romanticismo

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Gustavo Adolfo Bécquer (1836-1870) a pesar de vivir, escribir y publicar cuando el Romanticismo en España (y en toda Europa) ya estaba superado, es uno de los más ilustres representantes del movimiento. Y lo es porque no solo las leyendas están entre lo más señero de la producción en prosa sino también sus poemas. Escritos con un lenguaje sencillo en extremo, en ellos no solo se condensan las características del Romanticismo sino que el escritor abre la puerta para adentrarnos en la literatura contemporánea. Efectivamente, con nuestro autor se dejan atrás definitivamente los modelos clásicos y tradicionales para encaminarnos (paso a paso) a los actuales. Comienzo diciendo que en Volverán las oscuras golondrinas, el yo del poeta (atormentado en extremo) se aúna con la naturaleza en versos sencillos que se han hecho tan populares que quizás sea el poema de (des)amor más conocido de la literatura en español. 

Volverán las oscuras golondrinas de Gustavo Adolfo Bécquer | poema completo 

Volverán las oscuras golondrinas
en tu balcón sus nidos a colgar,
y otra vez con el ala a sus cristales
jugando llamarán.

Pero aquellas que el  vuelo refrenaban
tu hermosura y mi dicha a contemplar,
aquellas que aprendieron nuestros nombres…
¡esas… no volverán!

Volverán las tupidas madreselvas
de tu jardín las tapias a escalar,
y otra vez a la tarde aún más hermosas
sus flores se abrirán.

Pero aquellas, cuajadas de rocío
cuyas gotas mirábamos temblar
y caer como lágrimas del día…
¡esas… no volverán!

Volverán del amor en tus oídos
las palabras ardientes a sonar;
tu corazón de su profundo sueño
tal vez despertará.

Pero mudo y absorto y de rodillas
como se adora a Dios ante su altar,
como yo te he querido…; desengáñate,
¡así… no te querrán!

Análisis formal de Volverán las oscuras golondrinas de Bécquer 

1.- Una de las características de la poesía becqueriana es su falta de sumisión a las estrofas y tropos conocidos. Aunque no utiliza el verso libre, nunca sigue al pie de la letra los modelos tradicionales. Así, en este conocido poema estamos ante estrofas sáficas que querían imitar los moldes y modelos de la literatura griega, pero con mayor libertad. Cuando apareció en la letras castellanas, con la lírica renacentista, la rima era libre. Posteriormente, se añadió en el siglo XVIII una básica entre el primer y el tercer verso que este poema no presenta, a pesar del marcado ritmo sonoro del mismo. 

2.- Estamos ante un poema de seis estrofas de cuatro versos cada una. Los tres primeros de cada estrofa son endecasílabos y el último es un heptasílabo. Es decir, la combinación de arte mayor y menor son las más comunes y populares de la literatura española última. 

3.- Estas seis estrofas se agrupan temáticamente de dos en dos. Esto es, en la primera se nos aparece una situación a futuro encabezada por la palabra “Volverán” que se repite tres veces y que contribuye a marcar el ritmo a la par que ordena el poema. En esos cuatro versos iniciales se nos describe una situación idílica en la que la naturaleza muestra sus ciclos perfectos. Por su parte la tercera hila con las anteriores mostrando un sentimiento humano (un nuevo amor) indicando la misma situación inevitable que nos muestra la naturaleza. Esto es, lo mismo que cada primavera hay un renacer, también la mujer objeto de deseo recibirá el amor de un tercero. Es un extremo que el poeta da por hecho. 

4.- Si en las estrofas impares se describe un mundo perfecto en el que la naturaleza y el amor responde a un ciclo inevitable, las pares aluden a un tiempo pasado fuera del alcance tanto del poeta como de la amada. Esto es, si todo regresa (porque es así como está establecido por ritmos superiores), esa vuelta nunca tendrá ni la alegría ni la belleza ni la perfección del pasado. Y no será así porque el poeta ha sido apartado de ese mundo descrito en los versos. Volverán las golondrinas y las flores de la madreselva, pero la naturaleza no se aunará con los sentimientos. Por tanto, la perfección de ese mundo nuevo (cíclico y repetitivo) queda anulada porque el poeta ya no se encuentra en ese emplazamiento vital. 

La poesía de Gustavo Adolfo Bécquer condensada en Volverán las oscuras golondrinas

1.- Una de las características de las Rimas de Bécquer es su lenguaje sencillo, libre de cualquier artificio o de tropos exagerados. En este poema no nos encontramos ni una sola palabra extraña, ni una sola torsión de la frase, ni una metáfora… Todo fluye como la naturaleza misma que sirve de telón de fondo (por contraste) en el ánimo del poeta. 

2.- El ritmo es marcado aunque suave y fluido. Todo ello contribuye a una deliciosa cadencia casi musical que imprime una mayor belleza al poema. 

3.- El ánimo del poeta expresado en los versos de Volverán las oscuras golondrinas es de pérdida, de melancolía, de aceptación del amor que finaliza. A la par, se erige en depositario de los más altos y nobles sentimientos que se condensan en el último verso: “¡así… no te querrán!”

4.- La naturaleza como es una de las principales características del Romanticismo no es mero paisaje sino que se erige en protagonista. Para que ese amor vuelva (aunque sea en el corazón de un tercero) tiene que acompañar el ciclo vital del planeta Tierra. Tiene que regresar la primavera simbolizada aquí en las golondrinas (ave migratoria), en el verde de la madreselva y en las gotas de rocío que nos remite al deshielo. Esto es, el poema contrapone ese ciclo natural de la naturaleza en el que el duro, frío y solitario invierno desemboca en la explosión primaveral. Y con ella regresa el tiempo del amor. La tristeza del poema reside en esa pasión negada al poeta, ya que no es correspondida, tal como nos dejan suponer los últimos versos.  

5.- La naturaleza de Volverán las oscuras golondrinas es dulce, urbana (las golondrinas hacen sus nidos en tejados y elementos constructivos), cercana, hogareña incluso (la madreselva de las tapias y patios). Se ha eliminado cualquier referencia a fenómenos extremos y todos los elementos descritos en el poema remiten a la cotidianidad, a lo previsible, a lo cíclico, a lo que tiene que pasar porque así es el mundo. 

6.- Esa alusión a aquello que va a pasar porque “así es el mundo” continúa con “así es la vida” de las dos últimas estrofas. A igual que la primavera sucede al invierno, la persona amada (con total seguridad) recibirá los dones de un nuevo amor. Este, sin embargo, nunca podrá alcanzar la intensidad del expresado por el poeta, quien se erige en el depositario último de los más grandes sentimientos. 

7.- Por tanto, la melancolía se convierte en tristeza ya que el poema se cierra con un inevitable. Lo mismo que en primavera florecen las plantas y regresan las aves que se fueron en invierno, la amada será agasajada con un nuevo querer. Y el poeta queda excluido (para siempre) de esta bendición llevándose únicamente la grandeza de su entrega. 

El Romanticismo literario en el poema 

1.- Tal como he anotado anteriormente, cuando Gustavo Adolfo Bécquer escribió la totalidad de su obra, el Romanticismo era ya un movimiento artístico totalmente sobrepasado. Tanto es así que se daba paso a otras fórmulas estilísticas radicalmente distintas: naturalismo y realismo literario. Sin embargo, en español, el escritor sevillano logra levantar, tanto en prosa como en verso, una de las mejores obras del movimiento. Al contrario que otros representantes de este estilo literario, como los rimbombantes y sonoros poemas de José de Espronceda (ponemos la Canción del pirata por contraposición), los del andaluz son dulces, sencillos, melancólicos, melodiosos e íntimos a más no poder. 

2.- Esta intimidad entronca con esa libertad personal buscada en el Romanticismo que no puede encontrarse en la sociedad burguesa que se abre paso con fuerza. La libertad de Bécquer es siempre espiritual, anímica, personal e interior. No se manifiesta en fuertes y grandiosas palabras sino en un mundo recogido. 

3.- Y este, como buen romántico, está protagonizado por el amor, por una pasión inalcanzable y no correspondida. Los sentimientos, por tanto, que se generan o producen son de tristeza, de suave melancolía que acepta la situación. Sin embargo, a la vez, se erige en depositario de sentimientos tan nobles que no admiten parangón con los que pudieran tener el común de los mortales. 

4.- En este sentido, el poeta romántico se auto proclama demiurgo, comunicador entre unas fuerzas que están ocultas a la mayoría y esa misma mayoría. Este aspecto está presente en Volverán las oscuras golondrinas en las últimas estrofas del poema. Allí el escritor manifiesta una certeza que solo a él le es revelada. 

Volverán las oscuras golondrinas de Gustavo Adolfo Bécquer, resumiendo mucho, debe su eficacia literaria (si esta expresión puede ser utilizada en arte) a su sencillez, a su estructura ordenada, a su composición serena, al uso de palabras comunes en extremo, a una sintaxis suave, a la evocación de una naturaleza común, urbana, cotidiana y… ¡por supuesto! al énfasis en una pasión vetada al común de los mortales. Está reservada al poeta, al que hace de enlace entre lo más allá sagrado casi (difícil de conocer, por tanto) y la realidad profana. 

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

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Gustavo Adolfo Bécquer (1836-1870) a pesar de vivir, escribir y publicar cuando el Romanticismo en España (y en toda Europa) ya estaba superado, es uno de los más ilustres representantes del movimiento. Y lo es porque no solo las leyendas están entre lo más señero de la producción en prosa sino también sus poemas. Escritos con un lenguaje sencillo en extremo, en ellos no solo se condensan las características del Romanticismo sino que el escritor abre la puerta para adentrarnos en la literatura contemporánea. Efectivamente, con nuestro autor se dejan atrás definitivamente los modelos clásicos y tradicionales para encaminarnos (paso a paso) a los actuales. Comienzo diciendo que en Volverán las oscuras golondrinas, el yo del poeta (atormentado en extremo) se aúna con la naturaleza en versos sencillos que se han hecho tan populares que quizás sea el poema de (des)amor más conocido de la literatura en español. 

Volverán las oscuras golondrinas de Gustavo Adolfo Bécquer | poema completo 

Volverán las oscuras golondrinas
en tu balcón sus nidos a colgar,
y otra vez con el ala a sus cristales
jugando llamarán.

Pero aquellas que el  vuelo refrenaban
tu hermosura y mi dicha a contemplar,
aquellas que aprendieron nuestros nombres…
¡esas… no volverán!

Volverán las tupidas madreselvas
de tu jardín las tapias a escalar,
y otra vez a la tarde aún más hermosas
sus flores se abrirán.

Pero aquellas, cuajadas de rocío
cuyas gotas mirábamos temblar
y caer como lágrimas del día…
¡esas… no volverán!

Volverán del amor en tus oídos
las palabras ardientes a sonar;
tu corazón de su profundo sueño
tal vez despertará.

Pero mudo y absorto y de rodillas
como se adora a Dios ante su altar,
como yo te he querido…; desengáñate,
¡así… no te querrán!

Análisis formal de Volverán las oscuras golondrinas de Bécquer 

1.- Una de las características de la poesía becqueriana es su falta de sumisión a las estrofas y tropos conocidos. Aunque no utiliza el verso libre, nunca sigue al pie de la letra los modelos tradicionales. Así, en este conocido poema estamos ante estrofas sáficas que querían imitar los moldes y modelos de la literatura griega, pero con mayor libertad. Cuando apareció en la letras castellanas, con la lírica renacentista, la rima era libre. Posteriormente, se añadió en el siglo XVIII una básica entre el primer y el tercer verso que este poema no presenta, a pesar del marcado ritmo sonoro del mismo. 

2.- Estamos ante un poema de seis estrofas de cuatro versos cada una. Los tres primeros de cada estrofa son endecasílabos y el último es un heptasílabo. Es decir, la combinación de arte mayor y menor son las más comunes y populares de la literatura española última. 

3.- Estas seis estrofas se agrupan temáticamente de dos en dos. Esto es, en la primera se nos aparece una situación a futuro encabezada por la palabra “Volverán” que se repite tres veces y que contribuye a marcar el ritmo a la par que ordena el poema. En esos cuatro versos iniciales se nos describe una situación idílica en la que la naturaleza muestra sus ciclos perfectos. Por su parte la tercera hila con las anteriores mostrando un sentimiento humano (un nuevo amor) indicando la misma situación inevitable que nos muestra la naturaleza. Esto es, lo mismo que cada primavera hay un renacer, también la mujer objeto de deseo recibirá el amor de un tercero. Es un extremo que el poeta da por hecho. 

4.- Si en las estrofas impares se describe un mundo perfecto en el que la naturaleza y el amor responde a un ciclo inevitable, las pares aluden a un tiempo pasado fuera del alcance tanto del poeta como de la amada. Esto es, si todo regresa (porque es así como está establecido por ritmos superiores), esa vuelta nunca tendrá ni la alegría ni la belleza ni la perfección del pasado. Y no será así porque el poeta ha sido apartado de ese mundo descrito en los versos. Volverán las golondrinas y las flores de la madreselva, pero la naturaleza no se aunará con los sentimientos. Por tanto, la perfección de ese mundo nuevo (cíclico y repetitivo) queda anulada porque el poeta ya no se encuentra en ese emplazamiento vital. 

La poesía de Gustavo Adolfo Bécquer condensada en Volverán las oscuras golondrinas

1.- Una de las características de las Rimas de Bécquer es su lenguaje sencillo, libre de cualquier artificio o de tropos exagerados. En este poema no nos encontramos ni una sola palabra extraña, ni una sola torsión de la frase, ni una metáfora… Todo fluye como la naturaleza misma que sirve de telón de fondo (por contraste) en el ánimo del poeta. 

2.- El ritmo es marcado aunque suave y fluido. Todo ello contribuye a una deliciosa cadencia casi musical que imprime una mayor belleza al poema. 

3.- El ánimo del poeta expresado en los versos de Volverán las oscuras golondrinas es de pérdida, de melancolía, de aceptación del amor que finaliza. A la par, se erige en depositario de los más altos y nobles sentimientos que se condensan en el último verso: “¡así… no te querrán!”

4.- La naturaleza como es una de las principales características del Romanticismo no es mero paisaje sino que se erige en protagonista. Para que ese amor vuelva (aunque sea en el corazón de un tercero) tiene que acompañar el ciclo vital del planeta Tierra. Tiene que regresar la primavera simbolizada aquí en las golondrinas (ave migratoria), en el verde de la madreselva y en las gotas de rocío que nos remite al deshielo. Esto es, el poema contrapone ese ciclo natural de la naturaleza en el que el duro, frío y solitario invierno desemboca en la explosión primaveral. Y con ella regresa el tiempo del amor. La tristeza del poema reside en esa pasión negada al poeta, ya que no es correspondida, tal como nos dejan suponer los últimos versos.  

5.- La naturaleza de Volverán las oscuras golondrinas es dulce, urbana (las golondrinas hacen sus nidos en tejados y elementos constructivos), cercana, hogareña incluso (la madreselva de las tapias y patios). Se ha eliminado cualquier referencia a fenómenos extremos y todos los elementos descritos en el poema remiten a la cotidianidad, a lo previsible, a lo cíclico, a lo que tiene que pasar porque así es el mundo. 

6.- Esa alusión a aquello que va a pasar porque “así es el mundo” continúa con “así es la vida” de las dos últimas estrofas. A igual que la primavera sucede al invierno, la persona amada (con total seguridad) recibirá los dones de un nuevo amor. Este, sin embargo, nunca podrá alcanzar la intensidad del expresado por el poeta, quien se erige en el depositario último de los más grandes sentimientos. 

7.- Por tanto, la melancolía se convierte en tristeza ya que el poema se cierra con un inevitable. Lo mismo que en primavera florecen las plantas y regresan las aves que se fueron en invierno, la amada será agasajada con un nuevo querer. Y el poeta queda excluido (para siempre) de esta bendición llevándose únicamente la grandeza de su entrega. 

El Romanticismo literario en el poema 

1.- Tal como he anotado anteriormente, cuando Gustavo Adolfo Bécquer escribió la totalidad de su obra, el Romanticismo era ya un movimiento artístico totalmente sobrepasado. Tanto es así que se daba paso a otras fórmulas estilísticas radicalmente distintas: naturalismo y realismo literario. Sin embargo, en español, el escritor sevillano logra levantar, tanto en prosa como en verso, una de las mejores obras del movimiento. Al contrario que otros representantes de este estilo literario, como los rimbombantes y sonoros poemas de José de Espronceda (ponemos la Canción del pirata por contraposición), los del andaluz son dulces, sencillos, melancólicos, melodiosos e íntimos a más no poder. 

2.- Esta intimidad entronca con esa libertad personal buscada en el Romanticismo que no puede encontrarse en la sociedad burguesa que se abre paso con fuerza. La libertad de Bécquer es siempre espiritual, anímica, personal e interior. No se manifiesta en fuertes y grandiosas palabras sino en un mundo recogido. 

3.- Y este, como buen romántico, está protagonizado por el amor, por una pasión inalcanzable y no correspondida. Los sentimientos, por tanto, que se generan o producen son de tristeza, de suave melancolía que acepta la situación. Sin embargo, a la vez, se erige en depositario de sentimientos tan nobles que no admiten parangón con los que pudieran tener el común de los mortales. 

4.- En este sentido, el poeta romántico se auto proclama demiurgo, comunicador entre unas fuerzas que están ocultas a la mayoría y esa misma mayoría. Este aspecto está presente en Volverán las oscuras golondrinas en las últimas estrofas del poema. Allí el escritor manifiesta una certeza que solo a él le es revelada. 

Volverán las oscuras golondrinas de Gustavo Adolfo Bécquer, resumiendo mucho, debe su eficacia literaria (si esta expresión puede ser utilizada en arte) a su sencillez, a su estructura ordenada, a su composición serena, al uso de palabras comunes en extremo, a una sintaxis suave, a la evocación de una naturaleza común, urbana, cotidiana y… ¡por supuesto! al énfasis en una pasión vetada al común de los mortales. Está reservada al poeta, al que hace de enlace entre lo más allá sagrado casi (difícil de conocer, por tanto) y la realidad profana. 

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

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Cuando Gustavo Adolfo Bécquer (1836-1870) escribió su obra al completo, el Romanticismo en España estaba dando paso a otros modelos estilísticos radicalmente distintos: simbolismo, realismo literario, naturalismo…  Y eso sin contar que, en Europa, se encontraba totalmente sobrepasado, tanto que ya se intuían, incluso, algunas vanguardias. A pesar de este desfase cronológico, las obras del poeta sevillano se encuentran entre lo mejor del movimiento artístico. Si sus poemas, andando el tiempo, son los más populares de la historia literaria en español, las leyendas de Bécquer pueden clasificarse, sin temor a equivocación, entre lo más significativo del Romanticismo literario en prosa. El libro de los gorriones (la obra sobre la que se asientan las Rimas de Bécquer) ha sido determinante en el quehacer lírico posterior. Su influencia (reconocida, como veremos) alcanza hasta los poetas españoles de mediados del siglo XX. 

El problema de las ediciones de las Rimas de Bécquer

Bécquer perdió el primer manuscrito de sus poemas y tuvo que recomponerlo andando el tiempo. Todos sus escritos en verso fueron entregados al ministro González Bravo (1811-1871), quien perdió estos papeles en la llamada Revolución de Septiembre (del 19 al 28 de dicho mes de 1868). Ante tal desbarajuste, los amigos del poeta le regalaron un cuaderno rayado (similar a los escolares actuales) para que volcara allí sus escritos. Bécquer lo hizo de memoria. En las primeras páginas de este cuaderno manuscrito aparece el siguiente rótulo: Colección de proyectos, ideas y planes de cosas diferentes que se concluirán o no según sople el viento. De Gustavo Adolfo Bécquer. 1868, Madrid 17 de junio. En este cuaderno copió o escribió de memoria sus Rimas a partir de la página 529 y estas van precedidas de un índice con el primer verso. Estamos ante el Libro de los gorriones que atesora entre sus páginas 79 rimas. Este, además, estuvo desaparecido hasta 1914, cuando fue hallado por Franz Schneider en la Biblioteca Nacional de Madrid.  

Hasta esta fecha, la edición que circuló fue la preparada por los amigos del poeta a su muerte. Esta obra se imprimió en Madrid en 1871 y en ella faltan varias rimas que, posteriormente, se comprobó que parecían estar eliminadas del Libro de los gorriones. Este además, tiene tantos añadidos, cambios y tachados que, la crítica posterior no se pone de acuerdo a la hora de dilucidar cuáles pertenecen a Bécquer o cuáles son de otra mano, incluso de editores posteriores. Con una somera comparación entendemos que el orden está trastocado entre ambas fuentes (la edición princes de las Rimas y el manuscrito). Esta anotación no es baladí ya que los poemas responden a un orden temático y estructural. En definitiva, con los datos actuales no podemos conocer el orden cronológico de estos versos, más allá de intuir la fecha de aquellos (únicamente 15) que se publicaron en vida del autor. Sí se acepta que las Rimas de Bécquer, en su totalidad, fueron escritas entre 1859 y 1868.  

Características de las Rimas de Bécquer  

Este corpus artístico, a pesar de su heterogeneidad, responde a una unicidad temática e, incluso, estilística que resumo en los siguientes puntos: 

1.- Clasificación

Los poemas de Bécquer alrededor del Libro de los gorriones pretenden desarrollar una historia amorosa de principio a fin. Así los versos pueden clasificarse en cuatro etapas o fases: 

a) Encuentro y esperanza en una relación duradera. 

b) Narración del amor prodigioso y plenamente correspondido. 

c) Pérdida del sentimiento con el consiguiente duelo. 

c) Ahondamiento en la soledad.  

2.- Temática de las Rimas de Bécquer  

El yo del poeta, tal como corresponde a las características del Romanticismo, aunque el movimiento estuviera ampliamente sobrepasado cuando se compuso la obra, únicamente encuentra consuelo en la luz del amor. La oscuridad anímica del creador se solaza con un idealismo pasional que parece calmar cualquier mal pero que, a la postre, ya que se pierde, es fuente de un mayor dolor. Esto desemboca en un estado de melancolía, de añoranza, de sumisión a la soledad. La voz de las Rimas de Bécquer se confronta siempre con el mundo material incapaz de hilar con una espiritualidad compleja que no encuentra consuelo. 

Estilo literario de los poemas de Bécquer 

Resumiendo mucho tenemos: 

1.- El lenguaje se desembaraza de cualquier torsión estilística y se hace extremadamente sencillo. Y este extremo ha propiciado que, andando el tiempo, estos versos se encuentren entre los más populares de la lírica española. 

2.- La métrica es relajada y tan vaga que no podemos encontrar tropos exactos en ella. Eso no quita para que esté cuidada y que sea de una sonoridad extrema aunque no llegue a ser tan rimbombante como las obras de José de Espronceda (la Canción del pirata es un ejemplo claro de ello) por poner como ejemplo otro poeta romántico español. En Bécquer todo es suave, lánguido, cálido, etéreo, sencillo y nebuloso tal como han propuesto poetas que nacieron después y que sucumbieron a los encantos de los versos becquerianos. 

3.- Nos encontramos en las Rimas ecos de la poesía popular, incluso de la tradición germana que el artista conocía y que utilizó para levantar algunas leyendas. 

4.- Estos versos se nos presentan delicados, íntimos, sobrios y tan sinceros que lectores de los siglos posteriores no han tenido ningún reparo en identificarse con ellos. A ello contribuye la ausencia de retórica y una extrema capacidad para sugerir sin llegar a prolijas descripciones o narraciones engorrosas. 

5.- Esta última característica de las Rimas de Bécquer es la que ha contribuido a su influencia posterior, tanto es así que la crítica (y los poetas del siglo XX) no dudan en colocar una frontera en la historia literaria cuya línea divisoria es precisamente el Libro de los gorriones

6.- El amor idealizado, la pérdida y la soledad se repiten en estos versos.  

