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Vida, obra y estilo literario de José Cadalso, uno de los mayores representantes de literatura neoclásica española. 

 

José Cadalso estuvo toda su vida atrapado en una dicotomía espiritual entre las obligaciones de su carrera militar y la devoción a su amor por las letras. Aunque alcanzó el grado de coronel, hombre culto, instruido, educado y profundamente crítico, no se encontraba cómodo en los rigores de los cuarteles. Esto lo compensaba con su faceta de escritor convirtiéndose, andando el tiempo, en uno de los mayores representantes del Neoclasicismo español y ello a pesar del escaso o nulo éxito que sus obras tuvieron en vida del autor. 

Biografía de José Cadalso 

Procedente de una familia acomodada asentada en Cádiz con provechosos negocios con América, nace en 1741. Su madre muere tras el parto y, debido a los constantes viajes del padre, se encarga de su educación un tío materno perteneciente a la orden de los jesuitas. Así que las primeras letras las cursa en el colegio gaditano de la orden. Con tan solo nueve años, la familia lo envía al Colegio Louis-le-Grand de París, considerado, por entonces, uno de los mejores centros de enseñanza del mundo. Y a tan temprana edad comienza una instrucción cosmopolita y viajera que le lleva no solo a tener contactos con otros modelos culturales sino también a manejarse en diversas lenguas. En la capital gala estudia humanidades y ciencias hasta la edad de 17 años. En 1758, está matriculado en el Real Seminario de Nobles de Madrid también regido por los jesuitas. Termina su formación reglada y comienza un particular viaje por Europa siguiendo los preceptos del Grand Tour.  

Sin embargo, anotamos que en la biografía de José Cadalso no se detallan encuentros con culturas más o menos exóticas (para los parámetros de la época) y su interés se centró en los países más avanzados de Europa. Recorre Países Bajos, Alemania, Francia e Inglaterra y, probablemente, Italia. Todo ello, le llevó a empaparse de la cultura del Neoclasicismo imperante en la época y a convertirse en un ilustrado convencido. Hoy está considerado uno de los máximos representantes del Siglo de las Luces español, aunque este brilló en estas tierras bien poco.

Tras el fallecimiento de su padre, termina su etapa educativa e ingresa en 1762 en el ejército. Lo hace como cadete y llega al rango de coronel justo antes de su muerte. En 1766 es armado caballero de la Orden Militar de Santiago cuya cruz luce en los retratos conocidos. Y, debido a sus obligaciones militares, participa en diversas campañas en Portugal y Aragón. Sin embargo, será Salamanca donde es movilizado, la tierra donde hará buenas amistades con otros representantes de la prosa y la poesía del Neoclasicismo como Juan Meléndez Valdés

Las mujeres en la vida de José Cadalso 

Además, entre 1762 y 1768 vive en Madrid donde es recibido en las principales tertulias y salones de la época. Y a partir de esa fecha, combina sus obligaciones militares con largas temporadas en la capital. Aquí se enamora en 1770 de la actriz María Ignacia Ibáñez, sentimiento correspondido por la dama. Desafortunadamente, esta muere repentinamente y, según algunos críticos, este luctuoso hecho generó una profunda mella en el ánimo de Cadalso. Tanto es así que aún hoy en día se mantiene la polémica sobre el trasfondo biográfico del tema de fondo narrado en Noches lúgubres. Recordemos que el protagonista, roto de dolor por la muerte de la amada, se dispone a desenterrar su cadáver con el consiguiente horror de los que le rodean. El tema, eminentemente romántico, es el que ha situado la obra de Cadalso entre el Neoclasicismo y las características del Romanticismo

En el periodo de 1770 a 1774 se encuentra, de nuevo, entre Salamanca (donde traba amistad con los ilustrados locales) y Madrid frecuentando la tertulia de la Fonda de San Sebastián. Y también la de la duquesa de Benavente, dama con la que mantuvo una nutrida correspondencia, aunque no es seguro una mayor implicación emocional.  En esta fecha estrena algunas de sus obras dramáticas como Don Sancho García sin el favor de un público acostumbrado a los dimes y diretes de las características del teatro barroco en España que aún era favorito de los espectadores. 

Muere en el sitio de Gibraltar en 1782 sin descendencia y con la mayoría de su obra inédita.  

Obras de José Cadalso 

Cultivó desde la poesía hasta el teatro. Sin embargo, ha pasado a la posteridad por sus títulos en prosa. Hay que anotar en primera instancia, que las obras de José Cadalso entran de lleno en los gustos y en las características del Neoclasicismo. Sin embargo, por la baja formación educativa y de instrucción del lector y del público en general, estas tuvieron escaso éxito fuera del  reducido circuito ilustrado. Era nuestro escritor un intelectual con una profunda y sólida instrucción académica procedente de las mejores instituciones educativas del momento. Además, había viajado por Europa y tenía contactos estrechos con la intelectualidad y el mundo literario de la época. Eso formó un carácter crítico, pesimista a veces, ya que no veía que sus escritos pudieran contribuir a una mejora de la sociedad, tal era la resistencia al cambio en frentes diversos. Además, sus obligaciones militares,  a igual que el gran Garcilaso de la Vega, restaba tiempo y energía a sus quehaceres literarios. En resumidas, cuentas podemos anotar solo un puñado de obras de José Cadalso. 

Obras en verso 

1.- A las ninfas de Manzanares, un poema satírico en contra de las costumbres de la población femenina de la corte en el que no faltan ideas de fuerte misoginia. 

Obras teatrales 

2.- Don Sancho García, drama representado en 1771 y en el que actúa de protagonista María Ignacia  Ibáñez. 

3.- Solaya o los circasianos, presentada a la censura en 1770 y hoy considerada perdida.  

Las obras en prosa de José Cadalso

Aún se duda de la autoría de un panfleto satírico aparecido de manera clandestina y manuscrita en el Madrid de 1768 bajo el nombre de Kalendario manual. Fue tal el rechazo entre los círculos de la élite política y económica que nuestro escritor fue invitado a abandonar la corte. En él, además, se hace una dura sátira de las damas de sociedad presentándonos a un Cadalso (de ser de su pluma) misógino en extremo. Por otro lado, son tres títulos en prosa nada más los reconocido al autor.  

1.- Los eruditos a la violeta 

Aunque no se publicó hasta su muerte, a esta pequeña obra en prosa debió su fama en vida y le abrió las puertas de las grandes tertulias ilustradas del Madrid de la época. Está dividido en siete capítulos a modo de lecciones en los que se da un repaso a materias diversas tanto de ciencias como de filosofía o literatura. En palabras del autor fue: 

“Compuesto en obsequio de los que pretenden saber mucho estudiando poco.”  

En este sentido, hay que hacer notar que eran reducidos y escasos los verdaderos ilustrados, aquellos que se guiaban por una sincera y profunda ansia de conocimientos y sabiduría. Mientras estos estaban concentrados en su labor literaria (normalmente en el campo del ensayo como el Padre Benito Feijoo) o de la incipiente ciencia, la mayoría pueden catalogarse como impostores. Eran estos los que llenaban salones o tertulias con datos superfluos sin ningún tipo de espíritu crítico basado en el auténtico estudio. En este sentido, hacemos nuestras las palabras de Juan Luis Alborg:  

“El siglo XVIII […] produjo la más formidable explosión de pedantería que registra la historia; era su parte negativa, inevitable. Las ciencias, con su nuevo y arrollador prestigio, la erudición recién nacida, la crítica en todas sus ramas -religión, política, sociología, leyes, costumbres- pusieron de moda el saber, cuya posesión se convirtió en moneda de provechosa cotización en la vida social. Mientras los espíritus mejores se dedicaron con esfuerzo y rigor al trabajo científico, turbas de petimetres, pedantes y damiselas sin serios estudios ni ganas de emprenderlos, se aplicaron a fingirlos”.  

Y todos ellos son los protagonistas de Los eruditos a la violeta, una de las obras de José Cadalso más irónica y tajante con las costumbres impostadas de su época.  

2.- Noches lúgubres 

El relato, escrito tras la muerte de María Ignacia, ha sido objeto de controversia entre los estudiosos de la obra de José Cadalso. Hay quienes afirman que es plenamente autobiográfico ya que se conserva una carta en el que se da cuenta del deterioro emocional de nuestro protagonista tras el fallecimiento de la actriz. Tanto es así que visitaba su tumba con demasiada frecuencia e, incluso, hubo un intentado (fallido) de abrir la misma. Sea como fuere, su gran amigo el conde de Aranda lo instó a abandonar la capital con la convicción de que un cambio de aires le sentaría bien a su alma dolorida. 

A pesar de ese intento frustrado de desenterramiento de la amada, la crítica sí ha encontrado una rica fuente de escritos anteriores que tratan el tema de la “difunta pleiteada”. En la misma tradición hispánica nos topamos con una de las novelas ejemplares de la escritora María Zayas, una de las más importantes representantes de la novela costumbrista del Barroco español. Y también hay coincidencia con otro hipotexto procedente de la literatura inglesa: Night Thoughts de Young. 

A pesar de quedar inédita en vida del autor, tuvo bastante éxito en décadas posteriores ya que se adelantaba al Romanticismo literario con su gusto por la noche, los cementerios, los fantasmas y el más allá.  

3.- Cartas marruecas, la obra de Cadalso que ha pasado al canon 

Son noventa y están escritas en forma de misivas o ensayos. En ellas hay dos protagonistas marroquíes (y por lo tanto ajenos a la realidad española y europea) de nombre Gazel y Ben-Beley. El español está bautizado como Nuño. Poco más sabemos de los tres únicos personajes ya que no están caracterizados como tal.  El autor ha centrado el meollo de la obra en la crítica a ciertas costumbres o modos sociales y no se entretiene en levantar psicológicamente sus protagonistas. Cartas marruecas, por tanto, es un documento irónico y crítico de una época en la que se creía firmemente en el cambio a mejor, aunque el autor diera sucesivas muestras de pesimismo. Podemos encontrar un precedente de este tipo de género (que comenzó con la literatura neoclásica) en las Cartas persas de Montesquieu. La obra fue publicada en 1808, tras la muerte del escritor, y gozó de bastante éxito entre los autores de la Generación del 68. Estos encontraron en sus líneas un pretexto y una base escrita sobre la que sustentar sus ideas sobre la terrible decadencia de España. 

El estilo en la obra de José Cadalso entre el Neoclasicismo y el Romanticismo  

Tal como he anotado anteriormente, podemos resumir lo siguiente: 

1.- La escasa obra de José Cadalso responde a todos los principios de la ilustración abanderados por el Neoclasicismo. Se pondera el espíritu crítico, racional, elegante y libre de cualquier artificio que pudiera empañar la lectura. 

2.- En ella hay un no oculto objetivo didáctico. Si por algo se caracteriza el siglo XVIII es por su deseo de transformación a través de la educación y la formación. 

3.- Siguiendo los preceptos de la Poética de Ignacio Luzán, el autor no se entretiene con un lenguaje brillante o rebuscado. Es todo lo contrario y se busca la sobriedad, la concisión y la sencillez, consideradas bases de la elegancia. 

4.- A pesar de esta militancia en todo lo que supuso el fallido periodo ilustrado en España, su obra Noches lúgubres tiene ya buena parte de las características del romanticismo literario. En ella se ha dejado aparcada la razón y se exponen sentimientos apasionados, de locura casi, que será frecuente en este periodo con su gusto por las tumbas, ánimas en pena y noches cerradas.  

Fue José Cadalso un escritor que tuvo que hacer frente en su vida a las obligaciones de su condición militar. Con una sólida formación (académica y vivencial) en su obra expone (con ironía ácida a veces) todos aquellos aspectos de una sociedad anclada en la tradición, en la superchería y en la superficialidad. Y lo hace con un estilo despojado de cualquier brizna de artificio en el que las frases se hacen claras, rotundas y sencillas. 

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla 

 

 

 

 

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Vida, obra y estilo literario de José Cadalso, uno de los mayores representantes de literatura neoclásica española. 

 

José Cadalso estuvo toda su vida atrapado en una dicotomía espiritual entre las obligaciones de su carrera militar y la devoción a su amor por las letras. Aunque alcanzó el grado de coronel, hombre culto, instruido, educado y profundamente crítico, no se encontraba cómodo en los rigores de los cuarteles. Esto lo compensaba con su faceta de escritor convirtiéndose, andando el tiempo, en uno de los mayores representantes del Neoclasicismo español y ello a pesar del escaso o nulo éxito que sus obras tuvieron en vida del autor. 

Biografía de José Cadalso 

Procedente de una familia acomodada asentada en Cádiz con provechosos negocios con América, nace en 1741. Su madre muere tras el parto y, debido a los constantes viajes del padre, se encarga de su educación un tío materno perteneciente a la orden de los jesuitas. Así que las primeras letras las cursa en el colegio gaditano de la orden. Con tan solo nueve años, la familia lo envía al Colegio Louis-le-Grand de París, considerado, por entonces, uno de los mejores centros de enseñanza del mundo. Y a tan temprana edad comienza una instrucción cosmopolita y viajera que le lleva no solo a tener contactos con otros modelos culturales sino también a manejarse en diversas lenguas. En la capital gala estudia humanidades y ciencias hasta la edad de 17 años. En 1758, está matriculado en el Real Seminario de Nobles de Madrid también regido por los jesuitas. Termina su formación reglada y comienza un particular viaje por Europa siguiendo los preceptos del Grand Tour.  

Sin embargo, anotamos que en la biografía de José Cadalso no se detallan encuentros con culturas más o menos exóticas (para los parámetros de la época) y su interés se centró en los países más avanzados de Europa. Recorre Países Bajos, Alemania, Francia e Inglaterra y, probablemente, Italia. Todo ello, le llevó a empaparse de la cultura del Neoclasicismo imperante en la época y a convertirse en un ilustrado convencido. Hoy está considerado uno de los máximos representantes del Siglo de las Luces español, aunque este brilló en estas tierras bien poco.

Tras el fallecimiento de su padre, termina su etapa educativa e ingresa en 1762 en el ejército. Lo hace como cadete y llega al rango de coronel justo antes de su muerte. En 1766 es armado caballero de la Orden Militar de Santiago cuya cruz luce en los retratos conocidos. Y, debido a sus obligaciones militares, participa en diversas campañas en Portugal y Aragón. Sin embargo, será Salamanca donde es movilizado, la tierra donde hará buenas amistades con otros representantes de la prosa y la poesía del Neoclasicismo como Juan Meléndez Valdés

Las mujeres en la vida de José Cadalso 

Además, entre 1762 y 1768 vive en Madrid donde es recibido en las principales tertulias y salones de la época. Y a partir de esa fecha, combina sus obligaciones militares con largas temporadas en la capital. Aquí se enamora en 1770 de la actriz María Ignacia Ibáñez, sentimiento correspondido por la dama. Desafortunadamente, esta muere repentinamente y, según algunos críticos, este luctuoso hecho generó una profunda mella en el ánimo de Cadalso. Tanto es así que aún hoy en día se mantiene la polémica sobre el trasfondo biográfico del tema de fondo narrado en Noches lúgubres. Recordemos que el protagonista, roto de dolor por la muerte de la amada, se dispone a desenterrar su cadáver con el consiguiente horror de los que le rodean. El tema, eminentemente romántico, es el que ha situado la obra de Cadalso entre el Neoclasicismo y las características del Romanticismo

En el periodo de 1770 a 1774 se encuentra, de nuevo, entre Salamanca (donde traba amistad con los ilustrados locales) y Madrid frecuentando la tertulia de la Fonda de San Sebastián. Y también la de la duquesa de Benavente, dama con la que mantuvo una nutrida correspondencia, aunque no es seguro una mayor implicación emocional.  En esta fecha estrena algunas de sus obras dramáticas como Don Sancho García sin el favor de un público acostumbrado a los dimes y diretes de las características del teatro barroco en España que aún era favorito de los espectadores. 

Muere en el sitio de Gibraltar en 1782 sin descendencia y con la mayoría de su obra inédita.  

Obras de José Cadalso 

Cultivó desde la poesía hasta el teatro. Sin embargo, ha pasado a la posteridad por sus títulos en prosa. Hay que anotar en primera instancia, que las obras de José Cadalso entran de lleno en los gustos y en las características del Neoclasicismo. Sin embargo, por la baja formación educativa y de instrucción del lector y del público en general, estas tuvieron escaso éxito fuera del  reducido circuito ilustrado. Era nuestro escritor un intelectual con una profunda y sólida instrucción académica procedente de las mejores instituciones educativas del momento. Además, había viajado por Europa y tenía contactos estrechos con la intelectualidad y el mundo literario de la época. Eso formó un carácter crítico, pesimista a veces, ya que no veía que sus escritos pudieran contribuir a una mejora de la sociedad, tal era la resistencia al cambio en frentes diversos. Además, sus obligaciones militares,  a igual que el gran Garcilaso de la Vega, restaba tiempo y energía a sus quehaceres literarios. En resumidas, cuentas podemos anotar solo un puñado de obras de José Cadalso. 

Obras en verso 

1.- A las ninfas de Manzanares, un poema satírico en contra de las costumbres de la población femenina de la corte en el que no faltan ideas de fuerte misoginia. 

Obras teatrales 

2.- Don Sancho García, drama representado en 1771 y en el que actúa de protagonista María Ignacia  Ibáñez. 

3.- Solaya o los circasianos, presentada a la censura en 1770 y hoy considerada perdida.  

Las obras en prosa de José Cadalso

Aún se duda de la autoría de un panfleto satírico aparecido de manera clandestina y manuscrita en el Madrid de 1768 bajo el nombre de Kalendario manual. Fue tal el rechazo entre los círculos de la élite política y económica que nuestro escritor fue invitado a abandonar la corte. En él, además, se hace una dura sátira de las damas de sociedad presentándonos a un Cadalso (de ser de su pluma) misógino en extremo. Por otro lado, son tres títulos en prosa nada más los reconocido al autor.  

1.- Los eruditos a la violeta 

Aunque no se publicó hasta su muerte, a esta pequeña obra en prosa debió su fama en vida y le abrió las puertas de las grandes tertulias ilustradas del Madrid de la época. Está dividido en siete capítulos a modo de lecciones en los que se da un repaso a materias diversas tanto de ciencias como de filosofía o literatura. En palabras del autor fue: 

“Compuesto en obsequio de los que pretenden saber mucho estudiando poco.”  

En este sentido, hay que hacer notar que eran reducidos y escasos los verdaderos ilustrados, aquellos que se guiaban por una sincera y profunda ansia de conocimientos y sabiduría. Mientras estos estaban concentrados en su labor literaria (normalmente en el campo del ensayo como el Padre Benito Feijoo) o de la incipiente ciencia, la mayoría pueden catalogarse como impostores. Eran estos los que llenaban salones o tertulias con datos superfluos sin ningún tipo de espíritu crítico basado en el auténtico estudio. En este sentido, hacemos nuestras las palabras de Juan Luis Alborg:  

“El siglo XVIII […] produjo la más formidable explosión de pedantería que registra la historia; era su parte negativa, inevitable. Las ciencias, con su nuevo y arrollador prestigio, la erudición recién nacida, la crítica en todas sus ramas -religión, política, sociología, leyes, costumbres- pusieron de moda el saber, cuya posesión se convirtió en moneda de provechosa cotización en la vida social. Mientras los espíritus mejores se dedicaron con esfuerzo y rigor al trabajo científico, turbas de petimetres, pedantes y damiselas sin serios estudios ni ganas de emprenderlos, se aplicaron a fingirlos”.  

Y todos ellos son los protagonistas de Los eruditos a la violeta, una de las obras de José Cadalso más irónica y tajante con las costumbres impostadas de su época.  

2.- Noches lúgubres 

El relato, escrito tras la muerte de María Ignacia, ha sido objeto de controversia entre los estudiosos de la obra de José Cadalso. Hay quienes afirman que es plenamente autobiográfico ya que se conserva una carta en el que se da cuenta del deterioro emocional de nuestro protagonista tras el fallecimiento de la actriz. Tanto es así que visitaba su tumba con demasiada frecuencia e, incluso, hubo un intentado (fallido) de abrir la misma. Sea como fuere, su gran amigo el conde de Aranda lo instó a abandonar la capital con la convicción de que un cambio de aires le sentaría bien a su alma dolorida. 

