romanticismo

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El Romanticismo nace a finales del siglo XVIII y abarcó distintas esferas de la realidad y no solo  el ámbito cultural. Sus parámetros (como la reivindicación de la libertad y de la individualidad) se sintieron en la política o en los incipientes nacionalismos. Hacia mediados del siglo XIX el movimiento romántico queda agotado, aunque en España dará sus mejores frutos con las obras depuradas y exquisitas de Gustavo Adolfo Bécquer y de Rosalía de Castro. Para entonces, con un movimiento llegado desde Francia, se impone una nueva corriente: el realismo literario y posteriormente el naturalismo. Centrado en la novela, se recogen las nuevas vicisitudes y cosmovisión que habían surgido con el incipiente capitalismo, el enriquecimiento de la burguesía y las grandes masas de obreros llegados desde el campo.  

Ninguna transformación en la historia de la humanidad ha surgido de un día para otro. Así, el relevo estético desde el Romanticismo literario hacia la novela realista se hace progresivamente en el transcurso de décadas incluso. Además, como veremos a continuación, no son movimientos enfrentados. Más bien debemos entender una evolución o un desarrollo al poner el foco en una perspectiva distinta de un único aspecto.  

Características románticas que cimentaron el realismo 

1.- Si por algo se caracteriza el Romanticismo es por la defensa de la libertad y la individualidad. Todo ello genera un base de protesta, un sentimiento de no pertenencia e, incluso, de crítica a la sociedad establecida. Si bien los románticos se agarran a la melancolía, a la tristeza o al dolor, los artistas realistas darán un paso más allá para crear obras con un claro sentido de denuncia. 

2.- El romántico critica el mundo burgués (por la vía de la rebeldía o de la revolución) mientras que el realista describe sus vicios desde dentro, desde el conocimiento de una realidad que ya le es afín. 

3.- La descripción de esos mundos posibles, de evasión, en los que priman las ruinas, los cementerios o los escenarios de tormenta se vuelve urbana con el realismo. Ahora interesará el ajetreo de las ciudades, las conversaciones de los cafés, el trajín de las fábricas, los amores de los suburbios, las pasiones de las calles… La topografía es, además, claramente reconocible para el lector de la época e, incluso, para el contemporáneo. 

Oposición Romanticismo frente al realismo  

En un principio, los principales autores del realismo recogían algunas características románticas, como el monstruoso Jorobado de Notre Dame de Víctor Hugo. Sin embargo, progresivamente, esos seres en la frontera social e, incluso a medio camino entre el mundo de los vivos y el de los muertos (tal cual Drácula o Frankenstein) desaparecen. Los protagonistas de las nuevas novelas no solo son descritos en toda su humanidad (de carne y hueso) sino también claramente identificables en el prototipo al cual pertenecen: la solterona, el avaro, el revolucionario, el narcisista, la casquivana, la ingenua, el aventurero, el obrero… 

Así, el realismo literario (y posteriormente el naturalismo) toma del romanticismo el gusto por las descripciones. Ahora bien, de la naturaleza se pasa al entorno urbano. También mantiene los temas populares, de las clases más desfavorecidas o prototípicas. Sin embargo, el enfoque va tomando tintes de denuncia.  

Conforme se van cimentando las características del realismo, se eliminan de un plumazo cualquier referencia a la fantasía, a los espíritus, a lo maravilloso… Las nuevas novelas giran en torno a lo cotidiano, sus muchos vicios y sus pocas virtudes. Todo ello se disecciona y se describe con minuciosidad como décadas antes la poesía del Romanticismo ahondaba en todos los recovecos de los sentimientos.  

¿Qué ocurrió para este cambio? 

El ascenso de la burguesía llevó a una sociedad práctica que no gustaba de los idealismos de castillos o espíritus aristocráticos. Crecía un público mayormente alfabetizado que demandaba novelas (se aparcó el teatro y la poesía) que narraran el aquí y el ahora, que hablaran de la vida que todos conocían y que presentaran personajes fácilmente clasificables. Además, los escritores abandonaron la vida bohemia romántica que apenas daba para comer para fichar por periódicos y editoriales. La inspiración se aparca y es el trabajo diario el que propicia la creación de las obras.  

Todo esto se abona con los nuevos avances científicos, en medicina o en ingeniería. La época se ha calificado como positiva, con una gran fe en las posibilidades de crecimiento por parte de la raza humana. Por primera vez en la historia, a cualquiera (aunque no fuera fácil) le estaba permitido progresar.  

En 1856 aparece en la revista Realisme de París el siguiente manifiesto con una clara declaración  de intenciones por parte de la nueva estética:  

El Realismo pretende la reproducción exacta, completa, sincera, del ambiente social y de la época en que vivimos… Esta reproducción debe ser lo más sencilla posible para que todos la comprendan.

Atrás queda la melancolía de los poetas románticos en lucha constante con el mundo y atrapados, en el fondo, por las cadenas de unos sentimientos desbocados. La nueva estética quería asemejarse a las ciencias experimentales que comenzaban a despuntar. 

Por Candela Vizcaíno | Doctora por la Universidad de Sevilla

 

 

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Libros y palabras, poemas y cuentos, pausas y tertulias, recursos estilísticos, autores que nos inspiran, estilos que nos atrapan... Literatura de todos los tiempos y de todos los lugares que nos ayudan a viajar por el mundo. 

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El Romanticismo nace a finales del siglo XVIII y abarcó distintas esferas de la realidad y no solo  el ámbito cultural. Sus parámetros (como la reivindicación de la libertad y de la individualidad) se sintieron en la política o en los incipientes nacionalismos. Hacia mediados del siglo XIX el movimiento romántico queda agotado, aunque en España dará sus mejores frutos con las obras depuradas y exquisitas de Gustavo Adolfo Bécquer y de Rosalía de Castro. Para entonces, con un movimiento llegado desde Francia, se impone una nueva corriente: el realismo literario y posteriormente el naturalismo. Centrado en la novela, se recogen las nuevas vicisitudes y cosmovisión que habían surgido con el incipiente capitalismo, el enriquecimiento de la burguesía y las grandes masas de obreros llegados desde el campo.  

Ninguna transformación en la historia de la humanidad ha surgido de un día para otro. Así, el relevo estético desde el Romanticismo literario hacia la novela realista se hace progresivamente en el transcurso de décadas incluso. Además, como veremos a continuación, no son movimientos enfrentados. Más bien debemos entender una evolución o un desarrollo al poner el foco en una perspectiva distinta de un único aspecto.  

Características románticas que cimentaron el realismo 

1.- Si por algo se caracteriza el Romanticismo es por la defensa de la libertad y la individualidad. Todo ello genera un base de protesta, un sentimiento de no pertenencia e, incluso, de crítica a la sociedad establecida. Si bien los románticos se agarran a la melancolía, a la tristeza o al dolor, los artistas realistas darán un paso más allá para crear obras con un claro sentido de denuncia. 

2.- El romántico critica el mundo burgués (por la vía de la rebeldía o de la revolución) mientras que el realista describe sus vicios desde dentro, desde el conocimiento de una realidad que ya le es afín. 

3.- La descripción de esos mundos posibles, de evasión, en los que priman las ruinas, los cementerios o los escenarios de tormenta se vuelve urbana con el realismo. Ahora interesará el ajetreo de las ciudades, las conversaciones de los cafés, el trajín de las fábricas, los amores de los suburbios, las pasiones de las calles… La topografía es, además, claramente reconocible para el lector de la época e, incluso, para el contemporáneo. 

Oposición Romanticismo frente al realismo  

En un principio, los principales autores del realismo recogían algunas características románticas, como el monstruoso Jorobado de Notre Dame de Víctor Hugo. Sin embargo, progresivamente, esos seres en la frontera social e, incluso a medio camino entre el mundo de los vivos y el de los muertos (tal cual Drácula o Frankenstein) desaparecen. Los protagonistas de las nuevas novelas no solo son descritos en toda su humanidad (de carne y hueso) sino también claramente identificables en el prototipo al cual pertenecen: la solterona, el avaro, el revolucionario, el narcisista, la casquivana, la ingenua, el aventurero, el obrero… 

Así, el realismo literario (y posteriormente el naturalismo) toma del romanticismo el gusto por las descripciones. Ahora bien, de la naturaleza se pasa al entorno urbano. También mantiene los temas populares, de las clases más desfavorecidas o prototípicas. Sin embargo, el enfoque va tomando tintes de denuncia.  

Conforme se van cimentando las características del realismo, se eliminan de un plumazo cualquier referencia a la fantasía, a los espíritus, a lo maravilloso… Las nuevas novelas giran en torno a lo cotidiano, sus muchos vicios y sus pocas virtudes. Todo ello se disecciona y se describe con minuciosidad como décadas antes la poesía del Romanticismo ahondaba en todos los recovecos de los sentimientos.  

¿Qué ocurrió para este cambio? 

El ascenso de la burguesía llevó a una sociedad práctica que no gustaba de los idealismos de castillos o espíritus aristocráticos. Crecía un público mayormente alfabetizado que demandaba novelas (se aparcó el teatro y la poesía) que narraran el aquí y el ahora, que hablaran de la vida que todos conocían y que presentaran personajes fácilmente clasificables. Además, los escritores abandonaron la vida bohemia romántica que apenas daba para comer para fichar por periódicos y editoriales. La inspiración se aparca y es el trabajo diario el que propicia la creación de las obras.  

Todo esto se abona con los nuevos avances científicos, en medicina o en ingeniería. La época se ha calificado como positiva, con una gran fe en las posibilidades de crecimiento por parte de la raza humana. Por primera vez en la historia, a cualquiera (aunque no fuera fácil) le estaba permitido progresar.  

En 1856 aparece en la revista Realisme de París el siguiente manifiesto con una clara declaración  de intenciones por parte de la nueva estética:  

El Realismo pretende la reproducción exacta, completa, sincera, del ambiente social y de la época en que vivimos… Esta reproducción debe ser lo más sencilla posible para que todos la comprendan.

Atrás queda la melancolía de los poetas románticos en lucha constante con el mundo y atrapados, en el fondo, por las cadenas de unos sentimientos desbocados. La nueva estética quería asemejarse a las ciencias experimentales que comenzaban a despuntar. 

Por Candela Vizcaíno | Doctora por la Universidad de Sevilla

 

 

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El Romanticismo comienza a finales del siglo XVIII y fue un movimiento más allá del arte y la literatura. Supuso una forma radical de estar en el mundo e invadió todas las esferas, desde lo económico hasta lo político pasando, indudablemente, por lo social. Se hace bandera de la libertad y, también, de la individualidad. Es la primera generación que desea romper definitivamente con el pasado, aunque haya un gusto por la historia europea más antigua, la medieval. Intuyen que hay una realidad más allá del mundo natural intangible y, a la vez, verdadera. En este sentido las artes, las letras y la poesía del Romanticismo adelantan los postulados del inconsciente según Freud. También en esta línea, se exhibe un gusto por “lo otro” mostrando preferencias por lo monstruoso, lo complejo, el caos, las ruinas, la muerte y sus emplazamientos. 

Temas de la poesía del Romanticismo  

1.- El ansia de libertad y el individualismo llevan a la exaltación del yo. Y además se hace de forma extrema. No hay pudor por mostrar todos los recovecos del ego y abrir en canal los sentimientos del poeta que se exponen al público de forma prolija y detallada. 

2.- El poeta romántico se considera un elegido que choca con la fealdad y las imposiciones sociales. Se ve a sí mismo como una suerte de comunicador entre ambos mundos, el natural y otro desconocido que se encuentra en el espíritu. 

3.- Sin embargo, no encuentra salida para esta rebeldía, lo cual genera una profunda frustración que imprime en sus poemas. Por tanto, se ve inmerso en el dolor, la melancolía, la tristeza y la pérdida del amor, siempre centrado en una persona única y especial que, como el poeta, no es de este mundo. 

5.- Hay un gusto por las ruinas, los cementerios, las almas en pena, los que se encuentran al margen de la sociedad y no pueden disfrutar de los dones de la vida. 

6.- Se canta la libertad como bien supremo, aunque eso suponga estar apartado del común de los mortales. Buen ejemplo de esta característica es Canción del pirata de José de Espronceda

7.- La naturaleza se reviste con sentimientos humanos con preferencia por los páramos yermos, fuertes tormentas, noches oscuras, ruinas solitarias y lugares apartados o localizados en las fronteras de lo permitido. 

8.- Aunque la poesía del Romanticismo es de tono lírico e intimista con un fuerte carácter personal y hasta autobiográfico, se eligen personajes considerados exóticos. 

9.- También es común la poesía narrativa de temas históricos. 

10.- Y, por último, no hay que olvidar el enfoque del incipiente nacionalismo, que no solo se centra en la historia sino también en la peculiaridades que hacen único un territorio. 

Formas de la poesía del Romanticismo  

1.- Como la libertad es santo y seña del movimiento, se desprecian las reglas encorsetadas de los metros tradicionales y especialmente de la poesía del Neoclasicismo

2.- Abundando en lo anterior, la mezcla es una constante, tanto de tropos como de metros. Se abraza el verso libre. 

3.- Si en la cultura del Neoclasicismo, la inmediatamente anterior de los ilustrados, se entronizó la razón, con el Romanticismo literario se busca, ante todo y sobre todo, la inspiración. 

4.- Esto supone espontaneidad y sinceridad. 

5.- Excepto las contadas excepciones de los grandes poetas del movimiento, este afán de sacar a relucir los más íntimos sentimientos (sin filtros y libremente) también lleva a los excesos, al histrionismo o a la grandilocuencia. 

6.- Las formas son muy variadas y no se atienen a norma alguna. 

7.- El gusto por la historia (idealizada) de la Edad Media con sus princesas, caballeros y castillos con almenas supuso la rehabilitación de formas antiguas y arcaicas. En este sentido, cobra fuerza el romance de temática popular. 

8.- Los poemas se hacen polirrítmicos con una gran sonoridad. Parecen estar escritos para ser cantados o acompañados de percusión.  

Poetas españoles del Romanticismo 

El movimiento llegó tarde con respecto a Europa. Aún así, tenemos un buen puñado de creadores  románticos que ponen el foco en el amor (siempre cantado desde la pérdida), la naturaleza o los personajes que viven en las fronteras sociales. Nombres imprescindibles son:  

1.- José de Espronceda (1808-1842) que, por su trascendencia e importancia, ha sido tratado de forma individual en este espacio. Remito al link. 

2.- Las rimas de Gustavo Adolfo Bécquer (1836-1876) cierran el movimiento en lengua española. Eso sí lo hacen a lo grande. También, por su importancia que excede este artículo, remito a sendos trabajos publicados en este espacio. 

3.- Rosalía de Castro (1837-1885) inaugura el lirismo del siglo XX, el mismo que comienza con la poesía pura de Juan Ramón Jiménez y la primera época de los poetas de la Generación del 27

4.- Gertrudis Gómez de Avellaneda (1814-1873) destacó en todos los géneros y su novela Sab trató por primer vez el tema de la esclavitud. 

5.- Carolina Coronado (1820-1911) es otra poeta del Romanticismo que merece estudio aparte. 

Y, por último, esa libertad que la poesía del Romanticismo (y la época en general) ensalzaba le hace mirar hacia los inicios de la historia europea, hacia los clásicos de la literatura griega y romana o hacia los sencillos cantares de gesta.  

Por Candela Vizcaíno | Doctora por la Universidad de Sevilla

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El Romanticismo comienza a finales del siglo XVIII y fue un movimiento más allá del arte y la literatura. Supuso una forma radical de estar en el mundo e invadió todas las esferas, desde lo económico hasta lo político pasando, indudablemente, por lo social. Se hace bandera de la libertad y, también, de la individualidad. Es la primera generación que desea romper definitivamente con el pasado, aunque haya un gusto por la historia europea más antigua, la medieval. Intuyen que hay una realidad más allá del mundo natural intangible y, a la vez, verdadera. En este sentido las artes, las letras y la poesía del Romanticismo adelantan los postulados del inconsciente según Freud. También en esta línea, se exhibe un gusto por “lo otro” mostrando preferencias por lo monstruoso, lo complejo, el caos, las ruinas, la muerte y sus emplazamientos. 

Temas de la poesía del Romanticismo  

1.- El ansia de libertad y el individualismo llevan a la exaltación del yo. Y además se hace de forma extrema. No hay pudor por mostrar todos los recovecos del ego y abrir en canal los sentimientos del poeta que se exponen al público de forma prolija y detallada. 

2.- El poeta romántico se considera un elegido que choca con la fealdad y las imposiciones sociales. Se ve a sí mismo como una suerte de comunicador entre ambos mundos, el natural y otro desconocido que se encuentra en el espíritu. 

3.- Sin embargo, no encuentra salida para esta rebeldía, lo cual genera una profunda frustración que imprime en sus poemas. Por tanto, se ve inmerso en el dolor, la melancolía, la tristeza y la pérdida del amor, siempre centrado en una persona única y especial que, como el poeta, no es de este mundo. 

5.- Hay un gusto por las ruinas, los cementerios, las almas en pena, los que se encuentran al margen de la sociedad y no pueden disfrutar de los dones de la vida. 

6.- Se canta la libertad como bien supremo, aunque eso suponga estar apartado del común de los mortales. Buen ejemplo de esta característica es Canción del pirata de José de Espronceda

7.- La naturaleza se reviste con sentimientos humanos con preferencia por los páramos yermos, fuertes tormentas, noches oscuras, ruinas solitarias y lugares apartados o localizados en las fronteras de lo permitido. 

8.- Aunque la poesía del Romanticismo es de tono lírico e intimista con un fuerte carácter personal y hasta autobiográfico, se eligen personajes considerados exóticos. 

9.- También es común la poesía narrativa de temas históricos. 

10.- Y, por último, no hay que olvidar el enfoque del incipiente nacionalismo, que no solo se centra en la historia sino también en la peculiaridades que hacen único un territorio. 

Formas de la poesía del Romanticismo  

1.- Como la libertad es santo y seña del movimiento, se desprecian las reglas encorsetadas de los metros tradicionales y especialmente de la poesía del Neoclasicismo

2.- Abundando en lo anterior, la mezcla es una constante, tanto de tropos como de metros. Se abraza el verso libre. 

3.- Si en la cultura del Neoclasicismo, la inmediatamente anterior de los ilustrados, se entronizó la razón, con el Romanticismo literario se busca, ante todo y sobre todo, la inspiración. 

4.- Esto supone espontaneidad y sinceridad. 

5.- Excepto las contadas excepciones de los grandes poetas del movimiento, este afán de sacar a relucir los más íntimos sentimientos (sin filtros y libremente) también lleva a los excesos, al histrionismo o a la grandilocuencia. 

6.- Las formas son muy variadas y no se atienen a norma alguna. 

7.- El gusto por la historia (idealizada) de la Edad Media con sus princesas, caballeros y castillos con almenas supuso la rehabilitación de formas antiguas y arcaicas. En este sentido, cobra fuerza el romance de temática popular. 

8.- Los poemas se hacen polirrítmicos con una gran sonoridad. Parecen estar escritos para ser cantados o acompañados de percusión.  

Poetas españoles del Romanticismo 

El movimiento llegó tarde con respecto a Europa. Aún así, tenemos un buen puñado de creadores  románticos que ponen el foco en el amor (siempre cantado desde la pérdida), la naturaleza o los personajes que viven en las fronteras sociales. Nombres imprescindibles son:  

1.- José de Espronceda (1808-1842) que, por su trascendencia e importancia, ha sido tratado de forma individual en este espacio. Remito al link. 