La poesía de Gustavo Adolfo Bécquer y el Romanticismo literario 

1.- Si bien, como he anotado, el poeta sevillano hay que inscribirlo en esta corriente literaria, en estos versos (más que en su obra en prosa) entra un componente tan novedoso que ha sido fuente para poetas contemporáneos: la imposibilidad de describir lo etéreo y anímico mediante la palabra. Este extremo sería cultivado por creadores del siglo XX llegando a su cenit con José Ángel Valente (1929-2000). 

2.- A pesar de lo anterior, el Romanticismo entra de lleno en estos versos en forma de pasión arrebatadora que confronta al yo del poeta. La libertad que se canta siempre acaba chocando con una tristeza o pérdida subyacente dejando al creador en las lindes de un mundo desconocido que poco o nada tiene que ver con la realidad cotidiana. 

3.- La naturaleza romántica de Bécquer (y de otros creadores plásticos o literarios del movimiento) ya no es mero paisaje o decorado sino que se erige en protagonista. Sin ella no podemos adentrarnos en los recovecos anímicos que se describen. 

4.- La pérdida y la soledad posterior son una constante, tanto que se convierten en una forma de vida casi. 

5.- El lenguaje sencillo, descargado de todo artificio, pretende democratizar (y así se consiguió) una literatura que antes de Bécquer (y de los románticos en general) estaba destinada a un público extremadamente culto que conocía la tradición literaria, los mitos antiguos y la historia. 

6.- Las Rimas de Bécquer, por su sencillez, poder de evocación, delicada sonoridad e intemporalidad fueron fácilmente alcanzables para un grupo lector amplio que no dudó en memorizar y en recitar los versos más famosos con motivo de cualquier ocasión. Y esto sucede por primera vez en la historia de la literatura española. 

Bécquer y los poetas posteriores

Porque el escritor no solo llegó a aquellos lectores que se identificaron en algún momento con estos sentimientos amorosos plasmados en las Rimas. Que estos versos, de alguna manera u otra, palpitan en autores posteriores como Luis Cernuda (que no tuvo reparos en admitirlo por cierto), en Alberti, en Aleixandre o en Federico García Lorca. La referencia a las Rimas de Bécquer fue de tal calibre que dejó una profunda huella literaria. 

La sombra de Bécquer, más cerca, más lejos, estará siempre al fondo. Y no es que estos poetas hayan siempre pensado en Bécquer, o hayan sentido su influjo, ni es necesario que se pueda probar históricamente una tradición no interrumpida desde Bécquer a ellos: es que viven en una atmósfera, en un clima poético que solo el genial experimento de Bécquer alumbró e hizo habitable para los españoles. 

Dámaso Alonso

Desempeña en nuestra poesía moderna un papel equivalente al de Garcilaso en nuestra poesía clásica: el de crear una nueva tradición, que lega a sus descendientes. Y si de Garcilaso se nutrieron dos siglos de poesía española, estando su sombra detrás de cualquiera de nuestros poetas de los siglos XVI y XVII, los mismo se puede decir de Bécquer con respecto a su tiempo. Él es quien dota a la poesía moderna española de una tradición nueva, y el eco de ella se encuentra en nuestros contemporáneos mejores.  

Luis Cernuda 

El lenguaje de Bécquer, libre de afectación, natural, sin manierismo histórico alguno -ni barroco, ni romántico, ni modernista- es eminentemente e intemporalmente poético… Obra no conclusa y cerrada, sino abierta y sugeridora, como hecha toda de puntos suspensivos que invitan a la prosecución de lo insinuado, de silencios que parecen reclamar que se diga lo no dicho. 

Vicente Gaos 

Por tanto, no podemos acercarnos a las Rimas de Bécquer no solo por lo que son por ellas mismas encuadradas en una tradición literaria concreta (la del Romanticismo más tardío) sino por lo que supuso para los creadores posteriores. Tanto fue así que en palabras de estos poetas (pertenecientes al canon literario, que la clasificación es importante) nos llevan ante una frontera histórica, ante un antes y un después. Antes de Bécquer, la poesía giraba alrededor del clasicismo y la tradición; después de Bécquer, se da carta de naturaleza a la moderna, superada en las últimas décadas por experimentos vanguardistas. 

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

 

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Cuando Gustavo Adolfo Bécquer (1836-1870) escribió su obra al completo, el Romanticismo en España estaba dando paso a otros modelos estilísticos radicalmente distintos: simbolismo, realismo literario, naturalismo…  Y eso sin contar que, en Europa, se encontraba totalmente sobrepasado, tanto que ya se intuían, incluso, algunas vanguardias. A pesar de este desfase cronológico, las obras del poeta sevillano se encuentran entre lo mejor del movimiento artístico. Si sus poemas, andando el tiempo, son los más populares de la historia literaria en español, las leyendas de Bécquer pueden clasificarse, sin temor a equivocación, entre lo más significativo del Romanticismo literario en prosa. El libro de los gorriones (la obra sobre la que se asientan las Rimas de Bécquer) ha sido determinante en el quehacer lírico posterior. Su influencia (reconocida, como veremos) alcanza hasta los poetas españoles de mediados del siglo XX. 

El problema de las ediciones de las Rimas de Bécquer

Bécquer perdió el primer manuscrito de sus poemas y tuvo que recomponerlo andando el tiempo. Todos sus escritos en verso fueron entregados al ministro González Bravo (1811-1871), quien perdió estos papeles en la llamada Revolución de Septiembre (del 19 al 28 de dicho mes de 1868). Ante tal desbarajuste, los amigos del poeta le regalaron un cuaderno rayado (similar a los escolares actuales) para que volcara allí sus escritos. Bécquer lo hizo de memoria. En las primeras páginas de este cuaderno manuscrito aparece el siguiente rótulo: Colección de proyectos, ideas y planes de cosas diferentes que se concluirán o no según sople el viento. De Gustavo Adolfo Bécquer. 1868, Madrid 17 de junio. En este cuaderno copió o escribió de memoria sus Rimas a partir de la página 529 y estas van precedidas de un índice con el primer verso. Estamos ante el Libro de los gorriones que atesora entre sus páginas 79 rimas. Este, además, estuvo desaparecido hasta 1914, cuando fue hallado por Franz Schneider en la Biblioteca Nacional de Madrid.  

Hasta esta fecha, la edición que circuló fue la preparada por los amigos del poeta a su muerte. Esta obra se imprimió en Madrid en 1871 y en ella faltan varias rimas que, posteriormente, se comprobó que parecían estar eliminadas del Libro de los gorriones. Este además, tiene tantos añadidos, cambios y tachados que, la crítica posterior no se pone de acuerdo a la hora de dilucidar cuáles pertenecen a Bécquer o cuáles son de otra mano, incluso de editores posteriores. Con una somera comparación entendemos que el orden está trastocado entre ambas fuentes (la edición princes de las Rimas y el manuscrito). Esta anotación no es baladí ya que los poemas responden a un orden temático y estructural. En definitiva, con los datos actuales no podemos conocer el orden cronológico de estos versos, más allá de intuir la fecha de aquellos (únicamente 15) que se publicaron en vida del autor. Sí se acepta que las Rimas de Bécquer, en su totalidad, fueron escritas entre 1859 y 1868.  

Características de las Rimas de Bécquer  

Este corpus artístico, a pesar de su heterogeneidad, responde a una unicidad temática e, incluso, estilística que resumo en los siguientes puntos: 

1.- Clasificación

Los poemas de Bécquer alrededor del Libro de los gorriones pretenden desarrollar una historia amorosa de principio a fin. Así los versos pueden clasificarse en cuatro etapas o fases: 

a) Encuentro y esperanza en una relación duradera. 

b) Narración del amor prodigioso y plenamente correspondido. 

c) Pérdida del sentimiento con el consiguiente duelo. 

c) Ahondamiento en la soledad.  

2.- Temática de las Rimas de Bécquer  

El yo del poeta, tal como corresponde a las características del Romanticismo, aunque el movimiento estuviera ampliamente sobrepasado cuando se compuso la obra, únicamente encuentra consuelo en la luz del amor. La oscuridad anímica del creador se solaza con un idealismo pasional que parece calmar cualquier mal pero que, a la postre, ya que se pierde, es fuente de un mayor dolor. Esto desemboca en un estado de melancolía, de añoranza, de sumisión a la soledad. La voz de las Rimas de Bécquer se confronta siempre con el mundo material incapaz de hilar con una espiritualidad compleja que no encuentra consuelo. 

Estilo literario de los poemas de Bécquer 

Resumiendo mucho tenemos: 

1.- El lenguaje se desembaraza de cualquier torsión estilística y se hace extremadamente sencillo. Y este extremo ha propiciado que, andando el tiempo, estos versos se encuentren entre los más populares de la lírica española. 

2.- La métrica es relajada y tan vaga que no podemos encontrar tropos exactos en ella. Eso no quita para que esté cuidada y que sea de una sonoridad extrema aunque no llegue a ser tan rimbombante como las obras de José de Espronceda (la Canción del pirata es un ejemplo claro de ello) por poner como ejemplo otro poeta romántico español. En Bécquer todo es suave, lánguido, cálido, etéreo, sencillo y nebuloso tal como han propuesto poetas que nacieron después y que sucumbieron a los encantos de los versos becquerianos. 

3.- Nos encontramos en las Rimas ecos de la poesía popular, incluso de la tradición germana que el artista conocía y que utilizó para levantar algunas leyendas. 

4.- Estos versos se nos presentan delicados, íntimos, sobrios y tan sinceros que lectores de los siglos posteriores no han tenido ningún reparo en identificarse con ellos. A ello contribuye la ausencia de retórica y una extrema capacidad para sugerir sin llegar a prolijas descripciones o narraciones engorrosas. 

5.- Esta última característica de las Rimas de Bécquer es la que ha contribuido a su influencia posterior, tanto es así que la crítica (y los poetas del siglo XX) no dudan en colocar una frontera en la historia literaria cuya línea divisoria es precisamente el Libro de los gorriones

6.- El amor idealizado, la pérdida y la soledad se repiten en estos versos.  

La poesía de Gustavo Adolfo Bécquer y el Romanticismo literario 

1.- Si bien, como he anotado, el poeta sevillano hay que inscribirlo en esta corriente literaria, en estos versos (más que en su obra en prosa) entra un componente tan novedoso que ha sido fuente para poetas contemporáneos: la imposibilidad de describir lo etéreo y anímico mediante la palabra. Este extremo sería cultivado por creadores del siglo XX llegando a su cenit con José Ángel Valente (1929-2000). 

2.- A pesar de lo anterior, el Romanticismo entra de lleno en estos versos en forma de pasión arrebatadora que confronta al yo del poeta. La libertad que se canta siempre acaba chocando con una tristeza o pérdida subyacente dejando al creador en las lindes de un mundo desconocido que poco o nada tiene que ver con la realidad cotidiana. 

3.- La naturaleza romántica de Bécquer (y de otros creadores plásticos o literarios del movimiento) ya no es mero paisaje o decorado sino que se erige en protagonista. Sin ella no podemos adentrarnos en los recovecos anímicos que se describen. 

4.- La pérdida y la soledad posterior son una constante, tanto que se convierten en una forma de vida casi. 

5.- El lenguaje sencillo, descargado de todo artificio, pretende democratizar (y así se consiguió) una literatura que antes de Bécquer (y de los románticos en general) estaba destinada a un público extremadamente culto que conocía la tradición literaria, los mitos antiguos y la historia. 

6.- Las Rimas de Bécquer, por su sencillez, poder de evocación, delicada sonoridad e intemporalidad fueron fácilmente alcanzables para un grupo lector amplio que no dudó en memorizar y en recitar los versos más famosos con motivo de cualquier ocasión. Y esto sucede por primera vez en la historia de la literatura española. 

Bécquer y los poetas posteriores

Porque el escritor no solo llegó a aquellos lectores que se identificaron en algún momento con estos sentimientos amorosos plasmados en las Rimas. Que estos versos, de alguna manera u otra, palpitan en autores posteriores como Luis Cernuda (que no tuvo reparos en admitirlo por cierto), en Alberti, en Aleixandre o en Federico García Lorca. La referencia a las Rimas de Bécquer fue de tal calibre que dejó una profunda huella literaria. 

La sombra de Bécquer, más cerca, más lejos, estará siempre al fondo. Y no es que estos poetas hayan siempre pensado en Bécquer, o hayan sentido su influjo, ni es necesario que se pueda probar históricamente una tradición no interrumpida desde Bécquer a ellos: es que viven en una atmósfera, en un clima poético que solo el genial experimento de Bécquer alumbró e hizo habitable para los españoles. 

Dámaso Alonso

Desempeña en nuestra poesía moderna un papel equivalente al de Garcilaso en nuestra poesía clásica: el de crear una nueva tradición, que lega a sus descendientes. Y si de Garcilaso se nutrieron dos siglos de poesía española, estando su sombra detrás de cualquiera de nuestros poetas de los siglos XVI y XVII, los mismo se puede decir de Bécquer con respecto a su tiempo. Él es quien dota a la poesía moderna española de una tradición nueva, y el eco de ella se encuentra en nuestros contemporáneos mejores.  

Luis Cernuda 

El lenguaje de Bécquer, libre de afectación, natural, sin manierismo histórico alguno -ni barroco, ni romántico, ni modernista- es eminentemente e intemporalmente poético… Obra no conclusa y cerrada, sino abierta y sugeridora, como hecha toda de puntos suspensivos que invitan a la prosecución de lo insinuado, de silencios que parecen reclamar que se diga lo no dicho. 

Vicente Gaos 

Por tanto, no podemos acercarnos a las Rimas de Bécquer no solo por lo que son por ellas mismas encuadradas en una tradición literaria concreta (la del Romanticismo más tardío) sino por lo que supuso para los creadores posteriores. Tanto fue así que en palabras de estos poetas (pertenecientes al canon literario, que la clasificación es importante) nos llevan ante una frontera histórica, ante un antes y un después. Antes de Bécquer, la poesía giraba alrededor del clasicismo y la tradición; después de Bécquer, se da carta de naturaleza a la moderna, superada en las últimas décadas por experimentos vanguardistas. 

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

 

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Cuando Gustavo Adolfo Bécquer (1836-1970) comienza a publicar casi por entregas (y en distintos medios) sus leyendas  (1858-1864) el Romanticismo en España (y no digamos en el resto de Europa) había tocado a su fin. Sin embargo, y a pesar del avance de otros modos estilísticos totalmente radicales (naturalismo o realismo literario) logra levantar una obra a retazos, de gran belleza temática y estilística que se convierte en lo mejor del género en prosa de este movimiento artístico.  

Características estilísticas de las leyendas de Bécquer 

1.- Como he señalado anteriormente, están escritas en una prosa condensada, repleta de poesía y de gran acierto estilístico y belleza. Todas son de corta extensión asemejándose al cuento popular. 

2.- En buena parte de ellas, antes de iniciar la narración, el poeta se empeña en convencer al lector de su origen popular e, incluso, verídico desmontando, a la par, las fronteras entre la realidad y la ficción. Tal como es una de las características del Romanticismo también se vale de fuentes consideradas exóticas y ajenas a la tradición española. 

3.- El yo interior (atormentado o perdido a veces) aflora en buena parte de las leyendas de Bécquer enlazando la trama con un dato autobiográfico, que se incorpora a la narración. Esto es, el artista se dispone a señalar (como si de un diario se tratara) un hecho acaecido en cierto lugar.  Y a raíz del mismo un lugareño, de alguna manera u otra, le hace partícipe de un acontecimiento o una leyenda vinculada al lugar. 

4.- No hay alegría en estos relatos, tal cual es frecuente en el Romanticismo literario, y las tramas se dedican a aflorar una oscuridad interior en constante conflicto con la realidad.

5.- En este sentido, en las leyendas de Bécquer la figura femenina se convierte en el alter ego o en la personificación del concepto de ánima que afloraría unas décadas más tarde con las teorías del inconsciente según Freud y de los arquetipos de Jung.

6.- Con frecuencia estos personajes femeninos no pertenecen al mundo de los vivos y se nos presentan como parte de una realidad trascendental o etérea en forma de fantasmas, espíritus o seres sobrenaturales. 

7.- Hay un gusto por los emplazamientos ruinosos y cementerios, tal como es frecuente no solo en la pintura del Romanticismo sino en todas las creaciones artísticas de este periodo estilístico. 

8.- La naturaleza se aúna con el espíritu del escritor (atormentado frecuentemente) convirtiéndose en una extensión de su alma.

9.- Por primera vez entra en la literatura española los temas tradicionales germánicos y sus personajes clásicos en forma de gnomos o criaturas de los bosques. 

10.- Las leyendas de Gustavo Adolfo Bécquer son obras en prosa de gran belleza y repletas de espíritu poético aunque algún creador posterior, como Luis Cernuda, las califica de poemas en prosa. En relación con este último concepto nos atenemos a las palabras de Baquero Goyanes. 

… los aciertos expresivos del narrador están puestos al servicio de una imaginación poderosa que lo es todo en estas leyendas. Por el contrario, en el poema en prosa el asunto no es sino un débil pretexto para provocar sustentar una brillante teoría de imágenes, tras las cuales queda oculta el insignificante motivo argumental […] Bécquer consigue el milagro de una prosa poética sirviendo a unos asuntos que en emoción, misterio y belleza nada tienen que envidiar a los mejores de los autores citados [Zorrilla y el Duque de Rivas]. Las leyendas de Bécquer suponen el logro de un género antes mediocre y topiqueramente romántico, y a la vez significan casi su fin, ya que de puro perfectas ningún otro relato de esta clase, posterior, podrá igualarse a los del escritor sevillano. El género decae sensiblemente y todas sus manifestaciones subsiguientes parecerán torpes remedos de la obra de Gustavo Adolfo. 

Mariano Baquero Goyanes: El cuento español en el siglo XIX

Resumen de las leyendas de Bécquer 

1.- El caudillo de las manos rojas

Es la primera de la serie y fue publicada en La Crónica en 1858. Gira en torno a un tema tradicional hindú en el que se mezclan los conceptos religiosos y el exotismo. Pulo es rey de Osira aunque ha sido expulsado del trono por su hermano Tippot. Sin embargo, Pulo seduce a su cuñada Siannah. Al ser descubiertos, Pulo asesina a Tippot y para lavar su culpa el dios Vishnú le impone como penitencia que se aleje de Siannah. Incumple esta promesa y es castigado con la muerte.  

2.- La cruz del diablo

La acción está situada en Segre, en el Pirineos, donde se dirige el poeta que pretende rezar ante una cruz de hierro allí plantada. Sin embargo, un lugareño le impide tal acción y le advierte de que el objeto está maldito adentrándose en la narración de una de las más famosas leyendas de Gustavo Adolfo Bécquer. Al parecer la cruz fue fundida a partir de la armadura de un señor local que realizó tales maldades y crueldades que el pueblo, para librarse de su yugo, lo ajustició. Sin embargo, este volvió de su tumba ocupando su espíritu la armadura para continuar con sus fechorías. La única opción que tuvo el pueblo es fundir la misma con la forma sagrada de cruz. Sin embargo, la misma continúa estando maldita y por eso no debe rezarse ante ella.  

3.- La ajorca de oro 

Fue publicada en 1861 y está emplazada en Toledo. María es una caprichosa narcisista que convence a su marido Pedro para que robe una ajorca (un aro que se coloca en cualquier parte del cuerpo a modo de pulsera o tobillera) del joyero de la Virgen. Cuando el esposo emprende la huida tras cometer el delito sacrílego, las estatuas de la catedral cobran vida logrando que el desdichado pierda completamente el juicio.  

4.- La creación

Fue publicada en 1861y también trata un tema hindú. En ella se narra cómo los grandharvas o ángeles crean el mundo humano tras trastear en el laboratorio de Brahma. Por eso, nuestra realidad es el fruto de un desorden que lleva implícito la destrucción. 

Id -les dijo [Brahma]-, turba desalmada e incorregible! Marchaos adonde no os vea más con vuestra deforme criatura. Ese mundo no debe, no puede existir, porque en él hasta los átomos pelean con los átomos; pero marchad, os repito. Mi esperanza es que en poder vuestro no durará mucho.

5.- El Monte de las Ánimas

Fue escrita en Noviembre de 1961 y es una de las más conocidas de entre las leyendas de Bécquer. Es un relato de terror emplazado en el Monte de las Ánimas de Soria durante la noche anterior al Día de Difuntos. Hasta allí van de caza Alonso y su prima Beatriz. El joven propone regresar con la luz del día ya que teme que les ataque los espíritus de los Templarios que vagan por los campos en esa fecha. Una vez en el castillo, la muchacha (caprichosa y veleidosa) insta a su primo a regresar al bosque puesto que ha perdido un valioso pañuelo azul. Las maldiciones se llevan a cabo cuando a la mañana siguiente la servidumbre encuentra muerta a Beatriz en actitud de espanto. Iban a comunicarle que el cadáver de Alonso había sido hallado devorado por los lobos.  

6.- Los ojos verdes

Esta leyenda de Bécquer también está compuesta en 1861 y la protagonista es una ondina al estilo de los mitos de la literatura griega. Fernando llega hasta una fuente de la cual bebe a pesar de las advertencias de su montero. El joven, a partir de este momento, se vuelve taciturno y mustio regresando a estas aguas misteriosas cada día. En ella ha creído ver unos ojos de color verde y de tono imposible como el que luce la mujer de sus sueños. En una de sus idas y venidas hasta el lugar se topa con una enigmática joven con ojos como los que el desdichado Fernando cree ver. Ella le promete amor eterno y él lo acepta. En ese momento lo abraza arrastrándolo hasta las simas profundas del agua.  

7.- El rayo de luna  

Fue escrita en 1862 y es considerada la leyenda más personal de Bécquer, trasunto del poeta melancólico y dado a la soledad. El protagonista, de nombre Manrique, se recrea en cada recoveco de la naturaleza y cree sinceramente que en cada rincón viven seres misteriosos que se comunican con él. En estas ensoñaciones en las que no se puede distinguir la realidad de la ficción se enamora de una enigmática mujer, ideal de belleza perfecta para el protagonista. Sin embargo, esta no es más que un rayo de luna.  

8.- Creed en Dios 

Fue publicada en 1862 y es una de las menos populares, aunque el tema es harto repetido en la literatura occidental del siglo XIX y XX. El protagonista es Teobaldo de Montagoult, un señor cruel y sanguinario dedicado únicamente a satisfacer sus deseos. Durante una cacería es sorprendido por una gran tormenta y se refugia (junto con sus criados y perros) en una iglesia. Allí el sacerdote le recrimina sus pecados hasta que Teobaldo se ve sorprendido por un jabalí que entra en el recinto. Aquí el animal funciona como un símbolo primigenio de lo inconsciente primitivo y desconocido. Sale para darle caza adentrándose en un espacio totalmente onírico. En este momento nos damos cuenta de que Teobaldo ha caído en un profundo sueño en el que se le invita a arrepentirse de sus pecados. Se despierta bruscamente pero nadie logra reconocerlo. Ha pasado más de un siglo y todo su mundo ha desaparecido. Su castillo ha sido convertido en un monasterio donde el otrora cruel señor pide asilo para vivir una vida en recogimiento sagrado.  

9.- El aderezo de esmeraldas 

También fue escrito en 1862 y hay críticos que no lo sitúan dentro de las leyendas de Bécquer porque el emplazamiento es el Madrid contemporáneo al autor. La trama gira alrededor de un sueño complicado en el que un bohemio sin liquidez alguna intenta comprar un collar de esmeralda para regalárselo a una enigmática dama que, previamente, había manifestado su gusto por él. Lo consiguió ya que publica un libro y las ganancias del mismo se las juega en una apuesta consiguiendo el importe necesario para comprar la joya. Cae herido y la enigmática dama va a visitarlo en su lecho de muerte. Esta obra adelanta los postulados de la moderna psicología a la par que entra en las características del simbolismo.  