A pesar de ese intento frustrado de desenterramiento de la amada, la crítica sí ha encontrado una rica fuente de escritos anteriores que tratan el tema de la “difunta pleiteada”. En la misma tradición hispánica nos topamos con una de las novelas ejemplares de la escritora María Zayas, una de las más importantes representantes de la novela costumbrista del Barroco español. Y también hay coincidencia con otro hipotexto procedente de la literatura inglesa: Night Thoughts de Young. 

A pesar de quedar inédita en vida del autor, tuvo bastante éxito en décadas posteriores ya que se adelantaba al Romanticismo literario con su gusto por la noche, los cementerios, los fantasmas y el más allá.  

3.- Cartas marruecas, la obra de Cadalso que ha pasado al canon 

Son noventa y están escritas en forma de misivas o ensayos. En ellas hay dos protagonistas marroquíes (y por lo tanto ajenos a la realidad española y europea) de nombre Gazel y Ben-Beley. El español está bautizado como Nuño. Poco más sabemos de los tres únicos personajes ya que no están caracterizados como tal.  El autor ha centrado el meollo de la obra en la crítica a ciertas costumbres o modos sociales y no se entretiene en levantar psicológicamente sus protagonistas. Cartas marruecas, por tanto, es un documento irónico y crítico de una época en la que se creía firmemente en el cambio a mejor, aunque el autor diera sucesivas muestras de pesimismo. Podemos encontrar un precedente de este tipo de género (que comenzó con la literatura neoclásica) en las Cartas persas de Montesquieu. La obra fue publicada en 1808, tras la muerte del escritor, y gozó de bastante éxito entre los autores de la Generación del 68. Estos encontraron en sus líneas un pretexto y una base escrita sobre la que sustentar sus ideas sobre la terrible decadencia de España. 

El estilo en la obra de José Cadalso entre el Neoclasicismo y el Romanticismo  

Tal como he anotado anteriormente, podemos resumir lo siguiente: 

1.- La escasa obra de José Cadalso responde a todos los principios de la ilustración abanderados por el Neoclasicismo. Se pondera el espíritu crítico, racional, elegante y libre de cualquier artificio que pudiera empañar la lectura. 

2.- En ella hay un no oculto objetivo didáctico. Si por algo se caracteriza el siglo XVIII es por su deseo de transformación a través de la educación y la formación. 

3.- Siguiendo los preceptos de la Poética de Ignacio Luzán, el autor no se entretiene con un lenguaje brillante o rebuscado. Es todo lo contrario y se busca la sobriedad, la concisión y la sencillez, consideradas bases de la elegancia. 

4.- A pesar de esta militancia en todo lo que supuso el fallido periodo ilustrado en España, su obra Noches lúgubres tiene ya buena parte de las características del romanticismo literario. En ella se ha dejado aparcada la razón y se exponen sentimientos apasionados, de locura casi, que será frecuente en este periodo con su gusto por las tumbas, ánimas en pena y noches cerradas.  

Fue José Cadalso un escritor que tuvo que hacer frente en su vida a las obligaciones de su condición militar. Con una sólida formación (académica y vivencial) en su obra expone (con ironía ácida a veces) todos aquellos aspectos de una sociedad anclada en la tradición, en la superchería y en la superficialidad. Y lo hace con un estilo despojado de cualquier brizna de artificio en el que las frases se hacen claras, rotundas y sencillas. 

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla 

 

 

 

 

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El escritor Francisco Ayala

Si toda la obra del escritor Francisco Ayala (1906-2009) refleja su profunda preocupación por el ser íntimo del hombre y la relación que éste mantiene con el mundo, esta característica se hace más patente en los relatos de Los Usurpadores Antes de empezar tenemos que tener en cuenta las especiales circunstancias históricas en las que fueron concebidos los distintos capítulos. El artista recoge en cada uno de estos cuentos la profunda huella de dolor que invade el sentir de Occidente tras las contiendas bélicas mundiales y el fratricidio de la Guerra Civil Española.  

Los Usurpadores de Francisco Ayala 

Aún así, y tal como se desprende de las posteriores reflexiones escritas sobre el propio hecho literario,  Ayala no puede concebir el quehacer poético desligado de un profundo sentido filosófico. Por tanto, de las preguntas que sucesivamente ha ido formulándose el hombre:  

“La poesía nos hace vislumbrar aquello que quizá no pueda explicarse. El toque del arte está en hacer de algún modo transmisible el momento de la intuición, una hazaña de veras prodigiosa”

Francisco Ayala: Reflexiones sobre la teoría literaria (páginas 52-53). 

Y un poco más adelante no duda en suscribir la concepción propia del Romanticismo literario acerca de la labor del poeta como voz de la tribu, como mediador entre el mundo visible e invisible:

“El poeta, (...) hablando por sí, incita a los demás a recogerse en el fondo del ser y escrutar el mundo suyo y nuevo. Lo que el poema hace es incitar hacia la experiencia de lo auténtico.”  (página 56).

Los Usurpadores inaugura, según la crítica, una nueva etapa en la escritura de Ayala, caracterizada por un progresivo abandono de los flirteos gratuitos con la vanguardia para decantarse por un estilo más próximo al realismo literario

Estamos ante unos muertos que hablan de su propia muerte, de su propia esencia de muertos; pero estos muertos no son unos muertos cualesquiera, son las víctimas, la sangre derramada, de la guerra.  

Si, tal como se reconoce en el prólogo del libro Los Usurpadores de Francisco Ayala, el poder ejercido por el hombre sobre otro hombre siempre es una usurpación, entonces, ¿qué son las guerras sino meras usurpaciones? ¿Qué son todas las guerras sino el intento de imponer de forma violenta una manera de ver el mundo? Ahora bien, si las distintas voces exponen su particular visión del conflicto, nos resulta extremadamente difícil, extraer una, de entre todas ellas, que justifique la voz del narrador.

"Diálogo de los muertos" de Francisco Ayala 

Francisco Ayala nos deja solos, describe, habla y nos planta ante la terrible problemática de la guerra. Todas esas voces son igualmente válidas o justificables: desde la muerte inútil e infame hasta la muerte salvadora o redentora, esa muerte del soldado para quien “Es preciso matar para seguir viviendo”, siguiendo los poemas de Miguel Hernández.

Bajo la tierra sólo había muertos. Pero no muertos de muerte natural, de vejez, de enfermedad, de un accidente... Los que yacen, en el relato, bajo tierra son los muertos de la guerra, muertos que quieren conjurar su soledad, sus equivocaciones, sus errores o sus dudas; muertos que quieren comprender y por eso inician el diálogo.

Dialogan porque el mundo se ha quedado mudo. Pero más bien monologan, hablan sin esperar respuestas. Desde este punto de vista, el relato puede entenderse desde un plano más cercano a la poesía que a la narración en sí. En este sentido hay que tener en cuenta, en primer lugar, que no hay acción, que no suceden avatares o peripecias; es la congelación del tiempo. Nos encontramos ante un diálogo que no es tal diálogo, solo una superposición de monólogos. En segundo lugar, no solo no hay acción, sino que tampoco, hay personajes. Es, simplemente, un canto, una elegía, tal como se señala en el propio sub-título; en definitiva, un poema -planteado desde un punto de vista tremendamente lírico, rozando, incluso, el patetismo- en el que se ahonda en el lado más cruel del hombre. 

Un comentario de “Diálogo de los muertos” en Los Usurpadores de Francisco Ayala

Esa red de monólogos que se entrelazan entre sí en el relato deja vislumbrar la profunda soledad e incomprensión del ser humano contemporáneo. En el fondo, lo que se transparenta es la casi imposibilidad de comunicación, una imposibilidad de diálogo que, en su forma más extrema, conduce al conflicto bélico. 

En palabras de Octavio Paz:  

“La contradicción del diálogo consiste en que cada uno habla consigo mismo al hablar con los otros; la del monólogo en que nunca soy yo, sino otro, el que escucha lo que me digo a mí mismo. La poesía ha sido siempre una tentativa por resolver esta discordia por medio de una conversación de los términos: el yo del diálogo en el tú del monólogo. La poesía nos dice: yo soy tú; dice: mi yo eres tú. La imagen poética es la otredad. El fenómeno moderno de la incomunicación no depende tanto de la pluralidad de sujetos cuanto de la desaparición del tú como elemento constitutivo de cada conciencia. No hablamos con los otros porque no podemos hablar con nosotros mismos” (1996: 261).   

O lo que Francisco Ayala describe como  

“Y los muertos, bajo la mudez angustiosa y como definitiva del mundo, entablaron un diálogo soterrado, sin comienzo ni final, ni acentos ni pausas: o quizás, mejor tejieron una red de monólogos dichos en voz apagada y blanda como ruido de pasos sobre las hojas caídas en un sendero sucias de barro e invierno” (1949:226).  

Es un diálogo pero no sabemos cuántas voces hay; cuántos son los que lloran, los que se quejan o suplican; no conocemos el número de los que hablan de su yo sin tener en cuenta el tú, los que intentan comunicarse sin saber quienes son, sin saber, siquiera, donde terminan su propio yo para empezar el tú: 

 “Esta mano (...) ¿perteneció a un amigo o a un enemigo?” (1949:226).  

Si ese yo no está bien delimitado, definido en sus fronteras, difícilmente podrá relacionarse con el otro, difícilmente podrá salir de sí para entender al otro. 

Esta incomunicación del mundo de los muertos podría trasladarse, en parte, al mundo de los vivos. Sería el espejo, la representación bajo la tierra, de aquello que sucede sobre la tierra. Dos niveles que no son tan distintos entre sí. 

En esa forma poética que el escritor ha adoptado percibimos ecos de la tragedia procedente de la literatura griega en la que las frases o las estrofas sucesivas del coro nos hacen entrar en el ritmo primigenio; el ritmo que puede llevar al éxtasis y, a través de él, al conocimiento de lo desconocido. 

En “Diálogo de los muertos” el ritmo no se marca con un estribillo sino que se señala con sucesivas enumeraciones de elementos: 

“...cementerio las marismas, los valles, las llanuras, las montañas violentas y las dulces rías, los huertos y los jardines; cementerio las lagunas y pantanos: cementerio los suburbios de las ciudades, el borde de las carreteras, las playas, el lecho de los ríos. Y los hombres mismos son cementerio de sus muertos...” (1949:234)  

y más adelante, la prosa se convierte casi en una enumeración armónica y rítmica de elementos abstractos: 

 “-Queda el inocente valor de los soldados/ -El odio conmovedor de los niños/ -El dolor orgulloso de las mujeres / -La callada paciencia de los viejos/ -La fe sin esperanza / -La obstinación sin salida/ -La virtud sin loa – El deber sin reconocimiento y el sacrificio sin premio.” (1949: 237).  

Y al poco de comenzar la narración Francisco Ayala nos enumera el tipo de muertos que nos vamos a encontrar en el texto, consiguiendo ese ritmo trascendente de la poesía que busca la unión con el ser. Son, en definitiva, los 

 “muertos preñados con el plomo de su muerte; muertos retorcidos en el horror de su martirio; muertos consumidos en la perfección absoluta de su hambre; muertos.” (1949:226) 

Estamos ante la muerte matérica, no ante la muerte espiritual; los muertos de Ayala están fundidos con la tierra, con la nada y el silencio de la tierra, no están en otro mundo –más etéreo, espiritual, quizás-; siguen estando aquí en el mundo de los vivos, con el mismo dolor de los vivos. 

Los vivos son sombras de los muertos: 

 “Pues parecen seres vivientes, y quizás creen serlo; pero no son sino nuestras sombras, dobladas de dolor, silenciosas, errabundas, vacías aterrorizadas” (1949:229). Si no hay otro lado, otro mundo, lo único que tenemos es el fragmento, no es posible la unidad, la propia unidad con el mundo, o esa unidad, si es posible, sólo puede hacerse en la muerte. “Así es, sin embargo; todos iguales. Y todos igual a la nada. Es la grande y redonda verdad, a la que se llega por todos los caminos del mundo”. (1949: 227). 

Desde el inicio del relato, Ayala nos introduce de lleno en ese otro mundo que está bajo la tierra: es el mundo de los muertos; los que están abajo, en contraposición a los que están sobre, los que están arriba, los que están vivos. “Sin descanso, hora tras hora durante muchos días, había estado lloviendo sobre la tierra” (1949:225). No llueve sobre las cosas, no llueve sobre la naturaleza, sobre las obras del hombre o sobre el hombre mismo, sino que nada más llueve sobre la tierra, como si fuera la tierra lo único que existiera, como si fuera esa tierra habitada por los muertos de la guerra lo único verdadero, como si fuera sólo ese dolor lo único que ha quedado en el mundo. Y más adelante se abunda en la imagen de acabamiento: en la nada, en la oscuridad, en el silencio:  

“No había nada por ninguna parte. Nada, sino silencio”. Esta nada, este silencio es el vacío primigenio, engendrado por el caos que, según las diversas concepciones religiosas, es el germen del mundo, de la vida, de las palabras que, a su vez, conciben el universo. 

El texto es la manifestación de la nada, del vacío, del silencio, es la inminencia del poema en el que se contiene todo el universo. Y es inminencia del poema, es decir, el universo entero porque es nada, vacío y silencio. Es poema porque en el interior habita el ser que es, en definitiva, todo lo posible. El hombre, en “Diálogo de los muertos” (perteneciente a la obra Los Usurpadores de Francisco Ayala), al destruir el mundo que habita, destruye también el sentido de su vivir, su propio tiempo; no sólo  el tiempo presente sino también el pasado y el futuro. Pero esa misma destrucción, ese vacío que queda tras la hecatombe, puede ser el germen para un mundo nuevo, para nuevas palabras que nazcan de las cenizas del mundo antiguo; un nuevo susurro vislumbrado justo al final del texto: “En la oscurecida tierra sólo se oía un rumor de oculta acequia” (1949:238)

Bibliografía:

ANTOLÍN, E: Ayala sin olvidos. Madrid. Espasa-Calpe. 1993

AYALA, F: Los Usurpadores. Buenos Aires. Editorial Sudamerica. 1949

AYALA, F: Reflexiones sobre la estructura narrativa. Madrid. Taurus. 1970

IRIZARRY, E: Teoría y creación literaria en Francisco Ayala. Madrid. Gredos. 1971

PAZ, O: El arco y la lira. México. FCE. 1996

VÁZQUED MEDEL, M.A. (ed): El universo plural de Francisco Ayala. Sevilla. Alfar. 1995

VÁZQUED MEDEL, M.A. (ed): Francisco Ayala: el escritor en su siglo. Sevilla. Alfar. 1998

 

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

 

 

 

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El escritor Francisco Ayala

Si toda la obra del escritor Francisco Ayala (1906-2009) refleja su profunda preocupación por el ser íntimo del hombre y la relación que éste mantiene con el mundo, esta característica se hace más patente en los relatos de Los Usurpadores Antes de empezar tenemos que tener en cuenta las especiales circunstancias históricas en las que fueron concebidos los distintos capítulos. El artista recoge en cada uno de estos cuentos la profunda huella de dolor que invade el sentir de Occidente tras las contiendas bélicas mundiales y el fratricidio de la Guerra Civil Española.  

Los Usurpadores de Francisco Ayala 

Aún así, y tal como se desprende de las posteriores reflexiones escritas sobre el propio hecho literario,  Ayala no puede concebir el quehacer poético desligado de un profundo sentido filosófico. Por tanto, de las preguntas que sucesivamente ha ido formulándose el hombre:  

“La poesía nos hace vislumbrar aquello que quizá no pueda explicarse. El toque del arte está en hacer de algún modo transmisible el momento de la intuición, una hazaña de veras prodigiosa”

Francisco Ayala: Reflexiones sobre la teoría literaria (páginas 52-53). 

Y un poco más adelante no duda en suscribir la concepción propia del Romanticismo literario acerca de la labor del poeta como voz de la tribu, como mediador entre el mundo visible e invisible:

“El poeta, (...) hablando por sí, incita a los demás a recogerse en el fondo del ser y escrutar el mundo suyo y nuevo. Lo que el poema hace es incitar hacia la experiencia de lo auténtico.”  (página 56).

Los Usurpadores inaugura, según la crítica, una nueva etapa en la escritura de Ayala, caracterizada por un progresivo abandono de los flirteos gratuitos con la vanguardia para decantarse por un estilo más próximo al realismo literario

Estamos ante unos muertos que hablan de su propia muerte, de su propia esencia de muertos; pero estos muertos no son unos muertos cualesquiera, son las víctimas, la sangre derramada, de la guerra.  

Si, tal como se reconoce en el prólogo del libro Los Usurpadores de Francisco Ayala, el poder ejercido por el hombre sobre otro hombre siempre es una usurpación, entonces, ¿qué son las guerras sino meras usurpaciones? ¿Qué son todas las guerras sino el intento de imponer de forma violenta una manera de ver el mundo? Ahora bien, si las distintas voces exponen su particular visión del conflicto, nos resulta extremadamente difícil, extraer una, de entre todas ellas, que justifique la voz del narrador.

"Diálogo de los muertos" de Francisco Ayala 

Francisco Ayala nos deja solos, describe, habla y nos planta ante la terrible problemática de la guerra. Todas esas voces son igualmente válidas o justificables: desde la muerte inútil e infame hasta la muerte salvadora o redentora, esa muerte del soldado para quien “Es preciso matar para seguir viviendo”, siguiendo los poemas de Miguel Hernández.

Bajo la tierra sólo había muertos. Pero no muertos de muerte natural, de vejez, de enfermedad, de un accidente... Los que yacen, en el relato, bajo tierra son los muertos de la guerra, muertos que quieren conjurar su soledad, sus equivocaciones, sus errores o sus dudas; muertos que quieren comprender y por eso inician el diálogo.

Dialogan porque el mundo se ha quedado mudo. Pero más bien monologan, hablan sin esperar respuestas. Desde este punto de vista, el relato puede entenderse desde un plano más cercano a la poesía que a la narración en sí. En este sentido hay que tener en cuenta, en primer lugar, que no hay acción, que no suceden avatares o peripecias; es la congelación del tiempo. Nos encontramos ante un diálogo que no es tal diálogo, solo una superposición de monólogos. En segundo lugar, no solo no hay acción, sino que tampoco, hay personajes. Es, simplemente, un canto, una elegía, tal como se señala en el propio sub-título; en definitiva, un poema -planteado desde un punto de vista tremendamente lírico, rozando, incluso, el patetismo- en el que se ahonda en el lado más cruel del hombre. 

Un comentario de “Diálogo de los muertos” en Los Usurpadores de Francisco Ayala

Esa red de monólogos que se entrelazan entre sí en el relato deja vislumbrar la profunda soledad e incomprensión del ser humano contemporáneo. En el fondo, lo que se transparenta es la casi imposibilidad de comunicación, una imposibilidad de diálogo que, en su forma más extrema, conduce al conflicto bélico. 

En palabras de Octavio Paz:  

“La contradicción del diálogo consiste en que cada uno habla consigo mismo al hablar con los otros; la del monólogo en que nunca soy yo, sino otro, el que escucha lo que me digo a mí mismo. La poesía ha sido siempre una tentativa por resolver esta discordia por medio de una conversación de los términos: el yo del diálogo en el tú del monólogo. La poesía nos dice: yo soy tú; dice: mi yo eres tú. La imagen poética es la otredad. El fenómeno moderno de la incomunicación no depende tanto de la pluralidad de sujetos cuanto de la desaparición del tú como elemento constitutivo de cada conciencia. No hablamos con los otros porque no podemos hablar con nosotros mismos” (1996: 261).   

O lo que Francisco Ayala describe como  

“Y los muertos, bajo la mudez angustiosa y como definitiva del mundo, entablaron un diálogo soterrado, sin comienzo ni final, ni acentos ni pausas: o quizás, mejor tejieron una red de monólogos dichos en voz apagada y blanda como ruido de pasos sobre las hojas caídas en un sendero sucias de barro e invierno” (1949:226).  