2.- Las rimas de Gustavo Adolfo Bécquer (1836-1876) cierran el movimiento en lengua española. Eso sí lo hacen a lo grande. También, por su importancia que excede este artículo, remito a sendos trabajos publicados en este espacio. 

3.- Rosalía de Castro (1837-1885) inaugura el lirismo del siglo XX, el mismo que comienza con la poesía pura de Juan Ramón Jiménez y la primera época de los poetas de la Generación del 27

4.- Gertrudis Gómez de Avellaneda (1814-1873) destacó en todos los géneros y su novela Sab trató por primer vez el tema de la esclavitud. 

5.- Carolina Coronado (1820-1911) es otra poeta del Romanticismo que merece estudio aparte. 

Y, por último, esa libertad que la poesía del Romanticismo (y la época en general) ensalzaba le hace mirar hacia los inicios de la historia europea, hacia los clásicos de la literatura griega y romana o hacia los sencillos cantares de gesta.  

Por Candela Vizcaíno | Doctora por la Universidad de Sevilla

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Una de las características del Romanticismo es la desmesura, en clara oposición con la cultura del Neoclasicismo y su gusto por la elegancia o el orden. A finales del siglo XVIII una nueva cosmovisión se va imponiendo en todos los órdenes de la vida: en la política, en lo social, en lo económico y, por supuesto, en lo cultural. Se entroniza la libertad, la independencia, la mezcla y se bucea en los más oscuros recovecos, no ya de los sentimientos, sino también de las pasiones. Los temas del Romanticismo, ni que decir tiene, están adscritos a esta nueva manera de estar y de entender el mundo. Muy resumidamente encontramos siete grandes bloques. 

1.- Sentimiento de no plenitud

Si por algo se caracteriza el sentir romántico es por no aceptar las circunstancias de alrededor. Esto, por supuesto, devendría en una rebeldía que, a veces, se materializará de forma política aunque va más allá. Aparece la no aceptación del fin y con ella la angustia vital. Todo esto se manifiesta (en el arte y en la literatura) en una perenne melancolía y en un sentimiento de pérdida. La existencia se antoja sin sentido y, además, se escapa en suspiros constantes. De aquí proviene el gusto por las lágrimas, las tristezas o los amores desgraciados tan frecuentes en la poesía romántica. Además, no hay que perder de vista que hay una preferencia por las ruinas abandonadas, por los parajes tenebrosos, por mansiones fantasmales, por los cementerios en la noche… Para el romántico, al no encontrar la trascendencia en el mundo natural, las respuestas se le antojaba en un más allá desconocido. 

2.- El desacuerdo con el mundo  

Lo anterior lleva al descontento, a la queja e, incluso, a la súplica, temas del Romanticismo que se repiten constantemente. La felicidad se antoja pasajera y gustan de cantar el dolor o el sufrimiento. La muerte es una constante y, tanto en las artes plásticas como en la literatura, se justifica el suicidio como una forma de desembarazarse de las penas de este mundo. Ante este choque con el mundo (y además de forma extrema) solo cabe la evasión a tiempos pasados (hacia una idealizada Edad Media) o hacia tierras consideradas exóticas en aquel momento (las  árabes). Otra forma extrema de eludir la realidad es el ascetismo. En este sentido, encontramos la figura del ermitaño abundantemente en la literatura romántica. La rebeldía (con personajes aventureros o revolucionarios) será otro modelo temático a la hora de abordar este choque vital. 

3.- La exaltación de la individualidad y del yo  

La evasión lleva al idealismo e, incluso, a la utopía. Y todo ello se graba en las esferas del espíritu. Se ahonda (especialmente en poesía) en el yo, en la individualidad. El artista, además, se considera alguien bendecido por los dioses. Es una suerte de genio o de demiurgo que es capaz de ver, sentir y expresar aquello oculto al común de los mortales. Se erige, y no solo en sus obras, en una suerte de comunicador entre este plano y lo oculto a la conciencia. Se ponen, así, las bases para la formulación del inconsciente según Freud. De todos modos, hay que tener en cuenta que el artista romántico está poseído por el ego. No le importa la soledad, la cual canta casi con orgullo y como una cualidad de los seres superiores. El amor se le escapa de las manos y la amistad se hace imposible. Estos espíritus vagan por la tierra buscando entre ruinas, entre tumbas e, incluso, entre seres monstruosos algo intangible reservado a las almas escogidas. Parecen revestidos de una sagrada misión cuyo objetivo es redimir al mundo. Y para conseguir esta meta no dudan en destripar todos y cada uno de sus propios sentimientos diseccionándolos con detalle y exponiéndolos al público.  

4.- La defensa de la libertad 

Por primera vez en la historia del arte se encumbra la libertad como valor supremo. Y esta idea traspasa las fronteras de la creación para manifestarse en la política, en lo social o en lo económico. El sistema anterior (con sus clases inmóviles y la sumisión a los poderes monárquicos y eclesiásticos) ya no sirve. El héroe romántico no asume las convenciones sociales y, además, se rebela contra la injusticia y las imposiciones. Por eso, como veremos a continuación, no se atienen a las reglas estilísticas que habían servido hasta entonces y se apuesta por la mezcla, el caos, el movimiento, la subjetividad… Abren, además, las puertas a todos los movimientos de vanguardia que llegarán décadas más tarde: fauvismo, expresionismo, cubismo… 

5.- La naturaleza se reviste con sentimientos humanos  

Los paisajes que se tratan, tanto en pintura como en literatura e, incluso, en los grandes jardines, se contaminan con los sentimientos humanos. Se deja aparcada cualquier mesura, cualquier llamada al orden o a la elegancia para apostar por la pasión y por el drama. Así, se eligen tormentas en momentos de gran intensidad emocional, se recorren ruinas abandonadas para buscar la verdad, se atreven a adentrarse en cementerios en medio de la noche e, incluso osan desafiar a los espíritus llamando a los muertos. Los bosques yermos, los jardines abandonados y las iglesias con sus sepulcros son temas del Romanticismo. Así, el Don Juan de Zorrilla, henchido por el ego y sin medir sus fuerzas, se mofa de los difuntos  atreviéndose a retarlos incluso. Y los protagonistas de las Leyendas de Bécquer se atormentan por lo que creen, en su confusión, seres de otro mundo que intentan comunicarse con estas almas sensibles, dramáticas y… superiores.  

6.- La búsqueda de lo genuino en lo popular

Y para ello se bucea en la historia, pero no en la inmediata, sino en la más antigua. Se vuelve hacia la Edad Media en una visión idealizada de castillos, princesas y caballeros. Hay un interés por lo popular, por las leyendas orales, por las canciones, por los mitos tradicionales. Estos se buscan y se recopilan. La historia sirve tanto a aquellos con ideas revolucionarias como a los conservadores. Estos últimos buscan en los tiempos pasados los valores que consideran perdidos mientras que los más rebeldes se escudan en las peculiaridades (en las diferencias) para alimentar los incipientes nacionalismos. En el plano estético se alimenta el gusto por los tipos considerados exóticos que se presentan con sus ropajes y sus costumbres. A la par, se desarrolla la novela histórica muy centrada en aventuras amorosas más que de otro tipo. La visión que se tiene de siglos pasados siempre es idealizada. El costumbrismo también nace en la época romántica.

7.- La mezcla y el caos como semilla de creación  

El afán de libertad y de independencia lleva a lo novedoso, a la mezcla y, en último extremo, al caos. Se rechazan las normas y las imposiciones. Todo esto se conjuga con el espíritu rebelde, propenso al drama (llegando incluso a sentimientos tormentosos), a lo sinuoso, a la intensidad y a todo aquello que habita en las fronteras de lo permitido. 

Estos temas del Romanticismo, por último, dieron pie a personajes que se encuentran en los límites de la sociedad e, incluso, de lo humano. Así, Frankenstein participa tanto de los vivos como de los muertos a igual que Drácula, incapaz de amar. El Jorobado de Notre Dame es otro personaje que ha sido expulsado de la sociedad por pecados que no ha cometido. Y un tanto de lo mismo sucede con el Fantasma de la Ópera. Todos ellos exploran cada recoveco de sus sentimientos, de sus pasiones, de sus dramas levantando un mundo tremendamente personal. 

Por Candela Vizcaíno | Doctora por la Universidad de Sevilla

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Una de las características del Romanticismo es la desmesura, en clara oposición con la cultura del Neoclasicismo y su gusto por la elegancia o el orden. A finales del siglo XVIII una nueva cosmovisión se va imponiendo en todos los órdenes de la vida: en la política, en lo social, en lo económico y, por supuesto, en lo cultural. Se entroniza la libertad, la independencia, la mezcla y se bucea en los más oscuros recovecos, no ya de los sentimientos, sino también de las pasiones. Los temas del Romanticismo, ni que decir tiene, están adscritos a esta nueva manera de estar y de entender el mundo. Muy resumidamente encontramos siete grandes bloques. 

1.- Sentimiento de no plenitud

Si por algo se caracteriza el sentir romántico es por no aceptar las circunstancias de alrededor. Esto, por supuesto, devendría en una rebeldía que, a veces, se materializará de forma política aunque va más allá. Aparece la no aceptación del fin y con ella la angustia vital. Todo esto se manifiesta (en el arte y en la literatura) en una perenne melancolía y en un sentimiento de pérdida. La existencia se antoja sin sentido y, además, se escapa en suspiros constantes. De aquí proviene el gusto por las lágrimas, las tristezas o los amores desgraciados tan frecuentes en la poesía romántica. Además, no hay que perder de vista que hay una preferencia por las ruinas abandonadas, por los parajes tenebrosos, por mansiones fantasmales, por los cementerios en la noche… Para el romántico, al no encontrar la trascendencia en el mundo natural, las respuestas se le antojaba en un más allá desconocido. 

2.- El desacuerdo con el mundo  

Lo anterior lleva al descontento, a la queja e, incluso, a la súplica, temas del Romanticismo que se repiten constantemente. La felicidad se antoja pasajera y gustan de cantar el dolor o el sufrimiento. La muerte es una constante y, tanto en las artes plásticas como en la literatura, se justifica el suicidio como una forma de desembarazarse de las penas de este mundo. Ante este choque con el mundo (y además de forma extrema) solo cabe la evasión a tiempos pasados (hacia una idealizada Edad Media) o hacia tierras consideradas exóticas en aquel momento (las  árabes). Otra forma extrema de eludir la realidad es el ascetismo. En este sentido, encontramos la figura del ermitaño abundantemente en la literatura romántica. La rebeldía (con personajes aventureros o revolucionarios) será otro modelo temático a la hora de abordar este choque vital. 

3.- La exaltación de la individualidad y del yo  

La evasión lleva al idealismo e, incluso, a la utopía. Y todo ello se graba en las esferas del espíritu. Se ahonda (especialmente en poesía) en el yo, en la individualidad. El artista, además, se considera alguien bendecido por los dioses. Es una suerte de genio o de demiurgo que es capaz de ver, sentir y expresar aquello oculto al común de los mortales. Se erige, y no solo en sus obras, en una suerte de comunicador entre este plano y lo oculto a la conciencia. Se ponen, así, las bases para la formulación del inconsciente según Freud. De todos modos, hay que tener en cuenta que el artista romántico está poseído por el ego. No le importa la soledad, la cual canta casi con orgullo y como una cualidad de los seres superiores. El amor se le escapa de las manos y la amistad se hace imposible. Estos espíritus vagan por la tierra buscando entre ruinas, entre tumbas e, incluso, entre seres monstruosos algo intangible reservado a las almas escogidas. Parecen revestidos de una sagrada misión cuyo objetivo es redimir al mundo. Y para conseguir esta meta no dudan en destripar todos y cada uno de sus propios sentimientos diseccionándolos con detalle y exponiéndolos al público.  

4.- La defensa de la libertad 

Por primera vez en la historia del arte se encumbra la libertad como valor supremo. Y esta idea traspasa las fronteras de la creación para manifestarse en la política, en lo social o en lo económico. El sistema anterior (con sus clases inmóviles y la sumisión a los poderes monárquicos y eclesiásticos) ya no sirve. El héroe romántico no asume las convenciones sociales y, además, se rebela contra la injusticia y las imposiciones. Por eso, como veremos a continuación, no se atienen a las reglas estilísticas que habían servido hasta entonces y se apuesta por la mezcla, el caos, el movimiento, la subjetividad… Abren, además, las puertas a todos los movimientos de vanguardia que llegarán décadas más tarde: fauvismo, expresionismo, cubismo… 

5.- La naturaleza se reviste con sentimientos humanos  

Los paisajes que se tratan, tanto en pintura como en literatura e, incluso, en los grandes jardines, se contaminan con los sentimientos humanos. Se deja aparcada cualquier mesura, cualquier llamada al orden o a la elegancia para apostar por la pasión y por el drama. Así, se eligen tormentas en momentos de gran intensidad emocional, se recorren ruinas abandonadas para buscar la verdad, se atreven a adentrarse en cementerios en medio de la noche e, incluso osan desafiar a los espíritus llamando a los muertos. Los bosques yermos, los jardines abandonados y las iglesias con sus sepulcros son temas del Romanticismo. Así, el Don Juan de Zorrilla, henchido por el ego y sin medir sus fuerzas, se mofa de los difuntos  atreviéndose a retarlos incluso. Y los protagonistas de las Leyendas de Bécquer se atormentan por lo que creen, en su confusión, seres de otro mundo que intentan comunicarse con estas almas sensibles, dramáticas y… superiores.  

6.- La búsqueda de lo genuino en lo popular

Y para ello se bucea en la historia, pero no en la inmediata, sino en la más antigua. Se vuelve hacia la Edad Media en una visión idealizada de castillos, princesas y caballeros. Hay un interés por lo popular, por las leyendas orales, por las canciones, por los mitos tradicionales. Estos se buscan y se recopilan. La historia sirve tanto a aquellos con ideas revolucionarias como a los conservadores. Estos últimos buscan en los tiempos pasados los valores que consideran perdidos mientras que los más rebeldes se escudan en las peculiaridades (en las diferencias) para alimentar los incipientes nacionalismos. En el plano estético se alimenta el gusto por los tipos considerados exóticos que se presentan con sus ropajes y sus costumbres. A la par, se desarrolla la novela histórica muy centrada en aventuras amorosas más que de otro tipo. La visión que se tiene de siglos pasados siempre es idealizada. El costumbrismo también nace en la época romántica.

7.- La mezcla y el caos como semilla de creación  

El afán de libertad y de independencia lleva a lo novedoso, a la mezcla y, en último extremo, al caos. Se rechazan las normas y las imposiciones. Todo esto se conjuga con el espíritu rebelde, propenso al drama (llegando incluso a sentimientos tormentosos), a lo sinuoso, a la intensidad y a todo aquello que habita en las fronteras de lo permitido. 

Estos temas del Romanticismo, por último, dieron pie a personajes que se encuentran en los límites de la sociedad e, incluso, de lo humano. Así, Frankenstein participa tanto de los vivos como de los muertos a igual que Drácula, incapaz de amar. El Jorobado de Notre Dame es otro personaje que ha sido expulsado de la sociedad por pecados que no ha cometido. Y un tanto de lo mismo sucede con el Fantasma de la Ópera. Todos ellos exploran cada recoveco de sus sentimientos, de sus pasiones, de sus dramas levantando un mundo tremendamente personal. 

Por Candela Vizcaíno | Doctora por la Universidad de Sevilla

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El Prerromanticismo es un movimiento que sobrepasa el ámbito de lo estético. Tiene lugar a mediados del siglo XVIII por agotamiento de la cultura del Neoclasicismo. Ahora bien, no se abandonan completamente las ideas ilustradas del denominado Siglo de las Luces. Es más, algunos puntos (como el ansia de libertad institucional y/o personal) se llegan incluso a radicalizar.  

Prerromanticismo frente a Neoclasicismo 

A la hora de entender el movimiento tenemos que tener en cuenta las siguientes características, que ya van adelantando los modos románticos y que chocan con las ideas ilustradas. Muy resumidamente tenemos lo siguiente: 

1.- Se defienden los sentimientos como medio para llegar al conocimiento y se rechaza la entronización de la razón, considerada unas décadas antes reina absoluta de los designios humanos. 

2.- Así, los prerrománticos van mostrando su intimidad, sus contradicciones, su afán de libertad… Tanto en las artes plásticas como en la literatura entran en juego la melancolía y las tristezas características del Romanticismo

3.- En el campo artístico se niegan las reglas que encorsetan las obras al quitarles frescura. 

4.- Se va manifestando progresivamente una nueva visión frente a la naturaleza que va tomando su carácter eminentemente romántico. Se alejan de la visión ordenada y elegante para preferir los decorados con tormentas o los escenarios en los que se den cabida a los seres de otro mundo. Comienza, además, el gusto por situar las narraciones en los cementerios o en las ruinas. Con estos recursos se consigue difuminar las fronteras entre lo real y lo imaginado. 

5.- Lo maravilloso se plasma también en lo monstruoso, en lo que no pertenece completamente al mundo real, mostrando, a la par, las esquinas más oscuras de la psique. Se coloca, en definitiva, las semillas del concepto de inconsciente. En este sentido, recordemos que tanto Drácula como Frankenstein o el Jorobado de Notre Dame son criaturas románticas, son seres fronterizos que no pertenecen completamente a la esfera de los vivos.  

Prerromanticismo frente a Romanticismo  

1.- Al considerarse agotado el Antiguo Régimen, comienzan las revoluciones que ocupan todos los planos: social, económico, político o cultural. El auge de la burguesía propicia la movilidad de clases a la par que los cambios económicos se conforman en torno a la industrialización y el incipiente capitalismo. Aún así, los integrantes del Prerromanticismo aún no han renegado del burgués, tal cual ocurrirá más tarde. 

2.- Una constante de la época es la crítica. En España copa todas las esferas de la intelectualidad. Y se entiende por la intensidad de los problemas con los que había que lidiar: crisis institucional y económica, pérdida de prestigio internacional, atraso cultural, escasa instrucción… La mayoría de los escritores no eran ajenos a esta situación y se pone el foco en proponer soluciones a la injerencia de la iglesia en todos los aspectos de la vida cívica, a la corrupción institucional y a la desigualdad social. 

3.- El gusto por la historia, que es santo y seña del Romanticismo, comienza a finales del siglo XVIII. Además, se desarrollan los estudios de crítica literaria y de gramática.  

Autores españoles a caballo entre el Neoclasicismo y Romanticismo 

Cuando he abordado el estudio de estos creadores en este espacio, se ha puesto de manifiesto que participan de ambas cosmovisiones. Muy resumidamente y para no repetir remito a los links. Hay que tener presente los siguientes nombres: 

1.- José Cadalso (1741-1782) y sus Cartas Marruecas donde ejerce una poderosa crítica social. 

2.- Gaspar Melchor de Jovellanos (1744-1811) es uno de los mejores ejemplos del espíritu crítico con ansias de libertad que participa tanto del racionalismo ilustrado como de los preceptos románticos. 

3.- José Francisco de la Isla (1703-1781)  y su Historia del famoso predicador fray Gerundio de Campazas donde pone de manifiesto la ignorancia y el poder de los charlatanes entre un pueblo invadido por la superstición. 

4.- Diego de Torres de Villaroel (1693-1770), admirador de la sátira y del espíritu cínico de las obras de Francisco de Quevedo

5.- José María Blanco White (1775-1841) quien escogió el camino del exilio en Londres. 

Y por último, tanto en el Prerromanticismo como en la Ilustración se buscan nuevas fórmulas teatrales que acaben con las irracionales y decadentes escenas de capa y espada que eran favoritas de un público iletrado. La época, sin embargo y a pesar de su afán de cambio, estuvo condicionada por una situación política desastrosa que comienza con la invasión napoleónica y termina con los intentos fallidos por crear un estado laico, con división de poderes. Para colmo, los sucesivos regímenes (enfrentados entre sí casi a muerte) fueron incapaces de crear las condiciones para un mínimo desarrollo económico y una instrucción básica con carácter general.  