10.- El Miserere

Es una de las leyendas más famosas de Bécquer y el tema gira en torno a los pecados de la vanidad. Un músico famoso que había utilizado su arte como arma de seducción, en su vejez quiere componer un miserere para redimirse. Sin embargo, todo este proceso está  alejado de cualquier sentimiento de humildad. El relato inserta una trama dentro de otra trama creando un espacio literario simbólico a modo de muñecas rusas. En este punto hemos dejado al músico explicando la obra que quiere levantar cuando uno de los oyentes le refiere la misteriosa historia del miserere de la montaña. Allí, en un monasterio en ruinas, cada Jueves Santo (día en el que se desarrolla la acción), los antiguos monjes cantan un miserere inacabado. Este fue interrumpido en su día por el hijo malvado del antiguo señor del lugar que, debido a los pecados de su vástago, convirtió el castillo en monasterio desheredando al muchacho. El joven, llevado por la ira, un Jueves Santo arrasó el monasterio justo cuando los monjes cantaban el miserere. Desde entonces, cada año un extraño y bello canto sale de sus ruinas. Guiado por la curiosidad, hasta allí se dirige el músico que ve ante sus ojos como se reconstruye el recinto sagrado en ruinas y escucha la más hermosa música jamás interpretada. Lleno de sentimientos encontrados, regresa y se dispone a copiar las notas que han llegado hasta sus oídos. Pero solo puede llegar hasta la mitad. Enloquece y el manuscrito inacabado es encontrado por el poeta que nos cuenta la historia. 

11.- Tres fechas 

Fue compuesta en 1862 y la crítica es unánime en considerarla un esquema autobiográfico. En ella se vuelve de nuevo a los límites entre la realidad y la ficción, entre el mundo onírico y el de la vigilia, entre la materia y la espiritualidad. Todo gira en torno a una enigmática mujer que por tres veces se aparece al poeta en las calles de Toledo.  

13.- El Cristo de la calavera

Realizada en el mismo año, tiene como hipotexto una leyenda tradicional toledana. Dos jóvenes compiten por el amor de una mujer y no se les ocurre otra cosa que batirse en duelo. Lo hacen una noche iluminados por el farol de una imagen de Cristo. Cada vez que las espadas chocan, la luz, misteriosamente, se apaga. Y así sucede repetidamente hasta que ambos caballeros se dan cuenta de que aquello es una señal divina. Al día siguiente partían para la guerra y en el camino ven como la dama (por la que hacía tan solo unas horas podía haber acabado con la vida de uno de ellos) se despide, con gran arrobo, de un tercer caballero.  

14.- La Venta de los Gatos 

Está situada en Sevilla (donde existió un lugar con dicho nombre) y cuenta la historia de dos jóvenes criados como hermanos aunque la muchacha era adoptada. Cuando se disponían a casarse (ya que no les unía lazos de sangre) aparece la familia biológica de la joven que se opone a tal enlace ya que son gentes de hacienda y riqueza. El muchacho queda profundamente herido de amor y abandona el negocio familiar el cual, baldío, se convierte en un cementerio. Hasta allí llega un cortejo fúnebre por el que se interesa nuestro protagonista. Resulta que la finada era su amada. Ante tal noticia, el hombre enloquece como único medio del que dispone para despegarse de tan cruda realidad.  

15.- El gnomo 

Se basa en este personaje de las leyendas germánicas e inexistentes en las castellanas. Fue escrita en 1863. La acción comienza con un anciano advirtiendo a la juventud de los peligros de una cueva cercana habitada por duendes que atesoran joyas y oro. Marta y Magdalena, hermanas que oyen la narración, se deciden a ir por tales riquezas. Esta es una de las leyendas de Bécquer más simbólicas ya que cada una de las muchachas representan un carácter anímico distinto.  

16.- La cueva de la mora 

Fue publicada el 16 de enero de 1863 y en ella se narran los amores imposibles entre un cristiano y una musulmana.  

17.- La promesa 

Publicada el 12 de febrero de 1863, relata las visiones del conde de Gomara que parte a la guerra tras seducir a una joven. Cualquier acto que realiza es precedido por un mano enigmática. Cuando cree que va a enloquecer oye un romance. La canción desmenuza la desventura de un caballero que olvida el compromiso con una joven que muere de pena. Sin embargo, una de sus manos no puede ser enterrada puesto que espera el anillo de bodas que un día le prometieron. El conde entiende que es su historia. Regresa, se casa en una ceremonia en el cementerio y, desde ese momento, desaparece la enigmática mano.  

18.- La corza blanca 

Publicada en La América el 27 de junio de 1863, es una de las más sublimes leyendas de Bécquer. Un pastor de nombre Esteban cuenta a un grupo de nobles unos enigmáticos encuentros con un grupo de ciervos que parecen están dirigidos por una corza blanca que parece reírse como una humana. Entre sus interlocutores está don Dionis, su bella hija Constanza y Garcés, enamorado de la joven. Este promete dar caza a la corza para ofrecérsela a la muchacha. Así se adentra en el bosque hasta llegar a un grupo de ciervos que inmediatamente se transforman en hermosas jóvenes que se solazan en el agua y en el césped. Entre todas ellas sobresale Constanza. Garcés, confundido, intenta dar caza a los ahora transformados animales hiriendo con su ballesta al codiciado animal, el cual se presenta bajo la apariencia de Constanza ensangrentada. 

19.- El beso 

Esta leyenda de Bécquer también fue publicada en La América, el 27 de julio de 1863, y trata un motivo común en la tradición literaria. La acción se desarrolla en Toledo durante la ocupación de Napoleón. Un oficial francés se enamora de una de las estatuas de una iglesia. Cuando pretende darle un beso, la esfinge del marido, que se encuentra al lado, le espeta una bofetada.  

20.- La rosa de pasión 

Fue publicada en marzo de 1864 y gira en torno al sacrificio y martirio de la musulmana Sara crucificada por su padre el Viernes Santo por haberse enamorado de un cristiano. De su tumba, como en las metamorfosis de la literatura griega, brotan las flores de pasión o pasionarias, comunes en los jardines del sur de España.  

Excepto contados títulos, las leyendas de Bécquer tienen un trasfondo mágico, espiritual, nostálgico y pasional. Las ruinas y la naturaleza se alinean con los protagonistas que, en ocasiones, no atinan a distinguir entre realidad y ficción, entre la vigilia y los sueños o, en última instancia, entre los efectos de fuerzas poderosas. Como buen romántico, el artista sevillano no solo se abandona a la pasión sino también a un mundo enigmático y de difícil comprensión.  

Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

 

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Libros y palabras, poemas y cuentos, pausas y tertulias, recursos estilísticos, autores que nos inspiran, estilos que nos atrapan... Literatura de todos los tiempos y de todos los lugares que nos ayudan a viajar por el mundo. 

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Cuando Gustavo Adolfo Bécquer (1836-1970) comienza a publicar casi por entregas (y en distintos medios) sus leyendas  (1858-1864) el Romanticismo en España (y no digamos en el resto de Europa) había tocado a su fin. Sin embargo, y a pesar del avance de otros modos estilísticos totalmente radicales (naturalismo o realismo literario) logra levantar una obra a retazos, de gran belleza temática y estilística que se convierte en lo mejor del género en prosa de este movimiento artístico.  

Características estilísticas de las leyendas de Bécquer 

1.- Como he señalado anteriormente, están escritas en una prosa condensada, repleta de poesía y de gran acierto estilístico y belleza. Todas son de corta extensión asemejándose al cuento popular. 

2.- En buena parte de ellas, antes de iniciar la narración, el poeta se empeña en convencer al lector de su origen popular e, incluso, verídico desmontando, a la par, las fronteras entre la realidad y la ficción. Tal como es una de las características del Romanticismo también se vale de fuentes consideradas exóticas y ajenas a la tradición española. 

3.- El yo interior (atormentado o perdido a veces) aflora en buena parte de las leyendas de Bécquer enlazando la trama con un dato autobiográfico, que se incorpora a la narración. Esto es, el artista se dispone a señalar (como si de un diario se tratara) un hecho acaecido en cierto lugar.  Y a raíz del mismo un lugareño, de alguna manera u otra, le hace partícipe de un acontecimiento o una leyenda vinculada al lugar. 

4.- No hay alegría en estos relatos, tal cual es frecuente en el Romanticismo literario, y las tramas se dedican a aflorar una oscuridad interior en constante conflicto con la realidad.

5.- En este sentido, en las leyendas de Bécquer la figura femenina se convierte en el alter ego o en la personificación del concepto de ánima que afloraría unas décadas más tarde con las teorías del inconsciente según Freud y de los arquetipos de Jung.

6.- Con frecuencia estos personajes femeninos no pertenecen al mundo de los vivos y se nos presentan como parte de una realidad trascendental o etérea en forma de fantasmas, espíritus o seres sobrenaturales. 

7.- Hay un gusto por los emplazamientos ruinosos y cementerios, tal como es frecuente no solo en la pintura del Romanticismo sino en todas las creaciones artísticas de este periodo estilístico. 

8.- La naturaleza se aúna con el espíritu del escritor (atormentado frecuentemente) convirtiéndose en una extensión de su alma.

9.- Por primera vez entra en la literatura española los temas tradicionales germánicos y sus personajes clásicos en forma de gnomos o criaturas de los bosques. 

10.- Las leyendas de Gustavo Adolfo Bécquer son obras en prosa de gran belleza y repletas de espíritu poético aunque algún creador posterior, como Luis Cernuda, las califica de poemas en prosa. En relación con este último concepto nos atenemos a las palabras de Baquero Goyanes. 

… los aciertos expresivos del narrador están puestos al servicio de una imaginación poderosa que lo es todo en estas leyendas. Por el contrario, en el poema en prosa el asunto no es sino un débil pretexto para provocar sustentar una brillante teoría de imágenes, tras las cuales queda oculta el insignificante motivo argumental […] Bécquer consigue el milagro de una prosa poética sirviendo a unos asuntos que en emoción, misterio y belleza nada tienen que envidiar a los mejores de los autores citados [Zorrilla y el Duque de Rivas]. Las leyendas de Bécquer suponen el logro de un género antes mediocre y topiqueramente romántico, y a la vez significan casi su fin, ya que de puro perfectas ningún otro relato de esta clase, posterior, podrá igualarse a los del escritor sevillano. El género decae sensiblemente y todas sus manifestaciones subsiguientes parecerán torpes remedos de la obra de Gustavo Adolfo. 

Mariano Baquero Goyanes: El cuento español en el siglo XIX

Resumen de las leyendas de Bécquer 

1.- El caudillo de las manos rojas

Es la primera de la serie y fue publicada en La Crónica en 1858. Gira en torno a un tema tradicional hindú en el que se mezclan los conceptos religiosos y el exotismo. Pulo es rey de Osira aunque ha sido expulsado del trono por su hermano Tippot. Sin embargo, Pulo seduce a su cuñada Siannah. Al ser descubiertos, Pulo asesina a Tippot y para lavar su culpa el dios Vishnú le impone como penitencia que se aleje de Siannah. Incumple esta promesa y es castigado con la muerte.  

2.- La cruz del diablo

La acción está situada en Segre, en el Pirineos, donde se dirige el poeta que pretende rezar ante una cruz de hierro allí plantada. Sin embargo, un lugareño le impide tal acción y le advierte de que el objeto está maldito adentrándose en la narración de una de las más famosas leyendas de Gustavo Adolfo Bécquer. Al parecer la cruz fue fundida a partir de la armadura de un señor local que realizó tales maldades y crueldades que el pueblo, para librarse de su yugo, lo ajustició. Sin embargo, este volvió de su tumba ocupando su espíritu la armadura para continuar con sus fechorías. La única opción que tuvo el pueblo es fundir la misma con la forma sagrada de cruz. Sin embargo, la misma continúa estando maldita y por eso no debe rezarse ante ella.  

3.- La ajorca de oro 

Fue publicada en 1861 y está emplazada en Toledo. María es una caprichosa narcisista que convence a su marido Pedro para que robe una ajorca (un aro que se coloca en cualquier parte del cuerpo a modo de pulsera o tobillera) del joyero de la Virgen. Cuando el esposo emprende la huida tras cometer el delito sacrílego, las estatuas de la catedral cobran vida logrando que el desdichado pierda completamente el juicio.  

4.- La creación

Fue publicada en 1861y también trata un tema hindú. En ella se narra cómo los grandharvas o ángeles crean el mundo humano tras trastear en el laboratorio de Brahma. Por eso, nuestra realidad es el fruto de un desorden que lleva implícito la destrucción. 

Id -les dijo [Brahma]-, turba desalmada e incorregible! Marchaos adonde no os vea más con vuestra deforme criatura. Ese mundo no debe, no puede existir, porque en él hasta los átomos pelean con los átomos; pero marchad, os repito. Mi esperanza es que en poder vuestro no durará mucho.

5.- El Monte de las Ánimas

Fue escrita en Noviembre de 1961 y es una de las más conocidas de entre las leyendas de Bécquer. Es un relato de terror emplazado en el Monte de las Ánimas de Soria durante la noche anterior al Día de Difuntos. Hasta allí van de caza Alonso y su prima Beatriz. El joven propone regresar con la luz del día ya que teme que les ataque los espíritus de los Templarios que vagan por los campos en esa fecha. Una vez en el castillo, la muchacha (caprichosa y veleidosa) insta a su primo a regresar al bosque puesto que ha perdido un valioso pañuelo azul. Las maldiciones se llevan a cabo cuando a la mañana siguiente la servidumbre encuentra muerta a Beatriz en actitud de espanto. Iban a comunicarle que el cadáver de Alonso había sido hallado devorado por los lobos.  

6.- Los ojos verdes

Esta leyenda de Bécquer también está compuesta en 1861 y la protagonista es una ondina al estilo de los mitos de la literatura griega. Fernando llega hasta una fuente de la cual bebe a pesar de las advertencias de su montero. El joven, a partir de este momento, se vuelve taciturno y mustio regresando a estas aguas misteriosas cada día. En ella ha creído ver unos ojos de color verde y de tono imposible como el que luce la mujer de sus sueños. En una de sus idas y venidas hasta el lugar se topa con una enigmática joven con ojos como los que el desdichado Fernando cree ver. Ella le promete amor eterno y él lo acepta. En ese momento lo abraza arrastrándolo hasta las simas profundas del agua.  

7.- El rayo de luna  

Fue escrita en 1862 y es considerada la leyenda más personal de Bécquer, trasunto del poeta melancólico y dado a la soledad. El protagonista, de nombre Manrique, se recrea en cada recoveco de la naturaleza y cree sinceramente que en cada rincón viven seres misteriosos que se comunican con él. En estas ensoñaciones en las que no se puede distinguir la realidad de la ficción se enamora de una enigmática mujer, ideal de belleza perfecta para el protagonista. Sin embargo, esta no es más que un rayo de luna.  

8.- Creed en Dios 

Fue publicada en 1862 y es una de las menos populares, aunque el tema es harto repetido en la literatura occidental del siglo XIX y XX. El protagonista es Teobaldo de Montagoult, un señor cruel y sanguinario dedicado únicamente a satisfacer sus deseos. Durante una cacería es sorprendido por una gran tormenta y se refugia (junto con sus criados y perros) en una iglesia. Allí el sacerdote le recrimina sus pecados hasta que Teobaldo se ve sorprendido por un jabalí que entra en el recinto. Aquí el animal funciona como un símbolo primigenio de lo inconsciente primitivo y desconocido. Sale para darle caza adentrándose en un espacio totalmente onírico. En este momento nos damos cuenta de que Teobaldo ha caído en un profundo sueño en el que se le invita a arrepentirse de sus pecados. Se despierta bruscamente pero nadie logra reconocerlo. Ha pasado más de un siglo y todo su mundo ha desaparecido. Su castillo ha sido convertido en un monasterio donde el otrora cruel señor pide asilo para vivir una vida en recogimiento sagrado.  

9.- El aderezo de esmeraldas 

También fue escrito en 1862 y hay críticos que no lo sitúan dentro de las leyendas de Bécquer porque el emplazamiento es el Madrid contemporáneo al autor. La trama gira alrededor de un sueño complicado en el que un bohemio sin liquidez alguna intenta comprar un collar de esmeralda para regalárselo a una enigmática dama que, previamente, había manifestado su gusto por él. Lo consiguió ya que publica un libro y las ganancias del mismo se las juega en una apuesta consiguiendo el importe necesario para comprar la joya. Cae herido y la enigmática dama va a visitarlo en su lecho de muerte. Esta obra adelanta los postulados de la moderna psicología a la par que entra en las características del simbolismo.  

10.- El Miserere

Es una de las leyendas más famosas de Bécquer y el tema gira en torno a los pecados de la vanidad. Un músico famoso que había utilizado su arte como arma de seducción, en su vejez quiere componer un miserere para redimirse. Sin embargo, todo este proceso está  alejado de cualquier sentimiento de humildad. El relato inserta una trama dentro de otra trama creando un espacio literario simbólico a modo de muñecas rusas. En este punto hemos dejado al músico explicando la obra que quiere levantar cuando uno de los oyentes le refiere la misteriosa historia del miserere de la montaña. Allí, en un monasterio en ruinas, cada Jueves Santo (día en el que se desarrolla la acción), los antiguos monjes cantan un miserere inacabado. Este fue interrumpido en su día por el hijo malvado del antiguo señor del lugar que, debido a los pecados de su vástago, convirtió el castillo en monasterio desheredando al muchacho. El joven, llevado por la ira, un Jueves Santo arrasó el monasterio justo cuando los monjes cantaban el miserere. Desde entonces, cada año un extraño y bello canto sale de sus ruinas. Guiado por la curiosidad, hasta allí se dirige el músico que ve ante sus ojos como se reconstruye el recinto sagrado en ruinas y escucha la más hermosa música jamás interpretada. Lleno de sentimientos encontrados, regresa y se dispone a copiar las notas que han llegado hasta sus oídos. Pero solo puede llegar hasta la mitad. Enloquece y el manuscrito inacabado es encontrado por el poeta que nos cuenta la historia. 

11.- Tres fechas 

Fue compuesta en 1862 y la crítica es unánime en considerarla un esquema autobiográfico. En ella se vuelve de nuevo a los límites entre la realidad y la ficción, entre el mundo onírico y el de la vigilia, entre la materia y la espiritualidad. Todo gira en torno a una enigmática mujer que por tres veces se aparece al poeta en las calles de Toledo.  

13.- El Cristo de la calavera

Realizada en el mismo año, tiene como hipotexto una leyenda tradicional toledana. Dos jóvenes compiten por el amor de una mujer y no se les ocurre otra cosa que batirse en duelo. Lo hacen una noche iluminados por el farol de una imagen de Cristo. Cada vez que las espadas chocan, la luz, misteriosamente, se apaga. Y así sucede repetidamente hasta que ambos caballeros se dan cuenta de que aquello es una señal divina. Al día siguiente partían para la guerra y en el camino ven como la dama (por la que hacía tan solo unas horas podía haber acabado con la vida de uno de ellos) se despide, con gran arrobo, de un tercer caballero.  

14.- La Venta de los Gatos 

Está situada en Sevilla (donde existió un lugar con dicho nombre) y cuenta la historia de dos jóvenes criados como hermanos aunque la muchacha era adoptada. Cuando se disponían a casarse (ya que no les unía lazos de sangre) aparece la familia biológica de la joven que se opone a tal enlace ya que son gentes de hacienda y riqueza. El muchacho queda profundamente herido de amor y abandona el negocio familiar el cual, baldío, se convierte en un cementerio. Hasta allí llega un cortejo fúnebre por el que se interesa nuestro protagonista. Resulta que la finada era su amada. Ante tal noticia, el hombre enloquece como único medio del que dispone para despegarse de tan cruda realidad.  

15.- El gnomo 

Se basa en este personaje de las leyendas germánicas e inexistentes en las castellanas. Fue escrita en 1863. La acción comienza con un anciano advirtiendo a la juventud de los peligros de una cueva cercana habitada por duendes que atesoran joyas y oro. Marta y Magdalena, hermanas que oyen la narración, se deciden a ir por tales riquezas. Esta es una de las leyendas de Bécquer más simbólicas ya que cada una de las muchachas representan un carácter anímico distinto.  

16.- La cueva de la mora 

Fue publicada el 16 de enero de 1863 y en ella se narran los amores imposibles entre un cristiano y una musulmana.  

17.- La promesa 

Publicada el 12 de febrero de 1863, relata las visiones del conde de Gomara que parte a la guerra tras seducir a una joven. Cualquier acto que realiza es precedido por un mano enigmática. Cuando cree que va a enloquecer oye un romance. La canción desmenuza la desventura de un caballero que olvida el compromiso con una joven que muere de pena. Sin embargo, una de sus manos no puede ser enterrada puesto que espera el anillo de bodas que un día le prometieron. El conde entiende que es su historia. Regresa, se casa en una ceremonia en el cementerio y, desde ese momento, desaparece la enigmática mano.  

18.- La corza blanca 

Publicada en La América el 27 de junio de 1863, es una de las más sublimes leyendas de Bécquer. Un pastor de nombre Esteban cuenta a un grupo de nobles unos enigmáticos encuentros con un grupo de ciervos que parecen están dirigidos por una corza blanca que parece reírse como una humana. Entre sus interlocutores está don Dionis, su bella hija Constanza y Garcés, enamorado de la joven. Este promete dar caza a la corza para ofrecérsela a la muchacha. Así se adentra en el bosque hasta llegar a un grupo de ciervos que inmediatamente se transforman en hermosas jóvenes que se solazan en el agua y en el césped. Entre todas ellas sobresale Constanza. Garcés, confundido, intenta dar caza a los ahora transformados animales hiriendo con su ballesta al codiciado animal, el cual se presenta bajo la apariencia de Constanza ensangrentada. 

19.- El beso 

Esta leyenda de Bécquer también fue publicada en La América, el 27 de julio de 1863, y trata un motivo común en la tradición literaria. La acción se desarrolla en Toledo durante la ocupación de Napoleón. Un oficial francés se enamora de una de las estatuas de una iglesia. Cuando pretende darle un beso, la esfinge del marido, que se encuentra al lado, le espeta una bofetada.  

20.- La rosa de pasión 

Fue publicada en marzo de 1864 y gira en torno al sacrificio y martirio de la musulmana Sara crucificada por su padre el Viernes Santo por haberse enamorado de un cristiano. De su tumba, como en las metamorfosis de la literatura griega, brotan las flores de pasión o pasionarias, comunes en los jardines del sur de España.  

Excepto contados títulos, las leyendas de Bécquer tienen un trasfondo mágico, espiritual, nostálgico y pasional. Las ruinas y la naturaleza se alinean con los protagonistas que, en ocasiones, no atinan a distinguir entre realidad y ficción, entre la vigilia y los sueños o, en última instancia, entre los efectos de fuerzas poderosas. Como buen romántico, el artista sevillano no solo se abandona a la pasión sino también a un mundo enigmático y de difícil comprensión.  

Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

 

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Si bien Gustavo Adolfo Bécquer (1836-1870) llega al mundo (y por tanto escribe) cuando el Romanticismo literario daba sus últimos coletazos dando paso a otros modelos estilísticos (realismo literario, naturalismo, simbolismo…), es considerado uno de los poetas más significativos del movimiento. El Romanticismo en España, a pesar de que no brilló como el europeo, sí nos dio nombres de importancia:  José Zorrilla o el Duque de Rivas en el teatro, Espronceda en el verso y Mariano José de Larra en la prosa. Bécquer, aún siendo posterior, participa de las características estilísticas del movimiento con su gusto por los seres espirituales o mágicos, los emplazamientos de ultratumba o el amor pasional como eje de sus textos. 