Es un diálogo pero no sabemos cuántas voces hay; cuántos son los que lloran, los que se quejan o suplican; no conocemos el número de los que hablan de su yo sin tener en cuenta el tú, los que intentan comunicarse sin saber quienes son, sin saber, siquiera, donde terminan su propio yo para empezar el tú: 

 “Esta mano (...) ¿perteneció a un amigo o a un enemigo?” (1949:226).  

Si ese yo no está bien delimitado, definido en sus fronteras, difícilmente podrá relacionarse con el otro, difícilmente podrá salir de sí para entender al otro. 

Esta incomunicación del mundo de los muertos podría trasladarse, en parte, al mundo de los vivos. Sería el espejo, la representación bajo la tierra, de aquello que sucede sobre la tierra. Dos niveles que no son tan distintos entre sí. 

En esa forma poética que el escritor ha adoptado percibimos ecos de la tragedia procedente de la literatura griega en la que las frases o las estrofas sucesivas del coro nos hacen entrar en el ritmo primigenio; el ritmo que puede llevar al éxtasis y, a través de él, al conocimiento de lo desconocido. 

En “Diálogo de los muertos” el ritmo no se marca con un estribillo sino que se señala con sucesivas enumeraciones de elementos: 

“...cementerio las marismas, los valles, las llanuras, las montañas violentas y las dulces rías, los huertos y los jardines; cementerio las lagunas y pantanos: cementerio los suburbios de las ciudades, el borde de las carreteras, las playas, el lecho de los ríos. Y los hombres mismos son cementerio de sus muertos...” (1949:234)  

y más adelante, la prosa se convierte casi en una enumeración armónica y rítmica de elementos abstractos: 

 “-Queda el inocente valor de los soldados/ -El odio conmovedor de los niños/ -El dolor orgulloso de las mujeres / -La callada paciencia de los viejos/ -La fe sin esperanza / -La obstinación sin salida/ -La virtud sin loa – El deber sin reconocimiento y el sacrificio sin premio.” (1949: 237).  

Y al poco de comenzar la narración Francisco Ayala nos enumera el tipo de muertos que nos vamos a encontrar en el texto, consiguiendo ese ritmo trascendente de la poesía que busca la unión con el ser. Son, en definitiva, los 

 “muertos preñados con el plomo de su muerte; muertos retorcidos en el horror de su martirio; muertos consumidos en la perfección absoluta de su hambre; muertos.” (1949:226) 

Estamos ante la muerte matérica, no ante la muerte espiritual; los muertos de Ayala están fundidos con la tierra, con la nada y el silencio de la tierra, no están en otro mundo –más etéreo, espiritual, quizás-; siguen estando aquí en el mundo de los vivos, con el mismo dolor de los vivos. 

Los vivos son sombras de los muertos: 

 “Pues parecen seres vivientes, y quizás creen serlo; pero no son sino nuestras sombras, dobladas de dolor, silenciosas, errabundas, vacías aterrorizadas” (1949:229). Si no hay otro lado, otro mundo, lo único que tenemos es el fragmento, no es posible la unidad, la propia unidad con el mundo, o esa unidad, si es posible, sólo puede hacerse en la muerte. “Así es, sin embargo; todos iguales. Y todos igual a la nada. Es la grande y redonda verdad, a la que se llega por todos los caminos del mundo”. (1949: 227). 

Desde el inicio del relato, Ayala nos introduce de lleno en ese otro mundo que está bajo la tierra: es el mundo de los muertos; los que están abajo, en contraposición a los que están sobre, los que están arriba, los que están vivos. “Sin descanso, hora tras hora durante muchos días, había estado lloviendo sobre la tierra” (1949:225). No llueve sobre las cosas, no llueve sobre la naturaleza, sobre las obras del hombre o sobre el hombre mismo, sino que nada más llueve sobre la tierra, como si fuera la tierra lo único que existiera, como si fuera esa tierra habitada por los muertos de la guerra lo único verdadero, como si fuera sólo ese dolor lo único que ha quedado en el mundo. Y más adelante se abunda en la imagen de acabamiento: en la nada, en la oscuridad, en el silencio:  

“No había nada por ninguna parte. Nada, sino silencio”. Esta nada, este silencio es el vacío primigenio, engendrado por el caos que, según las diversas concepciones religiosas, es el germen del mundo, de la vida, de las palabras que, a su vez, conciben el universo. 

El texto es la manifestación de la nada, del vacío, del silencio, es la inminencia del poema en el que se contiene todo el universo. Y es inminencia del poema, es decir, el universo entero porque es nada, vacío y silencio. Es poema porque en el interior habita el ser que es, en definitiva, todo lo posible. El hombre, en “Diálogo de los muertos” (perteneciente a la obra Los Usurpadores de Francisco Ayala), al destruir el mundo que habita, destruye también el sentido de su vivir, su propio tiempo; no sólo  el tiempo presente sino también el pasado y el futuro. Pero esa misma destrucción, ese vacío que queda tras la hecatombe, puede ser el germen para un mundo nuevo, para nuevas palabras que nazcan de las cenizas del mundo antiguo; un nuevo susurro vislumbrado justo al final del texto: “En la oscurecida tierra sólo se oía un rumor de oculta acequia” (1949:238)

Bibliografía:

ANTOLÍN, E: Ayala sin olvidos. Madrid. Espasa-Calpe. 1993

AYALA, F: Los Usurpadores. Buenos Aires. Editorial Sudamerica. 1949

AYALA, F: Reflexiones sobre la estructura narrativa. Madrid. Taurus. 1970

IRIZARRY, E: Teoría y creación literaria en Francisco Ayala. Madrid. Gredos. 1971

PAZ, O: El arco y la lira. México. FCE. 1996

VÁZQUED MEDEL, M.A. (ed): El universo plural de Francisco Ayala. Sevilla. Alfar. 1995

VÁZQUED MEDEL, M.A. (ed): Francisco Ayala: el escritor en su siglo. Sevilla. Alfar. 1998

 

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

 

 

 

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El protagonista de Mientras tuvimos alas de Juan Cobos Wilkins lleva el sugestivo nombre de Arcadio. Arcadio antes de llamarse Arcadio se llamó Ismael. Ismael antes de llamarse Ismael se llamó Jonás. Arcadio, un niño que vive “en el tiempo del asombro” y que no ha sido tragado por ninguna ballena y que no es hijo de Abraham, tiene un soplo en el corazón y colecciona palabras, palabras con el poder de descubrir todos los mundos. Puede llegar incluso el mundo aquél que no conoce todavía porque es un mundo que no debe conocer todavía.

Argumento de Mientras tuvimos alas de Juan Cobos Wilkins 

Mientras tuvimos alas narra el tiempo del despertar de un niño sensible al mundo de los adultos, a ese otro mundo en el que la realidad exterior se irá imponiendo paulatinamente en detrimento del mundo interior de la fantasía y los juegos. Asistimos a un cambio, a una metamorfosis, como las de las mariposas que al protagonista le gusta observar.  Y también es como ese lugar paradisíaco junto al mar alejado de la civilización que empieza a sufrir los primeros atisbos de transformación de la mano de la obligada modernización.  

Mientras tuvimos alas narra el tiempo del despertar al mundo intuido del amor carnal y a la constatación de la fuerza que ejerce la atracción física –personalizada en la tata de belleza exuberante-. Narra el tiempo del último verano de la niñez acompañado de la presencia fantasmal de una prima de aspecto virginal y nombre exótico, muerta antes del nacimiento de Arcadio. Narra el tiempo del despertar de un niño que ha sido moldeado por las ideas de un padrino –un extravagante escritor que atesora ediciones de poetas suicidas-. Arcadio es iniciado por este en el misterio de los ángeles, en aquella certeza de que en todo ángel habita un ser terrible –parafraseando a Rilke-. Y el padrino continúa con esa dicotomía, ya que en todo lo vivo coexiste la dualidad: el blanco junto al negro, las semillas del bien y del mal germinando en el mismo árbol, la vida efímera perseguida por la muerte eterna, la ambigüedad del ser o no ser.

Arcadio que, a veces, es Ismael y, a veces, Jonás, llega a conocer en ese verano en el que ya no es un niño, pero tampoco un adulto, el secreto de la casa encantada y el de la contadoras de olas. Es ella un enigmático ser arrastrada a la locura –sospechamos que por su búsqueda de lo sublime-. Así le dice al niño después de haberle revelado en su primer encuentro:  

“Difícil es combatir el deseo. Lo que anhela lo compra con el alma... Conozco a tu doble. Yo veo tu sombra huída”. 

Mientras tuvimos alas es la novela de un poeta 

En este “tiempo del asombro” lo que sucede, sobre todo, es la entrada en escena de la conciencia de la elección, la necesidad de elegir, aunque la elección conlleve la derrota y la caída tal como sucedió con Luzbel. En la obra, el ángel de las tinieblas pero, también, de la luz, el más bello de entre los ángeles, el que fue castigado porque se negó a postrarse ante un dios que exige, ante todo, obediencia, se convierte en el símbolo de la rebeldía, pero también de la libertad. Non serviam sería así la expresión del primer acto libre. 

Mientras tuvimos alas de Juan Cobos Wilkins es, ante todo, la novela de un poeta. Es una obra repleta de personajes casi etéreos que sienten la vida desde el otro lado invisible que habita en las criaturas y en el revés de las cosas. Son estos personajes unos solitarios que únicamente tienen para sobrevivir sus propios sueños.  Y Arcadio en su visión del Paríso nos dice: 

“Sin tu pensamiento, sin tus sueños, no hay nada.”

 

Sin tus sueños solo queda el vacío y la muerte.

 

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

 

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El protagonista de Mientras tuvimos alas de Juan Cobos Wilkins lleva el sugestivo nombre de Arcadio. Arcadio antes de llamarse Arcadio se llamó Ismael. Ismael antes de llamarse Ismael se llamó Jonás. Arcadio, un niño que vive “en el tiempo del asombro” y que no ha sido tragado por ninguna ballena y que no es hijo de Abraham, tiene un soplo en el corazón y colecciona palabras, palabras con el poder de descubrir todos los mundos. Puede llegar incluso el mundo aquél que no conoce todavía porque es un mundo que no debe conocer todavía.

Argumento de Mientras tuvimos alas de Juan Cobos Wilkins 

Mientras tuvimos alas narra el tiempo del despertar de un niño sensible al mundo de los adultos, a ese otro mundo en el que la realidad exterior se irá imponiendo paulatinamente en detrimento del mundo interior de la fantasía y los juegos. Asistimos a un cambio, a una metamorfosis, como las de las mariposas que al protagonista le gusta observar.  Y también es como ese lugar paradisíaco junto al mar alejado de la civilización que empieza a sufrir los primeros atisbos de transformación de la mano de la obligada modernización.  

Mientras tuvimos alas narra el tiempo del despertar al mundo intuido del amor carnal y a la constatación de la fuerza que ejerce la atracción física –personalizada en la tata de belleza exuberante-. Narra el tiempo del último verano de la niñez acompañado de la presencia fantasmal de una prima de aspecto virginal y nombre exótico, muerta antes del nacimiento de Arcadio. Narra el tiempo del despertar de un niño que ha sido moldeado por las ideas de un padrino –un extravagante escritor que atesora ediciones de poetas suicidas-. Arcadio es iniciado por este en el misterio de los ángeles, en aquella certeza de que en todo ángel habita un ser terrible –parafraseando a Rilke-. Y el padrino continúa con esa dicotomía, ya que en todo lo vivo coexiste la dualidad: el blanco junto al negro, las semillas del bien y del mal germinando en el mismo árbol, la vida efímera perseguida por la muerte eterna, la ambigüedad del ser o no ser.

Arcadio que, a veces, es Ismael y, a veces, Jonás, llega a conocer en ese verano en el que ya no es un niño, pero tampoco un adulto, el secreto de la casa encantada y el de la contadoras de olas. Es ella un enigmático ser arrastrada a la locura –sospechamos que por su búsqueda de lo sublime-. Así le dice al niño después de haberle revelado en su primer encuentro:  

“Difícil es combatir el deseo. Lo que anhela lo compra con el alma... Conozco a tu doble. Yo veo tu sombra huída”. 

Mientras tuvimos alas es la novela de un poeta 

En este “tiempo del asombro” lo que sucede, sobre todo, es la entrada en escena de la conciencia de la elección, la necesidad de elegir, aunque la elección conlleve la derrota y la caída tal como sucedió con Luzbel. En la obra, el ángel de las tinieblas pero, también, de la luz, el más bello de entre los ángeles, el que fue castigado porque se negó a postrarse ante un dios que exige, ante todo, obediencia, se convierte en el símbolo de la rebeldía, pero también de la libertad. Non serviam sería así la expresión del primer acto libre. 

Mientras tuvimos alas de Juan Cobos Wilkins es, ante todo, la novela de un poeta. Es una obra repleta de personajes casi etéreos que sienten la vida desde el otro lado invisible que habita en las criaturas y en el revés de las cosas. Son estos personajes unos solitarios que únicamente tienen para sobrevivir sus propios sueños.  Y Arcadio en su visión del Paríso nos dice: 

“Sin tu pensamiento, sin tus sueños, no hay nada.”

 

Sin tus sueños solo queda el vacío y la muerte.

 

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

 

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En España, la poesía del Neoclasicismo se desarrolla en el último tercio del siglo XVIII siguiendo los preceptos de la Poética de Luzán y rechazando, a la par, los fundamentos literarios del estilo barroco. Encuadrada en la revolución cultural y social del llamado Siglo de las Luces, estaba llamada a fomentar el cambio educativo que, según la élite ilustrada, necesitaba el mundo. Es ahora cuando surgen los procesos científicos y racionalistas basados en el empirismo y la observación de la naturaleza. Y este proceso científico se pretende trasladar a todos los órdenes de la vida, desde la política o la organización social hasta las artes. 

 

Bases culturales para entender la poesía del Neoclasicismo

Antes de adentrarnos en sus características y modelos, es necesario entender los cambios que se producen en la época en todos los sentidos. En primer lugar, asistimos a transformaciones políticas de calado. El poder de la monarquía absoluta, atrincherada en una vida de excesos y alineada con la Iglesia, llega a su fin de una manera dramática: la Revolución Francesa. Reduciendo y resumiendo mucho, la época conoce el desarrollo de las ideas liberales, del parlamentarismo y, a la par, surgen las nuevas naciones americanas tras la independencia de las metrópolis. Todo ello crea un clima propicio para abrazar las libertades básicas y, a la par, se ahonda (al menos a nivel intelectual) en la necesidad de transformar la educación a todos los niveles. El objetivo era formar a las nuevas generaciones en oficios útiles para la sociedad más allá de los estudios memorísticos. Los tiempos se centran en crear espacios alejados del poder tradicional ensalzando las virtudes civiles. Todo ello se manifiesta en la rica arquitectura del Neoclasicismo empeñada en levantar edificios laicos en todos los rincones de Europa y América. 

A la par, no podemos entender el nuevo gusto ilustrado sin las excavaciones en Pompeya y Herculano, en Nápoles. Si el literatura renacentista había recuperado la tradición de la literatura griega o romana, ahora surgen las viviendas con sus frescos y enseres, esculturas romanas de elegante sobriedad prácticamente intactas y un urbanismo radicalmente distinto al existente. Se entienden los procesos de alcantarillado romano y se intenta emular en las nuevas ciudades europeas o americanas. Aunque parezca de poco importancia, la mejora de las condiciones sanitarias para un amplio porcentaje de la población hace que se tenga fe en un futuro radicalmente distinto al vivido en los siglos anteriores.  

Paralelamente, todo ese descubrimiento de la Antigüedad clásica que es fundamental para entender las características de la arquitectura neoclásica y la escultura de la época no sería posible sin el Grand Tour. Era este un viaje de fin de estudios por parte de la élite europea hacia las tierras italianas y, a veces, se llegaba hasta lugares remotos como Estambul y Egipto. El contacto con las ruinas del pasado crea un nuevo gusto, el “buen gusto”, elegante, mesurado, sencillo y tranquilo con el que se quiere caracterizar todas las artes, incluso, la poesía neoclásica.  

Definición de poesía del Neoclasicismo 

Con estas bases, podemos describir la poesía neoclásica como aquella surgida (en España que en Europa fue antes) a partir del último tercio del siglo XVIII y llega, incluso, hasta las primeras décadas del siglo XIX. Los literatos que se enfrentan a estas letras reniegan (aunque a veces no lo consiguen) de la oscuridad semántica de la literatura barroca y, especialmente, de los desmanes del último gongorismo. Para ello proponen que los versos sean sencillos, alejados de metáforas complejas y rebuscamientos innecesarios. A la par, rechazan las alegrías de la imaginación y promueven un arte literario útil encaminado al progreso moral de la sociedad. Esto propicia, como podemos leer en estos ejemplos de poemas del Neoclasicismo, que los versos estén desprovistos de pasión desaforada y que en ellos destaquen una serena sensibilidad sin los alardes estilísticos de las épocas anteriores. 

Características de la poesía neoclásica

Resumiendo mucho tenemos: 

1.- El escritor hace gala de un espíritu reformista y enarbola las banderas de cambio y libertad que se dan en la época. 

2.- Todo ello se hace con mesura, buen juicio, equilibrio elegante sin manifestar grandes pasiones como sucedería décadas más tarde con el Romanticismo literario. 

3.- La poesía tiene que poner de manifiesto esta nueva mentalidad de manera consciente. 

4.- El objetivo principal es la claridad y esta, además, tiene que surgir de un proceso mental más que del ahondamiento de los sentimientos. 

5.- Se busca el orden y la armonía. Y para ello se renuncia al ingenio, al rebuscamiento o a las metáforas elaboradas. 

6.- El lema es la búsqueda del buen gusto y este gira alrededor de la sobriedad, la serenidad y el clasicismo. 

7.- A la par que se reeditan los grandes autores de la Antigüedad en ediciones cuidadas desde el punto de vista filológico se retoma la lectura de la lírica renacentista. En España, se pone como modelo a Garcilaso de la Vega

8.- Se reniega de la trivialidad en la poesía, del sentimentalismo, de las emociones y se busca la belleza a través de la racionalidad. Sin embargo, todo esto coarta el genio y hace que pocos ejemplos de la poesía neoclásica alcancen el canon literario. 

9.- La literatura tiene que tener un objetivo pedagógico o moralizante y tiene que servir para formar a los lectores en los valores cívicos del Nuevo Régimen. 

10.- Todo esto degenera, a veces, en el prosaísmo. 

La poesía pastoril del siglo XVIII

Las normas antes reseñadas no han sido clarificadas a posteriori sino que estaban plenamente conscientes en la época. Por eso, algunos poetas, encontraron en los modelos de la novela pastoril la única manera de llevar a cabo estas normas y caracteres. El mundo bucólico, perfecto, ordenado en el que unos pastores idealizados expresan su amor se retoma en la poesía del Neoclasicismo para representar unos sentimientos medidos y amansados. Estamos de acuerdo con la palabras de Juan Luis Alborg:  

“El optimismo reformista encontraba en esta maravillosa escenografía bucólica la réplica artística a las aspiraciones ilustradas de un mundo mejor.”  

Poetas del Neoclasicismo español 

1.- Nicolás Fernández de Moratín, nacido en la Corte en 1737.  Recibió una exquisita educación y se dedicó a la escritura llevado de una profunda conciencia social. Realizó estudios críticos con el fin de reformar el teatro que, según su criterio, había degenerado en un espectáculo vulgar y deprimente. Sus poemas circularon por el circuito culto madrileño y no fueron editados hasta su muerte en 1780. 

2.- Leandro Fernández de Moratín, hijo del anterior, nació en Madrid en 1760. De complexión enfermiza y carácter retraído, fue un auténtico intelectual con gran desempeño en todos los géneros de la escritura. Crítico con la sociedad de su tiempo, emigró a París donde murió en 1828. Su obras teatrales El sí de las niñas o La derrota de los pedantes han entrado en el canon, así como los versos de Sátira contra los vicios.

3.- José María Vaca de Guzmán (1744-1803), autor de Viajes de Enrique Wanton

4.- El Conde de Noroña, Gaspar María de Nava (1760-1815), desempeñó, además, tareas diplomáticas. 

5.- José de Vargas Ponce (1760-1821) en la línea del perfecto erudito ilustrado. 