Por Candela Vizcaíno | Doctora por la Universidad de Sevilla

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El Prerromanticismo es un movimiento que sobrepasa el ámbito de lo estético. Tiene lugar a mediados del siglo XVIII por agotamiento de la cultura del Neoclasicismo. Ahora bien, no se abandonan completamente las ideas ilustradas del denominado Siglo de las Luces. Es más, algunos puntos (como el ansia de libertad institucional y/o personal) se llegan incluso a radicalizar.  

Prerromanticismo frente a Neoclasicismo 

A la hora de entender el movimiento tenemos que tener en cuenta las siguientes características, que ya van adelantando los modos románticos y que chocan con las ideas ilustradas. Muy resumidamente tenemos lo siguiente: 

1.- Se defienden los sentimientos como medio para llegar al conocimiento y se rechaza la entronización de la razón, considerada unas décadas antes reina absoluta de los designios humanos. 

2.- Así, los prerrománticos van mostrando su intimidad, sus contradicciones, su afán de libertad… Tanto en las artes plásticas como en la literatura entran en juego la melancolía y las tristezas características del Romanticismo

3.- En el campo artístico se niegan las reglas que encorsetan las obras al quitarles frescura. 

4.- Se va manifestando progresivamente una nueva visión frente a la naturaleza que va tomando su carácter eminentemente romántico. Se alejan de la visión ordenada y elegante para preferir los decorados con tormentas o los escenarios en los que se den cabida a los seres de otro mundo. Comienza, además, el gusto por situar las narraciones en los cementerios o en las ruinas. Con estos recursos se consigue difuminar las fronteras entre lo real y lo imaginado. 

5.- Lo maravilloso se plasma también en lo monstruoso, en lo que no pertenece completamente al mundo real, mostrando, a la par, las esquinas más oscuras de la psique. Se coloca, en definitiva, las semillas del concepto de inconsciente. En este sentido, recordemos que tanto Drácula como Frankenstein o el Jorobado de Notre Dame son criaturas románticas, son seres fronterizos que no pertenecen completamente a la esfera de los vivos.  

Prerromanticismo frente a Romanticismo  

1.- Al considerarse agotado el Antiguo Régimen, comienzan las revoluciones que ocupan todos los planos: social, económico, político o cultural. El auge de la burguesía propicia la movilidad de clases a la par que los cambios económicos se conforman en torno a la industrialización y el incipiente capitalismo. Aún así, los integrantes del Prerromanticismo aún no han renegado del burgués, tal cual ocurrirá más tarde. 

2.- Una constante de la época es la crítica. En España copa todas las esferas de la intelectualidad. Y se entiende por la intensidad de los problemas con los que había que lidiar: crisis institucional y económica, pérdida de prestigio internacional, atraso cultural, escasa instrucción… La mayoría de los escritores no eran ajenos a esta situación y se pone el foco en proponer soluciones a la injerencia de la iglesia en todos los aspectos de la vida cívica, a la corrupción institucional y a la desigualdad social. 

3.- El gusto por la historia, que es santo y seña del Romanticismo, comienza a finales del siglo XVIII. Además, se desarrollan los estudios de crítica literaria y de gramática.  

Autores españoles a caballo entre el Neoclasicismo y Romanticismo 

Cuando he abordado el estudio de estos creadores en este espacio, se ha puesto de manifiesto que participan de ambas cosmovisiones. Muy resumidamente y para no repetir remito a los links. Hay que tener presente los siguientes nombres: 

1.- José Cadalso (1741-1782) y sus Cartas Marruecas donde ejerce una poderosa crítica social. 

2.- Gaspar Melchor de Jovellanos (1744-1811) es uno de los mejores ejemplos del espíritu crítico con ansias de libertad que participa tanto del racionalismo ilustrado como de los preceptos románticos. 

3.- José Francisco de la Isla (1703-1781)  y su Historia del famoso predicador fray Gerundio de Campazas donde pone de manifiesto la ignorancia y el poder de los charlatanes entre un pueblo invadido por la superstición. 

4.- Diego de Torres de Villaroel (1693-1770), admirador de la sátira y del espíritu cínico de las obras de Francisco de Quevedo

5.- José María Blanco White (1775-1841) quien escogió el camino del exilio en Londres. 

Y por último, tanto en el Prerromanticismo como en la Ilustración se buscan nuevas fórmulas teatrales que acaben con las irracionales y decadentes escenas de capa y espada que eran favoritas de un público iletrado. La época, sin embargo y a pesar de su afán de cambio, estuvo condicionada por una situación política desastrosa que comienza con la invasión napoleónica y termina con los intentos fallidos por crear un estado laico, con división de poderes. Para colmo, los sucesivos regímenes (enfrentados entre sí casi a muerte) fueron incapaces de crear las condiciones para un mínimo desarrollo económico y una instrucción básica con carácter general.  

Por Candela Vizcaíno | Doctora por la Universidad de Sevilla

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El Prerromanticismo

  El Prerromanticismo es un movimiento que sobrepasa el ámbito de lo estético. Tiene lugar a...

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Honoré Daumier (1808-1879) fue conocido y reconocido en su época por sus trabajos como ilustrador satírico. Por ello tuvo problemas con la justicia ya que se atrevió a publicar una caricatura de Luis Felipe de Orleans. La osadía le costó seis meses de cárcel. Aunque con la vuelta de la censura en Francia (1835-1848) dejó aparcada esta faceta, nunca abandonó su veta política (o más bien de denuncia social). Y con este prisma tenemos que leer El vagón de tercera clase, obra cumbre del la pintura del Romanticismo que adelanta los postulados del realismo y del naturalismo.

Datos de la obra antes de adentrarnos en su análisis 

El vagón de tercera clase de Daumier fue pintado en 1864. Es un óleo sobre tela de pequeño tamaño ya que solo tiene 0,67 x 0,93 metros. El original se conserva en la National Gallery of Canada situada en Otawa. Ha llegado hasta nosotros otras dos versiones inacabadas y una de ellas es sobre tabla. Esto es, el tema le fue querido al pintor. La obra puede considerarse de transición en la historia del arte ya que no tiene todas las características del arte del Romanticismo y adelanta, como Los fusilamientos del 3 de mayo, el expresionismo. También adquiere tintes del realismo literario e, incluso, del naturalismo, al presentar ante el espectador una narración con clara denuncia social.  

En este sentido tenemos que recordar que el Manifiesto comunista es de 1848 y la época se caracteriza por un avance de la burguesía que desplaza a la decadente y extractiva aristocracia. Los cambios económicos, además, empujan a una enorme masa de campesinos hacia las ciudades con la promesa de una mejor vida en las modernas fábricas. Todo estas circunstancias generan una legión de obreros que, a duras penas, logran alcanzar el sueño de una existencia mejor. La enorme desigualdad fue el caldo de cultivo para sucesivas revoluciones y también para los movimientos sindicales de la época. El vagón de tercera clase se encuadra en este contexto histórico en el que el mundo conocido y heroico de personajes nobles queda atrás. Ahora la mirada se centra en una nueva realidad. 

El vagon de tercera clase de Daumier 

Características estéticas principales de El vagón de tercera clase

Muy resumidamente y esquemáticamente tenemos:  

1.- El Romanticismo supone un rechazo de la convención (abonada por la cultura del Neoclasicismo) renegando de cualquier modelo tradicional. Entran, por tanto, en escena personajes nuevos nunca tratados como protagonistas. En la obra que nos ocupa son la anciana que sujeta un cesto con fuerza, una joven que amamanta y un niño adormecido. El gentío que se agolpa detrás actúa a la vez como escenario y, también, da contexto a la obra. Estamos en un espacio saturado e incómodo donde se apiñan quienes no pueden permitirse un mínimo de confort. 

2.- Se retrata además los inventos modernos tal cual es el ferrocarril que da un vuelco a las comunicaciones. 

3.- El siglo XIX es la época de la lucha por las libertades en todos los planos. El más evidente es el social con la confrontación de los de abajo contra una élite decadente, extractiva y corrupta. En el plano económico se produce el avance de la burguesía, de aquellos que llegan a la riqueza simplemente con astucia, inventiva, buena suerte e, incluso malas artes. El obrero de las ciudades aparece como una nueva clase social: pobre, desgajado de su lugar de origen y perdido. Se le niega cualquier asidero emocional como el que sí conservarían los humildes campesinos apegados a la tierra. En este sentido, El vagón de tercera clase no retrata a grandes personajes sino a seres anónimos en su día a día. Esto último supone una novedad en la historia del arte. 

4.- Por otro lado, el Romanticismo da un vuelco al concepto de lo bello. Ya no reside en lo canónicamente considerado como tal. Lo bello está en la mirada, esto es, se traslada al receptor. Estamos, por tanto y reduciendo mucho, ante ese “poesía eres tú” de Bécquer

5.- El artista se erige en el comunicador entre dos realidades distintas: una etérea e incognoscible donde surge el arte y aquella mundana donde se desarrolla la vida cotidiana. Desgarrado de este mundo por su incomprensión, solo le queda la creación de los mundos posibles. Y estas puertas pueden encontrarse en cualquier rincón de la realidad tal cual asistimos en El vagón de tercera clase de Daumier. 

6.- Paralelamente se olvida la serenidad de la cultura neoclásica y su afán de razón. A partir de mediados del siglo XIX el arte no se centra en escena heroicas o en personajes preeminentes de la sociedad. Como en La balsa de la medusa, serán protagonistas individuos anónimos. Todo esto dará (en unas décadas) un giro aún más radical con las denominadas vanguardias históricas: surrealismo, futurismo, fauvismo…  Las bases se sientan ahora. 

7.- Por tanto, es inevitable que el arte se tiña de tintes políticos a pesar de que se proclama que la razón del arte radica en sí mismo. El vagón de tercera clase, por tanto, adquiere denuncia social al presentarnos a esos personajes pobres aferrados (como la anciana protagonista) a lo poco que se tiene para poder sobrevivir.  Esto es, ya no se mira a la élite aristocrática decadente, corrupta y extractiva sino a las clases sociales más humildes y desfavorecidas. A la par se niega el mecenazgo de la burguesía, considerados como arribistas que aún no han descubierto el poder de lo bello. En estas décadas la pintura (y el resto de las manifestaciones artísticas) va despojándose de idealización para confluir, primero, con los postulados del realismo y del naturalismo después. 

8.- En esta línea la obra El vagón de tercera clase nos muestra un retazo de la vida cotidiana de los más desfavorecidos, de aquellos campesinos u obreros que viven para el trabajo (de ahí el cansancio de la figura central). Al retratarlos en su cruda realidad no solo se pone en foco en los desfavorecidos que nunca habían sido protagonistas de un pintura sino también se lleva a cabo un potente crítica social. 

9.- Se hace hincapié en el interior que se transparenta en el exterior. El arte ya no sirve para dar cuenta de grandes batallas o de personajes de la élite. La realidad se impone y con ella hay un cambio en la historia. El presente, por tanto, adquiere la importancia de los hechos históricos. La misma supervivencia se convierte en un acto heroico que merece ser narrado e inmortalizado.  

Análisis de El vagón de tercera clase de Daumier

También esquemáticamente tenemos: 

1.- Son los desfavorecidos los protagonistas, seres anónimos que ni han posado para crear un relato mítico ni entran con nombre propio en la historia. Estamos en la realidad de la intrahistoria, la que se crea día a día con actos cotidianos. 

2.- Es el creador y el espectador con su complicidad quien crea lo bello. El concepto ya no viene dado por la naturaleza o por el aval de la historia. En este sentido, Daumier se adelanta a algunas obras de Vicent van Gogh, como la conocida Los comedores de patatas

3.- La obra, de pequeño tamaño, capta el momento de una realidad conocida: el vagón donde se apiñan los más humildes. A la par, pone de relieve las figuras femeninas centrales acompañadas por un bebé y un niño quien muestra el mismo agotamiento que las mujeres. La más joven amamanta sin alegría a su bebé. La vieja aparece con aspecto cansado agarrando con fuerza la cesta como si de su interior dependiera su vida. El cansancio es la tónica incluso en la figura del niño que se encuentra en la esquina. 

4.- El trazo ya aparece difuminado y los claroscuros potencian el efecto de luz que cae sobre la figura central. 

5.- El ambiente se nos antoja asfixiante.  

Comentario de El vagón de tercera clase 

Como las de Goya, es una obra totalmente moderna ya que se abandonan los modelos idealizados del pasado para centrarse en una aquí y ahora. Ese cronotopo incide en la mirada de los más humildes que se vuelven protagonistas y no lo hacen por su heroísmo o porque hayan realizado hechos reseñables. En este caso se da un paso más en el expuesto en La balsa de la Medusa. Lo hacen porque se vuelven protagonistas de la historia con su existencia mundana. 

La pintura, por tanto, adelanta los postulados del expresionismo en arte con su búsqueda de la narración de los sentimientos interiores. En este caso asistimos al cansancio, a la derrota, al agarrarse a la existencia a toda costa. Esto se simbolizada en las manos que cogen las asas del canasto con fuerza. En definitiva, las puertas para el naturalismo (que tan buenos frutos dio en la literatura francesa) se encuentran abiertas. 

El arte, en definitiva, se despoja de cualquier finalidad impuesta desde fuera y su única función es reflejar lo bello. Lo bello, además, puede encontrarse en cualquier parte. Una de las características del arte del Romanticismo es que dinamita todos los conceptos preestablecidos tradicionalmente.  Y un buen ejemplo es la obra que estamos estudiando: El vagón de tercera clase

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

 

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El arte es lo que queda cuando todo ha pasado. Es lo inmutable dentro del cambio. Es la belleza en un mundo en caos. El arte es parte importante de este sitio. Intentamos comprenderlo. 

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Honoré Daumier (1808-1879) fue conocido y reconocido en su época por sus trabajos como ilustrador satírico. Por ello tuvo problemas con la justicia ya que se atrevió a publicar una caricatura de Luis Felipe de Orleans. La osadía le costó seis meses de cárcel. Aunque con la vuelta de la censura en Francia (1835-1848) dejó aparcada esta faceta, nunca abandonó su veta política (o más bien de denuncia social). Y con este prisma tenemos que leer El vagón de tercera clase, obra cumbre del la pintura del Romanticismo que adelanta los postulados del realismo y del naturalismo.

Datos de la obra antes de adentrarnos en su análisis 

El vagón de tercera clase de Daumier fue pintado en 1864. Es un óleo sobre tela de pequeño tamaño ya que solo tiene 0,67 x 0,93 metros. El original se conserva en la National Gallery of Canada situada en Otawa. Ha llegado hasta nosotros otras dos versiones inacabadas y una de ellas es sobre tabla. Esto es, el tema le fue querido al pintor. La obra puede considerarse de transición en la historia del arte ya que no tiene todas las características del arte del Romanticismo y adelanta, como Los fusilamientos del 3 de mayo, el expresionismo. También adquiere tintes del realismo literario e, incluso, del naturalismo, al presentar ante el espectador una narración con clara denuncia social.  

En este sentido tenemos que recordar que el Manifiesto comunista es de 1848 y la época se caracteriza por un avance de la burguesía que desplaza a la decadente y extractiva aristocracia. Los cambios económicos, además, empujan a una enorme masa de campesinos hacia las ciudades con la promesa de una mejor vida en las modernas fábricas. Todo estas circunstancias generan una legión de obreros que, a duras penas, logran alcanzar el sueño de una existencia mejor. La enorme desigualdad fue el caldo de cultivo para sucesivas revoluciones y también para los movimientos sindicales de la época. El vagón de tercera clase se encuadra en este contexto histórico en el que el mundo conocido y heroico de personajes nobles queda atrás. Ahora la mirada se centra en una nueva realidad. 

El vagon de tercera clase de Daumier 

Características estéticas principales de El vagón de tercera clase

Muy resumidamente y esquemáticamente tenemos:  

1.- El Romanticismo supone un rechazo de la convención (abonada por la cultura del Neoclasicismo) renegando de cualquier modelo tradicional. Entran, por tanto, en escena personajes nuevos nunca tratados como protagonistas. En la obra que nos ocupa son la anciana que sujeta un cesto con fuerza, una joven que amamanta y un niño adormecido. El gentío que se agolpa detrás actúa a la vez como escenario y, también, da contexto a la obra. Estamos en un espacio saturado e incómodo donde se apiñan quienes no pueden permitirse un mínimo de confort. 

2.- Se retrata además los inventos modernos tal cual es el ferrocarril que da un vuelco a las comunicaciones. 

3.- El siglo XIX es la época de la lucha por las libertades en todos los planos. El más evidente es el social con la confrontación de los de abajo contra una élite decadente, extractiva y corrupta. En el plano económico se produce el avance de la burguesía, de aquellos que llegan a la riqueza simplemente con astucia, inventiva, buena suerte e, incluso malas artes. El obrero de las ciudades aparece como una nueva clase social: pobre, desgajado de su lugar de origen y perdido. Se le niega cualquier asidero emocional como el que sí conservarían los humildes campesinos apegados a la tierra. En este sentido, El vagón de tercera clase no retrata a grandes personajes sino a seres anónimos en su día a día. Esto último supone una novedad en la historia del arte. 

4.- Por otro lado, el Romanticismo da un vuelco al concepto de lo bello. Ya no reside en lo canónicamente considerado como tal. Lo bello está en la mirada, esto es, se traslada al receptor. Estamos, por tanto y reduciendo mucho, ante ese “poesía eres tú” de Bécquer

5.- El artista se erige en el comunicador entre dos realidades distintas: una etérea e incognoscible donde surge el arte y aquella mundana donde se desarrolla la vida cotidiana. Desgarrado de este mundo por su incomprensión, solo le queda la creación de los mundos posibles. Y estas puertas pueden encontrarse en cualquier rincón de la realidad tal cual asistimos en El vagón de tercera clase de Daumier. 

6.- Paralelamente se olvida la serenidad de la cultura neoclásica y su afán de razón. A partir de mediados del siglo XIX el arte no se centra en escena heroicas o en personajes preeminentes de la sociedad. Como en La balsa de la medusa, serán protagonistas individuos anónimos. Todo esto dará (en unas décadas) un giro aún más radical con las denominadas vanguardias históricas: surrealismo, futurismo, fauvismo…  Las bases se sientan ahora. 

7.- Por tanto, es inevitable que el arte se tiña de tintes políticos a pesar de que se proclama que la razón del arte radica en sí mismo. El vagón de tercera clase, por tanto, adquiere denuncia social al presentarnos a esos personajes pobres aferrados (como la anciana protagonista) a lo poco que se tiene para poder sobrevivir.  Esto es, ya no se mira a la élite aristocrática decadente, corrupta y extractiva sino a las clases sociales más humildes y desfavorecidas. A la par se niega el mecenazgo de la burguesía, considerados como arribistas que aún no han descubierto el poder de lo bello. En estas décadas la pintura (y el resto de las manifestaciones artísticas) va despojándose de idealización para confluir, primero, con los postulados del realismo y del naturalismo después. 

8.- En esta línea la obra El vagón de tercera clase nos muestra un retazo de la vida cotidiana de los más desfavorecidos, de aquellos campesinos u obreros que viven para el trabajo (de ahí el cansancio de la figura central). Al retratarlos en su cruda realidad no solo se pone en foco en los desfavorecidos que nunca habían sido protagonistas de un pintura sino también se lleva a cabo un potente crítica social. 