Biografía de Gustavo Adolfo Bécquer 

Primeros años y comienzo de la carrera artística 

Nace en Sevilla el 17 de febrero de 1836 de padre artista. Tanto por la rama paterna como por la materna el apellido Bécquer no aparece por ningún lado. Sí parece que su padre también lo utilizaba tomándolo de un supuesto antepasado de origen flamenco y de profesión pintor que había llegado a Sevilla en el siglo XVI. El escritor es el quinto de ocho hermanos y de todos ellos tendría una especial relación con Valeriano (1833-1870) dedicado a los pinceles como el padre y varios miembros más de la familia. Con tan solo cinco años se queda huérfano de padre. En 1846 ingresa en el Colegio de San Telmo con una beca para huérfanos pobres y nobles. En 1847 fallece la madre y comienza un deambular con familiares hasta que lo acoge su madrina que no tenía hijos pero sí una surtida biblioteca con lo mejor de las obras europeas de los últimos siglos. Allí leyó el pequeño Bécquer a Chateubriand, Madame Staël, Jorge Sand, Balzac, Hoffmann…Terminó su estudios en el Instituto de Segunda Enseñanza de Sevilla y no continuó en la Universidad. 

Sin el beneplácito de su madrina, llega a Madrid en 1854 y comienza a vivir, no una vida bohemia, sino de auténtica mendicidad ya que apenas llega para lo básico de su sustento. De tal pobreza pretendía salir con la venta de una obra enciclopédica titulada Historia de los templos de España. En este título también encontramos uno de los temas queridos de Gustavo Adolfo Bécquer: la historia nacional y la puesta en valor de su arte antiguo. En 1855 vive con Valeriano que también se había trasladado a la capital. E inmediatamente entra en su grupo de amigos (que lo son de verdad ya que se daban apoyo mutuo de todo tipo) Juan de la Puerta Vizcaíno. Gracias a las exitosas gestiones de este último pudo publicar Historia de los templos de España

Bécquer periodista

Con el fin de ganarse la vida con cierta dignidad comienza su carrera de periodista con escritos diversos primero en La época. Poco duró  la colaboración. Sin embargo, otro de sus amigos le consiguió un empleo en la Dirección de Bienes Nacionales que perdió también al poco tiempo. En 1861 conoce a la que será su única esposa y madre de sus tres hijos, casándose ese mismo año. Fue un matrimonio desgraciado para ambas partes y no duró más de siete u ocho años. Al parecer, no fue la señora (hija de un médico) la destinataria de ninguno de sus versos y algunos de sus amigos, a la muerte del poeta, indican que antes de ella cayó enamorado de “una dama de rumbo de Valladolid” en una pasión arrebatadora y no correspondida. La boda, al parecer, fue más fruto del despecho que de otro sentimiento. 

¿Cómo se explica que después de esta pasión malograda y no comprendida, fuese a caer en las vulgaridades de un matrimonio absurdo? ¿Fue despecho? ¿Deseo de contrarrestar aquella ambición y sed de ideal que le devoraba?  

Eusebio Blasco (1844,1903), poeta amigo de Bécquer 

Un año antes de contraer matrimonio comienza su carrera como periodista, primero en La época de forma ocasional y luego en El Contemporáneo. En este último escribe desde 1860 hasta 1865. Aquí fueron publicadas Cartas literarias a una mujer y, además, dirigió la cabecera desde 1864 hasta 1865. En este corto periodo de tiempo se las apañó para que publicaran escritores de la talla de Benito Pérez Galdós, Castelar o Valera. Cuando El Contemporáneo dejó de publicarse pasó a El Museo Universal, donde ejerció hasta 1867.  

Unos cuantos años antes, en 1864, acepta el que es su puesto más controvertido: el de censor de novelas propuesto por otro de sus amigos, el conservador Luis González Bravo. Está en el cargo hasta 1868 con un periodo de trece meses de excedencia que no ejerce por motivos de salud. A raíz de esta actividad se ha catalogado a Bécquer como un reaccionario incómodo con los avances del siglo XIX. Sin embargo, críticos hay que ponen en justa medida esta decisión habida cuenta de que si por algo se caracteriza la biografía de Gustavo Adolfo Bécquer es por una estrechez económica de tal calibre que roza la penuria.  

[Aceptó el puesto de censor de novelas] porque lo necesitaba, porque esperaba desempeñarlo con rectitud, sin enfrascarse en las luchas políticas, y porque se lo ofreció un amigo.

Rica Brown

Regresa al periodismo en 1869 esta vez a El Museo Universal aunque publica ya bastante poco. A finales de septiembre de 1870 muere Valeriano y en diciembre de ese año (al parecer especialmente frío en toda Europa) enferma de gravedad falleciendo el día 22. Tenía treinta y cuatro años.  

Obras de Gustavo Adolfo Bécquer

El primer poema que se conserva del artista lleva por fecha el 17 de diciembre de 1852 y se titula Oda a la señorita Lenona en su partida. En estos versos de juventud ya se manifiesta la melancolía y la pérdida del amor que sería característica de todos sus escritos. Buena parte de sus obras fueron publicadas en los periódicos en los que trabajó a lo largo de su corta vida y los manuscritos que se salvaron de la quema (de manos del artista poco antes de morir) fueron publicados por sus buenos amigos en 1871. Muy resumidamente tenemos las siguientes obras de Bécquer:

1.- Historia de los templos de España 

En el que se aúna el amor del poeta por el patrimonio artístico de su país realizando un estudio comedido. Está escrito en prosa siguiendo los parámetros del ensayo moderno aunque, eso sí, deja huella con sus impresiones anímicas e interpreta la realidad que se abre ante sus ojos bajo el prisma del yo individual del artista. Como se ha anotado en repetidas ocasiones, esta es una de las principales características del Romanticismo. Entre líneas, se duele por el abandono o por la ruina de tantos emplazamientos que se perdieron o se deterioran para siempre.  

2.- Las leyendas de Gustavo Adolfo Bécquer 

Algunas de ellas aparecieron publicadas en los periódicos con los que colaboró como El caudillo de las manos rojas que apareció en La Crónica. En estos relatos cortos nos encontramos con buena parte de las características del Romanticismo europeo con su gusto por los seres espirituales o fantasmas y la manifestación de las pasiones extremas. Esta obra, de capital importancia para la historia de la literatura española, merece análisis aparte. Sin embargo, anoto los títulos de las mismas:  

  • El caudillo de las manos rojas
  • La cruz del diablo
  • La ajorca de oro
  • La creación
  • El Monte de las Ánimas
  • Los ojos verdes
  • El rayo de luna
  • Creed en Dios
  • El aderezo de esmeraldas
  • El Miserere
  • Tres fechas
  • El Cristo de la calavera
  • La Venta de los Gatos
  • El gnomo
  • La cueva de la mora
  • La promesa
  • La corza blanca
  • El beso
  • La rosa de pasión 

3.- Cartas desde mi celda 

Aparecieron en El Contemporáneo en 1864 como parte de su compromiso con el periódico mientras estaba convaleciente en el monasterio de Veruela. El monasterio perteneciente a la orden Cisterciense en el Moncayo sirvió de emplazamiento de excepción a la delicada y exquisita espiritualidad de Gustavo Adolfo Bécquer. Las cartas son descriptivas tanto del viaje desde Madrid a Veruela (Carta I) como de los rincones que encuentra a su alrededor. En la tercera describe su visita a un cementerio, tema romántico por excelencia como la nostalgia que impregna la segunda o la cuarta. La VI es la más conocida ya que en ella narra el asesinato de una supuesta bruja, la tía Casca que fue despeñada por sus vecinos. La brujería también es el eje de la Carta VIII. La última, la IX, está dedicada a una enigmática dama. 

Como dato curioso, la serie de televisión El ministerio del tiempo dedica un capítulo a la figura del gran poeta retratado en su retiro del Moncayo. Hasta allí viajan en el tiempo Amelia y su grupo para evitar que una enigmática Mencía interfiera en la vida del poeta y que escriba una décima carta. La trama se complica, ya que los protagonistas son seducidos (y drogados) para que participen en un aquelarre. 

4.- Cartas literarias a una mujer

Fueron publicadas de forma anónima en El Contemporáneo entre 1860 y 1861. Son cuatro y están dirigidas a una mujer. En ellas se pone de manifiesto la teoría literaria del escritor y, de alguna manera u otra, justifica su escritura, anclada en unos modelos estilísticos ya desfasados.  

5.- Las rimas de Gustavo Adolfo Bécquer 

Los poemas fueron reunidos por el artista y entregado a González Bravo. Estos se imprimieron en Madrid en 1871 y se basaron en el Libro de los gorriones. Sin embargo, no estaban todos. Hay que anotar que el manuscrito completo de la obra no se conoció hasta 1914 cuando se encontró una copia en la Biblioteca Nacional. A esta primera edición se han ido añadiendo poemas que han ido incorporándose al opus del artista a lo largo de siglo XX.

En todos ellos son latentes las características del Romanticismo con una exaltación del yo siempre emotivo, a veces, oscuro o atormentado. La melancolía y la búsqueda de una realidad alternativa es una constante en las obras de Gustavo Adolfo Bécquer. También hay que anotar, por último, un amor a lo patrio tanto en la historia como a nivel artístico. 

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla 

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Libros y palabras, poemas y cuentos, pausas y tertulias, recursos estilísticos, autores que nos inspiran, estilos que nos atrapan... Literatura de todos los tiempos y de todos los lugares que nos ayudan a viajar por el mundo. 

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Si bien Gustavo Adolfo Bécquer (1836-1870) llega al mundo (y por tanto escribe) cuando el Romanticismo literario daba sus últimos coletazos dando paso a otros modelos estilísticos (realismo literario, naturalismo, simbolismo…), es considerado uno de los poetas más significativos del movimiento. El Romanticismo en España, a pesar de que no brilló como el europeo, sí nos dio nombres de importancia:  José Zorrilla o el Duque de Rivas en el teatro, Espronceda en el verso y Mariano José de Larra en la prosa. Bécquer, aún siendo posterior, participa de las características estilísticas del movimiento con su gusto por los seres espirituales o mágicos, los emplazamientos de ultratumba o el amor pasional como eje de sus textos. 

Biografía de Gustavo Adolfo Bécquer 

Primeros años y comienzo de la carrera artística 

Nace en Sevilla el 17 de febrero de 1836 de padre artista. Tanto por la rama paterna como por la materna el apellido Bécquer no aparece por ningún lado. Sí parece que su padre también lo utilizaba tomándolo de un supuesto antepasado de origen flamenco y de profesión pintor que había llegado a Sevilla en el siglo XVI. El escritor es el quinto de ocho hermanos y de todos ellos tendría una especial relación con Valeriano (1833-1870) dedicado a los pinceles como el padre y varios miembros más de la familia. Con tan solo cinco años se queda huérfano de padre. En 1846 ingresa en el Colegio de San Telmo con una beca para huérfanos pobres y nobles. En 1847 fallece la madre y comienza un deambular con familiares hasta que lo acoge su madrina que no tenía hijos pero sí una surtida biblioteca con lo mejor de las obras europeas de los últimos siglos. Allí leyó el pequeño Bécquer a Chateubriand, Madame Staël, Jorge Sand, Balzac, Hoffmann…Terminó su estudios en el Instituto de Segunda Enseñanza de Sevilla y no continuó en la Universidad. 

Sin el beneplácito de su madrina, llega a Madrid en 1854 y comienza a vivir, no una vida bohemia, sino de auténtica mendicidad ya que apenas llega para lo básico de su sustento. De tal pobreza pretendía salir con la venta de una obra enciclopédica titulada Historia de los templos de España. En este título también encontramos uno de los temas queridos de Gustavo Adolfo Bécquer: la historia nacional y la puesta en valor de su arte antiguo. En 1855 vive con Valeriano que también se había trasladado a la capital. E inmediatamente entra en su grupo de amigos (que lo son de verdad ya que se daban apoyo mutuo de todo tipo) Juan de la Puerta Vizcaíno. Gracias a las exitosas gestiones de este último pudo publicar Historia de los templos de España

Bécquer periodista

Con el fin de ganarse la vida con cierta dignidad comienza su carrera de periodista con escritos diversos primero en La época. Poco duró  la colaboración. Sin embargo, otro de sus amigos le consiguió un empleo en la Dirección de Bienes Nacionales que perdió también al poco tiempo. En 1861 conoce a la que será su única esposa y madre de sus tres hijos, casándose ese mismo año. Fue un matrimonio desgraciado para ambas partes y no duró más de siete u ocho años. Al parecer, no fue la señora (hija de un médico) la destinataria de ninguno de sus versos y algunos de sus amigos, a la muerte del poeta, indican que antes de ella cayó enamorado de “una dama de rumbo de Valladolid” en una pasión arrebatadora y no correspondida. La boda, al parecer, fue más fruto del despecho que de otro sentimiento. 

¿Cómo se explica que después de esta pasión malograda y no comprendida, fuese a caer en las vulgaridades de un matrimonio absurdo? ¿Fue despecho? ¿Deseo de contrarrestar aquella ambición y sed de ideal que le devoraba?  

Eusebio Blasco (1844,1903), poeta amigo de Bécquer 

Un año antes de contraer matrimonio comienza su carrera como periodista, primero en La época de forma ocasional y luego en El Contemporáneo. En este último escribe desde 1860 hasta 1865. Aquí fueron publicadas Cartas literarias a una mujer y, además, dirigió la cabecera desde 1864 hasta 1865. En este corto periodo de tiempo se las apañó para que publicaran escritores de la talla de Benito Pérez Galdós, Castelar o Valera. Cuando El Contemporáneo dejó de publicarse pasó a El Museo Universal, donde ejerció hasta 1867.  

Unos cuantos años antes, en 1864, acepta el que es su puesto más controvertido: el de censor de novelas propuesto por otro de sus amigos, el conservador Luis González Bravo. Está en el cargo hasta 1868 con un periodo de trece meses de excedencia que no ejerce por motivos de salud. A raíz de esta actividad se ha catalogado a Bécquer como un reaccionario incómodo con los avances del siglo XIX. Sin embargo, críticos hay que ponen en justa medida esta decisión habida cuenta de que si por algo se caracteriza la biografía de Gustavo Adolfo Bécquer es por una estrechez económica de tal calibre que roza la penuria.  

[Aceptó el puesto de censor de novelas] porque lo necesitaba, porque esperaba desempeñarlo con rectitud, sin enfrascarse en las luchas políticas, y porque se lo ofreció un amigo.

Rica Brown

Regresa al periodismo en 1869 esta vez a El Museo Universal aunque publica ya bastante poco. A finales de septiembre de 1870 muere Valeriano y en diciembre de ese año (al parecer especialmente frío en toda Europa) enferma de gravedad falleciendo el día 22. Tenía treinta y cuatro años.  

Obras de Gustavo Adolfo Bécquer

El primer poema que se conserva del artista lleva por fecha el 17 de diciembre de 1852 y se titula Oda a la señorita Lenona en su partida. En estos versos de juventud ya se manifiesta la melancolía y la pérdida del amor que sería característica de todos sus escritos. Buena parte de sus obras fueron publicadas en los periódicos en los que trabajó a lo largo de su corta vida y los manuscritos que se salvaron de la quema (de manos del artista poco antes de morir) fueron publicados por sus buenos amigos en 1871. Muy resumidamente tenemos las siguientes obras de Bécquer:

1.- Historia de los templos de España 

En el que se aúna el amor del poeta por el patrimonio artístico de su país realizando un estudio comedido. Está escrito en prosa siguiendo los parámetros del ensayo moderno aunque, eso sí, deja huella con sus impresiones anímicas e interpreta la realidad que se abre ante sus ojos bajo el prisma del yo individual del artista. Como se ha anotado en repetidas ocasiones, esta es una de las principales características del Romanticismo. Entre líneas, se duele por el abandono o por la ruina de tantos emplazamientos que se perdieron o se deterioran para siempre.  

2.- Las leyendas de Gustavo Adolfo Bécquer 

Algunas de ellas aparecieron publicadas en los periódicos con los que colaboró como El caudillo de las manos rojas que apareció en La Crónica. En estos relatos cortos nos encontramos con buena parte de las características del Romanticismo europeo con su gusto por los seres espirituales o fantasmas y la manifestación de las pasiones extremas. Esta obra, de capital importancia para la historia de la literatura española, merece análisis aparte. Sin embargo, anoto los títulos de las mismas:  

  • El caudillo de las manos rojas
  • La cruz del diablo
  • La ajorca de oro
  • La creación
  • El Monte de las Ánimas
  • Los ojos verdes
  • El rayo de luna
  • Creed en Dios
  • El aderezo de esmeraldas
  • El Miserere
  • Tres fechas
  • El Cristo de la calavera
  • La Venta de los Gatos
  • El gnomo
  • La cueva de la mora
  • La promesa
  • La corza blanca
  • El beso
  • La rosa de pasión 

3.- Cartas desde mi celda 

Aparecieron en El Contemporáneo en 1864 como parte de su compromiso con el periódico mientras estaba convaleciente en el monasterio de Veruela. El monasterio perteneciente a la orden Cisterciense en el Moncayo sirvió de emplazamiento de excepción a la delicada y exquisita espiritualidad de Gustavo Adolfo Bécquer. Las cartas son descriptivas tanto del viaje desde Madrid a Veruela (Carta I) como de los rincones que encuentra a su alrededor. En la tercera describe su visita a un cementerio, tema romántico por excelencia como la nostalgia que impregna la segunda o la cuarta. La VI es la más conocida ya que en ella narra el asesinato de una supuesta bruja, la tía Casca que fue despeñada por sus vecinos. La brujería también es el eje de la Carta VIII. La última, la IX, está dedicada a una enigmática dama. 

Como dato curioso, la serie de televisión El ministerio del tiempo dedica un capítulo a la figura del gran poeta retratado en su retiro del Moncayo. Hasta allí viajan en el tiempo Amelia y su grupo para evitar que una enigmática Mencía interfiera en la vida del poeta y que escriba una décima carta. La trama se complica, ya que los protagonistas son seducidos (y drogados) para que participen en un aquelarre. 

4.- Cartas literarias a una mujer

Fueron publicadas de forma anónima en El Contemporáneo entre 1860 y 1861. Son cuatro y están dirigidas a una mujer. En ellas se pone de manifiesto la teoría literaria del escritor y, de alguna manera u otra, justifica su escritura, anclada en unos modelos estilísticos ya desfasados.  

5.- Las rimas de Gustavo Adolfo Bécquer 

Los poemas fueron reunidos por el artista y entregado a González Bravo. Estos se imprimieron en Madrid en 1871 y se basaron en el Libro de los gorriones. Sin embargo, no estaban todos. Hay que anotar que el manuscrito completo de la obra no se conoció hasta 1914 cuando se encontró una copia en la Biblioteca Nacional. A esta primera edición se han ido añadiendo poemas que han ido incorporándose al opus del artista a lo largo de siglo XX.

En todos ellos son latentes las características del Romanticismo con una exaltación del yo siempre emotivo, a veces, oscuro o atormentado. La melancolía y la búsqueda de una realidad alternativa es una constante en las obras de Gustavo Adolfo Bécquer. También hay que anotar, por último, un amor a lo patrio tanto en la historia como a nivel artístico. 

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla 

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Serafín Estébanez Calderón (1799-1876) es uno de los representantes del costumbrismo romántico. Estas obras, a menudo de corta extensión, se recreen en largas y detalladas descripciones de tipos, lugares y situaciones populares contemporáneas al autor. Y siempre es en detrimento de la acción que se paraliza casi. Sus pocas obras siguiendo esta estética fueron reunidas en el volumen Escenas andaluzas y estas se encuentran entre lo más representativo de la corriente costumbrista inserta en el Romanticismo en España

Biografía de Serafín Estébanez Calderón  

Nace en Málaga en una fecha indeterminada de la última semana de diciembre de 1799. Se queda huérfano de niño y es adoptado por unos tíos de buena posición económica. Por eso disfrutó de una esmerada educación, primero en Málaga y luego en leyes en Granada. En su ciudad natal abre un bufete al público en 1825 y pudo ejercer sin mayores problemas a pesar de que profesaba en el bando liberal. En 1830 se traslada a Madrid donde compagina su carrera de abogado con la escritura y, un poco más tarde, con la política alcanzando puestos importantes en la administración.  

En 1831 comienza a publicar bajo el pseudónimo de “El solitario al acecho” y más tarde simplemente como "El solitario”. Las tareas literarias las compagina con los distintos despachos que va recibiendo. Primero es designado jefe político en Logroño y después en Cádiz y Sevilla. En 1843, a pesar de ser propuesto para Auditor General del Ejército del Norte, viaja a París ya casado y luego visita también Londres. En 1844 es miembro de Academia de la Historia y en 1849 ocupa el cargo de Auditor General en Italia. Aún le quedaría más honores, ya que es nombrado Consejero de Estado un poco antes de morir. Este extremo acaeció en Madrid en 1876. 

Aunque sus ideas políticas no tuvieron gran predicamento en sus escritos, sí se reflejaron en su hacer en distintos emprendimientos educativos y culturales. Fundó el Museo de pintura y escultura de Cádiz. También tuvo interés por la cultura árabe, especialmente por la marroquí estudiando la lengua y la historia. Todo ello lo reflejó en Manual del oficial en Marruecos. Esta obra pretendía ser una guía para los mandos desplazados en dicho país con información básica sobre geografía, historia, religión y costumbres. Fue también un empedernido bibliófilo con gran amor por los libros viejos que compraba con compulsión apasionada.  

Escenas andaluzas de Serafín Estébanez Calderón  

Sin embargo, en la historia de la literatura ocupa un apunte por esta obra en la que reunió todos sus relatos de corte costumbrista. Fue publicada en 1846 y en ella se recogían los folletines publicados en los periódicos de la época, especialmente en Cartas españolas y en el Semanario Pintoresco Español. Todos ellos responden a las siguientes características literarias:  

1.- La acción es casi nula y la obra se reduce a descripciones detalladas de todo tipo de motivos. 

2.- Utiliza un vocabulario amplio, diverso, rebuscado y organiza las frases de manera ingeniosa torciendo la sintaxis al máximo. 

3.- Se hace acopio de exageraciones extravagantes que utiliza con abundancia. Quizás sea esta la características más sobresaliente de Escenas andaluzas de Estébanez Calderón. 

4.- Se entretiene en describir con un caudal de tropos y de torsiones estilísticas la realidad congelando al máximo, a la par, la acción que es, a veces, inconsistente. 

Títulos de Escenas andaluzas 

1.- El asombro de los andaluces

2.- Manolito Gázquez, el Sevillano

3.- El bolero

4.- Baile al uso y danza antigua

5.- Pulpete y Balbeja

6.- Gracias y donaires de la capa

7.- Fisiología y chistes del cigarro

8.- La rifa andaluza

9.- La feria de Mairena

10.- El Roque y el Bronquis

11.- Un baile en Triana

12.- Toros y ejercicios a la jineta

13.- Egás el escudero y la dueña donna Aldonza

14.- El collar de perlas

15.- Novela árabe

16.- Los tesoros de la Alhambra

17.- Don Opando o unas elecciones 

Estos relatos costumbristas recogidos en Escenas andaluzas de Serafín Estébanez Calderón aunque se insertan en el Romanticismo literario, son ajenos a las características del movimiento. Tanto es así que lo clasificamos casi por asimilación temporal. Estas obras son jocosas a veces y centradas en describir la realidad contemporánea sin más ambición. Para ello se hace una contorsión del lenguaje con brillantez extrema. Sin embargo, en ellas no se apelan ni a los sentimientos ni a hechos intangibles (ánimas, espíritus, leyendas, situaciones en cementerios o con naturaleza desbocada) tan propios del Romanticismo. En estas obras todo es cotidiano, sin importancia y se busca, la más de las veces, la bufonada fácil a través de uso extremo de las palabras.  