6.- Juan Bautista Arriaza (1770-1837) se inició en la poesía del Neoclasicismo, aunque acabó entrando en el prerromanticismo y, además, no participaba de los ideales liberales del Siglo de las Luces, ya que fue partidario del absolutista Fernando VII. 

7.- Fray Diego González (1733-1794), monje agustino perteneciente a la Escuela de Salamanca, escribió versos pastoriles de fuerte contenido amoroso. En sus poemas aparecía como Delio, pseudónimo con el que además firmaba sus libros. 

8.- Juan Meléndez Valdés (1754-1817) es quizás el mejor representante de la poesía del Neoclasicismo. Fue también un jurista comprometido con los ideales liberales. Murió en el exilio.  

En definitiva, la poesía del Neoclasicismo no puede entenderse sin la época en la que surgió. Los fuertes cambios políticos y sociales que se pretendían realizar (fallidos en España con el regreso del absolutista Fernando VII) necesitaban del apoyo de las artes. Es la época de la creación de las academias (historia, literatura…), el periodismo o las tertulias donde se debatía la necesidad del parlamentarismo. Se construyeron edificios civiles alejados de palacios e iglesias y se buscaba la sencillez (valor burgués) por encima de los fastos barrocos. Si bien el espíritu ilustrado pervivió en los ensayos y en la ciencia (en España a duras penas), en literatura muy pronto se buscó otros modelos que ensalzaran las pasiones y las emociones, a veces, alteradas. Eso llegó con el Romanticismo literario.  

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

 

 

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En España, la poesía del Neoclasicismo se desarrolla en el último tercio del siglo XVIII siguiendo los preceptos de la Poética de Luzán y rechazando, a la par, los fundamentos literarios del estilo barroco. Encuadrada en la revolución cultural y social del llamado Siglo de las Luces, estaba llamada a fomentar el cambio educativo que, según la élite ilustrada, necesitaba el mundo. Es ahora cuando surgen los procesos científicos y racionalistas basados en el empirismo y la observación de la naturaleza. Y este proceso científico se pretende trasladar a todos los órdenes de la vida, desde la política o la organización social hasta las artes. 

 

Bases culturales para entender la poesía del Neoclasicismo

Antes de adentrarnos en sus características y modelos, es necesario entender los cambios que se producen en la época en todos los sentidos. En primer lugar, asistimos a transformaciones políticas de calado. El poder de la monarquía absoluta, atrincherada en una vida de excesos y alineada con la Iglesia, llega a su fin de una manera dramática: la Revolución Francesa. Reduciendo y resumiendo mucho, la época conoce el desarrollo de las ideas liberales, del parlamentarismo y, a la par, surgen las nuevas naciones americanas tras la independencia de las metrópolis. Todo ello crea un clima propicio para abrazar las libertades básicas y, a la par, se ahonda (al menos a nivel intelectual) en la necesidad de transformar la educación a todos los niveles. El objetivo era formar a las nuevas generaciones en oficios útiles para la sociedad más allá de los estudios memorísticos. Los tiempos se centran en crear espacios alejados del poder tradicional ensalzando las virtudes civiles. Todo ello se manifiesta en la rica arquitectura del Neoclasicismo empeñada en levantar edificios laicos en todos los rincones de Europa y América. 

A la par, no podemos entender el nuevo gusto ilustrado sin las excavaciones en Pompeya y Herculano, en Nápoles. Si el literatura renacentista había recuperado la tradición de la literatura griega o romana, ahora surgen las viviendas con sus frescos y enseres, esculturas romanas de elegante sobriedad prácticamente intactas y un urbanismo radicalmente distinto al existente. Se entienden los procesos de alcantarillado romano y se intenta emular en las nuevas ciudades europeas o americanas. Aunque parezca de poco importancia, la mejora de las condiciones sanitarias para un amplio porcentaje de la población hace que se tenga fe en un futuro radicalmente distinto al vivido en los siglos anteriores.  

Paralelamente, todo ese descubrimiento de la Antigüedad clásica que es fundamental para entender las características de la arquitectura neoclásica y la escultura de la época no sería posible sin el Grand Tour. Era este un viaje de fin de estudios por parte de la élite europea hacia las tierras italianas y, a veces, se llegaba hasta lugares remotos como Estambul y Egipto. El contacto con las ruinas del pasado crea un nuevo gusto, el “buen gusto”, elegante, mesurado, sencillo y tranquilo con el que se quiere caracterizar todas las artes, incluso, la poesía neoclásica.  

Definición de poesía del Neoclasicismo 

Con estas bases, podemos describir la poesía neoclásica como aquella surgida (en España que en Europa fue antes) a partir del último tercio del siglo XVIII y llega, incluso, hasta las primeras décadas del siglo XIX. Los literatos que se enfrentan a estas letras reniegan (aunque a veces no lo consiguen) de la oscuridad semántica de la literatura barroca y, especialmente, de los desmanes del último gongorismo. Para ello proponen que los versos sean sencillos, alejados de metáforas complejas y rebuscamientos innecesarios. A la par, rechazan las alegrías de la imaginación y promueven un arte literario útil encaminado al progreso moral de la sociedad. Esto propicia, como podemos leer en estos ejemplos de poemas del Neoclasicismo, que los versos estén desprovistos de pasión desaforada y que en ellos destaquen una serena sensibilidad sin los alardes estilísticos de las épocas anteriores. 

Características de la poesía neoclásica

Resumiendo mucho tenemos: 

1.- El escritor hace gala de un espíritu reformista y enarbola las banderas de cambio y libertad que se dan en la época. 

2.- Todo ello se hace con mesura, buen juicio, equilibrio elegante sin manifestar grandes pasiones como sucedería décadas más tarde con el Romanticismo literario. 

3.- La poesía tiene que poner de manifiesto esta nueva mentalidad de manera consciente. 

4.- El objetivo principal es la claridad y esta, además, tiene que surgir de un proceso mental más que del ahondamiento de los sentimientos. 

5.- Se busca el orden y la armonía. Y para ello se renuncia al ingenio, al rebuscamiento o a las metáforas elaboradas. 

6.- El lema es la búsqueda del buen gusto y este gira alrededor de la sobriedad, la serenidad y el clasicismo. 

7.- A la par que se reeditan los grandes autores de la Antigüedad en ediciones cuidadas desde el punto de vista filológico se retoma la lectura de la lírica renacentista. En España, se pone como modelo a Garcilaso de la Vega

8.- Se reniega de la trivialidad en la poesía, del sentimentalismo, de las emociones y se busca la belleza a través de la racionalidad. Sin embargo, todo esto coarta el genio y hace que pocos ejemplos de la poesía neoclásica alcancen el canon literario. 

9.- La literatura tiene que tener un objetivo pedagógico o moralizante y tiene que servir para formar a los lectores en los valores cívicos del Nuevo Régimen. 

10.- Todo esto degenera, a veces, en el prosaísmo. 

La poesía pastoril del siglo XVIII

Las normas antes reseñadas no han sido clarificadas a posteriori sino que estaban plenamente conscientes en la época. Por eso, algunos poetas, encontraron en los modelos de la novela pastoril la única manera de llevar a cabo estas normas y caracteres. El mundo bucólico, perfecto, ordenado en el que unos pastores idealizados expresan su amor se retoma en la poesía del Neoclasicismo para representar unos sentimientos medidos y amansados. Estamos de acuerdo con la palabras de Juan Luis Alborg:  

“El optimismo reformista encontraba en esta maravillosa escenografía bucólica la réplica artística a las aspiraciones ilustradas de un mundo mejor.”  

Poetas del Neoclasicismo español 

1.- Nicolás Fernández de Moratín, nacido en la Corte en 1737.  Recibió una exquisita educación y se dedicó a la escritura llevado de una profunda conciencia social. Realizó estudios críticos con el fin de reformar el teatro que, según su criterio, había degenerado en un espectáculo vulgar y deprimente. Sus poemas circularon por el circuito culto madrileño y no fueron editados hasta su muerte en 1780. 

2.- Leandro Fernández de Moratín, hijo del anterior, nació en Madrid en 1760. De complexión enfermiza y carácter retraído, fue un auténtico intelectual con gran desempeño en todos los géneros de la escritura. Crítico con la sociedad de su tiempo, emigró a París donde murió en 1828. Su obras teatrales El sí de las niñas o La derrota de los pedantes han entrado en el canon, así como los versos de Sátira contra los vicios.

3.- José María Vaca de Guzmán (1744-1803), autor de Viajes de Enrique Wanton

4.- El Conde de Noroña, Gaspar María de Nava (1760-1815), desempeñó, además, tareas diplomáticas. 

5.- José de Vargas Ponce (1760-1821) en la línea del perfecto erudito ilustrado. 

6.- Juan Bautista Arriaza (1770-1837) se inició en la poesía del Neoclasicismo, aunque acabó entrando en el prerromanticismo y, además, no participaba de los ideales liberales del Siglo de las Luces, ya que fue partidario del absolutista Fernando VII. 

7.- Fray Diego González (1733-1794), monje agustino perteneciente a la Escuela de Salamanca, escribió versos pastoriles de fuerte contenido amoroso. En sus poemas aparecía como Delio, pseudónimo con el que además firmaba sus libros. 

8.- Juan Meléndez Valdés (1754-1817) es quizás el mejor representante de la poesía del Neoclasicismo. Fue también un jurista comprometido con los ideales liberales. Murió en el exilio.  

En definitiva, la poesía del Neoclasicismo no puede entenderse sin la época en la que surgió. Los fuertes cambios políticos y sociales que se pretendían realizar (fallidos en España con el regreso del absolutista Fernando VII) necesitaban del apoyo de las artes. Es la época de la creación de las academias (historia, literatura…), el periodismo o las tertulias donde se debatía la necesidad del parlamentarismo. Se construyeron edificios civiles alejados de palacios e iglesias y se buscaba la sencillez (valor burgués) por encima de los fastos barrocos. Si bien el espíritu ilustrado pervivió en los ensayos y en la ciencia (en España a duras penas), en literatura muy pronto se buscó otros modelos que ensalzaran las pasiones y las emociones, a veces, alteradas. Eso llegó con el Romanticismo literario.  

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

 

 

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La poesía neoclásica se produce en España en el último tercio del siglo XVIII dando sus últimos coletazos en las primeras décadas del siglo XIX. No puede entenderse sin los cambios culturales de la época que pretende, resumiendo y reduciendo mucho, acabar con el bagaje cultural del Antiguo Régimen e instaurar uno nuevo. Por eso hay un rechazo frontal a la literatura barroca en España y al sistema político que hay detrás y la sustenta: la monarquía absolutista aliada con la iglesia. En este sentido, hay que anotar que los escritores de la época están fuertemente imbuidos de carácter social.  Como normal general, se comprometen con una necesaria reforma educativa a todos los niveles y con la necesidad de avanzar a través de la ciencia. A la par, son beligerantes en la lucha contra la superstición y se alinean con un incipiente parlamentarismo. La literatura, para ellos, tiene que servir a estos intereses (considerados útiles, buenos, necesarios y al servicio de la sociedad)  haciendo uso de la claridad estilística, la mesura en la presentación de los sentimientos y de la elegancia. Todo ello se aunó bajo el concepto de buen gusto, el mismo que perdura hoy en día. Los preceptos de los poemas del Neoclasicismo quedaron reflejados en la Poética de Luzán, libro de cabecera y guía de los escritores de la época.  

La paloma de Filis de Juan Menéndez Valdés (1754-1817), el poeta más importante del Neoclasicismo español

 

    Teniendo su paloma

Mi Fili sobre el halda, 

Miré a ver si sus pechos

En el candor la igualan;

     Y como están las rosas

Con su nieve mezcladas, 

El lampo de las plumas

Al del seno aventaja. 

     Empero yo, con todo, 

Cuantas palomas vagan

Por los vientos sutiles,

Por sus pomas dejara. 

 

Considerado el poeta más excelso de la época, sigue los preceptos del movimiento en esa búsqueda de sentimientos mesurados y en el alejamiento de las pasiones. Aunque los poemas del Neoclasicismo huyen de la metáfora, del rebuscamiento y de la imaginación excesiva, Menéndez Valdés, en este ejemplo, se queda a medias, ya que las imágenes y las metáforas (sencillas, eso sí) están presentes en los versos. 

 

La esposa aldeana de Iglesia de la Casa, uno de los poemas del Neoclasicismo en la línea pastoril 

  

     El mi pastorcillo

Bien sé yo que suele

Por mí preguntaros,

Si estoy de él ausente.

     Y que, aunque lo calla,

Llora muchas veces,

Porque al verle venga

Y su mal consuele.

     Por otra zagala

No temo me deje,

Aun cuando enojado

De sí me deseche; 

     Pues sé que a la hora

Su amiga han de hacerme

De miel una orzuela,

Y un cuerno de leche. 

     Y si esto no basta,

Con que yo le deje

Jugar cierto juego, 

No podrá él valerse. 

 

Iglesias de la Casa (1748-1791)  pertenece a la escuela salmantina de la lírica neoclásica. Una de las características de la poesía de la época es su búsqueda del buen gusto, de la elegancia y de la mesura. Por eso reniega de los alardes pasionales del estilo barroco. En este orden, a la hora de representar los sentimientos humanos, en un alto porcentaje, se recurre a los procedimientos de la temática pastoril que tan buenos frutos se cosechó en la poesía renacentista. Ese buen gusto tan perseguido se manifiesta en este sencillo romance en ausencia de metáforas y de la huida de cualquier atisbo de rebuscamiento. 

A Melisa de Fray Diego González (1733-1794), el monje que amaba a las mujeres

 

     Volví a quedar dormido, 

Y sentado me hallé junto a una fuente,

Mirando su murmullo atento; 

Y estando divertido, 

Allí llegaste apresuradamente, 

Pidiendo de beber, y yo al momento

Un vaso te presento; 

Y dices tú con risa y burla mía: 

“No es esa, Delio, el agua que pedía; 

La sed que yo padezco es amorosa; 

Y siempre codiciosa

De tus eternos lazos, 

Sólo pueden templarla tus abrazos.” 

 

La poesía amorosa del siglo XVIII huye de los movimientos altamente pasionales de la centuria anterior. La racionalidad se impone de manera consciente. Sin embargo, otra cosa distinta es el inconsciente, siempre en búsqueda de esa comunión cantada en poesía a través de la unión amorosa. Esta se canta ahora, utilizando los parámetros de la novela pastoril. Para ello se sirven de la suavidad, la elegancia, la irrealidad a veces, el bucolismo y el amor mesurado de los pastores. Todas estas características se adivinan en estos versos de un fraile que solo compuso poesía sutilmente erótica.  

Uno de los poemas del Neoclasicismo perteneciente a la obra Poesías asiáticas del Conde de Noroña

 

     Si una noche en tu pecho reposara,

El alto empíreo con mi sien tocara, 

Rompiera al Sagitario sus saetas,

La corona a la luna arrebatara,

Me subiera veloz al nono cielo,

Y el orbe con soberbio pie pisara. 

Entonces, si tuviera tu hermosura,

O en tu lugar entonces me encontrara, 

Para los sin favor fuera piadoso, 

Benigno con los tristes me mostrara. 

 

En este poema, a pesar de los esfuerzos por seguir los preceptos de la Poética de Luzán, nos encontramos versos que, a duras penas, se acercan a esa mesura, claridad y buen gusto que se requería en la época. La racionalidad del movimiento queda aquí aparcada por un sentimiento pasional que sin llegar a los alardes del gongorismo, se acerca a la lírica renacentista de una forma un tanto rebuscada. Otra característica de la poesía neoclásica presente en este ejemplo es la búsqueda de inspiración y modelo en la literatura griega, romana y clásica.  

Uno de los poemas del Neoclasicismo de Leandro Fernández de Moratín  

Considerado el escritor más importante en todos los géneros (prosa, teatro y poesía) de la época, nació en Madrid en 1760 de padre dedicado a las letras. De carácter tímido y retraído, toda su vida la dedicó a los escritura donde alcanzó las más sublimes cotas del Neoclasicismo español. Murió en París (en el exilio) en 1828 y está enterrado en el Panteón de Hombres ilustres. El siguiente soneto pretende ser una suerte de autobiografía espiritual. Lleva por título La despedida. 

 

     Nací de honesta madre; dióme el cielo

Fácil ingenio en gracias afluyente,

Dirigir supo el ánimo inocente

A la virtud el paternal desvelo.

     Con sabio estudio, infatigable anhelo,

Pude adquirir coronas a mi frente: 

La corva escena resonó en frecuente

Aplauso, alzando de mi nombre el vuelo.

     Dócil, veraz, de muchos ofendido,

De ninguno ofensor, las Musas bellas

Mi pasión fueron, el honor mi guía. 

      Pero si así las leyes atropellas,

Si para ti los méritos han sido

Culpas, adiós, ingrata patria mía. 

 

En este hermoso soneto de Leandro Fernández de Moratín con versos encabalgados se condensa casi todas las características de la poesía del Neoclasicismo. En él se adivina una intención moral, didáctica que no es más que la presentación al público de una persona virtuosa que poco o nada de daño ha realizado al otro. No se entretiene con frivolidades o en desgranar situaciones de extrema imaginación. El poeta nos dice de su verdad más íntima y del dolor por luchas fratricidas que ya asolaban España en guerras que, de alguna manera u otra, durarían siglos. Esta considerado uno de los más hermosos poemas del Neoclasicismo e inaugura la temática alrededor del dolor del exilio que tanto predicamento tendría en décadas posteriores llegando a ser fuente, a la vez, de inspiración, por poner un caso, de Luis Cernuda

Este puñado de poemas del Neoclasicismo solo pretenden un acercamiento a un formato literario que quiso acabar con el pasado imponiendo criterios nuevos basados en la razón, la mesura y el exceso de conciencia que, a veces, es ajeno al quehacer literario. 

 

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

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La poesía neoclásica se produce en España en el último tercio del siglo XVIII dando sus últimos coletazos en las primeras décadas del siglo XIX. No puede entenderse sin los cambios culturales de la época que pretende, resumiendo y reduciendo mucho, acabar con el bagaje cultural del Antiguo Régimen e instaurar uno nuevo. Por eso hay un rechazo frontal a la literatura barroca en España y al sistema político que hay detrás y la sustenta: la monarquía absolutista aliada con la iglesia. En este sentido, hay que anotar que los escritores de la época están fuertemente imbuidos de carácter social.  Como normal general, se comprometen con una necesaria reforma educativa a todos los niveles y con la necesidad de avanzar a través de la ciencia. A la par, son beligerantes en la lucha contra la superstición y se alinean con un incipiente parlamentarismo. La literatura, para ellos, tiene que servir a estos intereses (considerados útiles, buenos, necesarios y al servicio de la sociedad)  haciendo uso de la claridad estilística, la mesura en la presentación de los sentimientos y de la elegancia. Todo ello se aunó bajo el concepto de buen gusto, el mismo que perdura hoy en día. Los preceptos de los poemas del Neoclasicismo quedaron reflejados en la Poética de Luzán, libro de cabecera y guía de los escritores de la época.  

La paloma de Filis de Juan Menéndez Valdés (1754-1817), el poeta más importante del Neoclasicismo español

 

    Teniendo su paloma

Mi Fili sobre el halda, 

Miré a ver si sus pechos

En el candor la igualan;

     Y como están las rosas

Con su nieve mezcladas, 

El lampo de las plumas

Al del seno aventaja. 

     Empero yo, con todo, 

Cuantas palomas vagan

Por los vientos sutiles,

Por sus pomas dejara. 

 

Considerado el poeta más excelso de la época, sigue los preceptos del movimiento en esa búsqueda de sentimientos mesurados y en el alejamiento de las pasiones. Aunque los poemas del Neoclasicismo huyen de la metáfora, del rebuscamiento y de la imaginación excesiva, Menéndez Valdés, en este ejemplo, se queda a medias, ya que las imágenes y las metáforas (sencillas, eso sí) están presentes en los versos. 

 

La esposa aldeana de Iglesia de la Casa, uno de los poemas del Neoclasicismo en la línea pastoril 

  

     El mi pastorcillo

Bien sé yo que suele

Por mí preguntaros,

Si estoy de él ausente.