9.- Se hace hincapié en el interior que se transparenta en el exterior. El arte ya no sirve para dar cuenta de grandes batallas o de personajes de la élite. La realidad se impone y con ella hay un cambio en la historia. El presente, por tanto, adquiere la importancia de los hechos históricos. La misma supervivencia se convierte en un acto heroico que merece ser narrado e inmortalizado.  

Análisis de El vagón de tercera clase de Daumier

También esquemáticamente tenemos: 

1.- Son los desfavorecidos los protagonistas, seres anónimos que ni han posado para crear un relato mítico ni entran con nombre propio en la historia. Estamos en la realidad de la intrahistoria, la que se crea día a día con actos cotidianos. 

2.- Es el creador y el espectador con su complicidad quien crea lo bello. El concepto ya no viene dado por la naturaleza o por el aval de la historia. En este sentido, Daumier se adelanta a algunas obras de Vicent van Gogh, como la conocida Los comedores de patatas

3.- La obra, de pequeño tamaño, capta el momento de una realidad conocida: el vagón donde se apiñan los más humildes. A la par, pone de relieve las figuras femeninas centrales acompañadas por un bebé y un niño quien muestra el mismo agotamiento que las mujeres. La más joven amamanta sin alegría a su bebé. La vieja aparece con aspecto cansado agarrando con fuerza la cesta como si de su interior dependiera su vida. El cansancio es la tónica incluso en la figura del niño que se encuentra en la esquina. 

4.- El trazo ya aparece difuminado y los claroscuros potencian el efecto de luz que cae sobre la figura central. 

5.- El ambiente se nos antoja asfixiante.  

Comentario de El vagón de tercera clase 

Como las de Goya, es una obra totalmente moderna ya que se abandonan los modelos idealizados del pasado para centrarse en una aquí y ahora. Ese cronotopo incide en la mirada de los más humildes que se vuelven protagonistas y no lo hacen por su heroísmo o porque hayan realizado hechos reseñables. En este caso se da un paso más en el expuesto en La balsa de la Medusa. Lo hacen porque se vuelven protagonistas de la historia con su existencia mundana. 

La pintura, por tanto, adelanta los postulados del expresionismo en arte con su búsqueda de la narración de los sentimientos interiores. En este caso asistimos al cansancio, a la derrota, al agarrarse a la existencia a toda costa. Esto se simbolizada en las manos que cogen las asas del canasto con fuerza. En definitiva, las puertas para el naturalismo (que tan buenos frutos dio en la literatura francesa) se encuentran abiertas. 

El arte, en definitiva, se despoja de cualquier finalidad impuesta desde fuera y su única función es reflejar lo bello. Lo bello, además, puede encontrarse en cualquier parte. Una de las características del arte del Romanticismo es que dinamita todos los conceptos preestablecidos tradicionalmente.  Y un buen ejemplo es la obra que estamos estudiando: El vagón de tercera clase

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

 

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Pintado en 1814, Los fusilamientos del 3 de mayo narra los hechos bélicos ocurridos en Madrid durante el 3 de mayo de 1808 en la órbita de la Guerra de Independencia. Tiene como compañera La carga de los mamelucos que retrata lo acontecido un día antes. Es una de las pinturas más importantes del genial Francisco de Goya (1746-1828) y su técnica, acercamiento y temática adelantan las características del Romanticismo. La obra es un lienzo de gran tamaño (2,66 x 3,45 m) que se custodia en el Prado, no solo uno de los imprescindibles museos de Madrid sino también del mundo. Con magistral enfoque, se aborda la despiadada represión hacia el pueblo español por parte de las tropas de ocupación francesas.   

Goya y el Siglo de las Luces 

Para entender la pintura nos debemos situar (como siempre) en el delicado contexto histórico en el que fue creada. 1814 fue también la fecha de regreso de Fernando VII (1784-1833) tras cinco años de exilio-cárcel en Francia. Con la vuelta del rey se pone fin no solo a la Guerra de la Independencia sino también a los sueños liberales del particular Siglo de las Luces español.  La constitución de Cádiz del 19 de marzo de 1812 queda abolida. Y con ella se va al traste el ideal ilustrado de una nación basada en la separación de poderes y en la libertad de prensa, cimientos necesarios para un mínimo desarrollo social y económico. Con el monarca regresa el absolutismo y actos de ensañamiento hacia quienes lucharon con ánimo patriótico contra los franceses.  Las élites (con la corte alrededor), aliada con un clero retrógrado al máximo (recordemos que el fin de la Inquisición es del año 1834), mantenían al grueso de la población en un profundo atraso cultural y económico. Por tanto, el particular Neoclasicismo español (que solo llegó a un puñado de intelectuales) quedó liquidado para siempre. A la par, se abrió un periodo de confrontación entre las fuerzas conservadoras más radicales y aquellos que veían cada vez más lejos la casi utopía liberal. Tan nefasto fue el reinado de Fernando VII que España tardó más de siglo y medio en confluir social y culturalmente con Europa. 

En definitiva, España empezó el siglo XVIII socialmente atrasada y lo acabó arrasada. Atrás quedaron los principios de aquel puñado de ilustrados que pretendía acabar con el oscurantismo cultural que lleva, inevitablemente, al atraso político, social y económico. España entró en una dinámica de choques constantes entre las fuerzas liberales contra las tradicionales que la arrastró por sucesivos conflictos bélicos cada vez más destructivos. Fue de tal envergadura esta espiral de confrontaciones que el país no alcanzó un punto de desarrollo hasta casi finales el siglo XX. En este sentido, como veremos, Los fusilamientos del 3 de mayo actúa como un símbolo.  A un lado, tenemos el espíritu de lucha y,  al otro, las fuerzas de represión. Sin embargo, el lienzo, alcanzando la apoteosis de la contradicción, coloca ese poder destructor en manos del ejército de una nación admirada por las élites intelectuales de la época. 

Efectivamente, con la invasión del ejército de Napoleón las contradicciones intelectuales de los llamados afrancesados llegaron a un punto de inflexión. Eran estas personas de alto nivel social y académico que, de buena fe, defendían los avances europeos (especialmente los llegados de Francia) como objetivo a seguir. Su patriotismo (en otra contradicción) les hacía ver lo de fuera como deseable para el desarrollo de un país sumido, por entonces, en el pesimismo y en el atraso. El choque (a niveles personales incluso) llegó al máximo cuando asistieron a la barbarie (en forma de saqueos, violaciones y crímenes) perpetrada por el ejército de la nación que admiraban.  

Goya, según las últimas investigaciones, era de ánimo tan escéptico que es difícil dilucidar su filiación política. Y todo ello a pesar de que gran parte de su obra (especialmente la última) se caracteriza por ser crítica con los hechos históricos que le tocó vivir. Si embargo, si algo está claro en el sentir del artista, es su profundo desacuerdo (a través de una narración basada en un realismo atroz) con los despiadados actos de guerra y el reguero de ensañamiento y crueldad extrema. Para Goya, la razón, tal cual promulgaba la cultura del Neoclasicismo, era la diosa que podía espantar todos los fantasmas y oscuridades del alma humana. Sin embargo, esa misma razón, podía enarbolar cualquier excusa para llevar a cabo actos deleznables. El artista, por tanto, se siente atrapado en las redes de sus ideales y la única salida que encuentra es encaminarse por el sendero contrario.

Los fusilamientos del 3 de mayo 

Características de los fusilamientos del 3 de mayo de Goya  

Muy resumidamente y esquemáticamente tenemos lo siguiente:  

1.- El lienzo está dividido en dos partes, a un lado se encuentra el pelotón de fusilamiento (tratado como masa informe) y al otro, las víctimas, bien muertas, bien sumidas en el horror ante el inminente fin. 

2.- La escena ocurre de noche con todo su sentido simbólico. Nos remite, por tanto, al  fin de una era y también a la bajada a los infiernos.  

3.- El foco de luz está magistralmente orientado hacia la figura protagonista situada en cruz en actitud de súplica. La iluminación proviene de un farol situado en el suelo y se proyecta hacia las víctimas. En un acto de cinismo, los soldados se niegan a ir a ciegas.  

4.- El protagonista central (vestido de blanco y con ropas claras) tiene una clara referencia de intertextualidad a la figura de Cristo. Nos remite, así, tanto a la inocencia como a la salvación. Goya en Los fusilamientos del 3 de mayo, de alguna manera u otra, nos dice que esos días también sirvieron para que el pueblo se enfrentara con sus demonios. ¡Otra cosa distinta es que los venciera!  

5.- Aunque el cuadro está dividido en dos partes diferenciadas, la geometría se vuelve difusa incidiendo en la sensación de caos, especialmente en el lado de las víctimas. 

6.- El ser humano en la obra ha sido despojado de su esencia convirtiéndose en una jauría que acata órdenes sin pensar (el ejército) o en personas sin un ápice de heroísmo aterradas ante el fin inminente. 

7.- Y esta es otra de las características de Los fusilamientos del 3 de mayo. No hay héroes. No hay hazañas. La narración ha sido reducida  (y a la vez elevada) a un sentimiento primitivo (a instinto casi): al miedo. No encontramos contención ni aceptación ni honor (término tan traído en la cultura española). Lo que se nos ofrece es el símbolo del terror y de la sinrazón de la guerra.  

8.- Se ha eliminado cualquier referencia a la naturaleza y la montaña se ha despojado de grandiosidad al convertirla en un simple montón de tierra que impide la huida de los hombres.

9.- Aunque el edificio del fondo es plenamente reconocible, el tratamiento está realizado de tal manera que se hace universal. 

10.- La pincelada se hace suelta concentrando la temática aún más. Goya da un paso en la evolución de la pintura adelantándose a algunas características del impresionismo, aunque su lenguaje es, tanto en el plano del significado como en el significante, oscuro.   

Análisis de la pintura

Tenemos por tanto que el artista pone en evidencia la contradicción de su tiempo.  Por un lado, se admiraba por parte de la élite la brillantez de Europa frente al fanatismo y la superstición española. Sin embargo, se produjo un salvaje camino de vuelta en forma de una ocupación humillante perpetrada por el ejército de un país que era modelo para los ilustrados españoles. La obra, por tanto, deja la historia de España en un callejón sin salida. El artista, que no se había señalado políticamente, como hemos visto, se pone de parte del inocente, del protagonista anónimo que paga con su vida, de aquellos que siempre pierden y son las víctimas fáciles. En definitiva, Goya se pone de parte del pueblo. En este sentido, Los fusilamientos del 3 de mayo, con su particular nacionalismo, es un claro ejemplo de pintura del Romanticismo.  

Y no es plenamente romántica únicamente por esto sino también por su alusión a lo monstruoso. Y lo hace de la forma más universal posible: poniendo de manifiesto el poso de oscuridad que habita en el alma humana. El artista debió quedarse impresionado por la crueldad de los actos de guerra tal como plasmó en Los desastres de la guerra, una obra, recodemos, que no fue por encargo ni como pintor de corte. En este sentido, actúa como cualquier artista romántico: poniendo ante los ojos del receptor (del espectador en este caso) esos tenebrosos mundos posibles que se agazapan en el interior del alma humana.  

Por otro lado, encontramos otra huella romántica en esa individualidad (la figura de blanco) contrapuesta a lo colectivo (el pelotón de fusilamiento). Goya, por tanto, en Los fusilamientos del 3 de mayo nos pone ante los ojos un planteamiento moderno de la esencia humana capaz de lo peor y de lo mejor, aunque este mejor se diluya con el terror ante la muerte.  

Comentario a Los fusilamientos del 3 de mayo 

Las últimas obras de Goya (como las pinturas negras de la Quinta del Sordo) son un alegato contra la ignorancia (y no solo del pueblo español de la época), la incultura y la superstición. En este sentido, se adelanta a las corrientes vanguardistas que llegarían después dando un salto estilístico de un siglo casi. No en vano se ha puesto en correlación estas últimas creaciones con las características del expresionismo. La pintura, en definitiva, refleja el horror (en cualquier expresión) tal cual lo haría posteriormente E. Munch en su conocida El grito (1893).  

No hay héroes y los villanos han sido desdibujados de tal manera que han sido despojados de su humanidad. El ejército actúa en masa y de forma anónima sin razonar. Cumple órdenes. No cabe la libertad ni la individualidad. En el otro bando, el desorden y el terror expresado en los rostros y los gestos de los que van a morir los degrada del cualquier categoría heroica. No afrontan su fin con estoicismo, valentía, arrojo, gallardía o serenidad. Más bien piden clemencia hasta el último momento. Es el terror el que se apodera de los protagonistas. Y es el miedo a la noche eterna lo que rodea a todos los implicados.  

Los fusilamientos del 3 de mayo de Goya se convierte, así, en una denuncia de las atrocidades de cualquier guerra. Si bien retrata un hecho histórico puntual, la magistral mirada del artista ha logrado elevar el lienzo a la categoría de símbolo universal. Y este es válido no solo para la contienda narrada sino también para las que llegarían después, aún más despiadadas en tanto y en cuanto se puso en marcha una engrasada máquina de destrucción. Los fusilamientos del 3 de mayo, por tanto, actúa como trasunto de la crueldad y de la sinrazón de la guerra con su reguero de sangre, lodazal y crueldad extrema. 

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

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El arte es lo que queda cuando todo ha pasado. Es lo inmutable dentro del cambio. Es la belleza en un mundo en caos. El arte es parte importante de este sitio. Intentamos comprenderlo. 

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Pintado en 1814, Los fusilamientos del 3 de mayo narra los hechos bélicos ocurridos en Madrid durante el 3 de mayo de 1808 en la órbita de la Guerra de Independencia. Tiene como compañera La carga de los mamelucos que retrata lo acontecido un día antes. Es una de las pinturas más importantes del genial Francisco de Goya (1746-1828) y su técnica, acercamiento y temática adelantan las características del Romanticismo. La obra es un lienzo de gran tamaño (2,66 x 3,45 m) que se custodia en el Prado, no solo uno de los imprescindibles museos de Madrid sino también del mundo. Con magistral enfoque, se aborda la despiadada represión hacia el pueblo español por parte de las tropas de ocupación francesas.   

Goya y el Siglo de las Luces 

Para entender la pintura nos debemos situar (como siempre) en el delicado contexto histórico en el que fue creada. 1814 fue también la fecha de regreso de Fernando VII (1784-1833) tras cinco años de exilio-cárcel en Francia. Con la vuelta del rey se pone fin no solo a la Guerra de la Independencia sino también a los sueños liberales del particular Siglo de las Luces español.  La constitución de Cádiz del 19 de marzo de 1812 queda abolida. Y con ella se va al traste el ideal ilustrado de una nación basada en la separación de poderes y en la libertad de prensa, cimientos necesarios para un mínimo desarrollo social y económico. Con el monarca regresa el absolutismo y actos de ensañamiento hacia quienes lucharon con ánimo patriótico contra los franceses.  Las élites (con la corte alrededor), aliada con un clero retrógrado al máximo (recordemos que el fin de la Inquisición es del año 1834), mantenían al grueso de la población en un profundo atraso cultural y económico. Por tanto, el particular Neoclasicismo español (que solo llegó a un puñado de intelectuales) quedó liquidado para siempre. A la par, se abrió un periodo de confrontación entre las fuerzas conservadoras más radicales y aquellos que veían cada vez más lejos la casi utopía liberal. Tan nefasto fue el reinado de Fernando VII que España tardó más de siglo y medio en confluir social y culturalmente con Europa. 

En definitiva, España empezó el siglo XVIII socialmente atrasada y lo acabó arrasada. Atrás quedaron los principios de aquel puñado de ilustrados que pretendía acabar con el oscurantismo cultural que lleva, inevitablemente, al atraso político, social y económico. España entró en una dinámica de choques constantes entre las fuerzas liberales contra las tradicionales que la arrastró por sucesivos conflictos bélicos cada vez más destructivos. Fue de tal envergadura esta espiral de confrontaciones que el país no alcanzó un punto de desarrollo hasta casi finales el siglo XX. En este sentido, como veremos, Los fusilamientos del 3 de mayo actúa como un símbolo.  A un lado, tenemos el espíritu de lucha y,  al otro, las fuerzas de represión. Sin embargo, el lienzo, alcanzando la apoteosis de la contradicción, coloca ese poder destructor en manos del ejército de una nación admirada por las élites intelectuales de la época. 

Efectivamente, con la invasión del ejército de Napoleón las contradicciones intelectuales de los llamados afrancesados llegaron a un punto de inflexión. Eran estas personas de alto nivel social y académico que, de buena fe, defendían los avances europeos (especialmente los llegados de Francia) como objetivo a seguir. Su patriotismo (en otra contradicción) les hacía ver lo de fuera como deseable para el desarrollo de un país sumido, por entonces, en el pesimismo y en el atraso. El choque (a niveles personales incluso) llegó al máximo cuando asistieron a la barbarie (en forma de saqueos, violaciones y crímenes) perpetrada por el ejército de la nación que admiraban.  

Goya, según las últimas investigaciones, era de ánimo tan escéptico que es difícil dilucidar su filiación política. Y todo ello a pesar de que gran parte de su obra (especialmente la última) se caracteriza por ser crítica con los hechos históricos que le tocó vivir. Si embargo, si algo está claro en el sentir del artista, es su profundo desacuerdo (a través de una narración basada en un realismo atroz) con los despiadados actos de guerra y el reguero de ensañamiento y crueldad extrema. Para Goya, la razón, tal cual promulgaba la cultura del Neoclasicismo, era la diosa que podía espantar todos los fantasmas y oscuridades del alma humana. Sin embargo, esa misma razón, podía enarbolar cualquier excusa para llevar a cabo actos deleznables. El artista, por tanto, se siente atrapado en las redes de sus ideales y la única salida que encuentra es encaminarse por el sendero contrario.

Los fusilamientos del 3 de mayo 

Características de los fusilamientos del 3 de mayo de Goya  

Muy resumidamente y esquemáticamente tenemos lo siguiente:  

1.- El lienzo está dividido en dos partes, a un lado se encuentra el pelotón de fusilamiento (tratado como masa informe) y al otro, las víctimas, bien muertas, bien sumidas en el horror ante el inminente fin. 

2.- La escena ocurre de noche con todo su sentido simbólico. Nos remite, por tanto, al  fin de una era y también a la bajada a los infiernos.  

3.- El foco de luz está magistralmente orientado hacia la figura protagonista situada en cruz en actitud de súplica. La iluminación proviene de un farol situado en el suelo y se proyecta hacia las víctimas. En un acto de cinismo, los soldados se niegan a ir a ciegas.  

4.- El protagonista central (vestido de blanco y con ropas claras) tiene una clara referencia de intertextualidad a la figura de Cristo. Nos remite, así, tanto a la inocencia como a la salvación. Goya en Los fusilamientos del 3 de mayo, de alguna manera u otra, nos dice que esos días también sirvieron para que el pueblo se enfrentara con sus demonios. ¡Otra cosa distinta es que los venciera!  

5.- Aunque el cuadro está dividido en dos partes diferenciadas, la geometría se vuelve difusa incidiendo en la sensación de caos, especialmente en el lado de las víctimas. 

6.- El ser humano en la obra ha sido despojado de su esencia convirtiéndose en una jauría que acata órdenes sin pensar (el ejército) o en personas sin un ápice de heroísmo aterradas ante el fin inminente. 

7.- Y esta es otra de las características de Los fusilamientos del 3 de mayo. No hay héroes. No hay hazañas. La narración ha sido reducida  (y a la vez elevada) a un sentimiento primitivo (a instinto casi): al miedo. No encontramos contención ni aceptación ni honor (término tan traído en la cultura española). Lo que se nos ofrece es el símbolo del terror y de la sinrazón de la guerra.  