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

 

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Serafín Estébanez Calderón (1799-1876) es uno de los representantes del costumbrismo romántico. Estas obras, a menudo de corta extensión, se recreen en largas y detalladas descripciones de tipos, lugares y situaciones populares contemporáneas al autor. Y siempre es en detrimento de la acción que se paraliza casi. Sus pocas obras siguiendo esta estética fueron reunidas en el volumen Escenas andaluzas y estas se encuentran entre lo más representativo de la corriente costumbrista inserta en el Romanticismo en España

Biografía de Serafín Estébanez Calderón  

Nace en Málaga en una fecha indeterminada de la última semana de diciembre de 1799. Se queda huérfano de niño y es adoptado por unos tíos de buena posición económica. Por eso disfrutó de una esmerada educación, primero en Málaga y luego en leyes en Granada. En su ciudad natal abre un bufete al público en 1825 y pudo ejercer sin mayores problemas a pesar de que profesaba en el bando liberal. En 1830 se traslada a Madrid donde compagina su carrera de abogado con la escritura y, un poco más tarde, con la política alcanzando puestos importantes en la administración.  

En 1831 comienza a publicar bajo el pseudónimo de “El solitario al acecho” y más tarde simplemente como "El solitario”. Las tareas literarias las compagina con los distintos despachos que va recibiendo. Primero es designado jefe político en Logroño y después en Cádiz y Sevilla. En 1843, a pesar de ser propuesto para Auditor General del Ejército del Norte, viaja a París ya casado y luego visita también Londres. En 1844 es miembro de Academia de la Historia y en 1849 ocupa el cargo de Auditor General en Italia. Aún le quedaría más honores, ya que es nombrado Consejero de Estado un poco antes de morir. Este extremo acaeció en Madrid en 1876. 

Aunque sus ideas políticas no tuvieron gran predicamento en sus escritos, sí se reflejaron en su hacer en distintos emprendimientos educativos y culturales. Fundó el Museo de pintura y escultura de Cádiz. También tuvo interés por la cultura árabe, especialmente por la marroquí estudiando la lengua y la historia. Todo ello lo reflejó en Manual del oficial en Marruecos. Esta obra pretendía ser una guía para los mandos desplazados en dicho país con información básica sobre geografía, historia, religión y costumbres. Fue también un empedernido bibliófilo con gran amor por los libros viejos que compraba con compulsión apasionada.  

Escenas andaluzas de Serafín Estébanez Calderón  

Sin embargo, en la historia de la literatura ocupa un apunte por esta obra en la que reunió todos sus relatos de corte costumbrista. Fue publicada en 1846 y en ella se recogían los folletines publicados en los periódicos de la época, especialmente en Cartas españolas y en el Semanario Pintoresco Español. Todos ellos responden a las siguientes características literarias:  

1.- La acción es casi nula y la obra se reduce a descripciones detalladas de todo tipo de motivos. 

2.- Utiliza un vocabulario amplio, diverso, rebuscado y organiza las frases de manera ingeniosa torciendo la sintaxis al máximo. 

3.- Se hace acopio de exageraciones extravagantes que utiliza con abundancia. Quizás sea esta la características más sobresaliente de Escenas andaluzas de Estébanez Calderón. 

4.- Se entretiene en describir con un caudal de tropos y de torsiones estilísticas la realidad congelando al máximo, a la par, la acción que es, a veces, inconsistente. 

Títulos de Escenas andaluzas 

1.- El asombro de los andaluces

2.- Manolito Gázquez, el Sevillano

3.- El bolero

4.- Baile al uso y danza antigua

5.- Pulpete y Balbeja

6.- Gracias y donaires de la capa

7.- Fisiología y chistes del cigarro

8.- La rifa andaluza

9.- La feria de Mairena

10.- El Roque y el Bronquis

11.- Un baile en Triana

12.- Toros y ejercicios a la jineta

13.- Egás el escudero y la dueña donna Aldonza

14.- El collar de perlas

15.- Novela árabe

16.- Los tesoros de la Alhambra

17.- Don Opando o unas elecciones 

Estos relatos costumbristas recogidos en Escenas andaluzas de Serafín Estébanez Calderón aunque se insertan en el Romanticismo literario, son ajenos a las características del movimiento. Tanto es así que lo clasificamos casi por asimilación temporal. Estas obras son jocosas a veces y centradas en describir la realidad contemporánea sin más ambición. Para ello se hace una contorsión del lenguaje con brillantez extrema. Sin embargo, en ellas no se apelan ni a los sentimientos ni a hechos intangibles (ánimas, espíritus, leyendas, situaciones en cementerios o con naturaleza desbocada) tan propios del Romanticismo. En estas obras todo es cotidiano, sin importancia y se busca, la más de las veces, la bufonada fácil a través de uso extremo de las palabras.  

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

 

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Gertrudis Gómez de Avellaneda (1814-1873) fue una de las más famosas escritoras del Romanticismo en España y en Latinoamerica. Conoció el éxito en vida y, al parecer, hacía gala de una personalidad arrolladora adornada, además, con una amplia cultura y belleza física. Destacó en todos los géneros y, a pesar de ello, no ha sido hasta las últimas décadas cuando sus obras han ocupado el reconocimiento que se merecen, más allá de las cuantas líneas con las que se despachaban por la historiografía más tradicionalista. Por si todo esto no fuera poco, su novela Sab (1841) es la primera calificada como anti-esclavista y en ella se aboga por la igualdad de todos y cada uno de los miembros de la raza humana. A pesar de que no es tan conocida como La Cabaña del Tío Tom (1851-1852), la de la Avellaneda (que así también es conocida la escritora) es anterior y sirvió como hipotexto a la obra de Herriet Beecherr Stowe (1811-1896). 

Biografía de Gertrudis Gómez de Avellaneda 

Primeros años y llegada a Madrid 

Nace en Cuba en 1814 de padre español alto funcionario de la administración y de madre perteneciente a las familias adineradas de las islas. Recibe una esmerada instrucción a pesar de que su padre fallece en 1823. La matriarca se vuelve a casar y de estas nuevas nupcias la escritora tiene tres hermanos más. Sin embargo, tanto en vida como en muerte (ya que están enterrados juntos) solo tiene buena relación con su hermano (de doble vínculo) Manuel. Ya desde niña muestra interés por las letras y cualquier avatar vital lo convierte en un hermoso poema. En 1836, tras pasar por Burdeos, La Coruña y Sevilla recala en Madrid donde se le abren las puertas de la corte y de las tertulias literarias. Nada más llegar se le reconoció su talento y comenzó a publicar.  

Alrededor de 1844 entabla una tortuosa relación con Gabriel García Tassara (que estaba casado) y se queda embarazada del poeta. De esta unión nace una niña enferma que muere a los pocos meses sin que su progenitor se dignara siquiera a conocerla, no ya a reconocerla. Gertrudis Gómez de Avellaneda se viene abajo al verse madre soltera en el Madrid decimonónico y viendo peligrar su carrera artística, extremo que afortunadamente no sucedió ya que ese mismo año (1845) gana dos premios literarios. De esta época son unas sentidas cartas al padre de su hija en el que le reprocha no haberse dignado a conocer a la pequeña. De su carácter fogoso y de esta relación tóxica se alimentan sus ideas feministas proponiendo en sus novelas el divorcio si la convivencia se hace desdichada, extremo revolucionario casi para los parámetros de la época. 

Época de madurez 

Un año después, en 1846, se casa con Pedro Sabater, aunque el flamante esposo (enfermo de una dolencia de garganta) la acompañará poco tiempo. En busca de mejores médicos viajan hasta París, pero, desafortunadamente, muere en Burdeos. La escritora, que sostuvo en brazos a su marido mientras exhalaba el último suspiro, se recluye en la Congregación La Sagrada Familia de Burdeos afianzando una espiritualidad que no le abandonará jamás. Aunque en 1853 se le ofreció un sillón de la Academia de la Lengua, el machismo imperante en España no permitió que una mujer ocupara tal honor hasta bien entrado el siglo XX. Y para entonces Gertrudis Gómez de Avellaneda no estaba en este mundo.  

Se vuelve a casar en 1856 y en 1859 los cónyuges viajan a Cuba donde fue recibida casi como una heroína. Enviuda de nuevo en 1864 y tras pasar por Nueva York, Londres y París recala en Sevilla. Muere en Madrid en 1873 y está enterrada junto con su hermano, la esposa de este y su último marido en el Cementerio de San Fernando de Sevilla.  

Obras de Gertrudis Gómez de Avellaneda 

La crítica es unánime a la hora de alabar y catalogar la obra de la escritora como una de las más señeras del Romanticismo literario. Cultivó todos los géneros y prácticamente toda su producción hace gala de una gran calidad. En todas ellas se eleva el amor como bien supremo, se promulga la igualdad de todos los miembros de la raza humana y se hace abanderada de un incipiente feminismo. 

1.- Poemas

Se publicaron por primera vez en 1841 y en una segunda edición aumentada en 1851. Si bien el amor y las pasiones eran temas recurrentes y básicos en el Romanticismo, la artista fue capaz de plasmar un sutil y refinado erotismo que los hacen únicos. La pérdida y la nostalgia también son vehículos de un poesía lírica altamente brillante y rítmica. Además de esta línea temática también cultivó versos de línea religiosa y tampoco quedan atrás sus poemas de tono irónico en los que no tiene empacho en poner en evidencia el lado oscuro de la raza humana. Tuvo preferencia por el verso de arte mayor (dodecasílabo y el rarísimo en castellano de dieciséis sílabas).  Sin ánimo de ser exhaustivos, algunos poemas de Gertrudis Gómez de Avellaneda son: 

  • Elegías
  • A él
  • Amor y orgullo
  • Soledades del alma
  • La juventud
  • A la Ascensión
  • Cuartetos escritos en un cementerio 
  • La Cruz
  • Plegaria a la Virgen
  • La venganza 
  • Dedicación de la lira a Dios 

2.- Obras para teatro

Son tres: Alfonso Munio (1844), Sául (1849) y Baltasar (1858). Este último título gira en torno a la figura del rey babilonio Baltasar que se resbala hacia el nihilismo cuando le ha abandonado el gusto por el disfrute de los placeres. La escritora (recordemos que tenía profundos sentimientos religiosos) se posiciona en contra de un hedonismo estéril que no sirve para el crecimiento espiritual. Baltasar despierta de este letargo depresivo cuando una esclava lo rechaza y lo confronta con su ética. Críticos hay que ponen la obra de Gertrudis Gómez de Avellaneda en relación con La vida es sueño de Pedro Calderón de la Barca.  

El drama es una apoteosis del cristianismo, de la fuerza de la virtud, del orgullo altivo, de la libertad y de la dignidad del individuo y su noble independencia. El tema podrá ser de Byron, ya que escribió una obra con el mismo nombre, pero el espíritu es de Calderón y españolísimo. 

Carmen Bravo-Villasante

3.- Novelas de Gertrudis Gómez de Avellaneda 

Tenemos cuatro títulos: 

3.1.- Sab (1841) que analizamos un poco más adelante.

3.2.- Espatolino (1844) nos cuenta el deseo de redención de un bandido italiano guiado por el amor. Tiene un final trágico ya que es apresado y ajusticiado. 

3.3.- Guatimozín (1846) está ambientada en la conquista de México comandada por Hernán Cortés. En ella asistimos a los amores entre Tecuixpa (india) y Velázquez de León en el bando europeo. El trasfondo filosófico y espiritual de la novela se adoba con la triste leyenda negra española

3.4.- El cacique de Turmequé (1854). 

Sab de Gertrudis Gómez de Avellaneda, la primera novela anti esclavista de la historia 

Ha sido señalada no solo como el antecedente de la famosísima La Cabaña del Tío Tom sino también como uno de los primeros escritos en los que se reivindican los derechos humanos básicos. En ella, la autora se posiciona del bando anti-esclavista a la par que hace un alegato en favor de la independencia y la libertad social de la mujer. Para completar el panorama se atreve, incluso, a atacar a los estamentos superiores de la iglesia y a los estados que consienten tal salvajada.  

El lenguaje de Sab se empapa de poesía, perfecto para elevar los sentimientos poéticos de los personajes. Sab es un esclavo mulato que cae rendido de amor por su señora y dueña (literal en este caso). El joven, a pesar de estar en inferioridad social, se sabe merecedor de este amor por sus valores espirituales y morales.  

La extraordinaria novedad de la novela de Avellaneda consistía en proclamar la igualdad de todos los seres humanos, sin distinción de razas ni clases, mediante el sentimiento.  

Carmen Bravo-Villasante 

En definitiva, las obras de Gertrudis Gómez de Avellaneda, aparte de su indudable calidad literaria, se adelantan a los temas sociales de su tiempo: a una actitud anti-esclavista y, por tanto, anticolonial a la par que propaga los incipientes derechos de la mujer. Estos se centran, especialmente, en la libertad para amar a quien se elija (tema romántico por excelencia) sin imposición social. Aún quedaría más de un siglo para que los mismos se materializaran (al menos sobre el papel) en buena parte del mundo occidental. En el volumen de sus obras completas publicadas en 1873 falta Sab. La artista, a pesar de todo, aún no era capaz de defender ante la sociedad que la acogió novela de tal calibre revolucionario. 

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

 

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Gertrudis Gómez de Avellaneda (1814-1873) fue una de las más famosas escritoras del Romanticismo en España y en Latinoamerica. Conoció el éxito en vida y, al parecer, hacía gala de una personalidad arrolladora adornada, además, con una amplia cultura y belleza física. Destacó en todos los géneros y, a pesar de ello, no ha sido hasta las últimas décadas cuando sus obras han ocupado el reconocimiento que se merecen, más allá de las cuantas líneas con las que se despachaban por la historiografía más tradicionalista. Por si todo esto no fuera poco, su novela Sab (1841) es la primera calificada como anti-esclavista y en ella se aboga por la igualdad de todos y cada uno de los miembros de la raza humana. A pesar de que no es tan conocida como La Cabaña del Tío Tom (1851-1852), la de la Avellaneda (que así también es conocida la escritora) es anterior y sirvió como hipotexto a la obra de Herriet Beecherr Stowe (1811-1896). 

Biografía de Gertrudis Gómez de Avellaneda 

Primeros años y llegada a Madrid 

Nace en Cuba en 1814 de padre español alto funcionario de la administración y de madre perteneciente a las familias adineradas de las islas. Recibe una esmerada instrucción a pesar de que su padre fallece en 1823. La matriarca se vuelve a casar y de estas nuevas nupcias la escritora tiene tres hermanos más. Sin embargo, tanto en vida como en muerte (ya que están enterrados juntos) solo tiene buena relación con su hermano (de doble vínculo) Manuel. Ya desde niña muestra interés por las letras y cualquier avatar vital lo convierte en un hermoso poema. En 1836, tras pasar por Burdeos, La Coruña y Sevilla recala en Madrid donde se le abren las puertas de la corte y de las tertulias literarias. Nada más llegar se le reconoció su talento y comenzó a publicar.  

Alrededor de 1844 entabla una tortuosa relación con Gabriel García Tassara (que estaba casado) y se queda embarazada del poeta. De esta unión nace una niña enferma que muere a los pocos meses sin que su progenitor se dignara siquiera a conocerla, no ya a reconocerla. Gertrudis Gómez de Avellaneda se viene abajo al verse madre soltera en el Madrid decimonónico y viendo peligrar su carrera artística, extremo que afortunadamente no sucedió ya que ese mismo año (1845) gana dos premios literarios. De esta época son unas sentidas cartas al padre de su hija en el que le reprocha no haberse dignado a conocer a la pequeña. De su carácter fogoso y de esta relación tóxica se alimentan sus ideas feministas proponiendo en sus novelas el divorcio si la convivencia se hace desdichada, extremo revolucionario casi para los parámetros de la época. 

Época de madurez 

Un año después, en 1846, se casa con Pedro Sabater, aunque el flamante esposo (enfermo de una dolencia de garganta) la acompañará poco tiempo. En busca de mejores médicos viajan hasta París, pero, desafortunadamente, muere en Burdeos. La escritora, que sostuvo en brazos a su marido mientras exhalaba el último suspiro, se recluye en la Congregación La Sagrada Familia de Burdeos afianzando una espiritualidad que no le abandonará jamás. Aunque en 1853 se le ofreció un sillón de la Academia de la Lengua, el machismo imperante en España no permitió que una mujer ocupara tal honor hasta bien entrado el siglo XX. Y para entonces Gertrudis Gómez de Avellaneda no estaba en este mundo.  

Se vuelve a casar en 1856 y en 1859 los cónyuges viajan a Cuba donde fue recibida casi como una heroína. Enviuda de nuevo en 1864 y tras pasar por Nueva York, Londres y París recala en Sevilla. Muere en Madrid en 1873 y está enterrada junto con su hermano, la esposa de este y su último marido en el Cementerio de San Fernando de Sevilla.  

Obras de Gertrudis Gómez de Avellaneda 

La crítica es unánime a la hora de alabar y catalogar la obra de la escritora como una de las más señeras del Romanticismo literario. Cultivó todos los géneros y prácticamente toda su producción hace gala de una gran calidad. En todas ellas se eleva el amor como bien supremo, se promulga la igualdad de todos los miembros de la raza humana y se hace abanderada de un incipiente feminismo. 

1.- Poemas

Se publicaron por primera vez en 1841 y en una segunda edición aumentada en 1851. Si bien el amor y las pasiones eran temas recurrentes y básicos en el Romanticismo, la artista fue capaz de plasmar un sutil y refinado erotismo que los hacen únicos. La pérdida y la nostalgia también son vehículos de un poesía lírica altamente brillante y rítmica. Además de esta línea temática también cultivó versos de línea religiosa y tampoco quedan atrás sus poemas de tono irónico en los que no tiene empacho en poner en evidencia el lado oscuro de la raza humana. Tuvo preferencia por el verso de arte mayor (dodecasílabo y el rarísimo en castellano de dieciséis sílabas).  Sin ánimo de ser exhaustivos, algunos poemas de Gertrudis Gómez de Avellaneda son: 

  • Elegías
  • A él
  • Amor y orgullo
  • Soledades del alma
  • La juventud
  • A la Ascensión
  • Cuartetos escritos en un cementerio 
  • La Cruz
  • Plegaria a la Virgen
  • La venganza 
  • Dedicación de la lira a Dios 

2.- Obras para teatro

Son tres: Alfonso Munio (1844), Sául (1849) y Baltasar (1858). Este último título gira en torno a la figura del rey babilonio Baltasar que se resbala hacia el nihilismo cuando le ha abandonado el gusto por el disfrute de los placeres. La escritora (recordemos que tenía profundos sentimientos religiosos) se posiciona en contra de un hedonismo estéril que no sirve para el crecimiento espiritual. Baltasar despierta de este letargo depresivo cuando una esclava lo rechaza y lo confronta con su ética. Críticos hay que ponen la obra de Gertrudis Gómez de Avellaneda en relación con La vida es sueño de Pedro Calderón de la Barca.  

El drama es una apoteosis del cristianismo, de la fuerza de la virtud, del orgullo altivo, de la libertad y de la dignidad del individuo y su noble independencia. El tema podrá ser de Byron, ya que escribió una obra con el mismo nombre, pero el espíritu es de Calderón y españolísimo. 

Carmen Bravo-Villasante

3.- Novelas de Gertrudis Gómez de Avellaneda 

Tenemos cuatro títulos: 

3.1.- Sab (1841) que analizamos un poco más adelante.

3.2.- Espatolino (1844) nos cuenta el deseo de redención de un bandido italiano guiado por el amor. Tiene un final trágico ya que es apresado y ajusticiado. 

3.3.- Guatimozín (1846) está ambientada en la conquista de México comandada por Hernán Cortés. En ella asistimos a los amores entre Tecuixpa (india) y Velázquez de León en el bando europeo. El trasfondo filosófico y espiritual de la novela se adoba con la triste leyenda negra española

3.4.- El cacique de Turmequé (1854). 

Sab de Gertrudis Gómez de Avellaneda, la primera novela anti esclavista de la historia 

Ha sido señalada no solo como el antecedente de la famosísima La Cabaña del Tío Tom sino también como uno de los primeros escritos en los que se reivindican los derechos humanos básicos. En ella, la autora se posiciona del bando anti-esclavista a la par que hace un alegato en favor de la independencia y la libertad social de la mujer. Para completar el panorama se atreve, incluso, a atacar a los estamentos superiores de la iglesia y a los estados que consienten tal salvajada.  

El lenguaje de Sab se empapa de poesía, perfecto para elevar los sentimientos poéticos de los personajes. Sab es un esclavo mulato que cae rendido de amor por su señora y dueña (literal en este caso). El joven, a pesar de estar en inferioridad social, se sabe merecedor de este amor por sus valores espirituales y morales.  

La extraordinaria novedad de la novela de Avellaneda consistía en proclamar la igualdad de todos los seres humanos, sin distinción de razas ni clases, mediante el sentimiento.  

Carmen Bravo-Villasante 

En definitiva, las obras de Gertrudis Gómez de Avellaneda, aparte de su indudable calidad literaria, se adelantan a los temas sociales de su tiempo: a una actitud anti-esclavista y, por tanto, anticolonial a la par que propaga los incipientes derechos de la mujer. Estos se centran, especialmente, en la libertad para amar a quien se elija (tema romántico por excelencia) sin imposición social. Aún quedaría más de un siglo para que los mismos se materializaran (al menos sobre el papel) en buena parte del mundo occidental. En el volumen de sus obras completas publicadas en 1873 falta Sab. La artista, a pesar de todo, aún no era capaz de defender ante la sociedad que la acogió novela de tal calibre revolucionario. 

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

 

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Aunque la figura del burlador ya estaba presente en la literatura española (y también europea) fue el Don Juan Tenorio de José Zorrilla la obra que elevó al personaje a la categoría de mito universal. Y lo hace hermanándose con los otros tres grandes genios castellanos: La Celestina, Sancho Panza y Don Quijote.

Biografía de José Zorrilla 

Juventud y primeros años 

Nace en Valladolid el 21 de febrero de 1817  en el seno de una familia extremadamente tradicional y de tendencia política realista. Esto es, eran partidarios de la vuelta al absolutismo de la mano del infame Fernando VII. Era su padre superintendente de policía de normas estrictas e inflexibles tanto en el hogar como en la educación de los vástagos. Zorrilla estudió en el Seminario de los Nobles y, posteriormente, leyes en la universidades de Toledo y de Valladolid. Sin embargo, no solo no logró completar los estudios sino que abandonó el hogar familiar (en 1836) fugándose; hecho este que, de alguna manera u otra, incidiría en su carácter y en su obra. Son múltiples los datos que nos han llegado que apuntan a que nuestro escritor intentó en vano un acercamiento o reconciliación con su padre obteniendo siempre el desprecio por respuesta. Ese afán de conseguir la aprobación familiar quizás esté (de manera inconsciente) en el carácter del personaje y en el final de la obra que le ha hecho universal: Don Juan Tenorio. Adelanto que el personaje busca el perdón y este extremo es el que lo eleva a la categoría de mito humano universal.    

Seguimos con la biografía de José Zorrilla. Al abandonar la casa familiar se encuentra sin ningún paraguas económico y su vida en Madrid (donde recala en primera instancia) es, poco más o menos, la de un mendigo sostenido por amigos. Un hecho daría un giro radical a su existencia. El 13 de febrero de 1837, Mariano José de Larra ponía fin a su vida pegándose un tiro. A su entierro asiste lo más granado de las letras españolas y el joven Zorrilla es invitado a leer un poema. Fue tal la impresión entre los asistentes que, desde ese mismo momento, fue erigido y consagrado como el gran bardo de las letras de su tiempo. Esta consideración, de alguna manera u otra, explica su devenir vital posterior.  