     Y que, aunque lo calla,

Llora muchas veces,

Porque al verle venga

Y su mal consuele.

     Por otra zagala

No temo me deje,

Aun cuando enojado

De sí me deseche; 

     Pues sé que a la hora

Su amiga han de hacerme

De miel una orzuela,

Y un cuerno de leche. 

     Y si esto no basta,

Con que yo le deje

Jugar cierto juego, 

No podrá él valerse. 

 

Iglesias de la Casa (1748-1791)  pertenece a la escuela salmantina de la lírica neoclásica. Una de las características de la poesía de la época es su búsqueda del buen gusto, de la elegancia y de la mesura. Por eso reniega de los alardes pasionales del estilo barroco. En este orden, a la hora de representar los sentimientos humanos, en un alto porcentaje, se recurre a los procedimientos de la temática pastoril que tan buenos frutos se cosechó en la poesía renacentista. Ese buen gusto tan perseguido se manifiesta en este sencillo romance en ausencia de metáforas y de la huida de cualquier atisbo de rebuscamiento. 

A Melisa de Fray Diego González (1733-1794), el monje que amaba a las mujeres

 

     Volví a quedar dormido, 

Y sentado me hallé junto a una fuente,

Mirando su murmullo atento; 

Y estando divertido, 

Allí llegaste apresuradamente, 

Pidiendo de beber, y yo al momento

Un vaso te presento; 

Y dices tú con risa y burla mía: 

“No es esa, Delio, el agua que pedía; 

La sed que yo padezco es amorosa; 

Y siempre codiciosa

De tus eternos lazos, 

Sólo pueden templarla tus abrazos.” 

 

La poesía amorosa del siglo XVIII huye de los movimientos altamente pasionales de la centuria anterior. La racionalidad se impone de manera consciente. Sin embargo, otra cosa distinta es el inconsciente, siempre en búsqueda de esa comunión cantada en poesía a través de la unión amorosa. Esta se canta ahora, utilizando los parámetros de la novela pastoril. Para ello se sirven de la suavidad, la elegancia, la irrealidad a veces, el bucolismo y el amor mesurado de los pastores. Todas estas características se adivinan en estos versos de un fraile que solo compuso poesía sutilmente erótica.  

Uno de los poemas del Neoclasicismo perteneciente a la obra Poesías asiáticas del Conde de Noroña

 

     Si una noche en tu pecho reposara,

El alto empíreo con mi sien tocara, 

Rompiera al Sagitario sus saetas,

La corona a la luna arrebatara,

Me subiera veloz al nono cielo,

Y el orbe con soberbio pie pisara. 

Entonces, si tuviera tu hermosura,

O en tu lugar entonces me encontrara, 

Para los sin favor fuera piadoso, 

Benigno con los tristes me mostrara. 

 

En este poema, a pesar de los esfuerzos por seguir los preceptos de la Poética de Luzán, nos encontramos versos que, a duras penas, se acercan a esa mesura, claridad y buen gusto que se requería en la época. La racionalidad del movimiento queda aquí aparcada por un sentimiento pasional que sin llegar a los alardes del gongorismo, se acerca a la lírica renacentista de una forma un tanto rebuscada. Otra característica de la poesía neoclásica presente en este ejemplo es la búsqueda de inspiración y modelo en la literatura griega, romana y clásica.  

Uno de los poemas del Neoclasicismo de Leandro Fernández de Moratín  

Considerado el escritor más importante en todos los géneros (prosa, teatro y poesía) de la época, nació en Madrid en 1760 de padre dedicado a las letras. De carácter tímido y retraído, toda su vida la dedicó a los escritura donde alcanzó las más sublimes cotas del Neoclasicismo español. Murió en París (en el exilio) en 1828 y está enterrado en el Panteón de Hombres ilustres. El siguiente soneto pretende ser una suerte de autobiografía espiritual. Lleva por título La despedida. 

 

     Nací de honesta madre; dióme el cielo

Fácil ingenio en gracias afluyente,

Dirigir supo el ánimo inocente

A la virtud el paternal desvelo.

     Con sabio estudio, infatigable anhelo,

Pude adquirir coronas a mi frente: 

La corva escena resonó en frecuente

Aplauso, alzando de mi nombre el vuelo.

     Dócil, veraz, de muchos ofendido,

De ninguno ofensor, las Musas bellas

Mi pasión fueron, el honor mi guía. 

      Pero si así las leyes atropellas,

Si para ti los méritos han sido

Culpas, adiós, ingrata patria mía. 

 

En este hermoso soneto de Leandro Fernández de Moratín con versos encabalgados se condensa casi todas las características de la poesía del Neoclasicismo. En él se adivina una intención moral, didáctica que no es más que la presentación al público de una persona virtuosa que poco o nada de daño ha realizado al otro. No se entretiene con frivolidades o en desgranar situaciones de extrema imaginación. El poeta nos dice de su verdad más íntima y del dolor por luchas fratricidas que ya asolaban España en guerras que, de alguna manera u otra, durarían siglos. Esta considerado uno de los más hermosos poemas del Neoclasicismo e inaugura la temática alrededor del dolor del exilio que tanto predicamento tendría en décadas posteriores llegando a ser fuente, a la vez, de inspiración, por poner un caso, de Luis Cernuda

Este puñado de poemas del Neoclasicismo solo pretenden un acercamiento a un formato literario que quiso acabar con el pasado imponiendo criterios nuevos basados en la razón, la mesura y el exceso de conciencia que, a veces, es ajeno al quehacer literario. 

 

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

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En toda selección siempre faltarán retazos y piezas que, desde otro punto de vista, pudiera considerarse esencial. Así, en estos cinco poemas de Miguel Hernández no se incluye Elegía a Ramón Sijé que ha merecido un análisis detallado y en otro post.  

Mínima introducción a la poesía de Miguel Hernández (1910-1940)  

1.- Está fuertemente impregnada de contenido social y carácter reivindicativo. Apela al arraigo de la tierra y también a su dureza. De hecho, las palabras “tierra” y relacionadas con las labores de labranza aparecen de forma repetida. 

2.- El tono siempre es épico y los protagonistas son los humildes, los vencidos, los pobres, los humillados y aquellos que luchan en desventaja por la libertad y por sobrevivir. 

3.- Los versos adquieren un tono de himno o de canción llamando a la lucha, la cual puede ser de diversas maneras. 

4.- La temática de los poemas de Miguel Hernández gira en torno a la muerte, la guerra, el hambre, la injusticia social y el dolor por la pérdida o la ausencia. 

5.- La pena presente en buena parte de sus versos se unen al pesimismo, ya que a pesar del carácter batallador de los mismos, no se vislumbra un mundo mejor o posible. La luz es escasa a pesar de la llamada a la rebelión contra la oscuridad y la injusticia.  

El niño yuntero, uno de los poemas de Miguel Hernández más conocidos 

Carne de yugo, ha nacido

más humillado que bello,

con el cuello perseguido

por el yugo para el cuello. 

 

Nace, como la herramienta,

a los golpes destinado,

de una tierra descontenta

y un insatisfecho arado. 

 

Entre estiércol puro y vivo

de vacas, trae a la vida

un alma color de olivo

vieja ya y encallecida. 

 

Empieza a vivir, y empieza

a morir de punta a punta

levantando la corteza

de su madre con la yunta. 

 

Empieza a sentir, y siente

la vida como una guerra,

y a dar fatigosamente

en los huesos de la tierra. 

 

Contar sus años no sabe,

y ya sabe que el sudor

es una corona grave

de sal para el labrador. 

 

Trabaja, y mientras trabaja

masculinamente serio,

se unge de lluvia y se alhaja

de carne de cementerio.

 

A fuerzas de golpes, fuerte,

y a fuerza de sol, bruñido, 

con una ambición de muerte

despedaza un pan reñido. 

 

Cada nuevo día es

más raíz, menos criatura,

que escucha bajo sus pies

la voz de la sepultura.

 

Y como raíz se hunde

en la tierra lentamente

para que la tierra inunde

de paz y panes su frente. 

 

Me duele este niño hambriento

como una grandiosa espina,

y su vivir ceniciento

revuelve mi alma de encina. 

 

Lo veo arar los rastrojos,

y devorar un mendrugo,

y declarar con los ojos

que por qué es carne de yugo. 

 

Me da su arado en el pecho,

y su vida en la garganta,

y sufro viendo el barbecho

tan grande bajo su planta. 

 

¿Quién salvará este chiquillo

menor que un grano de avena?

¿De dónde saldrá el martillo

verdugo de esta cadena?

 

Que salga del corazón

de los hombros jornaleros, 

que antes de ser hombres son

y han sido niños yunteros. 

 

 

Vientos del pueblo me llevan, uno de los poemas de Miguel Hernández más versionados musicalmente 

 

Vientos del pueblo me llevan,

vientos del pueblo me arrastran,

me esparcen el corazón

y me aventan la garganta. 

 

Los bueyes doblan la frente,

impotentemente mansa,

delante de los castigos:

los leones la levantan

y al mismo tiempo castigan

con su clamorosa zarpa. 

 

No soy de un pueblo de bueyes, 

que soy de un pueblo que embargan

yacimientos de leones,

desfiladeros de águilas

y cordilleras de toros

con el orgullo en el asta. 

Nunca medraron los bueyes

en los páramos de España. 

 

¿Quién habló de echar un yugo

sobre el cuello de esta raza?

¿Quién ha puesto al huracán

jamás ni yugos ni trabas, 

ni quién al rayo detuvo

prisionero en una jaula?

 

Asturianos de braveza,

vascos de piedra blindada,

valencianos de alegría,

y castellanos de alma,

labrados como la tierra

y airosos como las alas;

andaluces de relámpagos,

nacidos entre guitarras

y forjados en los yunques

torrenciales de las lágrimas; 

extremeños de centeno, 

gallegos de lluvia y calma, 

catalanes de firmeza,

aragoneses de casta,

murcianos de dinamita

frutalmente propagada,

leoneses, navarros, dueños

del hambre, el sudor y el hacha, 

reyes de la minería,

señores de la labranza,

hombres que entre las raíces,

como raíces gallardas,

vais de la vida a la muerte,

vais de la nada a la nada:

yugos os quieren poner

gentes de hierba mala, 

yugos que habéis de dejar

rotos sobre sus espaldas.

Crepúsculo de los bueyes

está despuntando el alba. 

 

Los bueyes mueren vestidos

de humildad y olor de cuadra:

las águilas, los leones

y los toros de arrogancia,

y detrás de ellos, el cielo

ni se enturbia ni se acaba. 

La agonía de los bueyes

tiene pequeña la cara,

la del animal varón

toda la creación agranda. 

 

Si me muero, que muera

con la cabeza muy alta.

Muerto y veinte veces muerto,

la boca contra la grama,

tendré apretados los dientes

y decidida la barba. 

 

Cantando espero a la muerte,

que hay ruiseñores que cantan

encima de los fusiles

y en medio de las batallas. 

 

 

Aceituneros, convertido en el himno oficial de la provincia de Jaén

 

Andaluces de Jaén, 

aceituneros altivos,

decidme en el alma: ¿quién,

quién levantó los olivos?

 

No los levantó la nada,

ni el dinero, ni el señor,

sino la tierra callada,

el trabajo y el sudor. 

 

Unidos al agua pura

y a los planetas unidos,

los tres dieron la hermosura

de los troncos retorcidos. 

 

Levántate, olivo cano,

dijeron al pie del viento. 

Y el olivo alzó una mano

poderosa de cimiento. 

 

Andaluces de Jaén,

aceituneros altivos, 

decidme en alma: ¿quién

amamantó los olivos? 

 

Vuestra sangre, vuestra vida, 

no la del explotador

que se enriqueció en la herida

generosa del sudor. 

 

No la del terrateniente

que os sepultó en la pobreza,

que os pisoteó la frente, 

que os redujo la cabeza. 

 

Árboles que vuestro afán

consagró al centro del día

eran principio de un pan

que sólo el otro comía. 

 

¡Cuántos siglos de aceituna,

los pies y las manos presos,

sol a sol y luna a luna,

pesan sobre vuestros huesos!

 

Andaluces de Jaén,

aceituneros altivos, 

pregunta mi alma: ¿de quién,

de quién son estos olivos?

 

Jaén, levántate brava

sobre tus piedras lunares,

no vayas a ser esclava

con todos tus olivares. 

 

Dentro de la claridad

del aceite y sus aromas,

indican tu libertad

la libertad de las lomas. 

 

 

Canción del esposo soldado

 

He poblado tu vientre de amor y sementera, 

he prolongado el eco de sangre a que respondo

y espero sobre el surco como el arado espera: 

he llegado hasta el fondo. 

 

Morena de altas torres, alta luz y ojos altos, 

esposa de mi piel, gran trago de mi vida, 

tus pechos locos crecen hacia mí dando saltos

de cierva concebida. 

 

Ya me parece que eres un cristal delicado, 

temo que te me rompas al más leve tropiezo, 

y a reforzar tus venas con mi piel de soldado

fuera como el cerezo. 

 

Espejo de mi carne, sustento de mis alas, 

te doy vida en la muerte que me dan y no tomo. 

Mujer, mujer, te quiero cercado por las balas, 

ansiado por el plomo. 

 

Sobre los ataúdes feroces en acecho, 

sobre los mismos muertos sin remedio y sin fosa

te quiero, y te quisiera besar con todo el pecho 

hasta en el polvo, esposa. 

 

Cuando junto a los campos de combate te piensa

mi frente que no enfría ni aplaca tu figura, 

te acercas hacia mí como una boca inmensa

de hambrienta dentadura. 

 

Escríbeme a la lucha, siénteme en la trinchera: 

aquí con el fusil tu nombre evoco y fijo, 

y defiendo tu vientre de pobre que espera, 

y defiendo tu hijo. 

 

Nacerá nuestro hijo con el puño cerrado, 

envuelto en un clamor de victoria y guitarras, 

y dejaré a tu puerta mi vida de soldado

sin colmillos ni garras. 

 

Es preciso matar para seguir viviendo. 

Un día iré a la sombra de tu pelo lejano, 

y dormiré en la sábana de almidón y de estruendo 

cosida por tu mano. 

 

Tus piernas implacables al parto van derechas, 

y tu implacable boca de labios indomables, 

y ante mi soledad de explosiones y brechas

recorres un camino de besos implacables. 

 

Para el hijo será la paz que estoy forjando. 

Y al fin en un océano de irremediables huesos

tu corazón y el mío naufragarán, quedando

una mujer un hombre gastados por los besos. 

 

 

Umbrío por la pena, casi bruno, uno de los sonetos de Miguel Hernández

 

Umbrío por la pena, casi bruno, 

porque la pena tizna cuando estalla, 

donde yo no me hallo cuando no se halla

hombre más apenado que ninguno. 

 

Sobre la pena duermo solo y uno, 

pena es mi paz y pena mi batalla, 

perro que ni me deja ni se calla, 

siempre a su dueño fiel, pero importuno. 

 

Cardos y penas llevo por corona, 

cardos y penas siembran sus leopardos

y no me dejan bueno hueso alguno. 

 

No podrá con la pena mi persona

rodeada de penas y de cardos; 

¡cuánto penar para morirse uno! 

 

 

Selección por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

 

Imagen del fondo extractada de la edición Poemas de dolor y de guerra realizada por Prensa Cicuta, Almería, 2010 y en la que intervine con la edición crítica.

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En toda selección siempre faltarán retazos y piezas que, desde otro punto de vista, pudiera considerarse esencial. Así, en estos cinco poemas de Miguel Hernández no se incluye Elegía a Ramón Sijé que ha merecido un análisis detallado y en otro post.  

Mínima introducción a la poesía de Miguel Hernández (1910-1940)  

1.- Está fuertemente impregnada de contenido social y carácter reivindicativo. Apela al arraigo de la tierra y también a su dureza. De hecho, las palabras “tierra” y relacionadas con las labores de labranza aparecen de forma repetida. 

2.- El tono siempre es épico y los protagonistas son los humildes, los vencidos, los pobres, los humillados y aquellos que luchan en desventaja por la libertad y por sobrevivir. 

3.- Los versos adquieren un tono de himno o de canción llamando a la lucha, la cual puede ser de diversas maneras. 

4.- La temática de los poemas de Miguel Hernández gira en torno a la muerte, la guerra, el hambre, la injusticia social y el dolor por la pérdida o la ausencia. 

5.- La pena presente en buena parte de sus versos se unen al pesimismo, ya que a pesar del carácter batallador de los mismos, no se vislumbra un mundo mejor o posible. La luz es escasa a pesar de la llamada a la rebelión contra la oscuridad y la injusticia.  

El niño yuntero, uno de los poemas de Miguel Hernández más conocidos 

Carne de yugo, ha nacido

más humillado que bello,

con el cuello perseguido

por el yugo para el cuello. 

 

Nace, como la herramienta,

a los golpes destinado,

de una tierra descontenta

y un insatisfecho arado. 

 

Entre estiércol puro y vivo

de vacas, trae a la vida

un alma color de olivo

vieja ya y encallecida. 

 

Empieza a vivir, y empieza

a morir de punta a punta

levantando la corteza

de su madre con la yunta. 

 

Empieza a sentir, y siente

la vida como una guerra,

y a dar fatigosamente

en los huesos de la tierra. 

 

Contar sus años no sabe,

y ya sabe que el sudor

es una corona grave

de sal para el labrador. 

 

Trabaja, y mientras trabaja

masculinamente serio,

se unge de lluvia y se alhaja

de carne de cementerio.

 

A fuerzas de golpes, fuerte,

y a fuerza de sol, bruñido, 

con una ambición de muerte

despedaza un pan reñido. 

 

Cada nuevo día es

más raíz, menos criatura,

que escucha bajo sus pies

la voz de la sepultura.

 

Y como raíz se hunde

en la tierra lentamente

para que la tierra inunde

de paz y panes su frente. 

 

Me duele este niño hambriento

como una grandiosa espina,

y su vivir ceniciento

revuelve mi alma de encina. 

 

Lo veo arar los rastrojos,

y devorar un mendrugo,

y declarar con los ojos

que por qué es carne de yugo. 

 

Me da su arado en el pecho,

y su vida en la garganta,

y sufro viendo el barbecho

tan grande bajo su planta. 

 

¿Quién salvará este chiquillo

menor que un grano de avena?

¿De dónde saldrá el martillo

verdugo de esta cadena?

 

Que salga del corazón

de los hombros jornaleros, 

que antes de ser hombres son

y han sido niños yunteros. 

 

 

Vientos del pueblo me llevan, uno de los poemas de Miguel Hernández más versionados musicalmente 

 

Vientos del pueblo me llevan,

vientos del pueblo me arrastran,

me esparcen el corazón

y me aventan la garganta. 

 

Los bueyes doblan la frente,

impotentemente mansa,

delante de los castigos:

los leones la levantan

y al mismo tiempo castigan

con su clamorosa zarpa. 

 

No soy de un pueblo de bueyes, 

que soy de un pueblo que embargan

yacimientos de leones,

desfiladeros de águilas

y cordilleras de toros

con el orgullo en el asta. 

Nunca medraron los bueyes

en los páramos de España. 

 

¿Quién habló de echar un yugo

sobre el cuello de esta raza?

¿Quién ha puesto al huracán

jamás ni yugos ni trabas, 

ni quién al rayo detuvo

prisionero en una jaula?

 

Asturianos de braveza,

vascos de piedra blindada,

valencianos de alegría,

y castellanos de alma,

labrados como la tierra

y airosos como las alas;

andaluces de relámpagos,

nacidos entre guitarras

y forjados en los yunques

torrenciales de las lágrimas; 

extremeños de centeno, 

gallegos de lluvia y calma, 

catalanes de firmeza,

aragoneses de casta,

murcianos de dinamita

frutalmente propagada,

leoneses, navarros, dueños

del hambre, el sudor y el hacha, 

reyes de la minería,

señores de la labranza,

hombres que entre las raíces,

como raíces gallardas,

vais de la vida a la muerte,

vais de la nada a la nada:

yugos os quieren poner

gentes de hierba mala, 

yugos que habéis de dejar

rotos sobre sus espaldas.

Crepúsculo de los bueyes

está despuntando el alba. 

