍA.- 

(1) Rubiera e Higashitami en “Introducción” a Tratado sobre la práctica del teatro Nô y cuatro dramas Nô de 1999, página 20.

(2) Rubiera e Higashitami en “Introducción” a Tratado sobre la práctica del teatro Nô y cuatro dramas Nô de 1999, página 66.

(3) Rubiera e Higashitami en “Introducción” a Tratado sobre la práctica del teatro Nô y cuatro dramas Nô de 1999, páginas 49-50.


(4) Claudel: “La manga, la máscara y el abanico”, en Savarese, N. (ed.): El teatro más allá del mar. Estudios occidentales sobre el teatro oriental de1992; página 97.

(5) Barrault de1992; “Mi más rica lección de teatro”, en Savarese, N.: El teatro más allá del mar. Estudios occidentales sobre el teatro oriental de 1992; página 102.

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En Japón existe una forma teatral conocida como teatro "Nô" o "Noh" refinada en extremo y dirigido a la élite culta.

El teatro Noh o Nô japonés es una de las manifestaciones teatrales más exquisitas del mundo. Altamente codificado y estandarizado, va dirigido a un público entendido que disfruta con una puesta en escena minimalista sobre la que se desarrolla un espectáculo colorista de danza y canto dando primacía a los trajes, las máscaras y los movimientos.

Características del teatro no o noh 

Todas las manifestaciones de teatro japonés (también el kabuki o el bunraku), al igual que sucede con la dramaturgia autóctona de India, China o Corea, comparten un formato similar que someramente, se pueden resumir en lo siguiente: 

  • primero, son una amalgama o una mezcla de ceremonias rituales cortesanas con bailes populares.
  • segundo, en ellos priman la música, la danza, el canto, la poesía y exagerados gestos y gesticulaciones. 
  • tercero, el actor se erige en único protagonista del espectáculo con un sorprendente uso de la voz y del cuerpo, sometidos ambos a un duro entrenamiento desde la infancia. 
  • cuarto, en todas estas manifestaciones teatrales es fundamental la tradición y la transmisión de los conocimientos entre los diferentes miembros de las sucesivas generaciones de una misma familia. 
  • quinto, son espectáculos muy codificados y altamente simbólicos, con escenarios vacíos, pero de una gran riqueza de vestuarios, maquillajes y máscaras. 
  • sexto, suelen recurrir al travestismo, ya que las mujeres, históricamente, tenían vetado el acceso a las tablas y,
  • séptimo, la puesta en escena, en cuanto a escenario se refiere, es casi inexistente.


El fascinante y extraño espectáculo de Nô es definido de la siguiente manera:

“Por su parte, el Nô, todavía cercano al mundo del rito, muestra un espectáculo solemne y refinado en el que los dioses y los espíritus son frecuentes, con gran presencia de lo fantasmal; destacan la calidad y la belleza del vestuario sobre un escenario vacío, sin telón, con un estilizado pino pintado sobre el panel del fondo; un coro sentado en escena y una pequeña orquesta de dos o tres tambores y una flauta proporcionan ambiente sonoro a una actuación que conjuga danza, canto y poesía” (1)

El teatro Nô como expresión del pueblo nipón


La espiritualidad del pueblo japonés se ha ido conformando a lo largo de los siglos por un constante sincretismo de filosofías y religiones diversas (tao, shintoismo, budismo, etc.) y veces dispares, que, en esencia y por buscar un nexo en común, intentan situar al hombre de una manera adecuada en su relación con la naturaleza (buen ejemplo de ello son los jardines de la antigua ciudad imperial Kyoto). Esto, por un lado, lleva a una moral sujeta, en principio, a unas normas de conducta espontáneas propias de un corazón puro pero, por otro lado, se han ido ritualizando de una manera tal que cualquier relación o ejercicio de la cotidianidad más elemental se convierte en protocolo o ceremonia complicada (nada más tenemos que recordar la ceremonia del té). 

Esto, unido a una especial percepción del tiempo en el que el mundo es concebido de modo cíclico sin principio ni fin y en el que solo podemos aspirar a la percepción completa de los instantes –de hecho, ésta es la filosofía profunda que anima la estética del haiku-, conlleva que, en cualquier manifestación artística japonesa, sea muy difícil el deslindamiento claro entre lo estético y lo religioso.