La madurez azarosa de José Zorrilla 

La otra circunstancia fue un matrimonio nada meditado y poco sentido que le haría huir de las obligaciones conyugales refugiándose en el otro confín del mundo. Las nupcias tuvieron lugar en 1839 y la novia tenía 16 años más y un hijo adolescente admirador del poeta. Aunque, en un principio, la unión pareció acertada, muy pronto salieron a relucir los celos de la esposa que se hicieron insoportables para el poeta. Y encontró una salida en la huida. Primero visitó Francia e Inglaterra y por Europa andaba cuando fue nombrado en 1848 Académico de la Lengua. El sillón no fue ocupado hasta 1885 provisto de una pequeña renta.  

No conforme con estos kilómetros de por medio puso un vasto océano al asentarse en México en 1854.  Allí vivió doce años poco más o menos de la hospitalidad de admiradores y ricos mecenas. En tierras mexicanas asistió a la segunda intervención francesa y al corto reinado de Maximiliano (1864-1867) con el que trabó sincera amistad. Fue esta tanta que sintió profundamente su fusilamiento por las tropas revolucionarias. Durante estos años Zorrilla puso a prueba sus habilidades como jinete, tirador e, incluso, como aprendiz de médico.  

En 1866 regresa a España con el estado civil de viudo y tres años después se casa de nuevo con Juana Pacheco. La fama acrecentada de poeta y dramaturgo le abren las puertas a puestos gubernamentales que alivian en parte su maltrecha economía. A pesar de estos sinsabores, disfrutó de un reconocimiento sin igual entre los escritores y lectores de su tiempo. En 1889 se le concedió el honor de ser nombrado poeta nacional, título que se ganó por méritos propios sin mediar conspiraciones palaciegas o administrativas. Su entierro en 1893, tras un derrame cerebral, se realizó con toda la pompa institucional y seguido por multitud de admiradores. 

Zorrilla visto por Zorrilla 

Nunca he sido yo más que un vagabundo: 

yo soy el escritor de menos ciencia, 

el ingenio español menos profundo, 

el versificador menos profundo, 

flor sin aroma, frasco sin esencia, 

de sentido y de lógica vacía

no tal vez más que un son mi poesía.

 

Obras de José Zorrilla  

Fue prolijo casi al mismo nivel que las obras de Lope de Vega tratando géneros distintos, aunque entró en el canon universal gracias al verso y al teatro. El poeta logró en su extensa obra alargar las características del Romanticismo hasta una fecha en la que se había impuesto otros modelos artísticos: el realismo literario, el naturalismo y el simbolismo. Y lo hizo casi sin innovar o sin métodos vanguardistas. Se amoldó a los gustos del público que lo admiraba llevando a escena los temas favoritos populares: la patria con su caducado sentido del honor y una religión basada en la superstición alrededor de los milagros. Aunque no milita en partido alguno, sí lamenta la venta, el destrozo o el abandono de nuestro patrimonio artístico con dolor sincero. Esto último lo uniría con la posterior Generación del 68.  

Muy resumidamente tenemos la siguiente clasificación de las obras de Zorrilla. 

La obra poética de José Zorrrilla  

1.- Poesías líricas

  • Toledo
  • El Reló
  • Fragmentos a Catalina
  • Un recuerdo y un suspiro
  • La tarde de otoño 
  • A la estatua de Cervantes 
  • Indecisión 
  • Orientales
  • Gloria y orgull
  • El ángel exterminador

2.- Poesía narrativa siguiendo los modelos de las leyendas históricas  

En estas obras se regodea en el pasado musulmán (muy recreado) de la Península Ibérica. Llegados a este punto hay que recordar que el Romanticismo literario tiene preferencia tanto por el exotismo (culturas y/o países ajenos a la cultura occidental cristiana) como por el pasado medieval. Y estos dos extremos convergen en Al-Andalus, favorito en las obras de José Zorrilla. 

2.1.- Leyendas de fondo histórico 

  • La princesa doña Luz
  • Historia de un español y dos franceses
  • El montero de Espinosa
  • La leyenda del Cid
  • Justicias del rey don Pedro
  • Los borceguíes de Enrique Segundo 
  • Una aventura de 1360
  • Príncipe y rey
  • El castillo de Waifro
  • La fe de Carlos el Calvo
  • El escultor y el duque
  • La leyenda de don Juan Tenorio, fragmento y germen de su exitosa obra teatral. 

2.2.- Leyendas de fondo tradicional  

  • Para verdades el tiempo y para justicia Dios
  • La historia de tres Avemarías
  • El capitán Montoya 
  • Las dos rosas 
  • El desafío del diablo 

2.3.- Leyendas fantásticas o novelescas 

  • La pasionaria
  • Dos rosas o dos rosales 
  • Los encantos de Merlín 

3.- Los poemas orientales 

  • Granada, publicado en París en 1852 en dos volúmenes. 
  • La sorpresa de Zahara
  • Al último rey moro de Granada, Boabdil el Chico
  • Leyenda del Muhamad Al-Hamar el Nayarita  

La importancia del teatro en las obras de Zorrilla 

Aquí llegó para obtener algo de ingresos adicionales explotando su talento. Y gracias a ello nos legó más de un título sublime más allá del Don Juan Tenorio. Anoto algunos. 

1.- Cada cual con su razón fue estrenada en 1839 y está ambientada en tiempos de Felipe IV. 

2.- Ganar perdiendo es del mismo año y se sitúa en el reinado de Carlos II. 

3.- Lealtad de una mujer y aventuras de una noche es de 1840. 

4.- Del mismo año es El zapatero y el rey de gran fama incluso hoy en día. Esta obra tiene una segunda parte estrenada dos años después, en 1842. 

3.- El eco del torrente también es de 1842 como Sancho García. 

4.- Un año más tarde se ponía en escena Sofronia. 

5.- De 1844 es la fecha de estreno de La copa de marfil y Don Juan Tenorio que hay que comentar aparte por su indudable importancia. 

6.- El puñal del godo de 1843 es otra de las memorables obras de José Zorrilla para teatro. 

7.- Del mismo tenor e importancia es Traidor, inconfeso y mártir de 1847.  

La importancia del Don Juan Tenorio de José Zorrilla  

La obra fue estrenada el 28 de marzo de 1844 en el Teatro de la Cruz de Madrid con notable éxito. A pesar de que toda ella tiene como hipotexto El Burlador de Sevilla de Tirso de Molina, el Don Juan Tenorio de José Zorrilla levanta un personaje tremendamente humano con un objetivo último de redención. Mientras que en el don Juan de Tirso nos encontramos ante un personaje inconsciente, egoísta y hedonista que va sembrando dolor sin mirar atrás, el del autor romántico busca la posibilidad de salvación.  

La obra tiene dos partes separadas por cinco años de distancia. La primera consta de cuatro actos y la segunda de tres. Ambas suceden en una sola noche. Esto es, la obra se desarrolla en solo dos noches distanciadas entre sí por cinco años. En la primera parte se plantea el carácter de don Juan quien es capaz no solo de robar en unas cuantas horas tanto a doña Inés como a doña Ana (casada con don Luis Mejía) sino también de dar muerte al padre de doña Inés y al marido de la otra señora. Huye y la desdichada amada muere de pena ante tal desatino.  

Sin embargo, en el segundo acto nos enteramos que doña Inés ha realizado una alianza divina intercediendo por el pecador don Juan. Pide una oportunidad de redención para su amado y ofrece la suya propia. Esto es, o se salvan los dos o se condenan los dos. Por eso, don Juan vuelve cinco años después a la tumba de doña Inés y es allí donde los espíritus del Comendador y de la desdichada joven luchan por llevárselo cada uno a su bando: la amada hacia el cielo y el padre herido hacia las penas del infierno. Triunfa el amor si a este final le podemos poner el calificativo de feliz. Y lo hace porque ha habido un arrepentimiento sincero por parte del protagonista. 

 

Y… siento que el corazón 

me halaga esta soledad.

¡Hermosa noche…! ¡Ay de mí!

¡Cuántas como ésta tan puras, 

en infames aventuras

desatinado perdí!

¡Cuántas, al mismo fulgor 

de esa luna transparente,

arranqué al algún inocente

la existencia o el honor!

Sí, después de tantos años 

cuyos recuerdos me espantan, 

siento que en mí se levantan

pensamientos en mí extraños. 

¡Oh! Acaso me los inspira

desde el cielo, en donde mora,

esa sombra protectora

que por mi mal no respira. 

El Don Juan Tenorio de José Zorrilla, en definitiva, a diferencia de otros burladores castellanos o europeos busca una posibilidad de redimir sus culpas por medio del arrepentimiento y el amor. Esto es, sus pecados pasados encuentran una posible justificación en el reconocimiento del dolor que han provocado. A la par busca un objetivo vital, aunque este se desarrolle más allá de la muerte. El honor mancillado que solo se puede lavar con sangre es tema recurrente en la dramaturgia patria (y no solo del Romanticismo en España) mientras que el gusto por los fantasmas se encuentra presente en la literatura de la época. Todo ello se conjuga con una versificación pasional y humana aceptando tanto las luces como las sombras. 

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

 

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Libros y palabras, poemas y cuentos, pausas y tertulias, recursos estilísticos, autores que nos inspiran, estilos que nos atrapan... Literatura de todos los tiempos y de todos los lugares que nos ayudan a viajar por el mundo. 

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Aunque la figura del burlador ya estaba presente en la literatura española (y también europea) fue el Don Juan Tenorio de José Zorrilla la obra que elevó al personaje a la categoría de mito universal. Y lo hace hermanándose con los otros tres grandes genios castellanos: La Celestina, Sancho Panza y Don Quijote.

Biografía de José Zorrilla 

Juventud y primeros años 

Nace en Valladolid el 21 de febrero de 1817  en el seno de una familia extremadamente tradicional y de tendencia política realista. Esto es, eran partidarios de la vuelta al absolutismo de la mano del infame Fernando VII. Era su padre superintendente de policía de normas estrictas e inflexibles tanto en el hogar como en la educación de los vástagos. Zorrilla estudió en el Seminario de los Nobles y, posteriormente, leyes en la universidades de Toledo y de Valladolid. Sin embargo, no solo no logró completar los estudios sino que abandonó el hogar familiar (en 1836) fugándose; hecho este que, de alguna manera u otra, incidiría en su carácter y en su obra. Son múltiples los datos que nos han llegado que apuntan a que nuestro escritor intentó en vano un acercamiento o reconciliación con su padre obteniendo siempre el desprecio por respuesta. Ese afán de conseguir la aprobación familiar quizás esté (de manera inconsciente) en el carácter del personaje y en el final de la obra que le ha hecho universal: Don Juan Tenorio. Adelanto que el personaje busca el perdón y este extremo es el que lo eleva a la categoría de mito humano universal.    

Seguimos con la biografía de José Zorrilla. Al abandonar la casa familiar se encuentra sin ningún paraguas económico y su vida en Madrid (donde recala en primera instancia) es, poco más o menos, la de un mendigo sostenido por amigos. Un hecho daría un giro radical a su existencia. El 13 de febrero de 1837, Mariano José de Larra ponía fin a su vida pegándose un tiro. A su entierro asiste lo más granado de las letras españolas y el joven Zorrilla es invitado a leer un poema. Fue tal la impresión entre los asistentes que, desde ese mismo momento, fue erigido y consagrado como el gran bardo de las letras de su tiempo. Esta consideración, de alguna manera u otra, explica su devenir vital posterior.  

La madurez azarosa de José Zorrilla 

La otra circunstancia fue un matrimonio nada meditado y poco sentido que le haría huir de las obligaciones conyugales refugiándose en el otro confín del mundo. Las nupcias tuvieron lugar en 1839 y la novia tenía 16 años más y un hijo adolescente admirador del poeta. Aunque, en un principio, la unión pareció acertada, muy pronto salieron a relucir los celos de la esposa que se hicieron insoportables para el poeta. Y encontró una salida en la huida. Primero visitó Francia e Inglaterra y por Europa andaba cuando fue nombrado en 1848 Académico de la Lengua. El sillón no fue ocupado hasta 1885 provisto de una pequeña renta.  

No conforme con estos kilómetros de por medio puso un vasto océano al asentarse en México en 1854.  Allí vivió doce años poco más o menos de la hospitalidad de admiradores y ricos mecenas. En tierras mexicanas asistió a la segunda intervención francesa y al corto reinado de Maximiliano (1864-1867) con el que trabó sincera amistad. Fue esta tanta que sintió profundamente su fusilamiento por las tropas revolucionarias. Durante estos años Zorrilla puso a prueba sus habilidades como jinete, tirador e, incluso, como aprendiz de médico.  

En 1866 regresa a España con el estado civil de viudo y tres años después se casa de nuevo con Juana Pacheco. La fama acrecentada de poeta y dramaturgo le abren las puertas a puestos gubernamentales que alivian en parte su maltrecha economía. A pesar de estos sinsabores, disfrutó de un reconocimiento sin igual entre los escritores y lectores de su tiempo. En 1889 se le concedió el honor de ser nombrado poeta nacional, título que se ganó por méritos propios sin mediar conspiraciones palaciegas o administrativas. Su entierro en 1893, tras un derrame cerebral, se realizó con toda la pompa institucional y seguido por multitud de admiradores. 

Zorrilla visto por Zorrilla 

Nunca he sido yo más que un vagabundo: 

yo soy el escritor de menos ciencia, 

el ingenio español menos profundo, 

el versificador menos profundo, 

flor sin aroma, frasco sin esencia, 

de sentido y de lógica vacía

no tal vez más que un son mi poesía.

 

Obras de José Zorrilla  

Fue prolijo casi al mismo nivel que las obras de Lope de Vega tratando géneros distintos, aunque entró en el canon universal gracias al verso y al teatro. El poeta logró en su extensa obra alargar las características del Romanticismo hasta una fecha en la que se había impuesto otros modelos artísticos: el realismo literario, el naturalismo y el simbolismo. Y lo hizo casi sin innovar o sin métodos vanguardistas. Se amoldó a los gustos del público que lo admiraba llevando a escena los temas favoritos populares: la patria con su caducado sentido del honor y una religión basada en la superstición alrededor de los milagros. Aunque no milita en partido alguno, sí lamenta la venta, el destrozo o el abandono de nuestro patrimonio artístico con dolor sincero. Esto último lo uniría con la posterior Generación del 68.  

Muy resumidamente tenemos la siguiente clasificación de las obras de Zorrilla. 

La obra poética de José Zorrrilla  

1.- Poesías líricas

  • Toledo
  • El Reló
  • Fragmentos a Catalina
  • Un recuerdo y un suspiro
  • La tarde de otoño 
  • A la estatua de Cervantes 
  • Indecisión 
  • Orientales
  • Gloria y orgull
  • El ángel exterminador

2.- Poesía narrativa siguiendo los modelos de las leyendas históricas  

En estas obras se regodea en el pasado musulmán (muy recreado) de la Península Ibérica. Llegados a este punto hay que recordar que el Romanticismo literario tiene preferencia tanto por el exotismo (culturas y/o países ajenos a la cultura occidental cristiana) como por el pasado medieval. Y estos dos extremos convergen en Al-Andalus, favorito en las obras de José Zorrilla. 

2.1.- Leyendas de fondo histórico 

  • La princesa doña Luz
  • Historia de un español y dos franceses
  • El montero de Espinosa
  • La leyenda del Cid
  • Justicias del rey don Pedro
  • Los borceguíes de Enrique Segundo 
  • Una aventura de 1360
  • Príncipe y rey
  • El castillo de Waifro
  • La fe de Carlos el Calvo
  • El escultor y el duque
  • La leyenda de don Juan Tenorio, fragmento y germen de su exitosa obra teatral. 

2.2.- Leyendas de fondo tradicional  

  • Para verdades el tiempo y para justicia Dios
  • La historia de tres Avemarías
  • El capitán Montoya 
  • Las dos rosas 
  • El desafío del diablo 

2.3.- Leyendas fantásticas o novelescas 

  • La pasionaria
  • Dos rosas o dos rosales 
  • Los encantos de Merlín 

3.- Los poemas orientales 

  • Granada, publicado en París en 1852 en dos volúmenes. 
  • La sorpresa de Zahara
  • Al último rey moro de Granada, Boabdil el Chico
  • Leyenda del Muhamad Al-Hamar el Nayarita  

La importancia del teatro en las obras de Zorrilla 

Aquí llegó para obtener algo de ingresos adicionales explotando su talento. Y gracias a ello nos legó más de un título sublime más allá del Don Juan Tenorio. Anoto algunos. 

1.- Cada cual con su razón fue estrenada en 1839 y está ambientada en tiempos de Felipe IV. 

2.- Ganar perdiendo es del mismo año y se sitúa en el reinado de Carlos II. 

3.- Lealtad de una mujer y aventuras de una noche es de 1840. 

4.- Del mismo año es El zapatero y el rey de gran fama incluso hoy en día. Esta obra tiene una segunda parte estrenada dos años después, en 1842. 

3.- El eco del torrente también es de 1842 como Sancho García. 

4.- Un año más tarde se ponía en escena Sofronia. 

5.- De 1844 es la fecha de estreno de La copa de marfil y Don Juan Tenorio que hay que comentar aparte por su indudable importancia. 

6.- El puñal del godo de 1843 es otra de las memorables obras de José Zorrilla para teatro. 

7.- Del mismo tenor e importancia es Traidor, inconfeso y mártir de 1847.  

La importancia del Don Juan Tenorio de José Zorrilla  

La obra fue estrenada el 28 de marzo de 1844 en el Teatro de la Cruz de Madrid con notable éxito. A pesar de que toda ella tiene como hipotexto El Burlador de Sevilla de Tirso de Molina, el Don Juan Tenorio de José Zorrilla levanta un personaje tremendamente humano con un objetivo último de redención. Mientras que en el don Juan de Tirso nos encontramos ante un personaje inconsciente, egoísta y hedonista que va sembrando dolor sin mirar atrás, el del autor romántico busca la posibilidad de salvación.  

La obra tiene dos partes separadas por cinco años de distancia. La primera consta de cuatro actos y la segunda de tres. Ambas suceden en una sola noche. Esto es, la obra se desarrolla en solo dos noches distanciadas entre sí por cinco años. En la primera parte se plantea el carácter de don Juan quien es capaz no solo de robar en unas cuantas horas tanto a doña Inés como a doña Ana (casada con don Luis Mejía) sino también de dar muerte al padre de doña Inés y al marido de la otra señora. Huye y la desdichada amada muere de pena ante tal desatino.  

Sin embargo, en el segundo acto nos enteramos que doña Inés ha realizado una alianza divina intercediendo por el pecador don Juan. Pide una oportunidad de redención para su amado y ofrece la suya propia. Esto es, o se salvan los dos o se condenan los dos. Por eso, don Juan vuelve cinco años después a la tumba de doña Inés y es allí donde los espíritus del Comendador y de la desdichada joven luchan por llevárselo cada uno a su bando: la amada hacia el cielo y el padre herido hacia las penas del infierno. Triunfa el amor si a este final le podemos poner el calificativo de feliz. Y lo hace porque ha habido un arrepentimiento sincero por parte del protagonista. 

 

Y… siento que el corazón 

me halaga esta soledad.

¡Hermosa noche…! ¡Ay de mí!

¡Cuántas como ésta tan puras, 

en infames aventuras

desatinado perdí!

¡Cuántas, al mismo fulgor 

de esa luna transparente,

arranqué al algún inocente

la existencia o el honor!

Sí, después de tantos años 

cuyos recuerdos me espantan, 

siento que en mí se levantan

pensamientos en mí extraños. 

¡Oh! Acaso me los inspira

desde el cielo, en donde mora,

esa sombra protectora

que por mi mal no respira. 

El Don Juan Tenorio de José Zorrilla, en definitiva, a diferencia de otros burladores castellanos o europeos busca una posibilidad de redimir sus culpas por medio del arrepentimiento y el amor. Esto es, sus pecados pasados encuentran una posible justificación en el reconocimiento del dolor que han provocado. A la par busca un objetivo vital, aunque este se desarrolle más allá de la muerte. El honor mancillado que solo se puede lavar con sangre es tema recurrente en la dramaturgia patria (y no solo del Romanticismo en España) mientras que el gusto por los fantasmas se encuentra presente en la literatura de la época. Todo ello se conjuga con una versificación pasional y humana aceptando tanto las luces como las sombras. 

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

 

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La obra teatral Don Álvaro o la fuerza del sino (1835) del Duque de Rivas (1791-1865) representa, junto con la Canción del pirata y El diablo mundo de José de Espronceda, el cenit del Romanticismo en España. En ella se concentran todos los parámetros a nivel europeo de este movimiento. Del gusto de la crítica, se ha estudiado en detalle distintos aspectos y se han levantado tesis incluso alrededor de la última palabra del título: sino. Adelanto que el término ha sido objeto de controversia, a veces enconadas, porque en él, de alguna manera u otra, reside el sentido último de la obra. Cuando fue llevada a escena, su autor, Ángel de Saavedra, ya tenía no solo recorrido literario sino también en el ámbito político. Tanto es así que su figura y nombre eran conocidos incluso en los ambientes de liberales europeos y exiliados españoles.  

Resumen argumental de Don Álvaro o la fuerza del sino del Duque de Rivas 

La obra comienza con los amores de don Alvaro y doña Leonor. El joven proviene de Las Indias y, desde el primer momento se le acusa de mestizo y de haber nacido en prisión. Esto provoca el rechazo de la muy aristocrática familia de su amada, que es hija del marqués de Calatrava. Este tiene, además, dos hijos varones criados en los valores tradicionales, inflexibles en la defensa del honor, la honra y el buen nombre familiar. 

Como los dos jóvenes están plenamente enamorados, deciden desobedecer el mandato paterno y escapar juntos. La mala fortuna (y de aquí los ríos de tinta que ha corrido al respecto de la palabra sino) hace acto de presencia en ese momento. Enterado el marqués de Calatrava de los planes de su hija se dispone a impedirlo. Sin embargo, en el rifirrafe (hasta ese momento verbal) se dispara por accidente la pistola de don Álvaro hiriendo de muerte al marqués, el cual aún le queda aliento para maldecir a su hija. Huye el joven y la muchacha, herida de pena y abrumada por la culpa, se dispone a expiar sus pecados viviendo como ermitaña en una cueva. 

Don Álvaro, que cree muerta a su amada, se enrola en los ejércitos italianos con la finalidad de buscar la muerte (eso sí bajo el manto de la honra). Sin embargo, hasta allí lo busca uno de los hermanos de Leonor dispuesto a lavar el buen nombre de la familia utilizando la sangre de nuestro protagonista. Lo reta. Pierde el duelo. Y otro miembro más del clan muere a manos de don Álvaro. Este, abrumado y acongojado, se dispone a llevar una vida religiosa con la intención de lavar sus pecados.  

Sin embargo, el otro hermano de doña Leonor sale en su búsqueda para enfrentarse a él. Da la casualidad que ambos hombres se encuentran justo al lado de la cueva donde hace penitencia doña Leonor. La joven sale al oír el tumulto y reconoce tanto al hermano como a su enamorado. Antes de ser herido de muerte, el hermano (maldiciendo a la joven), la mata para posteriormente acabar sucumbiendo. Ante este panorama de destrucción, a don Álvaro solo le queda el suicidio. Mientras suena el Miserere de los monjes del monasterio y truena una espantosa tormenta, se despeña con estas terroríficas palabras: 

DON ÁLVARO.-  Infierno, abre tu boca y trágame! ¡Húndase el cielo, perezca la raza humana; exterminio, destrucción...!  (Sube a lo más alto del monte y se precipita.)  