8.- Se ha eliminado cualquier referencia a la naturaleza y la montaña se ha despojado de grandiosidad al convertirla en un simple montón de tierra que impide la huida de los hombres.

9.- Aunque el edificio del fondo es plenamente reconocible, el tratamiento está realizado de tal manera que se hace universal. 

10.- La pincelada se hace suelta concentrando la temática aún más. Goya da un paso en la evolución de la pintura adelantándose a algunas características del impresionismo, aunque su lenguaje es, tanto en el plano del significado como en el significante, oscuro.   

Análisis de la pintura

Tenemos por tanto que el artista pone en evidencia la contradicción de su tiempo.  Por un lado, se admiraba por parte de la élite la brillantez de Europa frente al fanatismo y la superstición española. Sin embargo, se produjo un salvaje camino de vuelta en forma de una ocupación humillante perpetrada por el ejército de un país que era modelo para los ilustrados españoles. La obra, por tanto, deja la historia de España en un callejón sin salida. El artista, que no se había señalado políticamente, como hemos visto, se pone de parte del inocente, del protagonista anónimo que paga con su vida, de aquellos que siempre pierden y son las víctimas fáciles. En definitiva, Goya se pone de parte del pueblo. En este sentido, Los fusilamientos del 3 de mayo, con su particular nacionalismo, es un claro ejemplo de pintura del Romanticismo.  

Y no es plenamente romántica únicamente por esto sino también por su alusión a lo monstruoso. Y lo hace de la forma más universal posible: poniendo de manifiesto el poso de oscuridad que habita en el alma humana. El artista debió quedarse impresionado por la crueldad de los actos de guerra tal como plasmó en Los desastres de la guerra, una obra, recodemos, que no fue por encargo ni como pintor de corte. En este sentido, actúa como cualquier artista romántico: poniendo ante los ojos del receptor (del espectador en este caso) esos tenebrosos mundos posibles que se agazapan en el interior del alma humana.  

Por otro lado, encontramos otra huella romántica en esa individualidad (la figura de blanco) contrapuesta a lo colectivo (el pelotón de fusilamiento). Goya, por tanto, en Los fusilamientos del 3 de mayo nos pone ante los ojos un planteamiento moderno de la esencia humana capaz de lo peor y de lo mejor, aunque este mejor se diluya con el terror ante la muerte.  

Comentario a Los fusilamientos del 3 de mayo 

Las últimas obras de Goya (como las pinturas negras de la Quinta del Sordo) son un alegato contra la ignorancia (y no solo del pueblo español de la época), la incultura y la superstición. En este sentido, se adelanta a las corrientes vanguardistas que llegarían después dando un salto estilístico de un siglo casi. No en vano se ha puesto en correlación estas últimas creaciones con las características del expresionismo. La pintura, en definitiva, refleja el horror (en cualquier expresión) tal cual lo haría posteriormente E. Munch en su conocida El grito (1893).  

No hay héroes y los villanos han sido desdibujados de tal manera que han sido despojados de su humanidad. El ejército actúa en masa y de forma anónima sin razonar. Cumple órdenes. No cabe la libertad ni la individualidad. En el otro bando, el desorden y el terror expresado en los rostros y los gestos de los que van a morir los degrada del cualquier categoría heroica. No afrontan su fin con estoicismo, valentía, arrojo, gallardía o serenidad. Más bien piden clemencia hasta el último momento. Es el terror el que se apodera de los protagonistas. Y es el miedo a la noche eterna lo que rodea a todos los implicados.  

Los fusilamientos del 3 de mayo de Goya se convierte, así, en una denuncia de las atrocidades de cualquier guerra. Si bien retrata un hecho histórico puntual, la magistral mirada del artista ha logrado elevar el lienzo a la categoría de símbolo universal. Y este es válido no solo para la contienda narrada sino también para las que llegarían después, aún más despiadadas en tanto y en cuanto se puso en marcha una engrasada máquina de destrucción. Los fusilamientos del 3 de mayo, por tanto, actúa como trasunto de la crueldad y de la sinrazón de la guerra con su reguero de sangre, lodazal y crueldad extrema. 

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

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Una de las características del arte del Romanticismo radica que, por primera vez en la historia, los artistas necesitan posicionarse no ya en el plano social, económico o político sino con respecto a la misma historia del arte. Aunque el movimiento data de finales del siglo XVIII, se extiende hasta mediados del siglo XIX. Aparece primero en Alemania e Inglaterra y se va extendiendo al resto de países europeos y americanos. Y, además, en todo este periodo hay un choque entre las ideas novedosas (románticas) y el Neoclasicismo de la etapa anterior. Otro punto importante es que se genera una ruptura radical con la tradición, la misma que se afianzaría con las vanguardias al calor de los nuevos inventos y hechos históricos. Vemos estos aspectos uno por uno. 

Principales características del arte del Romanticismo 

1.- Al contrario que el arte clásico, ligado a los parámetros del arte romano, griego y renacentista, el romántico mira a la Edad Media. Hay autores que llevan a más la distinción. El arte clásico, propio del Mediterráneo donde nació, se contrapone al nórdico y su gusto por una naturaleza poblada por fuerzas mágicas y seres extraordinarios. 

2.- Es en el Romanticismo cuando se promulga la independencia del arte por el arte desligado de cualquier utilidad social. Esta premisa alcanzará su cenit en siglo XX con las denominadas vanguardias históricas (dadaísmo y futurismo especialmente) que dan un paso más allá en esta idea al defender la inutilidad de cualquier expresión artística.  

3.- Paralelamente, el artista romántico se desliga de cualquier carga histórica. Y pretende abordar las problemáticas y temáticas de su tiempo de una forma sincrónica. Esto es, queda eliminada cualquier referencia a los mitos, a la cultura, a la estética o a la literatura clásica para centrarse en el presente. Es el momento de dejar constancia de los hechos contemporáneos adquiriendo, a la par, un cariz de denuncia. Este extremo lo vemos, por poner dos ejemplos bien conocidos, en La balsa de la Medusa de Gericault, ambientada en un hecho real recogido por la prensa de la época, o Los fusilamientos del tres de mayo de Francisco de Goya. La libertad guiando al pueblo de Eugène Delacroix puede completar estos ejemplos, aunque la pintura tiene un marcado matiz simbólico.  

4.- Otra de las características del arte del Romanticismo que vemos también en todos los géneros literarios es el tratamiento de la naturaleza, que se convierte en un personaje u actor más. Ya no estamos ante un decorado o ante un paisaje que aporta significado a la obra en tanto en cuanto arropa a los protagonistas. Ahora la naturaleza se reviste con sentimientos y actúa con su propia fuerza. Hay un gusto por los ambientes de tormentas o peligrosos que pasan a significar las pasiones, dramas o sentimientos humanos tratados en las obras. Lo vemos en literatura, por poner un caso, en Don Álvaro o la fuerza del sino del Duque de Rivas. El autor elige un paisaje montañoso mientras caen chuzos de punta para la narración del suicidio de su protagonista. Este extremo también está presente en las Leyendas de Bécquer, un autor andaluz que se apunta a este nuevo imaginario nórdico poblado por seres extraños, etéreos o directamente fantasmales. La naturaleza, en definitiva, es vista con los ojos del iluminismo y, por tanto, es susceptible de ser corregida y adaptada para amoldarse a los sentimientos humanos.  

5.- Las pasiones se erigen frente a la razón. Así, nos encontramos con pinturas en las que se ensalza el movimiento (la emoción) frente al quietismo, que se encuentra dentro de la definición de Neoclasicismo, el movimiento cultural inmediatamente anterior. La pintura del Romanticismo, en definitiva, gusta de fuerzas en movimiento. 

A tener en cuenta en el arte romántico 

6.- El horror, lo deforme e, incluso lo grotesco, tal cual sucede con el arte barroco, se convierte en la puerta de entrada para conocer lo sublime. Y esto siempre habita en un más allá vetado a los no iniciados que el artista se encarga de descubrir para los profanos. 

7.- Estas ideologías estéticas que son características del arte del Romanticismo se traspasan al plano de la realidad social. El artista se convierte en un rebelde, en alguien que se enfrenta al sistema. Las obras, por tanto, alimentan movimientos políticos de diversa índole: desde los procesos de emancipación de los distintos países de América hasta las revoluciones burguesas contra los modelos monárquicos y de la iglesia. Con el Romanticismo, además, se dan carta de naturaleza a los primeros derechos civiles universales que se volverían imparables conforme se va desarrollando el siglo XIX. El retrato del artista de la época es el de un bohemio, de un burgués (que los ascensores sociales aún no estaban en marcha) que rechaza la sociedad a la que pertenece, la incipiente mecanización, las ciudades ennegrecidas por la polución de las fábricas y el sistema capitalista que aparca la originalidad personal.  

La historia y el posicionamiento político de los artistas más allá de la estética 

8.- Los hechos históricos (Revolución Francesa, guerras de independencia, crueldades…) hacen abjurar a los artistas de los dones de la razón que se había ensalzado en el periodo inmediatamente anterior con el Neoclasicismo. Esto desemboca en otra de las características del arte del Romanticismo: la búsqueda de la verdad en los sueños, en los mundos que están al otro lado, en los emplazamientos oscuros del espíritu. De alguna manera u otra, estos creadores adelantan los postulados del inconsciente según Freud publicados décadas más tarde.  

9.- Estos choques entre lo desconocido y el mundo de la realidad, del deber, de las obligaciones, de las normas sociales generan en el artista un fuerte sentimiento de soledad que va parejo a la rebeldía que es intrínseca en el periodo. Por primera vez en la historia se niegan los mecenazgos priorizando la individualidad y la libertad frente a la seguridad económica con todo lo que conlleva. Esto genera en ciertos artistas (el caso de Goya es uno de los más evidentes) un sentimiento de frustración, de intenso dolor espiritual y de ira anímica que se transparentan en sus obras (las pinturas negras por ejemplo por seguir con el mismo pintor). 

10.- Otra de las características del arte del Romanticismo es la elevación del concepto sublime que va más allá de lo concebido como hermoso o delicado. Lo sublime ahora se puede encontrar en seres monstruosos y alejados de cualquier clasificación social (Drácula y Frankenstein, por poner los dos más famosos, son románticos como lo es el Jorobado de Notre Dame). La deformidad, por tanto, se transforma en belleza o en fuente de verdad. Es la que abre las puertas hacia el otro lado. En este sentido, se distingue entre lo bello pintoresco y lo bello sublime. Lo primero corresponde a la realidad,  a lo que se puede pintar porque es reconocible a todos los ojos. Lo segundo, lo sublime, es una categoría subjetiva (entrando también el término en la estética romántica) y nos habla de un más allá difícil de categorizar y vetado a todo el que no está iniciado. El artista romántico se erige, así, en una suerte de chamán, en un guía, en un comunicador entre los dos mundos.  

El arte romántico es el de lo sentimientos pasionales 

11.-  Los sentimientos se erigen en los protagonistas absolutos. Estos se concretan en el plano de la pintura en obras que tienen a personajes captados en un momento de pasión e, incluso, de drama. Se abandonan los colores claros progresivamente hasta llegar a pinturas oscuras que quieren traer a la superficie la fuerza de ese momento fundamental en la vida de los protagonistas. Volvemos a los ejemplos anteriores:  Los fusilamientos del tres de mayo de Goya que retrata una ejecución en masa o La balsa de la Medusa que recoge el instante en el que los náufragos ven, a lo lejos, el barco que los va a rescatar de una muerte segura. 

12.- La pintura del Romanticismo va progresivamente abandonando los contornos y se difumina. Esta evolución se afianzaría con el impresionismo. Sin embargo, ahora mismo se olvidan los personajes famosos o reconocibles y los artistas se centran en el sentido simbólico de lo allí expresado. Los gestos van adquiriendo carácter simbólico en tanto en cuanto son representación de un sentimiento universal.   

13.- Paralelamente, se va olvidando cualquier representación amable, tanto de la realidad como de los sentimientos abstractos. Algunas obras, incluso, se han considerado antecedentes del expresionismo, uno de los movimientos de vanguardia del siglo XX. El caso más claro es, de nuevo, Francisco de Goya.  

14.- Todo ello hace que el artista se considere un guía moral para la sociedad aunque, por voluntad propia no pertenezca a ella o lo haga en parte. Como persona ajena a las imposiciones de las costumbres cívicas y que ve la realidad que se encuentra oculta, se auto-erige en un líder espiritual. Y sus obras tienen este objetivo. La contradicción está servida ya que, si bien postulan que el arte solo tiene utilidad como sí mismo, a la par, se reviste de un fuerte compromiso social al abrir las puertas de todos los mundos posibles.  

15.- Se toma a Miguel Ángel como ejemplo de artista total capaz de traer a la realidad mundana aquello que se encuentra en el otro lado, en la ultratumba, en lo desconocido más irónico. En el plano literario el modelo es Shakespeare quien, con sus obras de teatro isabelino, realizó un magistral catálogo de todas y cada una de las pasiones humanas.  

Y, por último se idealiza sobre manera el mundo medieval (tanto el gótico como el románico anterior) con su fuerte compromiso con los valores cristianos. Es otra de las contradicciones de las características del arte del Romanticismo que no tiene empacho en proclamar libertad y rebeldía a la par que mira hacia la sociedad medieval estructurada y  espiritual en extremo. En arquitectura, por ejemplo, vuelve el gusto por las almenas, por los castillos, por los parques que asemejan bosques, por la decoración de gárgolas que nos amenazan con seres misteriosos, monstruosos o fantasmales. Los mensajes del más allá propios de los santos medievales se transforman en el mundo romántico en conversaciones u encuentros con espíritus, fantasmas o seres demoniacos. Las puertas hacia un lado desconocido, por tanto, se van abriendo de par en par y, progresivamente, se van llenando de símbolos. Todo esto saltaría definitivamente por los aires a finales del siglo XIX con el desembarco de todas las vanguardias y su negativa a ser mimesis de la realidad. Entre otras cosas porque se había inventado la fotografía y el cine que cumplían esta misión. Eso es tema para otro día.  

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

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Una de las características del arte del Romanticismo radica que, por primera vez en la historia, los artistas necesitan posicionarse no ya en el plano social, económico o político sino con respecto a la misma historia del arte. Aunque el movimiento data de finales del siglo XVIII, se extiende hasta mediados del siglo XIX. Aparece primero en Alemania e Inglaterra y se va extendiendo al resto de países europeos y americanos. Y, además, en todo este periodo hay un choque entre las ideas novedosas (románticas) y el Neoclasicismo de la etapa anterior. Otro punto importante es que se genera una ruptura radical con la tradición, la misma que se afianzaría con las vanguardias al calor de los nuevos inventos y hechos históricos. Vemos estos aspectos uno por uno. 

Principales características del arte del Romanticismo 

1.- Al contrario que el arte clásico, ligado a los parámetros del arte romano, griego y renacentista, el romántico mira a la Edad Media. Hay autores que llevan a más la distinción. El arte clásico, propio del Mediterráneo donde nació, se contrapone al nórdico y su gusto por una naturaleza poblada por fuerzas mágicas y seres extraordinarios. 

2.- Es en el Romanticismo cuando se promulga la independencia del arte por el arte desligado de cualquier utilidad social. Esta premisa alcanzará su cenit en siglo XX con las denominadas vanguardias históricas (dadaísmo y futurismo especialmente) que dan un paso más allá en esta idea al defender la inutilidad de cualquier expresión artística.  

3.- Paralelamente, el artista romántico se desliga de cualquier carga histórica. Y pretende abordar las problemáticas y temáticas de su tiempo de una forma sincrónica. Esto es, queda eliminada cualquier referencia a los mitos, a la cultura, a la estética o a la literatura clásica para centrarse en el presente. Es el momento de dejar constancia de los hechos contemporáneos adquiriendo, a la par, un cariz de denuncia. Este extremo lo vemos, por poner dos ejemplos bien conocidos, en La balsa de la Medusa de Gericault, ambientada en un hecho real recogido por la prensa de la época, o Los fusilamientos del tres de mayo de Francisco de Goya. La libertad guiando al pueblo de Eugène Delacroix puede completar estos ejemplos, aunque la pintura tiene un marcado matiz simbólico.  

4.- Otra de las características del arte del Romanticismo que vemos también en todos los géneros literarios es el tratamiento de la naturaleza, que se convierte en un personaje u actor más. Ya no estamos ante un decorado o ante un paisaje que aporta significado a la obra en tanto en cuanto arropa a los protagonistas. Ahora la naturaleza se reviste con sentimientos y actúa con su propia fuerza. Hay un gusto por los ambientes de tormentas o peligrosos que pasan a significar las pasiones, dramas o sentimientos humanos tratados en las obras. Lo vemos en literatura, por poner un caso, en Don Álvaro o la fuerza del sino del Duque de Rivas. El autor elige un paisaje montañoso mientras caen chuzos de punta para la narración del suicidio de su protagonista. Este extremo también está presente en las Leyendas de Bécquer, un autor andaluz que se apunta a este nuevo imaginario nórdico poblado por seres extraños, etéreos o directamente fantasmales. La naturaleza, en definitiva, es vista con los ojos del iluminismo y, por tanto, es susceptible de ser corregida y adaptada para amoldarse a los sentimientos humanos.  

5.- Las pasiones se erigen frente a la razón. Así, nos encontramos con pinturas en las que se ensalza el movimiento (la emoción) frente al quietismo, que se encuentra dentro de la definición de Neoclasicismo, el movimiento cultural inmediatamente anterior. La pintura del Romanticismo, en definitiva, gusta de fuerzas en movimiento. 

A tener en cuenta en el arte romántico 

6.- El horror, lo deforme e, incluso lo grotesco, tal cual sucede con el arte barroco, se convierte en la puerta de entrada para conocer lo sublime. Y esto siempre habita en un más allá vetado a los no iniciados que el artista se encarga de descubrir para los profanos. 

7.- Estas ideologías estéticas que son características del arte del Romanticismo se traspasan al plano de la realidad social. El artista se convierte en un rebelde, en alguien que se enfrenta al sistema. Las obras, por tanto, alimentan movimientos políticos de diversa índole: desde los procesos de emancipación de los distintos países de América hasta las revoluciones burguesas contra los modelos monárquicos y de la iglesia. Con el Romanticismo, además, se dan carta de naturaleza a los primeros derechos civiles universales que se volverían imparables conforme se va desarrollando el siglo XIX. El retrato del artista de la época es el de un bohemio, de un burgués (que los ascensores sociales aún no estaban en marcha) que rechaza la sociedad a la que pertenece, la incipiente mecanización, las ciudades ennegrecidas por la polución de las fábricas y el sistema capitalista que aparca la originalidad personal.  

La historia y el posicionamiento político de los artistas más allá de la estética 

8.- Los hechos históricos (Revolución Francesa, guerras de independencia, crueldades…) hacen abjurar a los artistas de los dones de la razón que se había ensalzado en el periodo inmediatamente anterior con el Neoclasicismo. Esto desemboca en otra de las características del arte del Romanticismo: la búsqueda de la verdad en los sueños, en los mundos que están al otro lado, en los emplazamientos oscuros del espíritu. De alguna manera u otra, estos creadores adelantan los postulados del inconsciente según Freud publicados décadas más tarde.  

9.- Estos choques entre lo desconocido y el mundo de la realidad, del deber, de las obligaciones, de las normas sociales generan en el artista un fuerte sentimiento de soledad que va parejo a la rebeldía que es intrínseca en el periodo. Por primera vez en la historia se niegan los mecenazgos priorizando la individualidad y la libertad frente a la seguridad económica con todo lo que conlleva. Esto genera en ciertos artistas (el caso de Goya es uno de los más evidentes) un sentimiento de frustración, de intenso dolor espiritual y de ira anímica que se transparentan en sus obras (las pinturas negras por ejemplo por seguir con el mismo pintor). 