Estas características de la percepción estilística y anímica del pueblo nipón, aunque expresadas de manera somera, son fundamentales para entender el exquisito y la vez complicado teatro Nô o Noh, el cual surge precisamente cuando se está conformando el carácter plástico y expresivo de toda una nación.

Teatro noh 1

Orígenes del teatro No o Noh 

El teatro Nô empieza a formarse como género totalmente independiente a partir de las primeras décadas del siglo XIV, en plena era Muromachi (1393-1558). Como cualquier forma de expresión artística, surge de una mezcla y de una evolución de modos de representación anteriores, todos ellos ligados a oficios religiosos.La crítica ha distinguido, al menos, cuatro formas espectaculares anteriores al Nô y presentes, de una forma u otra, en este modo de representación. Son, a saber:

  • Kagura, una pantomima danzada acompañada de música y voz y ligada a los ritos vinculados a las ofrendas de pequeños templos sintoístas.
  • Gigaku, una especie de procesión en la que los participantes llevaban máscaras acompañados por el sonido de flautas e instrumentos de percusión y que, como el anterior, también estaba unido a los servicios religiosos -en este caso, budistas-.
  • Bugaku, o la danza de la Corte Imperial (banquetes y ceremonias de etiqueta) interpretada por funcionarios altamente profesionalizados, ataviados con exquisitos y elaborados trajes y acompañados por una pequeña orquesta de cuerda, viento y percusión.
  • Sarugaku, una mezcla de las danzas folclóricas autóctonas y espectáculos procedentes de China en que actuaban saltimbanquis, acróbatas, bailarines, mimos, domadores de animales, etc.

El Nô nació en un ambiente refinado al extremo, dominado por la élite aristocrática de los samuráis ocupada, en sus ratos de ocio, en el perfeccionamiento de artes diversas: la ceremonia del té, la pintura a la tinta china, la caligrafía, la composición de haiku, la música. Inmerso en un boato cortesano, el Nô se instauró como el espectáculo colectivo propio de los espíritus cultivados de la clase dirigente japonesa y coincidió con el auge y la expansión de la filosofía del budismo Zen, la cual tiene una enorme huella en los temas y las formas de expresión del arte de esta época, en general, y del Nô en particular.

Concretamente, el budismo Zen –como también el Tao- se asienta sobre la persecución de un “despertar”, de una iluminación hacia el otro lado de las cosas, hacia el centro perfecto y verdadero que existe en la realidad pero que, a la vez, es ocultado por el materialismo del mundo. Una vez alcanzada esta iluminación o satori, el yo queda abolido y el diálogo entre el sujeto y las cosas queda felizmente interrumpido para alcanzar la plenitud, la cual se manifestaría en la total fusión cósmica. El hombre, entonces, pasa a formar parte del universo para dejar de ser una mera criatura mortal. Por su parte, el taoísmo también nos dice de un mundo sin contrarios donde el cuerpo y el espíritu son la misma y única energía vital o ki.

Una élite refinada, rica, culta y ociosa fue la que creó esta manifestación teatral tan peculiar de Japón para regocijo de sus horas de ocio. Afortunadamente, aunque con algunos altibajos, el Nô ha llegado, prácticamente sin cambios, hasta nosotros. Otra cosa es poder acceder a este tipo de representaciones.   

Zeami Fushikaden y su manuscrito secreto

El Nô fue estructurado con Kan’ami (1333-1384) y, sobre todo, con su hijo Zeami (1353-1443). Las normas de actuación de entonces –incluso las obras- se han mantenido incólumes a lo largo de los siglos de tal manera que, hoy en día, las representaciones son prácticamente idénticas a las que se desarrollaban en el siglo XV. Es Zeami quien codifica el espectáculo y quien crea la mayor parte del repertorio Nô. De él se ha dicho: 

“Fue el mejor actor de su tiempo, el principal escritor de la tradición Nô, el primer –y hasta el momento- más importante teórico de la estética teatral y director artístico poderoso e innovador y un aclamado músico y coreógrafo responsable de hacer del Nô un continuo éxito durante siglos. Todos estos logros le dan un lugar único como uno de los muy pocos grandes genios en la historia del teatro mundial” (2) 

Por otro lado, Zeami escribió y compiló entre 1402 y 1418 un catálogo de todas las prácticas de interpretación del Nô que ha sido la base para todos los tratados posteriores. Su nombre Fûshikaden, o Transmisión de la flor y de los estilos de interpretación. Como ocurre (afortunadamente solo en raras ocasiones) en la historia cultural de cualquier país, a inicios del siglo XX, de Zeami solo se conocía el nombre y poco más. Fue en 1909 cuando un investigador japonés, Yoshida Togo, publica en Tokio su Colección de dieciséis escritos de Zeami basándose en un manuscrito olvidado y encontrado, por pura casualidad, entre los papeles arrugados y mal clasificados de unalibrería de viejo de Tokio. En esos textos ya estaban todos los postulados que animan al Nô.