Fecha de composición y la controversia con Mérimée 

En la versión que encontramos en el Instituto Cervantes aparece la obra fechada en 1835 y emplazada en Madrid. Sin embargo, la crítica se ha enredado con este extremo. El asunto sí es de importancia ya que hay quienes acusaron al Duque de Rivas de plagio.  Sí ha quedado demostrado (como si de un asunto judicial se tratara) que existía una primera versión en 1832. Esta fue compuesta en Tours durante uno de los exilios de nuestro autor. La versificación estaría terminada para el año 1834 según palabras de Alcalá Galiano. Incluso Mesonero Romanos afirma haber asistido a una recitación particular con el tema en 1833. 

El desconcierto se alimenta de la temática y el tratamiento que siguen a pies juntillas los parámetros literarios del Romanticismo europeo. Un tanto de lo mismo pasó con la acogida inicial del público, acostumbrado aún a los modelos dramáticos del Barroco. Aún así, Don Álvaro o la fuerza del sino tuvo una buena acogida tanto en Madrid como en Valencia, plaza en la que estuvo en cartel desde 1835 hasta 1838.  

Sobre el término sino del título y el sentido último de la obra 

1.- Ríos de tinta han corrido sobre el término que, a la postre, explica el sentido último de la obra. La palabra sino tiene diferenciaciones semánticas y es aquí donde la crítica se ha entretenido en estas últimas décadas. Por un lado, se ha apuntado la procedencia griega de la misma. Por tanto, el personaje de don Álvaro (acosado por la muerte) estaría fatalmente predestinado por los hados. Este extremo, por tanto, niega incluso el sentir cristiano conducido por el libre albedrío.  

2.- Por otro lado, tenemos que todo el desarrollo temático, a poco que tengamos una lectura atenta, nos demuestra que no son hechos casuales, a excepción de la muerte del marqués, desencadenante de toda la trama. Cada uno de los actos de todos los personajes encuentran una respuesta lógica en su cosmovisión vital. Si los hermanos están obligados a lavar el honor de la familia (con la destrucción de Leonor de por medio), también al protagonista se le ha despojado de cualquier posibilidad de redención. Esto es, va sufriendo un acoso constante que le impide un estar en el mundo con cierto grado, si no de felicidad al menos de redención.  

3.- Las últimas interpretaciones de la crítica apuntan a un sentido simbólico en el que cada uno de los personajes representan una visión social. Don Álvaro pretende (con términos modernos) escalar en el ascensor social sin que, en principio, intuyamos motivos espurios. Sin embargo, los miembros varones de la casa de Calatrava son la simbolización perfecta de un Antiguo Régimen basado en unas apariencias destructivas.  

El Romanticismo literario en Don Álvaro o la fuerza del sino del Duque de Rivas

La obra, por su innovación en la época, no permaneció ajena a los espectadores, ya que estamos ante un género eminentemente dramático. En ella se despliegan todas las características del Romanticismo literario, las cuales podemos resumir en lo siguiente: 

1.- Hay un gusto por los sentimientos apasionados, extremos, destructivos y letales. En este sentido nada más tenemos que apuntar el destino de todos los implicados.

2.- La búsqueda de la libertad individual aparece por primera vez como tema principal no solo en las obras artísticas sino también a nivel político. 

3.- La naturaleza ya no es paisaje sino protagonista aportando significado al sentido último de la obra. En este extremo anotamos la aparición de la tormenta en la escena final de la obra. 

4.- Los choques y cambios sociales de la época del Romanticismo aparecen transparentados en el relato: la familia Calatrava, por un lado, con su afán por la reparación del honor (lee apariencia) frente al deseo de crecimiento a todos los niveles de don Álvaro. 

5.- En el fondo, subyace una crítica social hacia aquellos con comportamientos destructivos simplemente por mantener un estatus social que creen perdido. 

6.- Hay una búsqueda (aunque fallida) del amor en libertad. 

Don Álvaro o la fuerza del sino del Duque de Rivas continúa recibiendo acogida entre el público contemporáneo en los festivales de teatro clásico, tal cual sucede con las obras de Lope de Vega. Y todo ello cuando otros títulos de la época y siguiendo los mismos (o parecidos) modelos estilísticos no han superado las pruebas que exige el tiempo. 

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

 

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La obra teatral Don Álvaro o la fuerza del sino (1835) del Duque de Rivas (1791-1865) representa, junto con la Canción del pirata y El diablo mundo de José de Espronceda, el cenit del Romanticismo en España. En ella se concentran todos los parámetros a nivel europeo de este movimiento. Del gusto de la crítica, se ha estudiado en detalle distintos aspectos y se han levantado tesis incluso alrededor de la última palabra del título: sino. Adelanto que el término ha sido objeto de controversia, a veces enconadas, porque en él, de alguna manera u otra, reside el sentido último de la obra. Cuando fue llevada a escena, su autor, Ángel de Saavedra, ya tenía no solo recorrido literario sino también en el ámbito político. Tanto es así que su figura y nombre eran conocidos incluso en los ambientes de liberales europeos y exiliados españoles.  

Resumen argumental de Don Álvaro o la fuerza del sino del Duque de Rivas 

La obra comienza con los amores de don Alvaro y doña Leonor. El joven proviene de Las Indias y, desde el primer momento se le acusa de mestizo y de haber nacido en prisión. Esto provoca el rechazo de la muy aristocrática familia de su amada, que es hija del marqués de Calatrava. Este tiene, además, dos hijos varones criados en los valores tradicionales, inflexibles en la defensa del honor, la honra y el buen nombre familiar. 

Como los dos jóvenes están plenamente enamorados, deciden desobedecer el mandato paterno y escapar juntos. La mala fortuna (y de aquí los ríos de tinta que ha corrido al respecto de la palabra sino) hace acto de presencia en ese momento. Enterado el marqués de Calatrava de los planes de su hija se dispone a impedirlo. Sin embargo, en el rifirrafe (hasta ese momento verbal) se dispara por accidente la pistola de don Álvaro hiriendo de muerte al marqués, el cual aún le queda aliento para maldecir a su hija. Huye el joven y la muchacha, herida de pena y abrumada por la culpa, se dispone a expiar sus pecados viviendo como ermitaña en una cueva. 

Don Álvaro, que cree muerta a su amada, se enrola en los ejércitos italianos con la finalidad de buscar la muerte (eso sí bajo el manto de la honra). Sin embargo, hasta allí lo busca uno de los hermanos de Leonor dispuesto a lavar el buen nombre de la familia utilizando la sangre de nuestro protagonista. Lo reta. Pierde el duelo. Y otro miembro más del clan muere a manos de don Álvaro. Este, abrumado y acongojado, se dispone a llevar una vida religiosa con la intención de lavar sus pecados.  

Sin embargo, el otro hermano de doña Leonor sale en su búsqueda para enfrentarse a él. Da la casualidad que ambos hombres se encuentran justo al lado de la cueva donde hace penitencia doña Leonor. La joven sale al oír el tumulto y reconoce tanto al hermano como a su enamorado. Antes de ser herido de muerte, el hermano (maldiciendo a la joven), la mata para posteriormente acabar sucumbiendo. Ante este panorama de destrucción, a don Álvaro solo le queda el suicidio. Mientras suena el Miserere de los monjes del monasterio y truena una espantosa tormenta, se despeña con estas terroríficas palabras: 

DON ÁLVARO.-  Infierno, abre tu boca y trágame! ¡Húndase el cielo, perezca la raza humana; exterminio, destrucción...!  (Sube a lo más alto del monte y se precipita.)  

Fecha de composición y la controversia con Mérimée 

En la versión que encontramos en el Instituto Cervantes aparece la obra fechada en 1835 y emplazada en Madrid. Sin embargo, la crítica se ha enredado con este extremo. El asunto sí es de importancia ya que hay quienes acusaron al Duque de Rivas de plagio.  Sí ha quedado demostrado (como si de un asunto judicial se tratara) que existía una primera versión en 1832. Esta fue compuesta en Tours durante uno de los exilios de nuestro autor. La versificación estaría terminada para el año 1834 según palabras de Alcalá Galiano. Incluso Mesonero Romanos afirma haber asistido a una recitación particular con el tema en 1833. 

El desconcierto se alimenta de la temática y el tratamiento que siguen a pies juntillas los parámetros literarios del Romanticismo europeo. Un tanto de lo mismo pasó con la acogida inicial del público, acostumbrado aún a los modelos dramáticos del Barroco. Aún así, Don Álvaro o la fuerza del sino tuvo una buena acogida tanto en Madrid como en Valencia, plaza en la que estuvo en cartel desde 1835 hasta 1838.  

Sobre el término sino del título y el sentido último de la obra 

1.- Ríos de tinta han corrido sobre el término que, a la postre, explica el sentido último de la obra. La palabra sino tiene diferenciaciones semánticas y es aquí donde la crítica se ha entretenido en estas últimas décadas. Por un lado, se ha apuntado la procedencia griega de la misma. Por tanto, el personaje de don Álvaro (acosado por la muerte) estaría fatalmente predestinado por los hados. Este extremo, por tanto, niega incluso el sentir cristiano conducido por el libre albedrío.  

2.- Por otro lado, tenemos que todo el desarrollo temático, a poco que tengamos una lectura atenta, nos demuestra que no son hechos casuales, a excepción de la muerte del marqués, desencadenante de toda la trama. Cada uno de los actos de todos los personajes encuentran una respuesta lógica en su cosmovisión vital. Si los hermanos están obligados a lavar el honor de la familia (con la destrucción de Leonor de por medio), también al protagonista se le ha despojado de cualquier posibilidad de redención. Esto es, va sufriendo un acoso constante que le impide un estar en el mundo con cierto grado, si no de felicidad al menos de redención.  

3.- Las últimas interpretaciones de la crítica apuntan a un sentido simbólico en el que cada uno de los personajes representan una visión social. Don Álvaro pretende (con términos modernos) escalar en el ascensor social sin que, en principio, intuyamos motivos espurios. Sin embargo, los miembros varones de la casa de Calatrava son la simbolización perfecta de un Antiguo Régimen basado en unas apariencias destructivas.  

El Romanticismo literario en Don Álvaro o la fuerza del sino del Duque de Rivas

La obra, por su innovación en la época, no permaneció ajena a los espectadores, ya que estamos ante un género eminentemente dramático. En ella se despliegan todas las características del Romanticismo literario, las cuales podemos resumir en lo siguiente: 

1.- Hay un gusto por los sentimientos apasionados, extremos, destructivos y letales. En este sentido nada más tenemos que apuntar el destino de todos los implicados.

2.- La búsqueda de la libertad individual aparece por primera vez como tema principal no solo en las obras artísticas sino también a nivel político. 

3.- La naturaleza ya no es paisaje sino protagonista aportando significado al sentido último de la obra. En este extremo anotamos la aparición de la tormenta en la escena final de la obra. 

4.- Los choques y cambios sociales de la época del Romanticismo aparecen transparentados en el relato: la familia Calatrava, por un lado, con su afán por la reparación del honor (lee apariencia) frente al deseo de crecimiento a todos los niveles de don Álvaro. 

5.- En el fondo, subyace una crítica social hacia aquellos con comportamientos destructivos simplemente por mantener un estatus social que creen perdido. 

6.- Hay una búsqueda (aunque fallida) del amor en libertad. 

Don Álvaro o la fuerza del sino del Duque de Rivas continúa recibiendo acogida entre el público contemporáneo en los festivales de teatro clásico, tal cual sucede con las obras de Lope de Vega. Y todo ello cuando otros títulos de la época y siguiendo los mismos (o parecidos) modelos estilísticos no han superado las pruebas que exige el tiempo. 

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

 

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Ángel de Saavedra y Ramírez Baquedano, más conocido en la historia de la literatura como Duque de Rivas (1791-1865), es uno de los máximos representantes del Romanticismo en España. Comparte podio con Mariano José de Larra (en la prosa) y José de Espronceda (en el género poético). Conoció el éxito (mucho) en vida gracias a sus obras de teatro (que tuvieron una fantástica acogida por todo tipo de público). Y todo ello sin olvidar que también fueron apreciadas sus composiciones en verso, como El moro expósito. Su fama no se ha movido ni un ápice desde entonces. Compaginó su brillante carrera artística (admirada incluso por los intelectuales de algunos países europeos) con puestos políticos que le obligó al exilio más de una vez.  

La azarosa biografía del Duque de Rivas

Educación y años de juventud

Fueron tantos los títulos y cargos que atesoró que, incluso de bebé, ya fue condecorado. No podría explicarse esto sin conocer el origen aristocrático de su familia. Nació en Córdoba en 1791 y con seis meses ya tenía la cruz de Caballero de Justicia de la Orden de Malta. A los ocho años recibía el codiciado hábito de Santiago. Todo ello solo puede explicarse por la profunda influencia y poder que ejercía su clan que no dudó en buscar a maestros franceses para que recibiera la instrucción básica en casa. A los once años y hasta 1806 estudia en el Seminario de Nobles y, una vez se gradúa de la institución, se incorpora a la Guardia de Corps. Con sus compañeros estuvo involucrado tanto en los sucesos de Aranjuez como en la Guerra de la Independencia. Luchó defendiendo su país a pesar de su educación y cultura afrancesada. Fue herido en la Batalla de Talavera (1809) de cierta gravedad, aunque sin secuelas de importancia. Pasó el resto de la guerra en Cádiz realizando mapas para el gobierno.  

Con una breve escapada a París, su siguiente parada fue Sevilla, a partir de 1814. Aquí conoció a Alcalá Galiano y se inicia en la política ocupando, en primera instancia, el cargo de diputado por Córdoba en 1821. Sin embargo, el Trienio Liberal duraría bien poco y en 1823 Fernando VII da una vuelta de tuerca al absolutismo pasando por el paredón a todo aquel que consideraba enemigo. En la lista estaba nuestro protagonista, el Duque de Rivas. Tuvo que salir precipitadamente hacia Inglaterra tras una breve parada en Gibraltar. Gracias a sus buenos contactos pudo entrar en Italia a pesar de que existía un veto a los españoles. Tras varias peripecias por media Europa se casa. con Encarnación Cueto y Ortega (también de ilustre familia aristocrática) y se asienta en Malta, donde disfruta de paz y tranquilidad. Allí nacieron sus hijos y vivió hasta 1830. 

La biografía del Duque de Rivas tras la muerte de Fernando VII  

Tras la muerte de Fernando VII (en 1833), como otros exiliados, pudo regresar a España. Recibe el título de Duque de Rivas por el que es conocido en la historia de la literatura tras el fallecimiento repentino de su hermano mayor. Formó parte del gobierno de Istúriz y… vuelta al exilio en 1835. En esta ocasión tuvo que embarcar en Lisboa, con otra parada en Gibraltar. Los vaivenes políticos de la España del siglo XIX eran de tal calado que el Duque de Rivas, sin embargo, pudo jurar la Constitución de 1837, la que instauró la Monarquía constitucional. A partir de esa fecha vive en Sevilla aunque es nombrado senador por Cádiz. Ocupa un sillón en la Academia de la Lengua a partir de 1846. Su actividad política no termina aquí ya que, posteriormente, fue nombrado embajador en Nápoles y, tras su regreso, en 1853, miembro de la Real Academia de la Historia. 

En 1854 tiene lugar su breve (por horas) Jefatura del Gobierno y posteriormente en 1856 es nombrado embajador en París ante Napoleón III, cargo que mantiene hasta 1860. Su currículum no se detiene y aún le quedaría algunos cargos y honores más, como la presidencia de la Real Academia y la distinción con el Toisón de Oro a manos de Isabel II. Muere en Madrid el 22 de junio de 1865.  

Obras del Duque de Rivas 

Paralelamente a esta frenética actividad política, social e institucional levanta una obra ingente, reconocida y aclamada siguiendo los gustos y modelos del Romanticismo literario. Resumo su producción según el siguiente esquema:  

1.- La lírica del destierro caracterizada por el tono épico narrativo  

  • El poema El desterrado compuesto en el mar camino de Inglaterra.
  • El sueño del proscrito
  • El faro de Malta 
  • La sombra del trovador  

2.- Composiciones de su época sevillana  

  • A Don José Zorrilla
  • La catedral de Sevilla
  • La cancela
  • Un buen consejo
  • A un arroyo
  • La asonada 
  • La aparición de la Mergelina 
  • Fantasía nocturna, considerada la mejor composición de esta época. 

3.- Poesía narrativa del Duque de Rivas

El largo poema en cinco cantos y en octavas de título Florinda

4.- El moro expósito, la obra del Duque de Rivas que recrea la Edad Media española 

Una de las características del Romanticismo es su gusto por las épocas pasadas que son recreadas por los escritores con libertad imaginativa. También se entretienen en narrar amores truculentos e imposibles que acaban irremediable en drama y muerte. Y bajo estos parámetros hay que entender El moro expósito (publicada en 1844), la obra del Duque de Rivas que le abrió las puertas de la fama literaria. De hecho, críticos hay que encuentran entre sus versos reminiscencias de la poética de Homero. El texto nos sumerge en la tragedia de los siete Infantes de Lara. Sin embargo, no describe el asesinato de los hermanos y se recrea en los amores de Gonzalo Gustios (el padre de los jóvenes) con Zahira, princesa musulmana. De esta unión nace Mudarra, que vive y se comporta sin saber quienes son sus padres y el legado familiar (con sus cargas de honor) que hay detrás. 

La obra se debate en la dualidad tan del gusto del poeta romántico, en los contrastes y en el exotismo pasado personificado en esos choques entre culturas distintas (la cristiana y la musulmana).   

5.-  Los romances históricos, entre las obras del Duque de Rivas más conseguidas a nivel estilístico 

Fueron publicados en 1841 y los relatos abarcan la época que va desde el siglo XIV hasta hechos contemporáneos del autor. Vuelvo al esquema: 

5.1.- Dedicados a Pedro el Cruel

  • Una antigualla de Sevilla
  • El Alcázar de Sevilla
  • El fratricidio  

5.2.- Situados en la época de Carlos I

  • Un embajador español 
  • La muerte de un caballero 
  • Amor, honor y valor 
  • La victoria de Pavía  

5.3.- Dedicados a la corte de los Austrias 

  • El solemne desengaño 
  • Un castellano leal 
  • Una noche en Madrid en 1578 
  • El conde de Villamediana 

5.4.- Hechos alrededor del Descubrimiento de América

  • Recuerdos de un gran hombre
  • La buenaventura  

5.5.- Dedicados a  la Guerra de la Independencia en la cual participó el Duque de Rivas 

  • Bailén 
  • La vuelta deseada
  • El sombrerero
  • El cuento de un veterano

6.- Las leyendas 

Estas obras del Duque de Rivas siguen el esquema de poemas narrativos y fueron publicadas en 1854. Son tres: 

  • La azucena milagrosa
  • Maldonado 
  • El aniversario 

7.- Obras teatrales del Duque de Rivas  

  • Ataúlfo compuesta en 1814, actualmente perdida.
  • Doña Blanca de 1815, también está perdida.
  • Aliatar (1816)
  • El duque de Aquitania (1817) 
  • Malek-Adehel (1818)
  • Lanuza (1823) fue representada con bastante éxito y, posteriormente, censurada por sus críticas al sistema monárquico absolutista. 
  • Arias Gonzalo (1827)
  • Tanto vales cuanto tienes (1827)

8.- Don Álvaro o la fuerza del sino, la obra del Duque de Rivas por la que ha pasado al canon

Fue compuesta en Tours en 1832 y desde el principio hubo problemas con la misma y choques por la autenticidad con Próspero Mérimée. A pesar de toda esta controversia y el ruido mediático de la época, la crítica actual no duda (tras haber escudriñado ambos textos palabra por palabra casi) de su originalidad.

Estamos ante un texto eminentemente romántico en el que se tratan todos los elementos propios de la estilística de la época. Hay un gusto por las ruinas, los cementerios, la naturaleza desbocada (tormentas), el drama amoroso y la muerte como única salida. La obra nos presenta a don Álvaro, un indiano desconocido enamorado de doña Leonor, hija del marqués de Calatrava. Cuando los amantes se disponen a fugarse, por error don Álvaro mata al marqués. La joven, para purgar este hecho, se retira en penitencia a una cueva mientras el protagonista (creyéndola muerta) se refugia en la guerra de Italia donde da muerte al primero de los hermanos del clan Calatrava. A su regreso, se enfrenta al otro de los hermanos de su enamorada al lado de la cueva donde malvive doña Inés. El final es trágico con la muerte de todos, incluido don Álvaro que se decide por el suicidio al interiorizar que va sembrando dolor y destrucción entre todos aquellos a los que ama. El desenlace se presenta al más puro estilo del Romanticismo literario: con una tormenta y el canto del Miserere mientras el desgraciado se despeña buscando la muerte. 

9.- Las últimas obras teatrales

  • Solaces de un prisionero o Tres noches de Madrid
  • El crisol de la lealtad
  • El desengaño en un sueño
  • El parador de Bailén

Aunque El moro expósito tuvo un notable éxito en la época fueron las obras para teatro las que encumbraron al Duque de Rivas, incluso fuera de las fronteras españolas. A pesar de su azarosa vida (con destierros y hasta condenas a muerte de por medio), hasta esta época fue uno de los pocos literatos españoles (junto con Pedro Calderón de la Barca) que tuvo tanto el favor del público como de los entendidos. Don Álvaro o la fuerza del sino sigue representándose (como las obras de Lope de Vega) en los festivales clásicos contemporáneos sin perder un ápice el valor literario que demostró en su estreno.

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

 

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Ángel de Saavedra y Ramírez Baquedano, más conocido en la historia de la literatura como Duque de Rivas (1791-1865), es uno de los máximos representantes del Romanticismo en España. Comparte podio con Mariano José de Larra (en la prosa) y José de Espronceda (en el género poético). Conoció el éxito (mucho) en vida gracias a sus obras de teatro (que tuvieron una fantástica acogida por todo tipo de público). Y todo ello sin olvidar que también fueron apreciadas sus composiciones en verso, como El moro expósito. Su fama no se ha movido ni un ápice desde entonces. Compaginó su brillante carrera artística (admirada incluso por los intelectuales de algunos países europeos) con puestos políticos que le obligó al exilio más de una vez.  

La azarosa biografía del Duque de Rivas

Educación y años de juventud

Fueron tantos los títulos y cargos que atesoró que, incluso de bebé, ya fue condecorado. No podría explicarse esto sin conocer el origen aristocrático de su familia. Nació en Córdoba en 1791 y con seis meses ya tenía la cruz de Caballero de Justicia de la Orden de Malta. A los ocho años recibía el codiciado hábito de Santiago. Todo ello solo puede explicarse por la profunda influencia y poder que ejercía su clan que no dudó en buscar a maestros franceses para que recibiera la instrucción básica en casa. A los once años y hasta 1806 estudia en el Seminario de Nobles y, una vez se gradúa de la institución, se incorpora a la Guardia de Corps. Con sus compañeros estuvo involucrado tanto en los sucesos de Aranjuez como en la Guerra de la Independencia. Luchó defendiendo su país a pesar de su educación y cultura afrancesada. Fue herido en la Batalla de Talavera (1809) de cierta gravedad, aunque sin secuelas de importancia. Pasó el resto de la guerra en Cádiz realizando mapas para el gobierno.  