10.- Otra de las características del arte del Romanticismo es la elevación del concepto sublime que va más allá de lo concebido como hermoso o delicado. Lo sublime ahora se puede encontrar en seres monstruosos y alejados de cualquier clasificación social (Drácula y Frankenstein, por poner los dos más famosos, son románticos como lo es el Jorobado de Notre Dame). La deformidad, por tanto, se transforma en belleza o en fuente de verdad. Es la que abre las puertas hacia el otro lado. En este sentido, se distingue entre lo bello pintoresco y lo bello sublime. Lo primero corresponde a la realidad,  a lo que se puede pintar porque es reconocible a todos los ojos. Lo segundo, lo sublime, es una categoría subjetiva (entrando también el término en la estética romántica) y nos habla de un más allá difícil de categorizar y vetado a todo el que no está iniciado. El artista romántico se erige, así, en una suerte de chamán, en un guía, en un comunicador entre los dos mundos.  

El arte romántico es el de lo sentimientos pasionales 

11.-  Los sentimientos se erigen en los protagonistas absolutos. Estos se concretan en el plano de la pintura en obras que tienen a personajes captados en un momento de pasión e, incluso, de drama. Se abandonan los colores claros progresivamente hasta llegar a pinturas oscuras que quieren traer a la superficie la fuerza de ese momento fundamental en la vida de los protagonistas. Volvemos a los ejemplos anteriores:  Los fusilamientos del tres de mayo de Goya que retrata una ejecución en masa o La balsa de la Medusa que recoge el instante en el que los náufragos ven, a lo lejos, el barco que los va a rescatar de una muerte segura. 

12.- La pintura del Romanticismo va progresivamente abandonando los contornos y se difumina. Esta evolución se afianzaría con el impresionismo. Sin embargo, ahora mismo se olvidan los personajes famosos o reconocibles y los artistas se centran en el sentido simbólico de lo allí expresado. Los gestos van adquiriendo carácter simbólico en tanto en cuanto son representación de un sentimiento universal.   

13.- Paralelamente, se va olvidando cualquier representación amable, tanto de la realidad como de los sentimientos abstractos. Algunas obras, incluso, se han considerado antecedentes del expresionismo, uno de los movimientos de vanguardia del siglo XX. El caso más claro es, de nuevo, Francisco de Goya.  

14.- Todo ello hace que el artista se considere un guía moral para la sociedad aunque, por voluntad propia no pertenezca a ella o lo haga en parte. Como persona ajena a las imposiciones de las costumbres cívicas y que ve la realidad que se encuentra oculta, se auto-erige en un líder espiritual. Y sus obras tienen este objetivo. La contradicción está servida ya que, si bien postulan que el arte solo tiene utilidad como sí mismo, a la par, se reviste de un fuerte compromiso social al abrir las puertas de todos los mundos posibles.  

15.- Se toma a Miguel Ángel como ejemplo de artista total capaz de traer a la realidad mundana aquello que se encuentra en el otro lado, en la ultratumba, en lo desconocido más irónico. En el plano literario el modelo es Shakespeare quien, con sus obras de teatro isabelino, realizó un magistral catálogo de todas y cada una de las pasiones humanas.  

Y, por último se idealiza sobre manera el mundo medieval (tanto el gótico como el románico anterior) con su fuerte compromiso con los valores cristianos. Es otra de las contradicciones de las características del arte del Romanticismo que no tiene empacho en proclamar libertad y rebeldía a la par que mira hacia la sociedad medieval estructurada y  espiritual en extremo. En arquitectura, por ejemplo, vuelve el gusto por las almenas, por los castillos, por los parques que asemejan bosques, por la decoración de gárgolas que nos amenazan con seres misteriosos, monstruosos o fantasmales. Los mensajes del más allá propios de los santos medievales se transforman en el mundo romántico en conversaciones u encuentros con espíritus, fantasmas o seres demoniacos. Las puertas hacia un lado desconocido, por tanto, se van abriendo de par en par y, progresivamente, se van llenando de símbolos. Todo esto saltaría definitivamente por los aires a finales del siglo XIX con el desembarco de todas las vanguardias y su negativa a ser mimesis de la realidad. Entre otras cosas porque se había inventado la fotografía y el cine que cumplían esta misión. Eso es tema para otro día.  

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

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Gustavo Adolfo Bécquer (1836-1870) a pesar de vivir, escribir y publicar cuando el Romanticismo en España (y en toda Europa) ya estaba superado, es uno de los más ilustres representantes del movimiento. Y lo es porque no solo las leyendas están entre lo más señero de la producción en prosa sino también sus poemas. Escritos con un lenguaje sencillo en extremo, en ellos no solo se condensan las características del Romanticismo sino que el escritor abre la puerta para adentrarnos en la literatura contemporánea. Efectivamente, con nuestro autor se dejan atrás definitivamente los modelos clásicos y tradicionales para encaminarnos (paso a paso) a los actuales. Comienzo diciendo que en Volverán las oscuras golondrinas, el yo del poeta (atormentado en extremo) se aúna con la naturaleza en versos sencillos que se han hecho tan populares que quizás sea el poema de (des)amor más conocido de la literatura en español. 

Volverán las oscuras golondrinas de Gustavo Adolfo Bécquer | poema completo 

Volverán las oscuras golondrinas
en tu balcón sus nidos a colgar,
y otra vez con el ala a sus cristales
jugando llamarán.

Pero aquellas que el  vuelo refrenaban
tu hermosura y mi dicha a contemplar,
aquellas que aprendieron nuestros nombres…
¡esas… no volverán!

Volverán las tupidas madreselvas
de tu jardín las tapias a escalar,
y otra vez a la tarde aún más hermosas
sus flores se abrirán.

Pero aquellas, cuajadas de rocío
cuyas gotas mirábamos temblar
y caer como lágrimas del día…
¡esas… no volverán!

Volverán del amor en tus oídos
las palabras ardientes a sonar;
tu corazón de su profundo sueño
tal vez despertará.

Pero mudo y absorto y de rodillas
como se adora a Dios ante su altar,
como yo te he querido…; desengáñate,
¡así… no te querrán!

Análisis formal de Volverán las oscuras golondrinas de Bécquer 

1.- Una de las características de la poesía becqueriana es su falta de sumisión a las estrofas y tropos conocidos. Aunque no utiliza el verso libre, nunca sigue al pie de la letra los modelos tradicionales. Así, en este conocido poema estamos ante estrofas sáficas que querían imitar los moldes y modelos de la literatura griega, pero con mayor libertad. Cuando apareció en la letras castellanas, con la lírica renacentista, la rima era libre. Posteriormente, se añadió en el siglo XVIII una básica entre el primer y el tercer verso que este poema no presenta, a pesar del marcado ritmo sonoro del mismo. 

2.- Estamos ante un poema de seis estrofas de cuatro versos cada una. Los tres primeros de cada estrofa son endecasílabos y el último es un heptasílabo. Es decir, la combinación de arte mayor y menor son las más comunes y populares de la literatura española última. 

3.- Estas seis estrofas se agrupan temáticamente de dos en dos. Esto es, en la primera se nos aparece una situación a futuro encabezada por la palabra “Volverán” que se repite tres veces y que contribuye a marcar el ritmo a la par que ordena el poema. En esos cuatro versos iniciales se nos describe una situación idílica en la que la naturaleza muestra sus ciclos perfectos. Por su parte la tercera hila con las anteriores mostrando un sentimiento humano (un nuevo amor) indicando la misma situación inevitable que nos muestra la naturaleza. Esto es, lo mismo que cada primavera hay un renacer, también la mujer objeto de deseo recibirá el amor de un tercero. Es un extremo que el poeta da por hecho. 

4.- Si en las estrofas impares se describe un mundo perfecto en el que la naturaleza y el amor responde a un ciclo inevitable, las pares aluden a un tiempo pasado fuera del alcance tanto del poeta como de la amada. Esto es, si todo regresa (porque es así como está establecido por ritmos superiores), esa vuelta nunca tendrá ni la alegría ni la belleza ni la perfección del pasado. Y no será así porque el poeta ha sido apartado de ese mundo descrito en los versos. Volverán las golondrinas y las flores de la madreselva, pero la naturaleza no se aunará con los sentimientos. Por tanto, la perfección de ese mundo nuevo (cíclico y repetitivo) queda anulada porque el poeta ya no se encuentra en ese emplazamiento vital. 

Rimas y leyendas de Becquer

La poesía de Gustavo Adolfo Bécquer condensada en Volverán las oscuras golondrinas

1.- Una de las características de las Rimas de Bécquer es su lenguaje sencillo, libre de cualquier artificio o de tropos exagerados. En este poema no nos encontramos ni una sola palabra extraña, ni una sola torsión de la frase, ni una metáfora… Todo fluye como la naturaleza misma que sirve de telón de fondo (por contraste) en el ánimo del poeta. 

2.- El ritmo es marcado aunque suave y fluido. Todo ello contribuye a una deliciosa cadencia casi musical que imprime una mayor belleza al poema. 

3.- El ánimo del poeta expresado en los versos de Volverán las oscuras golondrinas es de pérdida, de melancolía, de aceptación del amor que finaliza. A la par, se erige en depositario de los más altos y nobles sentimientos que se condensan en el último verso: “¡así… no te querrán!”

4.- La naturaleza como es una de las principales características del Romanticismo no es mero paisaje sino que se erige en protagonista. Para que ese amor vuelva (aunque sea en el corazón de un tercero) tiene que acompañar el ciclo vital del planeta Tierra. Tiene que regresar la primavera simbolizada aquí en las golondrinas (ave migratoria), en el verde de la madreselva y en las gotas de rocío que nos remite al deshielo. Esto es, el poema contrapone ese ciclo natural de la naturaleza en el que el duro, frío y solitario invierno desemboca en la explosión primaveral. Y con ella regresa el tiempo del amor. La tristeza del poema reside en esa pasión negada al poeta, ya que no es correspondida, tal como nos dejan suponer los últimos versos.  

5.- La naturaleza de Volverán las oscuras golondrinas es dulce, urbana (las golondrinas hacen sus nidos en tejados y elementos constructivos), cercana, hogareña incluso (la madreselva de las tapias y patios). Se ha eliminado cualquier referencia a fenómenos extremos y todos los elementos descritos en el poema remiten a la cotidianidad, a lo previsible, a lo cíclico, a lo que tiene que pasar porque así es el mundo. 

6.- Esa alusión a aquello que va a pasar porque “así es el mundo” continúa con “así es la vida” de las dos últimas estrofas. A igual que la primavera sucede al invierno, la persona amada (con total seguridad) recibirá los dones de un nuevo amor. Este, sin embargo, nunca podrá alcanzar la intensidad del expresado por el poeta, quien se erige en el depositario último de los más grandes sentimientos. 

7.- Por tanto, la melancolía se convierte en tristeza ya que el poema se cierra con un inevitable. Lo mismo que en primavera florecen las plantas y regresan las aves que se fueron en invierno, la amada será agasajada con un nuevo querer. Y el poeta queda excluido (para siempre) de esta bendición llevándose únicamente la grandeza de su entrega. 

El Romanticismo literario en el poema 

1.- Tal como he anotado anteriormente, cuando Gustavo Adolfo Bécquer escribió la totalidad de su obra, el Romanticismo era ya un movimiento artístico totalmente sobrepasado. Tanto es así que se daba paso a otras fórmulas estilísticas radicalmente distintas: naturalismo y realismo literario. Sin embargo, en español, el escritor sevillano logra levantar, tanto en prosa como en verso, una de las mejores obras del movimiento. Al contrario que otros representantes de este estilo literario, como los rimbombantes y sonoros poemas de José de Espronceda (ponemos la Canción del pirata por contraposición), los del andaluz son dulces, sencillos, melancólicos, melodiosos e íntimos a más no poder. 

2.- Esta intimidad entronca con esa libertad personal buscada en el Romanticismo que no puede encontrarse en la sociedad burguesa que se abre paso con fuerza. La libertad de Bécquer es siempre espiritual, anímica, personal e interior. No se manifiesta en fuertes y grandiosas palabras sino en un mundo recogido. 

3.- Y este, como buen romántico, está protagonizado por el amor, por una pasión inalcanzable y no correspondida. Los sentimientos, por tanto, que se generan o producen son de tristeza, de suave melancolía que acepta la situación. Sin embargo, a la vez, se erige en depositario de sentimientos tan nobles que no admiten parangón con los que pudieran tener el común de los mortales. 

4.- En este sentido, el poeta romántico se auto proclama demiurgo, comunicador entre unas fuerzas que están ocultas a la mayoría y esa misma mayoría. Este aspecto está presente en Volverán las oscuras golondrinas en las últimas estrofas del poema. Allí el escritor manifiesta una certeza que solo a él le es revelada. 

Volverán las oscuras golondrinas de Gustavo Adolfo Bécquer, resumiendo mucho, debe su eficacia literaria (si esta expresión puede ser utilizada en arte) a su sencillez, a su estructura ordenada, a su composición serena, al uso de palabras comunes en extremo, a una sintaxis suave, a la evocación de una naturaleza común, urbana, cotidiana y… ¡por supuesto! al énfasis en una pasión vetada al común de los mortales. Está reservada al poeta, al que hace de enlace entre lo más allá sagrado casi (difícil de conocer, por tanto) y la realidad profana. 

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

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Gustavo Adolfo Bécquer (1836-1870) a pesar de vivir, escribir y publicar cuando el Romanticismo en España (y en toda Europa) ya estaba superado, es uno de los más ilustres representantes del movimiento. Y lo es porque no solo las leyendas están entre lo más señero de la producción en prosa sino también sus poemas. Escritos con un lenguaje sencillo en extremo, en ellos no solo se condensan las características del Romanticismo sino que el escritor abre la puerta para adentrarnos en la literatura contemporánea. Efectivamente, con nuestro autor se dejan atrás definitivamente los modelos clásicos y tradicionales para encaminarnos (paso a paso) a los actuales. Comienzo diciendo que en Volverán las oscuras golondrinas, el yo del poeta (atormentado en extremo) se aúna con la naturaleza en versos sencillos que se han hecho tan populares que quizás sea el poema de (des)amor más conocido de la literatura en español. 

Volverán las oscuras golondrinas de Gustavo Adolfo Bécquer | poema completo 

Volverán las oscuras golondrinas
en tu balcón sus nidos a colgar,
y otra vez con el ala a sus cristales
jugando llamarán.

Pero aquellas que el  vuelo refrenaban
tu hermosura y mi dicha a contemplar,
aquellas que aprendieron nuestros nombres…
¡esas… no volverán!

Volverán las tupidas madreselvas
de tu jardín las tapias a escalar,
y otra vez a la tarde aún más hermosas
sus flores se abrirán.

Pero aquellas, cuajadas de rocío
cuyas gotas mirábamos temblar
y caer como lágrimas del día…
¡esas… no volverán!

Volverán del amor en tus oídos
las palabras ardientes a sonar;
tu corazón de su profundo sueño
tal vez despertará.

Pero mudo y absorto y de rodillas
como se adora a Dios ante su altar,
como yo te he querido…; desengáñate,
¡así… no te querrán!

Análisis formal de Volverán las oscuras golondrinas de Bécquer 

1.- Una de las características de la poesía becqueriana es su falta de sumisión a las estrofas y tropos conocidos. Aunque no utiliza el verso libre, nunca sigue al pie de la letra los modelos tradicionales. Así, en este conocido poema estamos ante estrofas sáficas que querían imitar los moldes y modelos de la literatura griega, pero con mayor libertad. Cuando apareció en la letras castellanas, con la lírica renacentista, la rima era libre. Posteriormente, se añadió en el siglo XVIII una básica entre el primer y el tercer verso que este poema no presenta, a pesar del marcado ritmo sonoro del mismo. 

2.- Estamos ante un poema de seis estrofas de cuatro versos cada una. Los tres primeros de cada estrofa son endecasílabos y el último es un heptasílabo. Es decir, la combinación de arte mayor y menor son las más comunes y populares de la literatura española última. 

3.- Estas seis estrofas se agrupan temáticamente de dos en dos. Esto es, en la primera se nos aparece una situación a futuro encabezada por la palabra “Volverán” que se repite tres veces y que contribuye a marcar el ritmo a la par que ordena el poema. En esos cuatro versos iniciales se nos describe una situación idílica en la que la naturaleza muestra sus ciclos perfectos. Por su parte la tercera hila con las anteriores mostrando un sentimiento humano (un nuevo amor) indicando la misma situación inevitable que nos muestra la naturaleza. Esto es, lo mismo que cada primavera hay un renacer, también la mujer objeto de deseo recibirá el amor de un tercero. Es un extremo que el poeta da por hecho. 

4.- Si en las estrofas impares se describe un mundo perfecto en el que la naturaleza y el amor responde a un ciclo inevitable, las pares aluden a un tiempo pasado fuera del alcance tanto del poeta como de la amada. Esto es, si todo regresa (porque es así como está establecido por ritmos superiores), esa vuelta nunca tendrá ni la alegría ni la belleza ni la perfección del pasado. Y no será así porque el poeta ha sido apartado de ese mundo descrito en los versos. Volverán las golondrinas y las flores de la madreselva, pero la naturaleza no se aunará con los sentimientos. Por tanto, la perfección de ese mundo nuevo (cíclico y repetitivo) queda anulada porque el poeta ya no se encuentra en ese emplazamiento vital. 

Rimas y leyendas de Becquer

La poesía de Gustavo Adolfo Bécquer condensada en Volverán las oscuras golondrinas

1.- Una de las características de las Rimas de Bécquer es su lenguaje sencillo, libre de cualquier artificio o de tropos exagerados. En este poema no nos encontramos ni una sola palabra extraña, ni una sola torsión de la frase, ni una metáfora… Todo fluye como la naturaleza misma que sirve de telón de fondo (por contraste) en el ánimo del poeta. 

2.- El ritmo es marcado aunque suave y fluido. Todo ello contribuye a una deliciosa cadencia casi musical que imprime una mayor belleza al poema. 

3.- El ánimo del poeta expresado en los versos de Volverán las oscuras golondrinas es de pérdida, de melancolía, de aceptación del amor que finaliza. A la par, se erige en depositario de los más altos y nobles sentimientos que se condensan en el último verso: “¡así… no te querrán!”

4.- La naturaleza como es una de las principales características del Romanticismo no es mero paisaje sino que se erige en protagonista. Para que ese amor vuelva (aunque sea en el corazón de un tercero) tiene que acompañar el ciclo vital del planeta Tierra. Tiene que regresar la primavera simbolizada aquí en las golondrinas (ave migratoria), en el verde de la madreselva y en las gotas de rocío que nos remite al deshielo. Esto es, el poema contrapone ese ciclo natural de la naturaleza en el que el duro, frío y solitario invierno desemboca en la explosión primaveral. Y con ella regresa el tiempo del amor. La tristeza del poema reside en esa pasión negada al poeta, ya que no es correspondida, tal como nos dejan suponer los últimos versos.  

5.- La naturaleza de Volverán las oscuras golondrinas es dulce, urbana (las golondrinas hacen sus nidos en tejados y elementos constructivos), cercana, hogareña incluso (la madreselva de las tapias y patios). Se ha eliminado cualquier referencia a fenómenos extremos y todos los elementos descritos en el poema remiten a la cotidianidad, a lo previsible, a lo cíclico, a lo que tiene que pasar porque así es el mundo. 

6.- Esa alusión a aquello que va a pasar porque “así es el mundo” continúa con “así es la vida” de las dos últimas estrofas. A igual que la primavera sucede al invierno, la persona amada (con total seguridad) recibirá los dones de un nuevo amor. Este, sin embargo, nunca podrá alcanzar la intensidad del expresado por el poeta, quien se erige en el depositario último de los más grandes sentimientos. 