 

Los bueyes mueren vestidos

de humildad y olor de cuadra:

las águilas, los leones

y los toros de arrogancia,

y detrás de ellos, el cielo

ni se enturbia ni se acaba. 

La agonía de los bueyes

tiene pequeña la cara,

la del animal varón

toda la creación agranda. 

 

Si me muero, que muera

con la cabeza muy alta.

Muerto y veinte veces muerto,

la boca contra la grama,

tendré apretados los dientes

y decidida la barba. 

 

Cantando espero a la muerte,

que hay ruiseñores que cantan

encima de los fusiles

y en medio de las batallas. 

 

 

Aceituneros, convertido en el himno oficial de la provincia de Jaén

 

Andaluces de Jaén, 

aceituneros altivos,

decidme en el alma: ¿quién,

quién levantó los olivos?

 

No los levantó la nada,

ni el dinero, ni el señor,

sino la tierra callada,

el trabajo y el sudor. 

 

Unidos al agua pura

y a los planetas unidos,

los tres dieron la hermosura

de los troncos retorcidos. 

 

Levántate, olivo cano,

dijeron al pie del viento. 

Y el olivo alzó una mano

poderosa de cimiento. 

 

Andaluces de Jaén,

aceituneros altivos, 

decidme en alma: ¿quién

amamantó los olivos? 

 

Vuestra sangre, vuestra vida, 

no la del explotador

que se enriqueció en la herida

generosa del sudor. 

 

No la del terrateniente

que os sepultó en la pobreza,

que os pisoteó la frente, 

que os redujo la cabeza. 

 

Árboles que vuestro afán

consagró al centro del día

eran principio de un pan

que sólo el otro comía. 

 

¡Cuántos siglos de aceituna,

los pies y las manos presos,

sol a sol y luna a luna,

pesan sobre vuestros huesos!

 

Andaluces de Jaén,

aceituneros altivos, 

pregunta mi alma: ¿de quién,

de quién son estos olivos?

 

Jaén, levántate brava

sobre tus piedras lunares,

no vayas a ser esclava

con todos tus olivares. 

 

Dentro de la claridad

del aceite y sus aromas,

indican tu libertad

la libertad de las lomas. 

 

 

Canción del esposo soldado

 

He poblado tu vientre de amor y sementera, 

he prolongado el eco de sangre a que respondo

y espero sobre el surco como el arado espera: 

he llegado hasta el fondo. 

 

Morena de altas torres, alta luz y ojos altos, 

esposa de mi piel, gran trago de mi vida, 

tus pechos locos crecen hacia mí dando saltos

de cierva concebida. 

 

Ya me parece que eres un cristal delicado, 

temo que te me rompas al más leve tropiezo, 

y a reforzar tus venas con mi piel de soldado

fuera como el cerezo. 

 

Espejo de mi carne, sustento de mis alas, 

te doy vida en la muerte que me dan y no tomo. 

Mujer, mujer, te quiero cercado por las balas, 

ansiado por el plomo. 

 

Sobre los ataúdes feroces en acecho, 

sobre los mismos muertos sin remedio y sin fosa

te quiero, y te quisiera besar con todo el pecho 

hasta en el polvo, esposa. 

 

Cuando junto a los campos de combate te piensa

mi frente que no enfría ni aplaca tu figura, 

te acercas hacia mí como una boca inmensa

de hambrienta dentadura. 

 

Escríbeme a la lucha, siénteme en la trinchera: 

aquí con el fusil tu nombre evoco y fijo, 

y defiendo tu vientre de pobre que espera, 

y defiendo tu hijo. 

 

Nacerá nuestro hijo con el puño cerrado, 

envuelto en un clamor de victoria y guitarras, 

y dejaré a tu puerta mi vida de soldado

sin colmillos ni garras. 

 

Es preciso matar para seguir viviendo. 

Un día iré a la sombra de tu pelo lejano, 

y dormiré en la sábana de almidón y de estruendo 

cosida por tu mano. 

 

Tus piernas implacables al parto van derechas, 

y tu implacable boca de labios indomables, 

y ante mi soledad de explosiones y brechas

recorres un camino de besos implacables. 

 

Para el hijo será la paz que estoy forjando. 

Y al fin en un océano de irremediables huesos

tu corazón y el mío naufragarán, quedando

una mujer un hombre gastados por los besos. 

 

 

Umbrío por la pena, casi bruno, uno de los sonetos de Miguel Hernández

 

Umbrío por la pena, casi bruno, 

porque la pena tizna cuando estalla, 

donde yo no me hallo cuando no se halla

hombre más apenado que ninguno. 

 

Sobre la pena duermo solo y uno, 

pena es mi paz y pena mi batalla, 

perro que ni me deja ni se calla, 

siempre a su dueño fiel, pero importuno. 

 

Cardos y penas llevo por corona, 

cardos y penas siembran sus leopardos

y no me dejan bueno hueso alguno. 

 

No podrá con la pena mi persona

rodeada de penas y de cardos; 

¡cuánto penar para morirse uno! 

 

 

Selección por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

 

Imagen del fondo extractada de la edición Poemas de dolor y de guerra realizada por Prensa Cicuta, Almería, 2010 y en la que intervine con la edición crítica.

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(En Orihuela, su pueblo y el mío,

se me ha muerto como el rayo

Ramón Sijé, con quien tanto quería.)

  

Yo quiero ser llorando el hortelano

de la tierra que ocupas y estercolas,

compañero del alma, tan temprano. 

 

Alimentando lluvias, caracolas

y órganos mi dolor sin instrumento, 

a las desalentadas amapolas

 

daré tu corazón por alimento. 

Tanto dolor se agrupa en mi costado,

que por doler me duele hasta el aliento. 

 

Un manotazo duro, un golpe helado,

un hachazo invisible y homicida,

un empujón brutal te ha derribado. 

 

No hay extensión más grande que mi herida,

lloro mi desventura y sus conjuntos

y siento más tu muerte que mi vida. 

 

ando sobre rastrojos de difuntos,

y sin calor de nadie y sin consuelo

voy de mi corazón a mis asuntos. 

 

Temprano levantó la muerte el vuelo,

temprano madrugó la madrugada,

temprano está rodando por el suelo. 

 

No perdono a la muerte enamorada,

no perdono a la vida desatenta,

no perdono a la tierra ni a la nada.

 

En mis manos levanto una tormenta

de piedras, rayos y hachas estridentes

sedienta de catástrofes y hambrienta. 

 

Quiero escarbar la tierra con los dientes,

quiero apartar la tierra parte a parte

a dentelladas secas y calientes. 

 

Quiero minar la tierra hasta encontrarte

y besarte la noble calavera

y desamordazarte y regresarte. 

 

Volverás a mi huerto y a mi higuera: 

por los altos andamios de las flores

pajareará tu alma colmenera 

 

de angelicales ceras y labores. 

Volverás al arrollo de las rejas.

De los enamorados labradores. 

 

Alegrarás la sombra de mis cejas, 

y tu sangre se irá a cada lado

disputando tu novia y las abejas. 

 

Tu corazón, ya terciopelo ajado, 

llama a un campo de almendras espumosas

mi avariciosa voz de enamorado. 

 

A las aladas almas de las rosas

Del almendro de nata te requiero, 

que tenemos que hablar de muchas cosas,

compañero del alma, compañero. 

 

Análisis literario de Elegía a Ramón Sijé

Desde el punto de vista formal  

1.- El poema de Miguel Hernández (1910-1942) está escrito en dieciséis estrofas con un ritmo y versificación pura y, a veces dura, por los acentos tan marcados del mismo. Hay que señalar que el número dieciséis es considerado en simbología el más perfecto, puesto que es el resultado de multiplicar cuatro por cuatro. Y este, a su vez, hace referencia al orden universal: los cuatro ríos del paraíso, los cuatro puntos cardinales… 

2.- La métrica está formada por tercetos encadenados y se remata con un cuarteto. Esto es, las quince primeras estrofas llevan la rima consonante en los versos impares. El verso par no queda suelto sino que, a su vez, forma una rima con los impares de la siguiente.  En este sentido, “hortelano” (primer verso) rima con “temprano” (tercer verso). El par no queda suelto, ya que “estercolas” (el segundo) se enlaza con “caracolas” y “amapolas”, primer y tercer verso de la estrofa siguiente. Y así sucesivamente. 

3.- ¿Quién fue Ramón Sijé? Bajo ese pseudónimo nos encontramos a José Marín Gutiérrez, abogado y ensayista paisano (también oriundo de Orihuela) de Miguel Hernández. Entendemos que ambos fueron amigos y que compartieron, de alguna manera u otra, intereses literarios. No hay que perder de vista que en esa época y en ese emplazamiento encontrarse a dos escritores en un mismo pueblo ya podría considerarse bastante casualidad. Ramón Sijé es, por tanto, ese “compañero del alma”, es ese otro que arropa con sus intereses al poeta. Murió con tan solo 23 años el 24 de diciembre de 1935 de una septicemia intestinal que se le complicó alcanzando el corazón. Todo ello, en cierta medida, se encuentra presente en el poema. El cariz de la enfermedad (en esencia, por podredumbre) se corresponde a esa “tierra que estercolas”. Por poner otros ejemplos, la juventud del protagonista está calificada con esos “tempranos” que se repiten y la soledad del poeta es una constante en todos los versos.  

El sentido de Elegía a Ramón Sijé de Miguel Hernández

4.- En Elegía a Ramón Sijé de Miguel Hernández, nos encontramos ante la muerte como un proceso físico, una desaparición o una transformación en materia despegada de cualquier concepción cristiana. De hecho, ni se alude a que el protagonista del poema murió un día tan destacado como el de Navidad. El poeta ha eliminado cualquier opción de vida eterna, de más allá o de transformación espiritual. La muerte es física e incluso podredumbre. El corazón se ha convertido en “terciopelo ajado”, todo su cuerpo “estercola” la misma tierra donde está la higuera o el huerto. La única palabra en todo el poema que pudiera entroncar con la tradición cristiana (al que el poeta pertenece aunque solo sea por omisión o confrontación) es “angelicales”.   

5.- En este sentido, es quizás uno de los poemas en lengua española más reconocidos con esa visión alejada de la otra vida. El poeta habla del aquí y el ahora, de lo terrenal, de los campos de labranza… Sin embargo, a pesar de esa materialidad (de esa falta de visión del más allá) adquiere un tono de himno e, incluso, épico. Ninguna hazaña realizó en vida Ramón Sijé pero es elevado a categoría de héroe (al compañero del alma) a través de las palabras del poeta. Miguel Hernández consigue esa sanción de canción no solo con el marcado ritmo sino también con la repetición: “temprano”, “perdono”… tanto en forma de concatenación como con elementos desperdigados en el poema: “tierra”.  

6.- El poema está repleto de sustantivos que remiten a procesos de descomposición, a la dureza de las labores de la labranza (“hacha”, “rayos”, “piedras”) , al dolor anímico que se transforma en uno físico retratado como heridas casi (“que por doler me duele hasta el aliento”). No hay nada del idealismo o del bucolismo de la naturaleza tan querido por los poetas hispanos. La muerte queda desgajada de cualquier salvación eterna y es reducida a un proceso físico de descomposición: “calavera”, “rastrojos”, “estercolas”, “difuntos”…

Miguel Hernández en Elegía a Ramón Sijé vuelve a esa muerte cantada en tono épico (el ritmo, el tratamiento formal…) pero que es reducida a un duro proceso material sin la posibilidad de consuelo en un más allá más de salvación. Canta al “compañero” que se ha ido de forma prematura dejando al poeta en soledad y ante la crueldad de la transformación de la materia a la que queda reducida la persona al eliminar las posibilidades de pervivencia del espíritu.  

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla 

Imagen del fondo extractada de la edición Poemas de dolor y de guerra realizada por Prensa Cicuta, Almería, 2010 y en la que intervine con la selección y edición crítica. 

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(En Orihuela, su pueblo y el mío,

se me ha muerto como el rayo

Ramón Sijé, con quien tanto quería.)

  

Yo quiero ser llorando el hortelano

de la tierra que ocupas y estercolas,

compañero del alma, tan temprano. 

 

Alimentando lluvias, caracolas

y órganos mi dolor sin instrumento, 

a las desalentadas amapolas

 

daré tu corazón por alimento. 

Tanto dolor se agrupa en mi costado,

que por doler me duele hasta el aliento. 

 

Un manotazo duro, un golpe helado,

un hachazo invisible y homicida,

un empujón brutal te ha derribado. 

 

No hay extensión más grande que mi herida,

lloro mi desventura y sus conjuntos

y siento más tu muerte que mi vida. 

 

ando sobre rastrojos de difuntos,

y sin calor de nadie y sin consuelo

voy de mi corazón a mis asuntos. 

 

Temprano levantó la muerte el vuelo,

temprano madrugó la madrugada,

temprano está rodando por el suelo. 

 

No perdono a la muerte enamorada,

no perdono a la vida desatenta,

no perdono a la tierra ni a la nada.

 

En mis manos levanto una tormenta

de piedras, rayos y hachas estridentes

sedienta de catástrofes y hambrienta. 

 

Quiero escarbar la tierra con los dientes,

quiero apartar la tierra parte a parte

a dentelladas secas y calientes. 

 

Quiero minar la tierra hasta encontrarte

y besarte la noble calavera

y desamordazarte y regresarte. 

 

Volverás a mi huerto y a mi higuera: 

por los altos andamios de las flores

pajareará tu alma colmenera 

 

de angelicales ceras y labores. 

Volverás al arrollo de las rejas.

De los enamorados labradores. 

 

Alegrarás la sombra de mis cejas, 

y tu sangre se irá a cada lado

disputando tu novia y las abejas. 

 

Tu corazón, ya terciopelo ajado, 

llama a un campo de almendras espumosas

mi avariciosa voz de enamorado. 

 

A las aladas almas de las rosas

Del almendro de nata te requiero, 

que tenemos que hablar de muchas cosas,

compañero del alma, compañero. 

 

Análisis literario de Elegía a Ramón Sijé

Desde el punto de vista formal  

1.- El poema de Miguel Hernández (1910-1942) está escrito en dieciséis estrofas con un ritmo y versificación pura y, a veces dura, por los acentos tan marcados del mismo. Hay que señalar que el número dieciséis es considerado en simbología el más perfecto, puesto que es el resultado de multiplicar cuatro por cuatro. Y este, a su vez, hace referencia al orden universal: los cuatro ríos del paraíso, los cuatro puntos cardinales… 

2.- La métrica está formada por tercetos encadenados y se remata con un cuarteto. Esto es, las quince primeras estrofas llevan la rima consonante en los versos impares. El verso par no queda suelto sino que, a su vez, forma una rima con los impares de la siguiente.  En este sentido, “hortelano” (primer verso) rima con “temprano” (tercer verso). El par no queda suelto, ya que “estercolas” (el segundo) se enlaza con “caracolas” y “amapolas”, primer y tercer verso de la estrofa siguiente. Y así sucesivamente. 

3.- ¿Quién fue Ramón Sijé? Bajo ese pseudónimo nos encontramos a José Marín Gutiérrez, abogado y ensayista paisano (también oriundo de Orihuela) de Miguel Hernández. Entendemos que ambos fueron amigos y que compartieron, de alguna manera u otra, intereses literarios. No hay que perder de vista que en esa época y en ese emplazamiento encontrarse a dos escritores en un mismo pueblo ya podría considerarse bastante casualidad. Ramón Sijé es, por tanto, ese “compañero del alma”, es ese otro que arropa con sus intereses al poeta. Murió con tan solo 23 años el 24 de diciembre de 1935 de una septicemia intestinal que se le complicó alcanzando el corazón. Todo ello, en cierta medida, se encuentra presente en el poema. El cariz de la enfermedad (en esencia, por podredumbre) se corresponde a esa “tierra que estercolas”. Por poner otros ejemplos, la juventud del protagonista está calificada con esos “tempranos” que se repiten y la soledad del poeta es una constante en todos los versos.  

El sentido de Elegía a Ramón Sijé de Miguel Hernández

4.- En Elegía a Ramón Sijé de Miguel Hernández, nos encontramos ante la muerte como un proceso físico, una desaparición o una transformación en materia despegada de cualquier concepción cristiana. De hecho, ni se alude a que el protagonista del poema murió un día tan destacado como el de Navidad. El poeta ha eliminado cualquier opción de vida eterna, de más allá o de transformación espiritual. La muerte es física e incluso podredumbre. El corazón se ha convertido en “terciopelo ajado”, todo su cuerpo “estercola” la misma tierra donde está la higuera o el huerto. La única palabra en todo el poema que pudiera entroncar con la tradición cristiana (al que el poeta pertenece aunque solo sea por omisión o confrontación) es “angelicales”.   

5.- En este sentido, es quizás uno de los poemas en lengua española más reconocidos con esa visión alejada de la otra vida. El poeta habla del aquí y el ahora, de lo terrenal, de los campos de labranza… Sin embargo, a pesar de esa materialidad (de esa falta de visión del más allá) adquiere un tono de himno e, incluso, épico. Ninguna hazaña realizó en vida Ramón Sijé pero es elevado a categoría de héroe (al compañero del alma) a través de las palabras del poeta. Miguel Hernández consigue esa sanción de canción no solo con el marcado ritmo sino también con la repetición: “temprano”, “perdono”… tanto en forma de concatenación como con elementos desperdigados en el poema: “tierra”.  

6.- El poema está repleto de sustantivos que remiten a procesos de descomposición, a la dureza de las labores de la labranza (“hacha”, “rayos”, “piedras”) , al dolor anímico que se transforma en uno físico retratado como heridas casi (“que por doler me duele hasta el aliento”). No hay nada del idealismo o del bucolismo de la naturaleza tan querido por los poetas hispanos. La muerte queda desgajada de cualquier salvación eterna y es reducida a un proceso físico de descomposición: “calavera”, “rastrojos”, “estercolas”, “difuntos”…

Miguel Hernández en Elegía a Ramón Sijé vuelve a esa muerte cantada en tono épico (el ritmo, el tratamiento formal…) pero que es reducida a un duro proceso material sin la posibilidad de consuelo en un más allá más de salvación. Canta al “compañero” que se ha ido de forma prematura dejando al poeta en soledad y ante la crueldad de la transformación de la materia a la que queda reducida la persona al eliminar las posibilidades de pervivencia del espíritu.  

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla 

Imagen del fondo extractada de la edición Poemas de dolor y de guerra realizada por Prensa Cicuta, Almería, 2010 y en la que intervine con la selección y edición crítica. 

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La Poética o Reglas de la Poesía de Ignacio de Luzán (1702-1754) apareció publicada en Zaragoza en 1737. Con sus salvedades, fue adoptada inmediatamente como el manual crítico literario y del buen gusto del Neoclasicismo español. Resumiendo y reduciendo mucho, en ella se hace un recorrido desde los grandes autores de la literatura griega y latina hasta desembocar en el Siglo de Oro español. Si bien en estas décadas hubo un avance en cuanto a la creación de las distintas academias se refiere (lengua, historia…), en el plano creativo se empeñaron en seguir unas normas estilísticas tan fijas que supusieron un choque con el carácter artístico del español. 

Mínima biografía de Ignacio de Luzán 

Nació en Zaragoza en marzo de 1702 hijo de un matrimonio acaudalado e influyente, ya que su padre era gobernador del Reino de Aragón. Murió la madre al poco de nacer nuestro protagonista y se queda huérfano de padre cuatro años después. Aunque es criado por su abuela materna, al fallecer esta, cobra importancia la figura de José Luzán, tío paterno del crítico neoclásico. Hombre de cultura y huyendo de las guerras, recala en Palma de Mallorca primero y luego en Génova y Milán. Con él viajaba Ignacio de Luzán que se formó primero en el Seminario de Nobles de Patellani, luego en Nápoles, para continuar en Palermo y terminar leyes en la Universidad de Catania en 1727.  

El espíritu nómada que le inculcó su tío se trasladó también a su afán de conocimiento y, de manera autodidacta, se formó en música, arqueología (por entonces muy de moda espoleada por los recién descubrimientos de Pompeya), historia, dibujo, matemáticas y física. Era un políglota consumado en francés, alemán e inglés. Además sabía recitar de memoria textos de la literatura clásica. En 1729, al morir el tío, entra bajo la protección de su hermano mayor y en 1733 regresa a Aragón. Tres años más tarde se casa y en 1737 publica Ignacio de Luzán su Poética.  