El secretismo en torno a esos escritos se explica, en parte, por el carácter iniciático de las enseñanzas. Efectivamente, Zeami escribió Fûshikaden exclusivamente para su hijo Motomasa a quien tenía que confiar el futuro de la empresa y, por tanto, estaba obligado a guardar las enseñanzas solo para sí y para, más tarde, legarlo a sus vástagos o, en su defecto, a cualquier miembro más cualificado de su propio clan familiar. 

El resultado fue que el tratado circulaba en raras copias manuscritas custodiadas bajo un excesivo celo por los descendientes de Zeami. No se conoce quién se deshizo o vendió el manuscrito que apareció en la librería de viejo de Tokio ni tampoco los motivos que le pudieron impulsar a desprenderse de tan preciado bien.

Theatre Noh 1

Teatro Noh: espectáculo oficial de Japón

Con Zeami el Nô quedó definitivamente fijado hasta hoy en día, pero lo que realmente hizo que esta forma de representación se asentara totalmente en la esfera cultural japonesa fue la proclamación de “espectáculo oficial” de los Tokugawa durante el período Edo (1602-1868). Se seguía representando para un reducido grupo aristocrático y, paulatinamente, se fue ritualizando sobremanera, tal como gustaban a los poco flexibles dirigentes Tokugawa: 

“Los Shôgun Tokugawa, devotos de las doctrinas confucianas, consideraron los ritos y la música como elementos esenciales de su forma de gobierno y dieron gran importancia a la ejecución elaborada y exacta de la ceremonia, lo cual contribuyó a la repetición minuciosa de gestos, palabras, danzas… según un código muy estricto que ahogaba las capacidades de iniciativa particular del actor y cerraba la posibilidad de evolución del género Nô“ 

(Rubiera e Higashitami en “Introducción” a Tratado sobre la práctica del teatro Nô y cuatro dramas Nô de 1999, página 45).


Y con estas mismas características el teatro Nô llegó hasta la era Meiji y hasta bien entrado el siglo XX cuando, tras una larga crisis en el que esta forma de espectáculo solo era comprendida por una reducida élite de entendidos e intelectuales, fue recuperando, muy tímidamente, parte de la espontaneidad primigenia, aquella que tenía con Zeami, antes de los Tokugawa.


El teatro japonés conocido como Nô o Noh apenas ha sufrido modificación alguna desde que quedó sistematizado en sus orígenes por Zeami en su tratado Fushikaden. Todas las funciones se realizan sobre una escena tremendamente sencilla, sin ningún adorno, ni accesorio, ni telón que separe el escenario de los espectadores. La decoración se reduce a un panel pintado con la representación de un pino estilizado. Sobre las tablas un actor principal (o Shite) soporta todo el peso de la actuación, ayudado por su alter ego -llamado Waki- y una pequeña orquesta de músicos.

Los actores del teatro Noh o nô

Durante siglos el Nô ha sido un arte dominado por el sexo masculino y solo a partir del siglo XX se ha permitido la entrada a las mujeres en la actuación. Anteriormente, el papel de éstas se reducía a trabajos subalternos. En la época clásica, los personajes femeninos eran representados por actores masculinos especializados en este tipo de actuación. Eran los conocidos como hombres-mujeres del Nô.

En esta forma teatral, hay, prácticamente, un solo actor, denominado Shite, literalmente “el que actúa”, y un co-protagonista o Waki, cuya traducción sería “el que está al lado del Shite”. 

“El Waki es el lado pasivo, negativo, oscuro (el yin), en contraste con el activo, positivo, brillante (yang) del Shite, y deben complementarse para lograr la armonía de la representación. Su papel a veces se reduce a ser un médium que con su simple presencia o mediante plegarias convoca a un espíritu, representado por el Shite. Otras veces da la sensación de que todo lo que presenciamos en escena ocurre solo en la mente o en un sueño del Waki” (3) 

¿Qué es el Shite del Nô o no?