7.- Por tanto, la melancolía se convierte en tristeza ya que el poema se cierra con un inevitable. Lo mismo que en primavera florecen las plantas y regresan las aves que se fueron en invierno, la amada será agasajada con un nuevo querer. Y el poeta queda excluido (para siempre) de esta bendición llevándose únicamente la grandeza de su entrega. 

El Romanticismo literario en el poema 

1.- Tal como he anotado anteriormente, cuando Gustavo Adolfo Bécquer escribió la totalidad de su obra, el Romanticismo era ya un movimiento artístico totalmente sobrepasado. Tanto es así que se daba paso a otras fórmulas estilísticas radicalmente distintas: naturalismo y realismo literario. Sin embargo, en español, el escritor sevillano logra levantar, tanto en prosa como en verso, una de las mejores obras del movimiento. Al contrario que otros representantes de este estilo literario, como los rimbombantes y sonoros poemas de José de Espronceda (ponemos la Canción del pirata por contraposición), los del andaluz son dulces, sencillos, melancólicos, melodiosos e íntimos a más no poder. 

2.- Esta intimidad entronca con esa libertad personal buscada en el Romanticismo que no puede encontrarse en la sociedad burguesa que se abre paso con fuerza. La libertad de Bécquer es siempre espiritual, anímica, personal e interior. No se manifiesta en fuertes y grandiosas palabras sino en un mundo recogido. 

3.- Y este, como buen romántico, está protagonizado por el amor, por una pasión inalcanzable y no correspondida. Los sentimientos, por tanto, que se generan o producen son de tristeza, de suave melancolía que acepta la situación. Sin embargo, a la vez, se erige en depositario de sentimientos tan nobles que no admiten parangón con los que pudieran tener el común de los mortales. 

4.- En este sentido, el poeta romántico se auto proclama demiurgo, comunicador entre unas fuerzas que están ocultas a la mayoría y esa misma mayoría. Este aspecto está presente en Volverán las oscuras golondrinas en las últimas estrofas del poema. Allí el escritor manifiesta una certeza que solo a él le es revelada. 

Volverán las oscuras golondrinas de Gustavo Adolfo Bécquer, resumiendo mucho, debe su eficacia literaria (si esta expresión puede ser utilizada en arte) a su sencillez, a su estructura ordenada, a su composición serena, al uso de palabras comunes en extremo, a una sintaxis suave, a la evocación de una naturaleza común, urbana, cotidiana y… ¡por supuesto! al énfasis en una pasión vetada al común de los mortales. Está reservada al poeta, al que hace de enlace entre lo más allá sagrado casi (difícil de conocer, por tanto) y la realidad profana. 

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

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Cuando Gustavo Adolfo Bécquer (1836-1870) escribió su obra al completo, el Romanticismo en España estaba dando paso a otros modelos estilísticos radicalmente distintos: simbolismo, realismo literario, naturalismo…  Y eso sin contar que, en Europa, se encontraba totalmente sobrepasado, tanto que ya se intuían, incluso, algunas vanguardias. A pesar de este desfase cronológico, las obras del poeta sevillano se encuentran entre lo mejor del movimiento artístico. Si sus poemas, andando el tiempo, son los más populares de la historia literaria en español, las leyendas de Bécquer pueden clasificarse, sin temor a equivocación, entre lo más significativo del Romanticismo literario en prosa. El libro de los gorriones (la obra sobre la que se asientan las Rimas de Bécquer) ha sido determinante en el quehacer lírico posterior. Su influencia (reconocida, como veremos) alcanza hasta los poetas españoles de mediados del siglo XX. 

El problema de las ediciones de las Rimas de Bécquer

Bécquer perdió el primer manuscrito de sus poemas y tuvo que recomponerlo andando el tiempo. Todos sus escritos en verso fueron entregados al ministro González Bravo (1811-1871), quien perdió estos papeles en la llamada Revolución de Septiembre (del 19 al 28 de dicho mes de 1868). Ante tal desbarajuste, los amigos del poeta le regalaron un cuaderno rayado (similar a los escolares actuales) para que volcara allí sus escritos. Bécquer lo hizo de memoria. En las primeras páginas de este cuaderno manuscrito aparece el siguiente rótulo: Colección de proyectos, ideas y planes de cosas diferentes que se concluirán o no según sople el viento. De Gustavo Adolfo Bécquer. 1868, Madrid 17 de junio. En este cuaderno copió o escribió de memoria sus Rimas a partir de la página 529 y estas van precedidas de un índice con el primer verso. Estamos ante el Libro de los gorriones que atesora entre sus páginas 79 rimas. Este, además, estuvo desaparecido hasta 1914, cuando fue hallado por Franz Schneider en la Biblioteca Nacional de Madrid.  

Hasta esta fecha, la edición que circuló fue la preparada por los amigos del poeta a su muerte. Esta obra se imprimió en Madrid en 1871 y en ella faltan varias rimas que, posteriormente, se comprobó que parecían estar eliminadas del Libro de los gorriones. Este además, tiene tantos añadidos, cambios y tachados que, la crítica posterior no se pone de acuerdo a la hora de dilucidar cuáles pertenecen a Bécquer o cuáles son de otra mano, incluso de editores posteriores. Con una somera comparación entendemos que el orden está trastocado entre ambas fuentes (la edición princes de las Rimas y el manuscrito). Esta anotación no es baladí ya que los poemas responden a un orden temático y estructural. En definitiva, con los datos actuales no podemos conocer el orden cronológico de estos versos, más allá de intuir la fecha de aquellos (únicamente 15) que se publicaron en vida del autor. Sí se acepta que las Rimas de Bécquer, en su totalidad, fueron escritas entre 1859 y 1868.  

Características de las Rimas de Bécquer  

Este corpus artístico, a pesar de su heterogeneidad, responde a una unicidad temática e, incluso, estilística que resumo en los siguientes puntos: 

1.- Clasificación

Los poemas de Bécquer alrededor del Libro de los gorriones pretenden desarrollar una historia amorosa de principio a fin. Así los versos pueden clasificarse en cuatro etapas o fases: 

a) Encuentro y esperanza en una relación duradera. 

b) Narración del amor prodigioso y plenamente correspondido. 

c) Pérdida del sentimiento con el consiguiente duelo. 

c) Ahondamiento en la soledad.  

2.- Temática de las Rimas de Bécquer  

El yo del poeta, tal como corresponde a las características del Romanticismo, aunque el movimiento estuviera ampliamente sobrepasado cuando se compuso la obra, únicamente encuentra consuelo en la luz del amor. La oscuridad anímica del creador se solaza con un idealismo pasional que parece calmar cualquier mal pero que, a la postre, ya que se pierde, es fuente de un mayor dolor. Esto desemboca en un estado de melancolía, de añoranza, de sumisión a la soledad. La voz de las Rimas de Bécquer se confronta siempre con el mundo material incapaz de hilar con una espiritualidad compleja que no encuentra consuelo. 

Estilo literario de los poemas de Bécquer 

Resumiendo mucho tenemos: 

1.- El lenguaje se desembaraza de cualquier torsión estilística y se hace extremadamente sencillo. Y este extremo ha propiciado que, andando el tiempo, estos versos se encuentren entre los más populares de la lírica española. 

2.- La métrica es relajada y tan vaga que no podemos encontrar tropos exactos en ella. Eso no quita para que esté cuidada y que sea de una sonoridad extrema aunque no llegue a ser tan rimbombante como las obras de José de Espronceda (la Canción del pirata es un ejemplo claro de ello) por poner como ejemplo otro poeta romántico español. En Bécquer todo es suave, lánguido, cálido, etéreo, sencillo y nebuloso tal como han propuesto poetas que nacieron después y que sucumbieron a los encantos de los versos becquerianos. 

3.- Nos encontramos en las Rimas ecos de la poesía popular, incluso de la tradición germana que el artista conocía y que utilizó para levantar algunas leyendas. 

4.- Estos versos se nos presentan delicados, íntimos, sobrios y tan sinceros que lectores de los siglos posteriores no han tenido ningún reparo en identificarse con ellos. A ello contribuye la ausencia de retórica y una extrema capacidad para sugerir sin llegar a prolijas descripciones o narraciones engorrosas. 

5.- Esta última característica de las Rimas de Bécquer es la que ha contribuido a su influencia posterior, tanto es así que la crítica (y los poetas del siglo XX) no dudan en colocar una frontera en la historia literaria cuya línea divisoria es precisamente el Libro de los gorriones

6.- El amor idealizado, la pérdida y la soledad se repiten en estos versos.  

Rimas y leyendas de Becquer

La poesía de Gustavo Adolfo Bécquer y el Romanticismo literario 

1.- Si bien, como he anotado, el poeta sevillano hay que inscribirlo en esta corriente literaria, en estos versos (más que en su obra en prosa) entra un componente tan novedoso que ha sido fuente para poetas contemporáneos: la imposibilidad de describir lo etéreo y anímico mediante la palabra. Este extremo sería cultivado por creadores del siglo XX llegando a su cenit con José Ángel Valente (1929-2000). 

2.- A pesar de lo anterior, el Romanticismo entra de lleno en estos versos en forma de pasión arrebatadora que confronta al yo del poeta. La libertad que se canta siempre acaba chocando con una tristeza o pérdida subyacente dejando al creador en las lindes de un mundo desconocido que poco o nada tiene que ver con la realidad cotidiana. 

3.- La naturaleza romántica de Bécquer (y de otros creadores plásticos o literarios del movimiento) ya no es mero paisaje o decorado sino que se erige en protagonista. Sin ella no podemos adentrarnos en los recovecos anímicos que se describen. 

4.- La pérdida y la soledad posterior son una constante, tanto que se convierten en una forma de vida casi. 

5.- El lenguaje sencillo, descargado de todo artificio, pretende democratizar (y así se consiguió) una literatura que antes de Bécquer (y de los románticos en general) estaba destinada a un público extremadamente culto que conocía la tradición literaria, los mitos antiguos y la historia. 

6.- Las Rimas de Bécquer, por su sencillez, poder de evocación, delicada sonoridad e intemporalidad fueron fácilmente alcanzables para un grupo lector amplio que no dudó en memorizar y en recitar los versos más famosos con motivo de cualquier ocasión. Y esto sucede por primera vez en la historia de la literatura española. 

Bécquer y los poetas posteriores

Porque el escritor no solo llegó a aquellos lectores que se identificaron en algún momento con estos sentimientos amorosos plasmados en las Rimas. Que estos versos, de alguna manera u otra, palpitan en autores posteriores como Luis Cernuda (que no tuvo reparos en admitirlo por cierto), en Alberti, en Aleixandre o en Federico García Lorca. La referencia a las Rimas de Bécquer fue de tal calibre que dejó una profunda huella literaria. 

La sombra de Bécquer, más cerca, más lejos, estará siempre al fondo. Y no es que estos poetas hayan siempre pensado en Bécquer, o hayan sentido su influjo, ni es necesario que se pueda probar históricamente una tradición no interrumpida desde Bécquer a ellos: es que viven en una atmósfera, en un clima poético que solo el genial experimento de Bécquer alumbró e hizo habitable para los españoles. 

Dámaso Alonso

Desempeña en nuestra poesía moderna un papel equivalente al de Garcilaso en nuestra poesía clásica: el de crear una nueva tradición, que lega a sus descendientes. Y si de Garcilaso se nutrieron dos siglos de poesía española, estando su sombra detrás de cualquiera de nuestros poetas de los siglos XVI y XVII, los mismo se puede decir de Bécquer con respecto a su tiempo. Él es quien dota a la poesía moderna española de una tradición nueva, y el eco de ella se encuentra en nuestros contemporáneos mejores.  

Luis Cernuda 

El lenguaje de Bécquer, libre de afectación, natural, sin manierismo histórico alguno -ni barroco, ni romántico, ni modernista- es eminentemente e intemporalmente poético… Obra no conclusa y cerrada, sino abierta y sugeridora, como hecha toda de puntos suspensivos que invitan a la prosecución de lo insinuado, de silencios que parecen reclamar que se diga lo no dicho. 

Vicente Gaos 

Por tanto, no podemos acercarnos a las Rimas de Bécquer no solo por lo que son por ellas mismas encuadradas en una tradición literaria concreta (la del Romanticismo más tardío) sino por lo que supuso para los creadores posteriores. Tanto fue así que en palabras de estos poetas (pertenecientes al canon literario, que la clasificación es importante) nos llevan ante una frontera histórica, ante un antes y un después. Antes de Bécquer, la poesía giraba alrededor del clasicismo y la tradición; después de Bécquer, se da carta de naturaleza a la moderna, superada en las últimas décadas por experimentos vanguardistas. 

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

 

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Cuando Gustavo Adolfo Bécquer (1836-1870) escribió su obra al completo, el Romanticismo en España estaba dando paso a otros modelos estilísticos radicalmente distintos: simbolismo, realismo literario, naturalismo…  Y eso sin contar que, en Europa, se encontraba totalmente sobrepasado, tanto que ya se intuían, incluso, algunas vanguardias. A pesar de este desfase cronológico, las obras del poeta sevillano se encuentran entre lo mejor del movimiento artístico. Si sus poemas, andando el tiempo, son los más populares de la historia literaria en español, las leyendas de Bécquer pueden clasificarse, sin temor a equivocación, entre lo más significativo del Romanticismo literario en prosa. El libro de los gorriones (la obra sobre la que se asientan las Rimas de Bécquer) ha sido determinante en el quehacer lírico posterior. Su influencia (reconocida, como veremos) alcanza hasta los poetas españoles de mediados del siglo XX. 

El problema de las ediciones de las Rimas de Bécquer

Bécquer perdió el primer manuscrito de sus poemas y tuvo que recomponerlo andando el tiempo. Todos sus escritos en verso fueron entregados al ministro González Bravo (1811-1871), quien perdió estos papeles en la llamada Revolución de Septiembre (del 19 al 28 de dicho mes de 1868). Ante tal desbarajuste, los amigos del poeta le regalaron un cuaderno rayado (similar a los escolares actuales) para que volcara allí sus escritos. Bécquer lo hizo de memoria. En las primeras páginas de este cuaderno manuscrito aparece el siguiente rótulo: Colección de proyectos, ideas y planes de cosas diferentes que se concluirán o no según sople el viento. De Gustavo Adolfo Bécquer. 1868, Madrid 17 de junio. En este cuaderno copió o escribió de memoria sus Rimas a partir de la página 529 y estas van precedidas de un índice con el primer verso. Estamos ante el Libro de los gorriones que atesora entre sus páginas 79 rimas. Este, además, estuvo desaparecido hasta 1914, cuando fue hallado por Franz Schneider en la Biblioteca Nacional de Madrid.  

Hasta esta fecha, la edición que circuló fue la preparada por los amigos del poeta a su muerte. Esta obra se imprimió en Madrid en 1871 y en ella faltan varias rimas que, posteriormente, se comprobó que parecían estar eliminadas del Libro de los gorriones. Este además, tiene tantos añadidos, cambios y tachados que, la crítica posterior no se pone de acuerdo a la hora de dilucidar cuáles pertenecen a Bécquer o cuáles son de otra mano, incluso de editores posteriores. Con una somera comparación entendemos que el orden está trastocado entre ambas fuentes (la edición princes de las Rimas y el manuscrito). Esta anotación no es baladí ya que los poemas responden a un orden temático y estructural. En definitiva, con los datos actuales no podemos conocer el orden cronológico de estos versos, más allá de intuir la fecha de aquellos (únicamente 15) que se publicaron en vida del autor. Sí se acepta que las Rimas de Bécquer, en su totalidad, fueron escritas entre 1859 y 1868.  

Características de las Rimas de Bécquer  

Este corpus artístico, a pesar de su heterogeneidad, responde a una unicidad temática e, incluso, estilística que resumo en los siguientes puntos: 

1.- Clasificación

Los poemas de Bécquer alrededor del Libro de los gorriones pretenden desarrollar una historia amorosa de principio a fin. Así los versos pueden clasificarse en cuatro etapas o fases: 

a) Encuentro y esperanza en una relación duradera. 

b) Narración del amor prodigioso y plenamente correspondido. 

c) Pérdida del sentimiento con el consiguiente duelo. 

c) Ahondamiento en la soledad.  

2.- Temática de las Rimas de Bécquer  

El yo del poeta, tal como corresponde a las características del Romanticismo, aunque el movimiento estuviera ampliamente sobrepasado cuando se compuso la obra, únicamente encuentra consuelo en la luz del amor. La oscuridad anímica del creador se solaza con un idealismo pasional que parece calmar cualquier mal pero que, a la postre, ya que se pierde, es fuente de un mayor dolor. Esto desemboca en un estado de melancolía, de añoranza, de sumisión a la soledad. La voz de las Rimas de Bécquer se confronta siempre con el mundo material incapaz de hilar con una espiritualidad compleja que no encuentra consuelo. 

Estilo literario de los poemas de Bécquer 

Resumiendo mucho tenemos: 

1.- El lenguaje se desembaraza de cualquier torsión estilística y se hace extremadamente sencillo. Y este extremo ha propiciado que, andando el tiempo, estos versos se encuentren entre los más populares de la lírica española. 

2.- La métrica es relajada y tan vaga que no podemos encontrar tropos exactos en ella. Eso no quita para que esté cuidada y que sea de una sonoridad extrema aunque no llegue a ser tan rimbombante como las obras de José de Espronceda (la Canción del pirata es un ejemplo claro de ello) por poner como ejemplo otro poeta romántico español. En Bécquer todo es suave, lánguido, cálido, etéreo, sencillo y nebuloso tal como han propuesto poetas que nacieron después y que sucumbieron a los encantos de los versos becquerianos. 

3.- Nos encontramos en las Rimas ecos de la poesía popular, incluso de la tradición germana que el artista conocía y que utilizó para levantar algunas leyendas. 

4.- Estos versos se nos presentan delicados, íntimos, sobrios y tan sinceros que lectores de los siglos posteriores no han tenido ningún reparo en identificarse con ellos. A ello contribuye la ausencia de retórica y una extrema capacidad para sugerir sin llegar a prolijas descripciones o narraciones engorrosas. 

5.- Esta última característica de las Rimas de Bécquer es la que ha contribuido a su influencia posterior, tanto es así que la crítica (y los poetas del siglo XX) no dudan en colocar una frontera en la historia literaria cuya línea divisoria es precisamente el Libro de los gorriones

6.- El amor idealizado, la pérdida y la soledad se repiten en estos versos.  

Rimas y leyendas de Becquer

La poesía de Gustavo Adolfo Bécquer y el Romanticismo literario 

1.- Si bien, como he anotado, el poeta sevillano hay que inscribirlo en esta corriente literaria, en estos versos (más que en su obra en prosa) entra un componente tan novedoso que ha sido fuente para poetas contemporáneos: la imposibilidad de describir lo etéreo y anímico mediante la palabra. Este extremo sería cultivado por creadores del siglo XX llegando a su cenit con José Ángel Valente (1929-2000). 

2.- A pesar de lo anterior, el Romanticismo entra de lleno en estos versos en forma de pasión arrebatadora que confronta al yo del poeta. La libertad que se canta siempre acaba chocando con una tristeza o pérdida subyacente dejando al creador en las lindes de un mundo desconocido que poco o nada tiene que ver con la realidad cotidiana. 

3.- La naturaleza romántica de Bécquer (y de otros creadores plásticos o literarios del movimiento) ya no es mero paisaje o decorado sino que se erige en protagonista. Sin ella no podemos adentrarnos en los recovecos anímicos que se describen. 