A partir de aquí todos son honores hasta su muerte, ya que es nombrado en 1741 miembro de la Academia de la Lengua trasladándose a Madrid. De 1747 a 1750 desempeñó las funciones de secretario de la embajada española en París. Los nombramientos no acaban aquí: tesorero de la Real Biblioteca, miembro del Consejo de Hacienda… Y la muerte le sorprendió cuando iba a ser propuesto para un cargo de mayor entidad. 

En cuanto a su personalidad, es unánime entre la crítica destacar su espíritu investigador, su afán de conocimiento y su deseo de llevar los mandatos de la razón a las artes tal como propugnaba la literatura neoclásica

Obras de Ignacio de Luzán  

Sin contar su Poética que fue obra de cabecera durante todo el siglo XVIII hasta la irrupción del romanticismo literario también dejó escrito lo siguiente:  

1.- Escritos y discursos pertenecientes a su tarea en las distintas academias. 

2.- Una comedia titulada La virtud coronada

3.- La traducción de La razón contra la moda

4.- También tradujo en distintas versiones el Paraíso perdido (1667) del poeta y ensayista inglés John Milton. 

5.- Carta en defensa de España.

6.- Sobre el origen y patria primitiva de los godos.

7.- También se cuentan ensayos y escritos de índole histórica y de poca entidad.

La Poética de Ignacio de Luzán 

En ella arremete contra lo que denomina barroquismo degenerado y señala a tres grandes del Siglo de Oro como los responsables de un estilo oscuro y complicado que nada aportaría (según su parecer) a las letras patrias. Los nombres son nada más y nada menos que Lope de Vega en el teatro, Baltasar Gracián en la prosa y Luis de Góngora en la poesía. El marchamo de poeta rebuscado que imprimió a este último perduró hasta su recuperación por parte de los miembros de la Generación del 27. Al teatro de Lope de Vega le achaca ser desordenado, infantil y excesivo en sus tramas de capa y espada. Según propugna Ignacio de Luzán en su Poética se debía regresar al supuesto orden de las reglas pasadas, al buen gusto que reside en la sobriedad, a la solidez que da la razón que no se entretiene en florituras… Todo ello desembocó en las principales características de la literatura neoclásica española que tan pocos nombres ilustres dio en toda una centuria. Quizás porque todo ese imperio del orden, la razón y la programación no esté en el fondo artístico de un pueblo dado a la improvisación y la pasión.

La Poética de Ignacio Luzán está dividida en cuatro libros que son los que siguen: 

1.- “Del origen, progresos y esencia de la poesía”

2.- “De la utilidad y del deleite de la poesía”

3.- “De la tragedia y comedia y otras poesías dramáticas”

4.- “De la naturaleza y definición del poema épico”

En estos capítulos desgrana la historia de la literatura desde sus orígenes conocidos proponiendo como modelos los clásicos grecolatinos que tanto se admiraban en la época. Según Luzán, la obra literaria debía responder a unas reglas que a su juicio son universales y no apartarse de ellas. Además debía huir de todo exceso en las metáforas, tropos y lenguaje florido. Por eso abomina del gongorismo sin salvar ni un solo verso de este estilo literario. También echa en falta el rigor de los estudios en la literatura española sin poéticas y tan dada al (¡bendito!) genio de unos cuantos nombres ilustres.  

Y, por último, la belleza del poema o de la obra literaria viene dada por su verdad. Si bien, esto es aceptado más tarde (con todos los matices pasionales o individuales que trae el Romanticismo), quiere imponer unos modelos preestablecidos o enconsertados al máximo y niega que esa verdad se encuentre en el desorden la literatura barroca en España.  

Para terminar, anoto que de La Poética de Luzán se realizó una segunda edición en Madrid en 1789 al cuidado de uno de los hijos del autor. En esta nueva impresión se encuentran una serie de modificaciones que afianza todos los principios del Neoclasicismo, la corriente estética que empezaba ya a dar sus últimos coletazos en favor de otros modelos expresivos que, precisamente, hacían bandera de la libertad y de la genialidad individual. 

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

 

 

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La Poética o Reglas de la Poesía de Ignacio de Luzán (1702-1754) apareció publicada en Zaragoza en 1737. Con sus salvedades, fue adoptada inmediatamente como el manual crítico literario y del buen gusto del Neoclasicismo español. Resumiendo y reduciendo mucho, en ella se hace un recorrido desde los grandes autores de la literatura griega y latina hasta desembocar en el Siglo de Oro español. Si bien en estas décadas hubo un avance en cuanto a la creación de las distintas academias se refiere (lengua, historia…), en el plano creativo se empeñaron en seguir unas normas estilísticas tan fijas que supusieron un choque con el carácter artístico del español. 

Mínima biografía de Ignacio de Luzán 

Nació en Zaragoza en marzo de 1702 hijo de un matrimonio acaudalado e influyente, ya que su padre era gobernador del Reino de Aragón. Murió la madre al poco de nacer nuestro protagonista y se queda huérfano de padre cuatro años después. Aunque es criado por su abuela materna, al fallecer esta, cobra importancia la figura de José Luzán, tío paterno del crítico neoclásico. Hombre de cultura y huyendo de las guerras, recala en Palma de Mallorca primero y luego en Génova y Milán. Con él viajaba Ignacio de Luzán que se formó primero en el Seminario de Nobles de Patellani, luego en Nápoles, para continuar en Palermo y terminar leyes en la Universidad de Catania en 1727.  

El espíritu nómada que le inculcó su tío se trasladó también a su afán de conocimiento y, de manera autodidacta, se formó en música, arqueología (por entonces muy de moda espoleada por los recién descubrimientos de Pompeya), historia, dibujo, matemáticas y física. Era un políglota consumado en francés, alemán e inglés. Además sabía recitar de memoria textos de la literatura clásica. En 1729, al morir el tío, entra bajo la protección de su hermano mayor y en 1733 regresa a Aragón. Tres años más tarde se casa y en 1737 publica Ignacio de Luzán su Poética.  

A partir de aquí todos son honores hasta su muerte, ya que es nombrado en 1741 miembro de la Academia de la Lengua trasladándose a Madrid. De 1747 a 1750 desempeñó las funciones de secretario de la embajada española en París. Los nombramientos no acaban aquí: tesorero de la Real Biblioteca, miembro del Consejo de Hacienda… Y la muerte le sorprendió cuando iba a ser propuesto para un cargo de mayor entidad. 

En cuanto a su personalidad, es unánime entre la crítica destacar su espíritu investigador, su afán de conocimiento y su deseo de llevar los mandatos de la razón a las artes tal como propugnaba la literatura neoclásica

Obras de Ignacio de Luzán  

Sin contar su Poética que fue obra de cabecera durante todo el siglo XVIII hasta la irrupción del romanticismo literario también dejó escrito lo siguiente:  

1.- Escritos y discursos pertenecientes a su tarea en las distintas academias. 

2.- Una comedia titulada La virtud coronada

3.- La traducción de La razón contra la moda

4.- También tradujo en distintas versiones el Paraíso perdido (1667) del poeta y ensayista inglés John Milton. 

5.- Carta en defensa de España.

6.- Sobre el origen y patria primitiva de los godos.

7.- También se cuentan ensayos y escritos de índole histórica y de poca entidad.

La Poética de Ignacio de Luzán 

En ella arremete contra lo que denomina barroquismo degenerado y señala a tres grandes del Siglo de Oro como los responsables de un estilo oscuro y complicado que nada aportaría (según su parecer) a las letras patrias. Los nombres son nada más y nada menos que Lope de Vega en el teatro, Baltasar Gracián en la prosa y Luis de Góngora en la poesía. El marchamo de poeta rebuscado que imprimió a este último perduró hasta su recuperación por parte de los miembros de la Generación del 27. Al teatro de Lope de Vega le achaca ser desordenado, infantil y excesivo en sus tramas de capa y espada. Según propugna Ignacio de Luzán en su Poética se debía regresar al supuesto orden de las reglas pasadas, al buen gusto que reside en la sobriedad, a la solidez que da la razón que no se entretiene en florituras… Todo ello desembocó en las principales características de la literatura neoclásica española que tan pocos nombres ilustres dio en toda una centuria. Quizás porque todo ese imperio del orden, la razón y la programación no esté en el fondo artístico de un pueblo dado a la improvisación y la pasión.

La Poética de Ignacio Luzán está dividida en cuatro libros que son los que siguen: 

1.- “Del origen, progresos y esencia de la poesía”

2.- “De la utilidad y del deleite de la poesía”

3.- “De la tragedia y comedia y otras poesías dramáticas”

4.- “De la naturaleza y definición del poema épico”

En estos capítulos desgrana la historia de la literatura desde sus orígenes conocidos proponiendo como modelos los clásicos grecolatinos que tanto se admiraban en la época. Según Luzán, la obra literaria debía responder a unas reglas que a su juicio son universales y no apartarse de ellas. Además debía huir de todo exceso en las metáforas, tropos y lenguaje florido. Por eso abomina del gongorismo sin salvar ni un solo verso de este estilo literario. También echa en falta el rigor de los estudios en la literatura española sin poéticas y tan dada al (¡bendito!) genio de unos cuantos nombres ilustres.  

Y, por último, la belleza del poema o de la obra literaria viene dada por su verdad. Si bien, esto es aceptado más tarde (con todos los matices pasionales o individuales que trae el Romanticismo), quiere imponer unos modelos preestablecidos o enconsertados al máximo y niega que esa verdad se encuentre en el desorden la literatura barroca en España.  

Para terminar, anoto que de La Poética de Luzán se realizó una segunda edición en Madrid en 1789 al cuidado de uno de los hijos del autor. En esta nueva impresión se encuentran una serie de modificaciones que afianza todos los principios del Neoclasicismo, la corriente estética que empezaba ya a dar sus últimos coletazos en favor de otros modelos expresivos que, precisamente, hacían bandera de la libertad y de la genialidad individual. 

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

 

 

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“España no está para imprimir, ni aún para saber, sino cada uno para sí mismo”  

Con estas palabras se justificaba Fray Martín Sarmiento (1695-1771), uno de los autores más influyentes del neoclasicismo español a pesar de esa negativa (reiterada con ahínco a lo largo de su vida) a dar a conocer sus escritos. Con toda probabilidad en ese retraimiento (que ya estaba en su personalidad) aumentó con las agrias polémicas en las que se vio envuelto el Padre Feijoo, amigo y maestro de nuestro protagonista. El Neoclasicismo, resumiendo y reduciendo mucho, quiso imponer a toda costa los dictados de la razón en una sociedad, la española del siglo XVIII, enquistada en la superstición, con graves problemas educativos y mal guiada por una élite que se hacía fuerte en sus privilegios sin el más mínimo aporte a la sociedad. El llamado Siglo de las Luces está caracterizado por el amor a la ciencia, la búsqueda de la verdad a través del positivismo y de la experimentación. Además, en España está protagonizado por fuerzas de choques: por un lado la tradición inmóvil y, por el otro, un afán reformador que no lograba penetrar en los estratos de poder.  

Personalidad y mínima biografía de Martín Sarmiento  

Nació en la localidad de Villafranca del Bierzo en 1695 de familia acomodada. Con quince años ingresa en la orden benedictina y se traslada al convento de San Martín de Madrid donde fallece en 1771. Pocas anécdotas encontramos en su vida más allá de las polémicas debido a su carácter (fuerte y agrio) y por su desmedido afán de saber. En su celda monacal logra reunir una surtida biblioteca dedicándose al estudio constante y a la escritura desordenada de todo tipo de temas. Sobresalen especialmente diversas observaciones sobre la naturaleza (botánica y biología) de la que era un agudo observador. Sus escritos se presentan con un realismo descarnado donde se despliegan todas sus dotes de análisis y de sabiduría. Especialistas hay que apuntan a la imposibilidad de publicar sus papeles por las críticas tan brutales que se vierten sobre ciertos temas y o grupos sociales.  

Esta existencia recogida y dedicada al estudio constante cristalizó en una obra dispersa y amplia en la que se intentaba desbaratar los prejuicios, supersticiones y falta de espíritu critico de la España de la época. Sin embargo, a pesar de este confinamiento de por vida, Fray Martín Sarmiento nunca estuvo solo y hasta su celda se acercaron personalidades de importancia y pertenecientes a la élite de la vida cultural y artística de la época. Más bien, convirtió su diminuta habitación en un auténtico salón al estilo de los académicos o tertulias que comenzaban a extenderse en la corte donde se debatía y se conversaba de distintas materias. Eran asiduos los siguientes nombres: 

1.- Juan de Iriarte, primer bibliotecario de la Biblioteca Real y colaborador del Diario de los literatos de España, el más importante de la época. 

2.- El padre Marcos Burriel, que inventarió los manuscritos de la Catedral de Toledo. 

3.- José Quer y Martínez, botánico y viajero. 

4.- El padre Flores, autor de España sagrada

5.- El paleógrafo Terreros. 

6.- Agustín Montiano, fundador de la Academia de la Historia. 

Carácter de la obra de Fray Martín Sarmiento 

1.- Gigantesca, dispersa y desordenada, fue el duque de Medina Sidonia el primero que intentó un publicación de su obra en 1775, tras la muerte del benedictino. En principio, tendría diecinueve volúmenes. Posteriormente se realizó una edición seleccionada por la Real Academia de la Lengua y, en la actualidad, se ha hecho aproximaciones diversas a sus escritos. 

2.- Fue el primer estudioso que observó unas reglas en la transformación del latín a las distintas lenguas romances poniendo la semilla para el estudio de la lingüística histórica. 

3.- La observación de la naturaleza era su pasión y redactó una Historia natural escrita en gallego. Proponía el método de observación como el único posible para conocer los entresijos del mundo natural. 

4.- Investiga en los métodos de estudio de la historia y es el primero que apunta que los hechos del pasado solo pueden conocerse desde una perspectiva sesgada; esto es, desde una narración con la mirada del presente. También se da cuenta de lo que, andando los siglos, vendría en llamarse, el hecho diferencial de los distintos territorios de España. 

5.- Comprometido con los procesos educativos de la época, aunque nunca llegó a ejercer como tal, propone que la instrucción debe ser más práctica, útil, encaminada a la formación en el manejo y desarrollo de la industria y de la manufactura. En este sentido, es un adelantado a su tiempo, ya que se da cuenta de la importancia de la formación a edades tempranas. Considera que un amplio vocabulario en el niño así como conocimientos de matemáticas son fundamentales para su desarrollo posterior. Fue tan adelantado a su tiempo que promulga la estimulación y la educación a través del gusto, más que por el castigo y la memorización constante. Llega a decir que: 

“El tiempo perdido en estos años no solo se pierde tiempo, sino como ocasión.”

Intuitivamente se da cuenta de los procesos de evolución del cerebro humano y de la importancia del aprendizaje en la niñez antes de que fuera demostrado por la ciencia siglos más tarde. 

6.- Se enfrascó en los estudios y en las características de la literatura medieval y fue el primero que anotó que el Cantar del Mio Cid era anterior a la obra de Gonzalo de Berceo y eso que solo dispuso de fragmentos para su estudio comparativo. Además, con el cantar de gesta relatando las hazañas de Rodrigo Díaz de Vivar hace una importante labor de filólogo. Es el primero que anota que el poema está escrito con versos irregulares.  

7.- En el plano utópico propone la creación de una especie de lengua franca universal aunque, más tarde, se da cuenta (por sus profundos estudios filológicos) que es una empresa vana y quimérica. 

Fray Martín Sarmiento visto por él mismo  

En vida fueron muchos los que polemizaban por su formas hurañas (incluso hoscas y rudas) o por estar recluido en su celda sin dar papeles a la imprenta. Entre sus muchos escritos eligió uno para su publicación El porqué si y el porqué no en el se describe de la siguiente manera. Aunque el fragmento es largo, no tiene desperdicio:  

“Yo soy en boca de todos… un hombre ridículo, duro, adusto, hipocondríaco, insociable, seco, serio, desabrido, incomunicable, melancólico, intratable, indómito, terco, tenaz, testarudo, huraño, inurbano, descortés, grosero, inmanejable, voluntarioso y, en fin, si le hay en ridiculizarme, que soy otro Timón ateniense, nuevo misántropo en Madrid. A estas dos docenas de lisonjas que inventó la retórica de la envidia, y que son veinticuatro imposturas garrafales, se añaden la reprensibles acciones que el mismo lenguaje retórico y político me atribuye: que no visito a nadie; que cierro la puerta a toda visita; que si admito alguna, no la pago; que no salgo de casa ni aun de la celda; que rarísima vez se me ve en la calle, o en el campo; que no recibo cartas; que si las recibo, las más no las abro; y a las más de las que leo no respondo; o que, si respondo, que es con tanta sequedad que se quitan las ganas de repetir; que, a veces, devuelvo las cartas con sobrescrito a las escribió…. Que después de cuarenta y ocho años que conozco a Madrid no tengo comunicación alguna ni alta ni media ni ínfima; que, por lo mismo, soy muy inútil para un empeño en la Corte…”

Se describe como una persona negada para cualquier acto social pero, por sus escritos, Fray Martín Sarmiento nos muestra un autor, investigador y estudioso imbuido de una misión social. Se detiene en los graves problemas educativos de la época y, a la par, propone soluciones novedosas y adelantadas a su tiempo. Esos ensayos en los que se insta a sacar lo mejor de los niños con una instrucción práctica no pueden venir de una persona antisocial. Con una nueva mirada (la del siglo XXI), entendemos más bien que estamos ante alguien que huye de las pompas del mundo y se centra en lo importante. Y eso para el autor era el trabajo y la investigación incansable.  

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

 

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“España no está para imprimir, ni aún para saber, sino cada uno para sí mismo”  

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Personalidad y mínima biografía de Martín Sarmiento  

Nació en la localidad de Villafranca del Bierzo en 1695 de familia acomodada. Con quince años ingresa en la orden benedictina y se traslada al convento de San Martín de Madrid donde fallece en 1771. Pocas anécdotas encontramos en su vida más allá de las polémicas debido a su carácter (fuerte y agrio) y por su desmedido afán de saber. En su celda monacal logra reunir una surtida biblioteca dedicándose al estudio constante y a la escritura desordenada de todo tipo de temas. Sobresalen especialmente diversas observaciones sobre la naturaleza (botánica y biología) de la que era un agudo observador. Sus escritos se presentan con un realismo descarnado donde se despliegan todas sus dotes de análisis y de sabiduría. Especialistas hay que apuntan a la imposibilidad de publicar sus papeles por las críticas tan brutales que se vierten sobre ciertos temas y o grupos sociales.  

Esta existencia recogida y dedicada al estudio constante cristalizó en una obra dispersa y amplia en la que se intentaba desbaratar los prejuicios, supersticiones y falta de espíritu critico de la España de la época. Sin embargo, a pesar de este confinamiento de por vida, Fray Martín Sarmiento nunca estuvo solo y hasta su celda se acercaron personalidades de importancia y pertenecientes a la élite de la vida cultural y artística de la época. Más bien, convirtió su diminuta habitación en un auténtico salón al estilo de los académicos o tertulias que comenzaban a extenderse en la corte donde se debatía y se conversaba de distintas materias. Eran asiduos los siguientes nombres: 

1.- Juan de Iriarte, primer bibliotecario de la Biblioteca Real y colaborador del Diario de los literatos de España, el más importante de la época. 

2.- El padre Marcos Burriel, que inventarió los manuscritos de la Catedral de Toledo. 

3.- José Quer y Martínez, botánico y viajero. 

4.- El padre Flores, autor de España sagrada

5.- El paleógrafo Terreros. 

6.- Agustín Montiano, fundador de la Academia de la Historia. 

Carácter de la obra de Fray Martín Sarmiento 

1.- Gigantesca, dispersa y desordenada, fue el duque de Medina Sidonia el primero que intentó un publicación de su obra en 1775, tras la muerte del benedictino. En principio, tendría diecinueve volúmenes. Posteriormente se realizó una edición seleccionada por la Real Academia de la Lengua y, en la actualidad, se ha hecho aproximaciones diversas a sus escritos. 