El Shite es el actor principal y auténtico protagonista de un drama Noh. Es el que danza, canta y cuenta la historia. Va siempre ataviado con suntuosos y exquisitos vestidos de brocado o seda. Un accesorio importante del actor principal es el abanico, que en el teatro Nô se configura como un elemento claramente simbólico: su función es la de representar objetos, sentimientos, hechos, etc. mediante unos movimientos altamente codificados y conocidos de antemano por el público.

Fundamental en el Noh es la máscara. Esta está realizada en madera de ciprés por artesanos especialistas y son por ellas mismas obras de arte guardadas con celo por las familias de esta particular forma teatral, como los vestidos y los manuscritos con las claves para la consecución de un oficio perfecto.

Teatro noh 2

Las máscaras del teatro Noh o no de Japón

Las máscaras son de muy diversas formas y expresiones y pueden ser clasificadas en tres tipos fundamentales:

  • Las que reflejan expresiones faciales exageradas (grandes dientes o narices, cuernos, colores extravagantes, etc.).
  • Las realistas (viejos, enfermos, mujeres, etc.).
  • Las simbólicas, las más interesantes ya que son de expresividad neutra y se utilizan para reproducir cambios en la emociones. 

Todas ellas son más pequeñas que la cara de un hombre, lo que contribuye a apagar y a deformar la voz del Shite y, por tanto, realza, aún más si cabe, el carácter irreal y fantasmagórico propio del Nô.


Canto, música, coro, atrezzo especial son fundamentales en este tipo de espectáculo pero quizá lo más característico sean los movimientos del Shite. La danza del protagonista forma un código de comunicación pre-establecido que se estructura a semejanza del lingüístico. Cada uno de los movimientos tiene un significado propio y éstos se combinan en unidades mayores para formar unidades significativas complejas para poder, así, “narrar” la historia.

Se han contabilizado un número de treinta movimientos elementales que se combinan entre sí para formar más de doscientas cincuenta “oraciones”. Cada uno de estos esquemas ha sido bautizado con un nombre propio: por ejemplo, el conocido como Mie consistente en una actitud estática de extrema majestad con la que el actor expresa los más profundos sentimientos de dolor.

Todos los gestos se realizan con una contención y estilización extremas siguiendo un ritmo preestablecido: comienza suave, se incrementa el ritmo hasta el clímax y abruptamente se para. Durante la totalidad de la coreografía, el actor va deslizando los pies –vestidos con unos calcetines blancos- por las tablas del escenario. El sonido producido por esta fricción es característico del Nô.

El actor secundario del Noh: el Waki

El Waki es el personaje secundario del Nô y su función en la escena es la de hacer las pertinentes preguntas al Shite. Éste responde y con sus movimientos, danza y canto se va estructurando la narración. El Waki va vestido sobriamente con un kimono negro, no lleva máscara ni abanico. Su papel se limita a una


“espera hasta que alguien aparezca. Dios, héroe, ermitaño, fantasma, demonio; el Shite es siempre el embajador de lo desconocido y para esto, lleva una máscara” (4)

La orquesta y el coro del Noh o nô

Las representaciones se acompañan de una pequeña orquesta compuesta de una flauta travesera y varios instrumentos de percusión. Los instrumentos musicales, al igual que la danza, el texto poético, las representaciones estilizadas del pino o del bambú, la máscara o el abanico, tienen una función simbólica. Por último, otro elemento presente en el Nô es el coro compuesto por ocho personas que se sientan a un lado del escenario vestidos sobriamente, sin máscaras y con un pequeño abanico delante.

En el fascinante teatro Nô es el Shite, el actor principal, el que -sobre una escena tremendamente sencilla y minimalista- lleva todo el peso de la interpretación. A pesar del aparente hermetismo de la cultura japonesa, el teatro Nô o Noh no solo se ha contaminado de las técnicas dramáticas europeas sino que sus modos, sus formas y sus temas han dejado una importante huella en creadores europeos, sobre todo en aquellos vinculados a la corrientes del simbolismo, primero, y surrealista, más tarde.