Con una breve escapada a París, su siguiente parada fue Sevilla, a partir de 1814. Aquí conoció a Alcalá Galiano y se inicia en la política ocupando, en primera instancia, el cargo de diputado por Córdoba en 1821. Sin embargo, el Trienio Liberal duraría bien poco y en 1823 Fernando VII da una vuelta de tuerca al absolutismo pasando por el paredón a todo aquel que consideraba enemigo. En la lista estaba nuestro protagonista, el Duque de Rivas. Tuvo que salir precipitadamente hacia Inglaterra tras una breve parada en Gibraltar. Gracias a sus buenos contactos pudo entrar en Italia a pesar de que existía un veto a los españoles. Tras varias peripecias por media Europa se casa. con Encarnación Cueto y Ortega (también de ilustre familia aristocrática) y se asienta en Malta, donde disfruta de paz y tranquilidad. Allí nacieron sus hijos y vivió hasta 1830. 

La biografía del Duque de Rivas tras la muerte de Fernando VII  

Tras la muerte de Fernando VII (en 1833), como otros exiliados, pudo regresar a España. Recibe el título de Duque de Rivas por el que es conocido en la historia de la literatura tras el fallecimiento repentino de su hermano mayor. Formó parte del gobierno de Istúriz y… vuelta al exilio en 1835. En esta ocasión tuvo que embarcar en Lisboa, con otra parada en Gibraltar. Los vaivenes políticos de la España del siglo XIX eran de tal calado que el Duque de Rivas, sin embargo, pudo jurar la Constitución de 1837, la que instauró la Monarquía constitucional. A partir de esa fecha vive en Sevilla aunque es nombrado senador por Cádiz. Ocupa un sillón en la Academia de la Lengua a partir de 1846. Su actividad política no termina aquí ya que, posteriormente, fue nombrado embajador en Nápoles y, tras su regreso, en 1853, miembro de la Real Academia de la Historia. 

En 1854 tiene lugar su breve (por horas) Jefatura del Gobierno y posteriormente en 1856 es nombrado embajador en París ante Napoleón III, cargo que mantiene hasta 1860. Su currículum no se detiene y aún le quedaría algunos cargos y honores más, como la presidencia de la Real Academia y la distinción con el Toisón de Oro a manos de Isabel II. Muere en Madrid el 22 de junio de 1865.  

Obras del Duque de Rivas 

Paralelamente a esta frenética actividad política, social e institucional levanta una obra ingente, reconocida y aclamada siguiendo los gustos y modelos del Romanticismo literario. Resumo su producción según el siguiente esquema:  

1.- La lírica del destierro caracterizada por el tono épico narrativo  

  • El poema El desterrado compuesto en el mar camino de Inglaterra.
  • El sueño del proscrito
  • El faro de Malta 
  • La sombra del trovador  

2.- Composiciones de su época sevillana  

  • A Don José Zorrilla
  • La catedral de Sevilla
  • La cancela
  • Un buen consejo
  • A un arroyo
  • La asonada 
  • La aparición de la Mergelina 
  • Fantasía nocturna, considerada la mejor composición de esta época. 

3.- Poesía narrativa del Duque de Rivas

El largo poema en cinco cantos y en octavas de título Florinda

4.- El moro expósito, la obra del Duque de Rivas que recrea la Edad Media española 

Una de las características del Romanticismo es su gusto por las épocas pasadas que son recreadas por los escritores con libertad imaginativa. También se entretienen en narrar amores truculentos e imposibles que acaban irremediable en drama y muerte. Y bajo estos parámetros hay que entender El moro expósito (publicada en 1844), la obra del Duque de Rivas que le abrió las puertas de la fama literaria. De hecho, críticos hay que encuentran entre sus versos reminiscencias de la poética de Homero. El texto nos sumerge en la tragedia de los siete Infantes de Lara. Sin embargo, no describe el asesinato de los hermanos y se recrea en los amores de Gonzalo Gustios (el padre de los jóvenes) con Zahira, princesa musulmana. De esta unión nace Mudarra, que vive y se comporta sin saber quienes son sus padres y el legado familiar (con sus cargas de honor) que hay detrás. 

La obra se debate en la dualidad tan del gusto del poeta romántico, en los contrastes y en el exotismo pasado personificado en esos choques entre culturas distintas (la cristiana y la musulmana).   

5.-  Los romances históricos, entre las obras del Duque de Rivas más conseguidas a nivel estilístico 

Fueron publicados en 1841 y los relatos abarcan la época que va desde el siglo XIV hasta hechos contemporáneos del autor. Vuelvo al esquema: 

5.1.- Dedicados a Pedro el Cruel

  • Una antigualla de Sevilla
  • El Alcázar de Sevilla
  • El fratricidio  

5.2.- Situados en la época de Carlos I

  • Un embajador español 
  • La muerte de un caballero 
  • Amor, honor y valor 
  • La victoria de Pavía  

5.3.- Dedicados a la corte de los Austrias 

  • El solemne desengaño 
  • Un castellano leal 
  • Una noche en Madrid en 1578 
  • El conde de Villamediana 

5.4.- Hechos alrededor del Descubrimiento de América

  • Recuerdos de un gran hombre
  • La buenaventura  

5.5.- Dedicados a  la Guerra de la Independencia en la cual participó el Duque de Rivas 

  • Bailén 
  • La vuelta deseada
  • El sombrerero
  • El cuento de un veterano

6.- Las leyendas 

Estas obras del Duque de Rivas siguen el esquema de poemas narrativos y fueron publicadas en 1854. Son tres: 

  • La azucena milagrosa
  • Maldonado 
  • El aniversario 

7.- Obras teatrales del Duque de Rivas  

  • Ataúlfo compuesta en 1814, actualmente perdida.
  • Doña Blanca de 1815, también está perdida.
  • Aliatar (1816)
  • El duque de Aquitania (1817) 
  • Malek-Adehel (1818)
  • Lanuza (1823) fue representada con bastante éxito y, posteriormente, censurada por sus críticas al sistema monárquico absolutista. 
  • Arias Gonzalo (1827)
  • Tanto vales cuanto tienes (1827)

8.- Don Álvaro o la fuerza del sino, la obra del Duque de Rivas por la que ha pasado al canon

Fue compuesta en Tours en 1832 y desde el principio hubo problemas con la misma y choques por la autenticidad con Próspero Mérimée. A pesar de toda esta controversia y el ruido mediático de la época, la crítica actual no duda (tras haber escudriñado ambos textos palabra por palabra casi) de su originalidad.

Estamos ante un texto eminentemente romántico en el que se tratan todos los elementos propios de la estilística de la época. Hay un gusto por las ruinas, los cementerios, la naturaleza desbocada (tormentas), el drama amoroso y la muerte como única salida. La obra nos presenta a don Álvaro, un indiano desconocido enamorado de doña Leonor, hija del marqués de Calatrava. Cuando los amantes se disponen a fugarse, por error don Álvaro mata al marqués. La joven, para purgar este hecho, se retira en penitencia a una cueva mientras el protagonista (creyéndola muerta) se refugia en la guerra de Italia donde da muerte al primero de los hermanos del clan Calatrava. A su regreso, se enfrenta al otro de los hermanos de su enamorada al lado de la cueva donde malvive doña Inés. El final es trágico con la muerte de todos, incluido don Álvaro que se decide por el suicidio al interiorizar que va sembrando dolor y destrucción entre todos aquellos a los que ama. El desenlace se presenta al más puro estilo del Romanticismo literario: con una tormenta y el canto del Miserere mientras el desgraciado se despeña buscando la muerte. 

9.- Las últimas obras teatrales

  • Solaces de un prisionero o Tres noches de Madrid
  • El crisol de la lealtad
  • El desengaño en un sueño
  • El parador de Bailén

Aunque El moro expósito tuvo un notable éxito en la época fueron las obras para teatro las que encumbraron al Duque de Rivas, incluso fuera de las fronteras españolas. A pesar de su azarosa vida (con destierros y hasta condenas a muerte de por medio), hasta esta época fue uno de los pocos literatos españoles (junto con Pedro Calderón de la Barca) que tuvo tanto el favor del público como de los entendidos. Don Álvaro o la fuerza del sino sigue representándose (como las obras de Lope de Vega) en los festivales clásicos contemporáneos sin perder un ápice el valor literario que demostró en su estreno.

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

 

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La Canción del pirata de José de Espronceda (1808-1842) es uno de los poemas más representativos del Romanticismo en España. Apareció publicada en 1835 en la revista El Artista y posteriormente fue incluida en la edición de las obras del poeta de 1840. En este puñado de versos no solo encontramos buena parte de las características del Romanticismo sino también se transparenta la personalidad del escritor. En este sentido, tengo que comenzar diciendo que es quizás el primer texto literario en lengua española en el que se apela a la libertad como bien supremo. A la par, la naturaleza se convierte casi en protagonista junto con un prototipo social marginado en extremo. Este le sirve al poeta para poner de manifiesto todas las contradicciones y choques de la constreñida vida burguesa que comenzaba a abrirse paso en los albores del capitalismo industrial. 

Canción del pirata de José de Espronceda, texto completo 

Con diez cañones por banda,
viento en popa, a toda vela,
no corta el mar, sino vuela,
mi velero bergantín:
Bajel pirata que llaman,
por su bravura, el Temido,
en todo mar conocido,
del uno al otro confín.

La luna en el mar riela,
en la lona gime el viento,
y alza en blando movimiento
olas de plata y azul;
y ve el capitán pirata,
cantando alegre en la popa,
Asia a un lado, al otro Europa,
y allá a su frente Estambul: 


Navega, velero mío,
sin temor,
que ni enemigo navío
ni tormenta, ni bonanza
tu rumbo a torcer alcanza,
ni a sujetar tu valor. 

 

Veinte presas
hemos hecho
a despecho
del inglés,
y han rendido
sus pendones
cien naciones
a mis pies.

Que es mi barco mi tesoro,
Que es mi Dios la libertad,
Mi ley, la fuerza y el viento,
Mi única patria, la mar.

Allá muevan feroz guerra,
ciegos reyes
por un palmo más de tierra;
que yo tengo aquí por mío
cuanto abarca el mar bravío,
a quien nadie impuso leyes.

Y no hay playa,
sea cualquiera,
ni bandera
de esplendor,
que no sienta
mi derecho
y dé pecho
a mi valor. 

 

Que es mi barco mi tesoro,
que es mi dios la libertad,
mi ley, la fuerza y el viento,
mi única patria, la mar.

A la voz de «¡barco viene!»
es de ver
como vira y se previene,
a todo trapo a escapar;
que yo soy el rey del mar,
y mi furia es de temer.

En las presas
yo divido
lo cogido
por igual;
solo quiero
por riqueza
la belleza
sin rival.

Que es mi barco mi tesoro,
Que es mi dios la libertad,
Mi ley, la fuerza y el viento,
Mi única patria, la mar.

¡Sentenciado estoy a muerte!
Yo me río;
no me abandone la suerte,
y al mismo que me condena,
colgaré de alguna antena,
quizá en su propio navío.

Y si caigo,
¿qué es la vida?
Por perdida
ya la di,
cuando el yugo
del esclavo,
como un bravo,
sacudí.

Que es mi barco mi tesoro,
Que es mi dios la libertad,
Mi ley, la fuerza y el viento,
Mi única patria, la mar.

Son mi música mejor
aquilones,
el estrépito y temblor
de los cables sacudidos,
del negro mar los bramidos
y el rugir de mis cañones.

Y del trueno
al son violento,
y del viento
al rebramar,
yo me duermo
sosegado,
arrullado
por la mar.

Que es mi barco mi tesoro,
que es mi dios la libertad,
mi ley, la fuerza y el viento,
mi única patria, la mar. 

Análisis y comentario básico de Canción del pirata de José de Espronceda 

1.- En cuanto a los tropos y las rimas 

El texto al completo no sigue las características de una sola estrofa y en el mismo se combinan las octavillas, las octavillas de cuatro sílabas, las cuartetas (en el estribillo repetitivo) y las sextinas. Las rimas en consonante son muy marcadas ayudando a generar un ritmo trepidante y altamente sonoro: violento-viento; sacudidos-bramidos; aquilones-cañones; tierra-guerra… Y todo ello utilizando también la rima en asonante: libertad-mar. A pesar de esta combinación estrófica y métrica, el poema mantiene una uniformidad tan rítmica que puede, incluso, ser musicado.  

2.- La fuerza temática se consigue eliminando la adjetivación  

Y esto es una constante en la obra poética de Espronceda que en la Canción del pirata llega a un extremo máximo. Los sentidos de avance, fuerza e intrepidez no solo se consiguen utilizando vocablos de esta línea semántica (bravío, violento, tormenta, libertad…) sino también renunciando a cualquier adjetivo. En el poema solo existen verbos, sustantivos, los artículos necesarios y mínimas conjunciones. Las frases son cortas, certeras, sin subordinaciones. Renuncia a metáforas y recursos estilísticos rebuscados. Todo lo contrario: se busca la simpleza y la sencillez extrema. Todo ello contribuye al ritmo intrépido y a seguir la lectura con la misma rapidez tal cual se nos antoja la vida del pirata. Nada se interpone entre las palabras del protagonista y el receptor del poema. El mensaje llega directo y certero al corazón del lector.  

3.- Características del Romanticismo en la Canción del pirata

Hasta inicios del siglo XIX, la literatura se había forjado (con sus matices por supuesto) siempre teniendo presente la tradición. Llegado el Romanticismo este concepto salta por los aires y se invoca, por primera vez en arte, la libertad, la originalidad artística y la genialidad. Paralelamente, se buscan nuevos mundos posibles que se antojan situados en un plano distinto al de la realidad tangible y cotidiana. Por eso, hay un gusto por los cementerios, las ánimas y las referencias a la muerte. Todo ello se adoba con un tratamiento de la naturaleza inédito hasta ese momento. Así, el paisaje deja de ser mero decorado para convertirse en protagonista.  

Tal como estamos viendo, la Canción del pirata se regodea (siguiendo estos parámetros) con una forma de vida fuera de cualquier frontera social. Y en este sentido (hago el inciso) se encuentran otros poemas de Espronceda, como El diablo mundo. El pirata no se ajusta a ninguna norma social y desafía constantemente las leyes de los hombres al buscar la felicidad mediante una forma de vida fuera de cualquier cliché preestablecido. La libertad es la bandera y guía, tal como se reitera en el repetitivo estribillo. Y su mundo se desarrolla en un espacio natural (el del mar indomable) alejado incluso de las imposiciones de la civilización. Todas estas características están presentes en los escritores románticos y  son ensalzadas en aquellos (como nuestro protagonista) que se manejaron en una vida de rebeldía política.  

4.- Los valores del Romanticismo en la Canción del pirata

Enarbolando la bandera de la libertad (en un marco natural) nos encontramos también el recurso al exotismo, del que echan mano constantemente los escritores de la época. Entendemos este como el uso de personajes ajenos a los clichés sociales y siempre en búsqueda de un modo de vida que no puede satisfacerse con el sistema establecido. Es frecuente, así, echar mano de protagonistas que viven en países fuera del área cultural europeo, vagabundos, tipos transfronterizos espiritualmente, bandidos, revolucionarios, trotamundos… Y aquí el pirata nos habla de otra forma de vida radicalmente distinta sin importar que la suya sea al margen de la ley. Y la alaba con plena consciencia (ya que no teme a que lo atrapen y lo condenen) eligiéndola con gusto. No estamos ante un forajido que huye sino ante alguien que seduce, convence y se enfrenta con convicción a las normas.  

Y por último, la Canción del pirata de José de Espronceda se unifica por ese repetitivo estribillo en el que se concentran (como píldoras) todos los temas de un movimiento (el romántico) que avanzaba hacia mundo posibles, a veces subversivos. Por primera vez en la literatura española se abandona cualquier sentimiento religioso, patriótico o cívico para ensalzar la libertad personal. La individualidad (bajo los parámetros de la época) solo podía ser leída como una transgresión. En este sentido, el poeta no puede acertar mejor al elegir a un pirata como protagonista, el mismo que canta una canción que nos lleva por los mares de la felicidad. 

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

 

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Libros y palabras, poemas y cuentos, pausas y tertulias, recursos estilísticos, autores que nos inspiran, estilos que nos atrapan... Literatura de todos los tiempos y de todos los lugares que nos ayudan a viajar por el mundo. 

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La Canción del pirata de José de Espronceda (1808-1842) es uno de los poemas más representativos del Romanticismo en España. Apareció publicada en 1835 en la revista El Artista y posteriormente fue incluida en la edición de las obras del poeta de 1840. En este puñado de versos no solo encontramos buena parte de las características del Romanticismo sino también se transparenta la personalidad del escritor. En este sentido, tengo que comenzar diciendo que es quizás el primer texto literario en lengua española en el que se apela a la libertad como bien supremo. A la par, la naturaleza se convierte casi en protagonista junto con un prototipo social marginado en extremo. Este le sirve al poeta para poner de manifiesto todas las contradicciones y choques de la constreñida vida burguesa que comenzaba a abrirse paso en los albores del capitalismo industrial. 

Canción del pirata de José de Espronceda, texto completo 

Con diez cañones por banda,
viento en popa, a toda vela,
no corta el mar, sino vuela,
mi velero bergantín:
Bajel pirata que llaman,
por su bravura, el Temido,
en todo mar conocido,
del uno al otro confín.

La luna en el mar riela,
en la lona gime el viento,
y alza en blando movimiento
olas de plata y azul;
y ve el capitán pirata,
cantando alegre en la popa,
Asia a un lado, al otro Europa,
y allá a su frente Estambul: 


Navega, velero mío,
sin temor,
que ni enemigo navío
ni tormenta, ni bonanza
tu rumbo a torcer alcanza,
ni a sujetar tu valor. 

 

Veinte presas
hemos hecho
a despecho
del inglés,
y han rendido
sus pendones
cien naciones
a mis pies.

Que es mi barco mi tesoro,
Que es mi Dios la libertad,
Mi ley, la fuerza y el viento,
Mi única patria, la mar.

Allá muevan feroz guerra,
ciegos reyes
por un palmo más de tierra;
que yo tengo aquí por mío
cuanto abarca el mar bravío,
a quien nadie impuso leyes.

Y no hay playa,
sea cualquiera,
ni bandera
de esplendor,
que no sienta
mi derecho
y dé pecho
a mi valor. 

 

Que es mi barco mi tesoro,
que es mi dios la libertad,
mi ley, la fuerza y el viento,
mi única patria, la mar.

A la voz de «¡barco viene!»
es de ver
como vira y se previene,
a todo trapo a escapar;
que yo soy el rey del mar,
y mi furia es de temer.

En las presas
yo divido
lo cogido
por igual;
solo quiero
por riqueza
la belleza
sin rival.

Que es mi barco mi tesoro,
Que es mi dios la libertad,
Mi ley, la fuerza y el viento,
Mi única patria, la mar.

¡Sentenciado estoy a muerte!
Yo me río;
no me abandone la suerte,
y al mismo que me condena,
colgaré de alguna antena,
quizá en su propio navío.

Y si caigo,
¿qué es la vida?
Por perdida
ya la di,
cuando el yugo
del esclavo,
como un bravo,
sacudí.

Que es mi barco mi tesoro,
Que es mi dios la libertad,
Mi ley, la fuerza y el viento,
Mi única patria, la mar.

Son mi música mejor
aquilones,
el estrépito y temblor
de los cables sacudidos,
del negro mar los bramidos
y el rugir de mis cañones.

Y del trueno
al son violento,
y del viento
al rebramar,
yo me duermo
sosegado,
arrullado
por la mar.

Que es mi barco mi tesoro,
que es mi dios la libertad,
mi ley, la fuerza y el viento,
mi única patria, la mar. 

Análisis y comentario básico de Canción del pirata de José de Espronceda 

1.- En cuanto a los tropos y las rimas 

El texto al completo no sigue las características de una sola estrofa y en el mismo se combinan las octavillas, las octavillas de cuatro sílabas, las cuartetas (en el estribillo repetitivo) y las sextinas. Las rimas en consonante son muy marcadas ayudando a generar un ritmo trepidante y altamente sonoro: violento-viento; sacudidos-bramidos; aquilones-cañones; tierra-guerra… Y todo ello utilizando también la rima en asonante: libertad-mar. A pesar de esta combinación estrófica y métrica, el poema mantiene una uniformidad tan rítmica que puede, incluso, ser musicado.  

2.- La fuerza temática se consigue eliminando la adjetivación  

Y esto es una constante en la obra poética de Espronceda que en la Canción del pirata llega a un extremo máximo. Los sentidos de avance, fuerza e intrepidez no solo se consiguen utilizando vocablos de esta línea semántica (bravío, violento, tormenta, libertad…) sino también renunciando a cualquier adjetivo. En el poema solo existen verbos, sustantivos, los artículos necesarios y mínimas conjunciones. Las frases son cortas, certeras, sin subordinaciones. Renuncia a metáforas y recursos estilísticos rebuscados. Todo lo contrario: se busca la simpleza y la sencillez extrema. Todo ello contribuye al ritmo intrépido y a seguir la lectura con la misma rapidez tal cual se nos antoja la vida del pirata. Nada se interpone entre las palabras del protagonista y el receptor del poema. El mensaje llega directo y certero al corazón del lector.  

3.- Características del Romanticismo en la Canción del pirata

Hasta inicios del siglo XIX, la literatura se había forjado (con sus matices por supuesto) siempre teniendo presente la tradición. Llegado el Romanticismo este concepto salta por los aires y se invoca, por primera vez en arte, la libertad, la originalidad artística y la genialidad. Paralelamente, se buscan nuevos mundos posibles que se antojan situados en un plano distinto al de la realidad tangible y cotidiana. Por eso, hay un gusto por los cementerios, las ánimas y las referencias a la muerte. Todo ello se adoba con un tratamiento de la naturaleza inédito hasta ese momento. Así, el paisaje deja de ser mero decorado para convertirse en protagonista.  

Tal como estamos viendo, la Canción del pirata se regodea (siguiendo estos parámetros) con una forma de vida fuera de cualquier frontera social. Y en este sentido (hago el inciso) se encuentran otros poemas de Espronceda, como El diablo mundo. El pirata no se ajusta a ninguna norma social y desafía constantemente las leyes de los hombres al buscar la felicidad mediante una forma de vida fuera de cualquier cliché preestablecido. La libertad es la bandera y guía, tal como se reitera en el repetitivo estribillo. Y su mundo se desarrolla en un espacio natural (el del mar indomable) alejado incluso de las imposiciones de la civilización. Todas estas características están presentes en los escritores románticos y  son ensalzadas en aquellos (como nuestro protagonista) que se manejaron en una vida de rebeldía política.  

4.- Los valores del Romanticismo en la Canción del pirata

Enarbolando la bandera de la libertad (en un marco natural) nos encontramos también el recurso al exotismo, del que echan mano constantemente los escritores de la época. Entendemos este como el uso de personajes ajenos a los clichés sociales y siempre en búsqueda de un modo de vida que no puede satisfacerse con el sistema establecido. Es frecuente, así, echar mano de protagonistas que viven en países fuera del área cultural europeo, vagabundos, tipos transfronterizos espiritualmente, bandidos, revolucionarios, trotamundos… Y aquí el pirata nos habla de otra forma de vida radicalmente distinta sin importar que la suya sea al margen de la ley. Y la alaba con plena consciencia (ya que no teme a que lo atrapen y lo condenen) eligiéndola con gusto. No estamos ante un forajido que huye sino ante alguien que seduce, convence y se enfrenta con convicción a las normas.  

Y por último, la Canción del pirata de José de Espronceda se unifica por ese repetitivo estribillo en el que se concentran (como píldoras) todos los temas de un movimiento (el romántico) que avanzaba hacia mundo posibles, a veces subversivos. Por primera vez en la literatura española se abandona cualquier sentimiento religioso, patriótico o cívico para ensalzar la libertad personal. La individualidad (bajo los parámetros de la época) solo podía ser leída como una transgresión. En este sentido, el poeta no puede acertar mejor al elegir a un pirata como protagonista, el mismo que canta una canción que nos lleva por los mares de la felicidad. 

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

 

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