2.- Fue el primer estudioso que observó unas reglas en la transformación del latín a las distintas lenguas romances poniendo la semilla para el estudio de la lingüística histórica. 

3.- La observación de la naturaleza era su pasión y redactó una Historia natural escrita en gallego. Proponía el método de observación como el único posible para conocer los entresijos del mundo natural. 

4.- Investiga en los métodos de estudio de la historia y es el primero que apunta que los hechos del pasado solo pueden conocerse desde una perspectiva sesgada; esto es, desde una narración con la mirada del presente. También se da cuenta de lo que, andando los siglos, vendría en llamarse, el hecho diferencial de los distintos territorios de España. 

5.- Comprometido con los procesos educativos de la época, aunque nunca llegó a ejercer como tal, propone que la instrucción debe ser más práctica, útil, encaminada a la formación en el manejo y desarrollo de la industria y de la manufactura. En este sentido, es un adelantado a su tiempo, ya que se da cuenta de la importancia de la formación a edades tempranas. Considera que un amplio vocabulario en el niño así como conocimientos de matemáticas son fundamentales para su desarrollo posterior. Fue tan adelantado a su tiempo que promulga la estimulación y la educación a través del gusto, más que por el castigo y la memorización constante. Llega a decir que: 

“El tiempo perdido en estos años no solo se pierde tiempo, sino como ocasión.”

Intuitivamente se da cuenta de los procesos de evolución del cerebro humano y de la importancia del aprendizaje en la niñez antes de que fuera demostrado por la ciencia siglos más tarde. 

6.- Se enfrascó en los estudios y en las características de la literatura medieval y fue el primero que anotó que el Cantar del Mio Cid era anterior a la obra de Gonzalo de Berceo y eso que solo dispuso de fragmentos para su estudio comparativo. Además, con el cantar de gesta relatando las hazañas de Rodrigo Díaz de Vivar hace una importante labor de filólogo. Es el primero que anota que el poema está escrito con versos irregulares.  

7.- En el plano utópico propone la creación de una especie de lengua franca universal aunque, más tarde, se da cuenta (por sus profundos estudios filológicos) que es una empresa vana y quimérica. 

Fray Martín Sarmiento visto por él mismo  

En vida fueron muchos los que polemizaban por su formas hurañas (incluso hoscas y rudas) o por estar recluido en su celda sin dar papeles a la imprenta. Entre sus muchos escritos eligió uno para su publicación El porqué si y el porqué no en el se describe de la siguiente manera. Aunque el fragmento es largo, no tiene desperdicio:  

“Yo soy en boca de todos… un hombre ridículo, duro, adusto, hipocondríaco, insociable, seco, serio, desabrido, incomunicable, melancólico, intratable, indómito, terco, tenaz, testarudo, huraño, inurbano, descortés, grosero, inmanejable, voluntarioso y, en fin, si le hay en ridiculizarme, que soy otro Timón ateniense, nuevo misántropo en Madrid. A estas dos docenas de lisonjas que inventó la retórica de la envidia, y que son veinticuatro imposturas garrafales, se añaden la reprensibles acciones que el mismo lenguaje retórico y político me atribuye: que no visito a nadie; que cierro la puerta a toda visita; que si admito alguna, no la pago; que no salgo de casa ni aun de la celda; que rarísima vez se me ve en la calle, o en el campo; que no recibo cartas; que si las recibo, las más no las abro; y a las más de las que leo no respondo; o que, si respondo, que es con tanta sequedad que se quitan las ganas de repetir; que, a veces, devuelvo las cartas con sobrescrito a las escribió…. Que después de cuarenta y ocho años que conozco a Madrid no tengo comunicación alguna ni alta ni media ni ínfima; que, por lo mismo, soy muy inútil para un empeño en la Corte…”

Se describe como una persona negada para cualquier acto social pero, por sus escritos, Fray Martín Sarmiento nos muestra un autor, investigador y estudioso imbuido de una misión social. Se detiene en los graves problemas educativos de la época y, a la par, propone soluciones novedosas y adelantadas a su tiempo. Esos ensayos en los que se insta a sacar lo mejor de los niños con una instrucción práctica no pueden venir de una persona antisocial. Con una nueva mirada (la del siglo XXI), entendemos más bien que estamos ante alguien que huye de las pompas del mundo y se centra en lo importante. Y eso para el autor era el trabajo y la investigación incansable.  

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

 

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Si buscas hoy, verano de 2021, la entrada Padre Feijoo en Internet te toparás con una palabra clave sorprendente teniendo en cuenta que estamos hablando de un autor del siglo XVIII: Padre Feijoo feminismo. Y eso que solo trató exclusivamente uno de sus 118 ensayos al tema, el titulado “Defensa de las mujeres”. Intelectual de amplia cultura ( forjado con las obras tanto de pensadores extranjeros como de escritores hispanos), dedicó toda su vida al estudio y a la escritura con un fin didáctico, divulgativo y con el empeño de remover conciencias. La tarea no era fácil ya que nos encontramos ante una España atrasada que boicoteaba una y otra vez las necesarias reformas universitarias y educativas. De personalidad serena, su agudo sentido del humor, fina ironía y mentalidad progresista (en el mejor sentido de la palabra) fueron muchos los enemigos que se granjeó precisamente por hacer gala de estos dones. Afortunadamente, también fueron legión los que encontraban en los escritos del Padre Feijoo el aliciente para fomentar un cambio de mentalidad y de sociedad, extremos ambos que tardarían mucho en llegar. 

Mínima biografía de Benito Jerónimo Feijoo

Nació en Casdemiro, provincia de Orense, en octubre de 1676. De familia hidalga y sólida solvencia económica, con tan solo catorce años ingresa en los benedictinos, orden a la que pertenecerá el resto de su vida. En 1690 ya vestía el hábito en el Real Monasterio de San Julián de Samos. Estudia en el Colegio de San Salvador de Pérez (arte), en el de San Vicente de Salamanca (teología) y en el de San Pedro de Eslonza. Con tan solo treinta y tres años es nombrado para el cargo de maestro de novicios en el Colegio de San Vicente. Y en la Universidad de Oviedo ocupa varias cátedras (ganadas por oposición) y de aquí no se moverá prácticamente en su larga vida. Fallece el 26 de septiembre de 1764. 

Confinado en su celda, estudia, investiga, se forma, se hace preguntas, reúne una pequeña biblioteca y hasta un mínimo gabinete de curiosidades que tan de moda estaba en la época. En la serenidad de la vida monacal y docente, levanta una obra grandiosa en todos los sentidos ya que no solo es amplia sino que tuvo una repercusión nunca antes vista en un autor español. Sus ensayos tratan los más variados temas desde filosofía hasta vida cotidiana y todos ellos tienen una hilo conductor: su espíritu reformador y científico. Todos están realizados siguiendo las características del neoclasicismo

El éxito en vida del Padre Feijoo fue tal que hasta su diminuta celda se acercaban intelectuales y escritores para departir con el monje cuya fama de ilustrado iba pareja a la de buen conversador. Las cartas (algunas remitidas desde Europa) eran tan frecuentes que gastaba un par de horas al día en poder contestar a sus interlocutores. Su espíritu progresista, guiado por el afán de reforma de una sociedad inserta en una cultura anclada en el pasado le hace decir lo siguiente:  

“Sobre todo, huyo de aquella cantinela, frecuentísima en los viejos, de censurar todo lo presente y alabar todo lo pasado… Yo he vivido muchos años, y en la distancia de mi juventud a los de mi vejez, no solo no observé esta decantada corrupción moral…”

Estamos en el llamado Siglo de las Luces, recordemos, cuando se apelaba a la razón en todos los órdenes de la vida. Porque si en algo se afanaba el fraile benedictino, en el silencio de su celda apartada en un rincón provinciano, es por remover conciencias. Y que estas se encaminaran por el espíritu positivo de la ciencia, de la innovación y del aprendizaje de materias útiles más que en largos procesos memorísticos de datos que no tenían ningún objetivo práctico o de retorno a la sociedad.  

Obras del Padre Feijoo

A su obra principal, la escrita con espíritu constructivo, hay que unir algunos ensayos en defensa de la misma y criticando a la de sus detractores. La polémica intelectual con Feijoo fue tan intensa (tal era el calado de sus cambios propuestos) que el rey Fernando VI prohibió imprimir contestaciones a sus escritos. Gran parte de la literatura neoclásica española gira en torno a su figura. Así que fueron muchos los que se entretuvieron en encontrar fallos o en desdecir sus opiniones. Destaco:  

1.- Los 118 ensayos de temas diversos recogidos en ocho volúmenes publicados entre 1726 y 1739 bajo el título de Teatro crítico universal. A estos hay que añadir un suplemento aparecido en 1740. El subtítulo de la obra nos da una idea del cariz de la misma: Discursos varios en todo género de materias para el desengaño de errores comunes. 

2.- Cartas eruditas y curiosas, en cinco volúmenes e impresas entre 1741 y 1760. 

3.- Ilustración apologética en 1729, una contestación a la polémica realizada por Mañer.

4.- Justa  repulsa de inicuas acusaciones de 1749 del mismo cariz que el anterior pero esta vez respondiendo al libro de Soto Marne. 

El canon literario considera que la obra señera del Padre Feijoo es Teatro crítico universal donde da cuenta -en esos 118 ensayos- a temas diversos y siempre con una perspectiva intelectual, crítica e innovadora. En ellos se tratan temas de arte, metafísica, filosofía, física, matemáticas, medicina, literatura o historia. Ataca las supersticiones que atenazaban el avance del conocimiento, así como el sistema clasista universitario con materias sin ningún interés para el progreso técnico o humanístico. 

La importancia de sus escritos en la España del S. XVIII

La obra del Padre Feijoo hubiera pasado inadvertida en una época en la que todas y cada una de las reformas educativas propuestas se quedaban en nada por falta de la más mínima financiación y por el boicoteo de la élite universitaria. Quienes disfrutaban de privilegios de cátedra se empeñaban en no mover nada, en parte para no ver peligrado su estatus. Feijoo pone en la imprenta una obra redactada para todo tipo de público, alejando la pedantería y motivando el espíritu crítico. Sus ensayos (considerados los primeros de la literatura española) están redactados en un tono divulgativo, con un lenguaje sencillo, aunque se le achaca el uso excesivo de palabras francesas. Quizás este extremo fuera debido a que sus fuentes se encontraban en los autores y enciclopedistas galos así como en los escritos de los filósofos ingleses, especialmente Francis Bacon (1561-1626).  

Ese espíritu innovador caló hondo entre profesores universitarios, intelectuales e, incluso, público interesado, convirtiendo la obra del Padre Feijoo en un auténtico bestseller. Se calcula que en vida vendió casi medio millón de copias de sus libros, que se realizaron quince ediciones del Teatro crítico universal y once de Cartas eruditas. Por si fuera poco, los ensayos fueron traducidos al francés, inglés, alemán y portugués e, incluso, se realizaron estudios críticos con diccionarios, tal fue el éxito de los escritos del Padre Feijoo. Dicho esto, hacia 1787 y con el romanticismo literario ya asentado, sus ensayos quedan relegados casi al ostracismo y hay que esperar a verlos recuperados, una vez más, con la filología del siglo XX.  

La personalidad del Padre Feijoo 

Imbuido del espíritu positivista inglés y teniendo como bandera la firme creencia del avance de la humanidad a través de la ciencia, luchó (con su pluma) contra la superstición y las creencias oscurantistas de la época. Este amor por la técnica, por la experimentación, por los dones de la razón nunca fue un obstáculo para su sincera fe.  

Admirado (más tarde) por Emilia Pardo Bazán, quien encontró en la obra del Padre Feijoo al primer feminista, Concepción Arenal destacó su espíritu de tolerancia. Y eso a pesar de poner en entredicho ciertas costumbres de su época, tal como venimos anotando. Era, en definitiva, el benedictino de carácter afable, buen conversador, una de esas personas inspiradoras para otros, los mismos que se acercaban con afán de aprender o de superarse.  

Es, en resumen, el Padre Feijoo un intelectual de la época en el que los choques entre la tradición y el afán de renovación se convirtió en una constante. Desafortunadamente, la élite se empeñó en paralizar cualquier cambio que supusiera apertura u oportunidades de formación.   

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

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Si buscas hoy, verano de 2021, la entrada Padre Feijoo en Internet te toparás con una palabra clave sorprendente teniendo en cuenta que estamos hablando de un autor del siglo XVIII: Padre Feijoo feminismo. Y eso que solo trató exclusivamente uno de sus 118 ensayos al tema, el titulado “Defensa de las mujeres”. Intelectual de amplia cultura ( forjado con las obras tanto de pensadores extranjeros como de escritores hispanos), dedicó toda su vida al estudio y a la escritura con un fin didáctico, divulgativo y con el empeño de remover conciencias. La tarea no era fácil ya que nos encontramos ante una España atrasada que boicoteaba una y otra vez las necesarias reformas universitarias y educativas. De personalidad serena, su agudo sentido del humor, fina ironía y mentalidad progresista (en el mejor sentido de la palabra) fueron muchos los enemigos que se granjeó precisamente por hacer gala de estos dones. Afortunadamente, también fueron legión los que encontraban en los escritos del Padre Feijoo el aliciente para fomentar un cambio de mentalidad y de sociedad, extremos ambos que tardarían mucho en llegar. 

Mínima biografía de Benito Jerónimo Feijoo

Nació en Casdemiro, provincia de Orense, en octubre de 1676. De familia hidalga y sólida solvencia económica, con tan solo catorce años ingresa en los benedictinos, orden a la que pertenecerá el resto de su vida. En 1690 ya vestía el hábito en el Real Monasterio de San Julián de Samos. Estudia en el Colegio de San Salvador de Pérez (arte), en el de San Vicente de Salamanca (teología) y en el de San Pedro de Eslonza. Con tan solo treinta y tres años es nombrado para el cargo de maestro de novicios en el Colegio de San Vicente. Y en la Universidad de Oviedo ocupa varias cátedras (ganadas por oposición) y de aquí no se moverá prácticamente en su larga vida. Fallece el 26 de septiembre de 1764. 

Confinado en su celda, estudia, investiga, se forma, se hace preguntas, reúne una pequeña biblioteca y hasta un mínimo gabinete de curiosidades que tan de moda estaba en la época. En la serenidad de la vida monacal y docente, levanta una obra grandiosa en todos los sentidos ya que no solo es amplia sino que tuvo una repercusión nunca antes vista en un autor español. Sus ensayos tratan los más variados temas desde filosofía hasta vida cotidiana y todos ellos tienen una hilo conductor: su espíritu reformador y científico. Todos están realizados siguiendo las características del neoclasicismo

El éxito en vida del Padre Feijoo fue tal que hasta su diminuta celda se acercaban intelectuales y escritores para departir con el monje cuya fama de ilustrado iba pareja a la de buen conversador. Las cartas (algunas remitidas desde Europa) eran tan frecuentes que gastaba un par de horas al día en poder contestar a sus interlocutores. Su espíritu progresista, guiado por el afán de reforma de una sociedad inserta en una cultura anclada en el pasado le hace decir lo siguiente:  

“Sobre todo, huyo de aquella cantinela, frecuentísima en los viejos, de censurar todo lo presente y alabar todo lo pasado… Yo he vivido muchos años, y en la distancia de mi juventud a los de mi vejez, no solo no observé esta decantada corrupción moral…”

Estamos en el llamado Siglo de las Luces, recordemos, cuando se apelaba a la razón en todos los órdenes de la vida. Porque si en algo se afanaba el fraile benedictino, en el silencio de su celda apartada en un rincón provinciano, es por remover conciencias. Y que estas se encaminaran por el espíritu positivo de la ciencia, de la innovación y del aprendizaje de materias útiles más que en largos procesos memorísticos de datos que no tenían ningún objetivo práctico o de retorno a la sociedad.  

Obras del Padre Feijoo

A su obra principal, la escrita con espíritu constructivo, hay que unir algunos ensayos en defensa de la misma y criticando a la de sus detractores. La polémica intelectual con Feijoo fue tan intensa (tal era el calado de sus cambios propuestos) que el rey Fernando VI prohibió imprimir contestaciones a sus escritos. Gran parte de la literatura neoclásica española gira en torno a su figura. Así que fueron muchos los que se entretuvieron en encontrar fallos o en desdecir sus opiniones. Destaco:  

1.- Los 118 ensayos de temas diversos recogidos en ocho volúmenes publicados entre 1726 y 1739 bajo el título de Teatro crítico universal. A estos hay que añadir un suplemento aparecido en 1740. El subtítulo de la obra nos da una idea del cariz de la misma: Discursos varios en todo género de materias para el desengaño de errores comunes. 

2.- Cartas eruditas y curiosas, en cinco volúmenes e impresas entre 1741 y 1760. 

3.- Ilustración apologética en 1729, una contestación a la polémica realizada por Mañer.

4.- Justa  repulsa de inicuas acusaciones de 1749 del mismo cariz que el anterior pero esta vez respondiendo al libro de Soto Marne. 

El canon literario considera que la obra señera del Padre Feijoo es Teatro crítico universal donde da cuenta -en esos 118 ensayos- a temas diversos y siempre con una perspectiva intelectual, crítica e innovadora. En ellos se tratan temas de arte, metafísica, filosofía, física, matemáticas, medicina, literatura o historia. Ataca las supersticiones que atenazaban el avance del conocimiento, así como el sistema clasista universitario con materias sin ningún interés para el progreso técnico o humanístico. 

La importancia de sus escritos en la España del S. XVIII

La obra del Padre Feijoo hubiera pasado inadvertida en una época en la que todas y cada una de las reformas educativas propuestas se quedaban en nada por falta de la más mínima financiación y por el boicoteo de la élite universitaria. Quienes disfrutaban de privilegios de cátedra se empeñaban en no mover nada, en parte para no ver peligrado su estatus. Feijoo pone en la imprenta una obra redactada para todo tipo de público, alejando la pedantería y motivando el espíritu crítico. Sus ensayos (considerados los primeros de la literatura española) están redactados en un tono divulgativo, con un lenguaje sencillo, aunque se le achaca el uso excesivo de palabras francesas. Quizás este extremo fuera debido a que sus fuentes se encontraban en los autores y enciclopedistas galos así como en los escritos de los filósofos ingleses, especialmente Francis Bacon (1561-1626).  

Ese espíritu innovador caló hondo entre profesores universitarios, intelectuales e, incluso, público interesado, convirtiendo la obra del Padre Feijoo en un auténtico bestseller. Se calcula que en vida vendió casi medio millón de copias de sus libros, que se realizaron quince ediciones del Teatro crítico universal y once de Cartas eruditas. Por si fuera poco, los ensayos fueron traducidos al francés, inglés, alemán y portugués e, incluso, se realizaron estudios críticos con diccionarios, tal fue el éxito de los escritos del Padre Feijoo. Dicho esto, hacia 1787 y con el romanticismo literario ya asentado, sus ensayos quedan relegados casi al ostracismo y hay que esperar a verlos recuperados, una vez más, con la filología del siglo XX.  

La personalidad del Padre Feijoo 

Imbuido del espíritu positivista inglés y teniendo como bandera la firme creencia del avance de la humanidad a través de la ciencia, luchó (con su pluma) contra la superstición y las creencias oscurantistas de la época. Este amor por la técnica, por la experimentación, por los dones de la razón nunca fue un obstáculo para su sincera fe.  

Admirado (más tarde) por Emilia Pardo Bazán, quien encontró en la obra del Padre Feijoo al primer feminista, Concepción Arenal destacó su espíritu de tolerancia. Y eso a pesar de poner en entredicho ciertas costumbres de su época, tal como venimos anotando. Era, en definitiva, el benedictino de carácter afable, buen conversador, una de esas personas inspiradoras para otros, los mismos que se acercaban con afán de aprender o de superarse.  

Es, en resumen, el Padre Feijoo un intelectual de la época en el que los choques entre la tradición y el afán de renovación se convirtió en una constante. Desafortunadamente, la élite se empeñó en paralizar cualquier cambio que supusiera apertura u oportunidades de formación.   

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

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