Los esquemas del Noh que han influido en Occidente

Los temas y modos del teatro Noh que más han calado en los autores occidentales responden al denominado Nô fantástico-ilusorio, el creado y sistematizado por Zeami en su obra Fushikaden. Por supuesto, Zeami no crea de la nada y este gusto por el mundo sobrenatural está muy presente en la tradición folclórica y cultural del pueblo japonés para el que (siguiendo las enseñanzas del budismo) el mundo real y auténtico se encuentra en un lugar más allá de las apariencias, siendo lo que percibimos una mera ilusión de la que hay que liberarse para alcanzar el estado de gracia espiritual.

En este tipo de obras, la realidad se combina con la fantasía en un espacio atemporal e indeterminado. Todo ello proporciona un ambiente de carácter onírico, fantasmal e irreal que se ve acentuado por largos silencios en los que, aparentemente, nada ocurre. Por lo demás, el Nô fantástico-ilusorio tiene dos partes bien diferenciadas: en la primera, un viajero se encuentra con un pueblerino que le cuenta alguna historia antigua del lugar; en la segunda, otro pueblerino narra el mismo relato ampliando los detalles. Es el momento de la actuación del Shite que vuelve a narrar la historia ejecutando la danza.

Teatro Noh y la influencia en autores occidentales

Estos formatos (Shite que canta y Waki que interroga) y el ambiente del Nô fantástico-ilusorio lo vamos a encontrar en el denominado teatro de máscaras –adaptación de los estilos orientales- en algunos dramas de W.B. Yeats ambientados, eso sí, en los mitos y leyendas irlandeses, o las adaptaciones preparadas para un público occidental realizadas por Ezra Pound -siguiendo las traducciones de Ernest Fenellosa, publicadas en Dublín en 1916-, o la viva impresión que esta forma teatral causó en un dramaturgo de la importancia de Bernard Shaw.La lista de creadores occidentales que confiesan o transparentan referencias (intertextualidad en la jerga científica) del Nô se completa con Stanislavski, Meyerhold, Grotowski, Copeau, Artaud o Bretch, cuya obra Lehrstück (1929) es una lectura de una pieza Nô en la que la moral de superación japonesa se traspone a la disciplina rigurosa impuesta por el partido comunista.Además el Nô, al no considerar la danza como un arte separado de la dramaturgia, constituyó un punto de referencia en las transformaciones de las coreografías modernas, las de la primera mitad del siglo XX, las de Nijinski, Ted Shawn, Ruth Saint Denis, Glenn Tetley, etc.

El Noh como sustrato del teatro simbólico europeo

Pero si el Nô ha dejado una referencia en los modos teatrales europeos, esta ha sido el sentido especial que el actor impone a la obra. Los gestos contenidos, escuetos y parcos del Nô son leídos por los dramaturgos europeos de las primeras décadas del siglo XX como lo que son, como símbolos, como trasposiciones de un más allá invisible a este mundo tangible por medio de la máscara, la cual 

“conduce al extremo la vida interior. La máscara despierta los instintos y hace aparecer el alma” (5) 

Además, las distintas versiones de un mismo hecho, de los acontecimientos acaecidos a un mismo personaje, los distintos puntos de vista de la realidad presentes en el Nô fantástico-ilusorio enlaza con la deconstrucción del personaje del teatro occidental del siglo XX, el que se gesta tras los movimientos surrealistas y una vez asimiladas las teorías psicoanalíticas.A pesar de las diferencias y las distancias, los moldes de este fascinante modo teatral traspasaron fronteras para influir en los modos, los temas y las formas de los autores occidentales de principios del siglo XX, aquellos que revolucionaron el teatro con su enfoque centrado en los símbolos.

NOTAS Y BIBLIOGRAFÍA.- 

(1) Rubiera e Higashitami en “Introducción” a Tratado sobre la práctica del teatro Nô y cuatro dramas Nô de 1999, página 20.

(2) Rubiera e Higashitami en “Introducción” a Tratado sobre la práctica del teatro Nô y cuatro dramas Nô de 1999, página 66.

(3) Rubiera e Higashitami en “Introducción” a Tratado sobre la práctica del teatro Nô y cuatro dramas Nô de 1999, páginas 49-50.


(4) Claudel: “La manga, la máscara y el abanico”, en Savarese, N. (ed.): El teatro más allá del mar. Estudios occidentales sobre el teatro oriental de1992; página 97.

(5) Barrault de1992; “Mi más rica lección de teatro”, en Savarese, N.: El teatro más allá del mar. Estudios occidentales sobre el teatro oriental de 1992; página 102.

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