4.- La pérdida y la soledad posterior son una constante, tanto que se convierten en una forma de vida casi. 

5.- El lenguaje sencillo, descargado de todo artificio, pretende democratizar (y así se consiguió) una literatura que antes de Bécquer (y de los románticos en general) estaba destinada a un público extremadamente culto que conocía la tradición literaria, los mitos antiguos y la historia. 

6.- Las Rimas de Bécquer, por su sencillez, poder de evocación, delicada sonoridad e intemporalidad fueron fácilmente alcanzables para un grupo lector amplio que no dudó en memorizar y en recitar los versos más famosos con motivo de cualquier ocasión. Y esto sucede por primera vez en la historia de la literatura española. 

Bécquer y los poetas posteriores

Porque el escritor no solo llegó a aquellos lectores que se identificaron en algún momento con estos sentimientos amorosos plasmados en las Rimas. Que estos versos, de alguna manera u otra, palpitan en autores posteriores como Luis Cernuda (que no tuvo reparos en admitirlo por cierto), en Alberti, en Aleixandre o en Federico García Lorca. La referencia a las Rimas de Bécquer fue de tal calibre que dejó una profunda huella literaria. 

La sombra de Bécquer, más cerca, más lejos, estará siempre al fondo. Y no es que estos poetas hayan siempre pensado en Bécquer, o hayan sentido su influjo, ni es necesario que se pueda probar históricamente una tradición no interrumpida desde Bécquer a ellos: es que viven en una atmósfera, en un clima poético que solo el genial experimento de Bécquer alumbró e hizo habitable para los españoles. 

Dámaso Alonso

Desempeña en nuestra poesía moderna un papel equivalente al de Garcilaso en nuestra poesía clásica: el de crear una nueva tradición, que lega a sus descendientes. Y si de Garcilaso se nutrieron dos siglos de poesía española, estando su sombra detrás de cualquiera de nuestros poetas de los siglos XVI y XVII, los mismo se puede decir de Bécquer con respecto a su tiempo. Él es quien dota a la poesía moderna española de una tradición nueva, y el eco de ella se encuentra en nuestros contemporáneos mejores.  

Luis Cernuda 

El lenguaje de Bécquer, libre de afectación, natural, sin manierismo histórico alguno -ni barroco, ni romántico, ni modernista- es eminentemente e intemporalmente poético… Obra no conclusa y cerrada, sino abierta y sugeridora, como hecha toda de puntos suspensivos que invitan a la prosecución de lo insinuado, de silencios que parecen reclamar que se diga lo no dicho. 

Vicente Gaos 

Por tanto, no podemos acercarnos a las Rimas de Bécquer no solo por lo que son por ellas mismas encuadradas en una tradición literaria concreta (la del Romanticismo más tardío) sino por lo que supuso para los creadores posteriores. Tanto fue así que en palabras de estos poetas (pertenecientes al canon literario, que la clasificación es importante) nos llevan ante una frontera histórica, ante un antes y un después. Antes de Bécquer, la poesía giraba alrededor del clasicismo y la tradición; después de Bécquer, se da carta de naturaleza a la moderna, superada en las últimas décadas por experimentos vanguardistas. 

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

 

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Cuando Gustavo Adolfo Bécquer (1836-1970) comienza a publicar casi por entregas (y en distintos medios) sus leyendas  (1858-1864) el Romanticismo en España (y no digamos en el resto de Europa) había tocado a su fin. Sin embargo, y a pesar del avance de otros modos estilísticos totalmente radicales (naturalismo o realismo literario) logra levantar una obra a retazos, de gran belleza temática y estilística que se convierte en lo mejor del género en prosa de este movimiento artístico.  

Características estilísticas de las leyendas de Bécquer 

1.- Como he señalado anteriormente, están escritas en una prosa condensada, repleta de poesía y de gran acierto estilístico y belleza. Todas son de corta extensión asemejándose al cuento popular. 

2.- En buena parte de ellas, antes de iniciar la narración, el poeta se empeña en convencer al lector de su origen popular e, incluso, verídico desmontando, a la par, las fronteras entre la realidad y la ficción. Tal como es una de las características del Romanticismo también se vale de fuentes consideradas exóticas y ajenas a la tradición española. 

3.- El yo interior (atormentado o perdido a veces) aflora en buena parte de las leyendas de Bécquer enlazando la trama con un dato autobiográfico, que se incorpora a la narración. Esto es, el artista se dispone a señalar (como si de un diario se tratara) un hecho acaecido en cierto lugar.  Y a raíz del mismo un lugareño, de alguna manera u otra, le hace partícipe de un acontecimiento o una leyenda vinculada al lugar. 

4.- No hay alegría en estos relatos, tal cual es frecuente en el Romanticismo literario, y las tramas se dedican a aflorar una oscuridad interior en constante conflicto con la realidad.

5.- En este sentido, en las leyendas de Bécquer la figura femenina se convierte en el alter ego o en la personificación del concepto de ánima que afloraría unas décadas más tarde con las teorías del inconsciente según Freud y de los arquetipos de Jung.

6.- Con frecuencia estos personajes femeninos no pertenecen al mundo de los vivos y se nos presentan como parte de una realidad trascendental o etérea en forma de fantasmas, espíritus o seres sobrenaturales. 

7.- Hay un gusto por los emplazamientos ruinosos y cementerios, tal como es frecuente no solo en la pintura del Romanticismo sino en todas las creaciones artísticas de este periodo estilístico. 

8.- La naturaleza se aúna con el espíritu del escritor (atormentado frecuentemente) convirtiéndose en una extensión de su alma.

9.- Por primera vez entra en la literatura española los temas tradicionales germánicos y sus personajes clásicos en forma de gnomos o criaturas de los bosques. 

10.- Las leyendas de Gustavo Adolfo Bécquer son obras en prosa de gran belleza y repletas de espíritu poético aunque algún creador posterior, como Luis Cernuda, las califica de poemas en prosa. En relación con este último concepto nos atenemos a las palabras de Baquero Goyanes. 

… los aciertos expresivos del narrador están puestos al servicio de una imaginación poderosa que lo es todo en estas leyendas. Por el contrario, en el poema en prosa el asunto no es sino un débil pretexto para provocar sustentar una brillante teoría de imágenes, tras las cuales queda oculta el insignificante motivo argumental […] Bécquer consigue el milagro de una prosa poética sirviendo a unos asuntos que en emoción, misterio y belleza nada tienen que envidiar a los mejores de los autores citados [Zorrilla y el Duque de Rivas]. Las leyendas de Bécquer suponen el logro de un género antes mediocre y topiqueramente romántico, y a la vez significan casi su fin, ya que de puro perfectas ningún otro relato de esta clase, posterior, podrá igualarse a los del escritor sevillano. El género decae sensiblemente y todas sus manifestaciones subsiguientes parecerán torpes remedos de la obra de Gustavo Adolfo. 

Mariano Baquero Goyanes: El cuento español en el siglo XIX

Rimas y leyendas de Becquer

Resumen de las leyendas de Bécquer 

1.- El caudillo de las manos rojas

Es la primera de la serie y fue publicada en La Crónica en 1858. Gira en torno a un tema tradicional hindú en el que se mezclan los conceptos religiosos y el exotismo. Pulo es rey de Osira aunque ha sido expulsado del trono por su hermano Tippot. Sin embargo, Pulo seduce a su cuñada Siannah. Al ser descubiertos, Pulo asesina a Tippot y para lavar su culpa el dios Vishnú le impone como penitencia que se aleje de Siannah. Incumple esta promesa y es castigado con la muerte.  

2.- La cruz del diablo

La acción está situada en Segre, en el Pirineos, donde se dirige el poeta que pretende rezar ante una cruz de hierro allí plantada. Sin embargo, un lugareño le impide tal acción y le advierte de que el objeto está maldito adentrándose en la narración de una de las más famosas leyendas de Gustavo Adolfo Bécquer. Al parecer la cruz fue fundida a partir de la armadura de un señor local que realizó tales maldades y crueldades que el pueblo, para librarse de su yugo, lo ajustició. Sin embargo, este volvió de su tumba ocupando su espíritu la armadura para continuar con sus fechorías. La única opción que tuvo el pueblo es fundir la misma con la forma sagrada de cruz. Sin embargo, la misma continúa estando maldita y por eso no debe rezarse ante ella.  

3.- La ajorca de oro 

Fue publicada en 1861 y está emplazada en Toledo. María es una caprichosa narcisista que convence a su marido Pedro para que robe una ajorca (un aro que se coloca en cualquier parte del cuerpo a modo de pulsera o tobillera) del joyero de la Virgen. Cuando el esposo emprende la huida tras cometer el delito sacrílego, las estatuas de la catedral cobran vida logrando que el desdichado pierda completamente el juicio.  

4.- La creación

Fue publicada en 1861y también trata un tema hindú. En ella se narra cómo los grandharvas o ángeles crean el mundo humano tras trastear en el laboratorio de Brahma. Por eso, nuestra realidad es el fruto de un desorden que lleva implícito la destrucción. 

Id -les dijo [Brahma]-, turba desalmada e incorregible! Marchaos adonde no os vea más con vuestra deforme criatura. Ese mundo no debe, no puede existir, porque en él hasta los átomos pelean con los átomos; pero marchad, os repito. Mi esperanza es que en poder vuestro no durará mucho.

5.- El Monte de las Ánimas

Fue escrita en Noviembre de 1961 y es una de las más conocidas de entre las leyendas de Bécquer. Es un relato de terror emplazado en el Monte de las Ánimas de Soria durante la noche anterior al Día de Difuntos. Hasta allí van de caza Alonso y su prima Beatriz. El joven propone regresar con la luz del día ya que teme que les ataque los espíritus de los Templarios que vagan por los campos en esa fecha. Una vez en el castillo, la muchacha (caprichosa y veleidosa) insta a su primo a regresar al bosque puesto que ha perdido un valioso pañuelo azul. Las maldiciones se llevan a cabo cuando a la mañana siguiente la servidumbre encuentra muerta a Beatriz en actitud de espanto. Iban a comunicarle que el cadáver de Alonso había sido hallado devorado por los lobos.  

6.- Los ojos verdes

Esta leyenda de Bécquer también está compuesta en 1861 y la protagonista es una ondina al estilo de los mitos de la literatura griega. Fernando llega hasta una fuente de la cual bebe a pesar de las advertencias de su montero. El joven, a partir de este momento, se vuelve taciturno y mustio regresando a estas aguas misteriosas cada día. En ella ha creído ver unos ojos de color verde y de tono imposible como el que luce la mujer de sus sueños. En una de sus idas y venidas hasta el lugar se topa con una enigmática joven con ojos como los que el desdichado Fernando cree ver. Ella le promete amor eterno y él lo acepta. En ese momento lo abraza arrastrándolo hasta las simas profundas del agua.  

7.- El rayo de luna  

Fue escrita en 1862 y es considerada la leyenda más personal de Bécquer, trasunto del poeta melancólico y dado a la soledad. El protagonista, de nombre Manrique, se recrea en cada recoveco de la naturaleza y cree sinceramente que en cada rincón viven seres misteriosos que se comunican con él. En estas ensoñaciones en las que no se puede distinguir la realidad de la ficción se enamora de una enigmática mujer, ideal de belleza perfecta para el protagonista. Sin embargo, esta no es más que un rayo de luna.  

8.- Creed en Dios 

Fue publicada en 1862 y es una de las menos populares, aunque el tema es harto repetido en la literatura occidental del siglo XIX y XX. El protagonista es Teobaldo de Montagoult, un señor cruel y sanguinario dedicado únicamente a satisfacer sus deseos. Durante una cacería es sorprendido por una gran tormenta y se refugia (junto con sus criados y perros) en una iglesia. Allí el sacerdote le recrimina sus pecados hasta que Teobaldo se ve sorprendido por un jabalí que entra en el recinto. Aquí el animal funciona como un símbolo primigenio de lo inconsciente primitivo y desconocido. Sale para darle caza adentrándose en un espacio totalmente onírico. En este momento nos damos cuenta de que Teobaldo ha caído en un profundo sueño en el que se le invita a arrepentirse de sus pecados. Se despierta bruscamente pero nadie logra reconocerlo. Ha pasado más de un siglo y todo su mundo ha desaparecido. Su castillo ha sido convertido en un monasterio donde el otrora cruel señor pide asilo para vivir una vida en recogimiento sagrado.  

9.- El aderezo de esmeraldas 

También fue escrito en 1862 y hay críticos que no lo sitúan dentro de las leyendas de Bécquer porque el emplazamiento es el Madrid contemporáneo al autor. La trama gira alrededor de un sueño complicado en el que un bohemio sin liquidez alguna intenta comprar un collar de esmeralda para regalárselo a una enigmática dama que, previamente, había manifestado su gusto por él. Lo consiguió ya que publica un libro y las ganancias del mismo se las juega en una apuesta consiguiendo el importe necesario para comprar la joya. Cae herido y la enigmática dama va a visitarlo en su lecho de muerte. Esta obra adelanta los postulados de la moderna psicología a la par que entra en las características del simbolismo.  

10.- El Miserere

Es una de las leyendas más famosas de Bécquer y el tema gira en torno a los pecados de la vanidad. Un músico famoso que había utilizado su arte como arma de seducción, en su vejez quiere componer un miserere para redimirse. Sin embargo, todo este proceso está  alejado de cualquier sentimiento de humildad. El relato inserta una trama dentro de otra trama creando un espacio literario simbólico a modo de muñecas rusas. En este punto hemos dejado al músico explicando la obra que quiere levantar cuando uno de los oyentes le refiere la misteriosa historia del miserere de la montaña. Allí, en un monasterio en ruinas, cada Jueves Santo (día en el que se desarrolla la acción), los antiguos monjes cantan un miserere inacabado. Este fue interrumpido en su día por el hijo malvado del antiguo señor del lugar que, debido a los pecados de su vástago, convirtió el castillo en monasterio desheredando al muchacho. El joven, llevado por la ira, un Jueves Santo arrasó el monasterio justo cuando los monjes cantaban el miserere. Desde entonces, cada año un extraño y bello canto sale de sus ruinas. Guiado por la curiosidad, hasta allí se dirige el músico que ve ante sus ojos como se reconstruye el recinto sagrado en ruinas y escucha la más hermosa música jamás interpretada. Lleno de sentimientos encontrados, regresa y se dispone a copiar las notas que han llegado hasta sus oídos. Pero solo puede llegar hasta la mitad. Enloquece y el manuscrito inacabado es encontrado por el poeta que nos cuenta la historia. 

11.- Tres fechas 

Fue compuesta en 1862 y la crítica es unánime en considerarla un esquema autobiográfico. En ella se vuelve de nuevo a los límites entre la realidad y la ficción, entre el mundo onírico y el de la vigilia, entre la materia y la espiritualidad. Todo gira en torno a una enigmática mujer que por tres veces se aparece al poeta en las calles de Toledo.  

13.- El Cristo de la calavera

Realizada en el mismo año, tiene como hipotexto una leyenda tradicional toledana. Dos jóvenes compiten por el amor de una mujer y no se les ocurre otra cosa que batirse en duelo. Lo hacen una noche iluminados por el farol de una imagen de Cristo. Cada vez que las espadas chocan, la luz, misteriosamente, se apaga. Y así sucede repetidamente hasta que ambos caballeros se dan cuenta de que aquello es una señal divina. Al día siguiente partían para la guerra y en el camino ven como la dama (por la que hacía tan solo unas horas podía haber acabado con la vida de uno de ellos) se despide, con gran arrobo, de un tercer caballero.  

14.- La Venta de los Gatos 

Está situada en Sevilla (donde existió un lugar con dicho nombre) y cuenta la historia de dos jóvenes criados como hermanos aunque la muchacha era adoptada. Cuando se disponían a casarse (ya que no les unía lazos de sangre) aparece la familia biológica de la joven que se opone a tal enlace ya que son gentes de hacienda y riqueza. El muchacho queda profundamente herido de amor y abandona el negocio familiar el cual, baldío, se convierte en un cementerio. Hasta allí llega un cortejo fúnebre por el que se interesa nuestro protagonista. Resulta que la finada era su amada. Ante tal noticia, el hombre enloquece como único medio del que dispone para despegarse de tan cruda realidad.  

15.- El gnomo 

Se basa en este personaje de las leyendas germánicas e inexistentes en las castellanas. Fue escrita en 1863. La acción comienza con un anciano advirtiendo a la juventud de los peligros de una cueva cercana habitada por duendes que atesoran joyas y oro. Marta y Magdalena, hermanas que oyen la narración, se deciden a ir por tales riquezas. Esta es una de las leyendas de Bécquer más simbólicas ya que cada una de las muchachas representan un carácter anímico distinto.  

16.- La cueva de la mora 

Fue publicada el 16 de enero de 1863 y en ella se narran los amores imposibles entre un cristiano y una musulmana.  

17.- La promesa 

Publicada el 12 de febrero de 1863, relata las visiones del conde de Gomara que parte a la guerra tras seducir a una joven. Cualquier acto que realiza es precedido por un mano enigmática. Cuando cree que va a enloquecer oye un romance. La canción desmenuza la desventura de un caballero que olvida el compromiso con una joven que muere de pena. Sin embargo, una de sus manos no puede ser enterrada puesto que espera el anillo de bodas que un día le prometieron. El conde entiende que es su historia. Regresa, se casa en una ceremonia en el cementerio y, desde ese momento, desaparece la enigmática mano.  

18.- La corza blanca 

Publicada en La América el 27 de junio de 1863, es una de las más sublimes leyendas de Bécquer. Un pastor de nombre Esteban cuenta a un grupo de nobles unos enigmáticos encuentros con un grupo de ciervos que parecen están dirigidos por una corza blanca que parece reírse como una humana. Entre sus interlocutores está don Dionis, su bella hija Constanza y Garcés, enamorado de la joven. Este promete dar caza a la corza para ofrecérsela a la muchacha. Así se adentra en el bosque hasta llegar a un grupo de ciervos que inmediatamente se transforman en hermosas jóvenes que se solazan en el agua y en el césped. Entre todas ellas sobresale Constanza. Garcés, confundido, intenta dar caza a los ahora transformados animales hiriendo con su ballesta al codiciado animal, el cual se presenta bajo la apariencia de Constanza ensangrentada. 

19.- El beso 

Esta leyenda de Bécquer también fue publicada en La América, el 27 de julio de 1863, y trata un motivo común en la tradición literaria. La acción se desarrolla en Toledo durante la ocupación de Napoleón. Un oficial francés se enamora de una de las estatuas de una iglesia. Cuando pretende darle un beso, la esfinge del marido, que se encuentra al lado, le espeta una bofetada.  

20.- La rosa de pasión 

Fue publicada en marzo de 1864 y gira en torno al sacrificio y martirio de la judía Sara crucificada por su padre el Viernes Santo por haberse enamorado de un cristiano. De su tumba, como en las metamorfosis de la literatura griega, brotan las flores de pasión o pasionarias, comunes en los jardines del sur de España.  

Excepto contados títulos, las leyendas de Bécquer tienen un trasfondo mágico, espiritual, nostálgico y pasional. Las ruinas y la naturaleza se alinean con los protagonistas que, en ocasiones, no atinan a distinguir entre realidad y ficción, entre la vigilia y los sueños o, en última instancia, entre los efectos de fuerzas poderosas. Como buen romántico, el artista sevillano no solo se abandona a la pasión sino también a un mundo enigmático y de difícil comprensión.  

Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

 

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Cuando Gustavo Adolfo Bécquer (1836-1970) comienza a publicar casi por entregas (y en distintos medios) sus leyendas  (1858-1864) el Romanticismo en España (y no digamos en el resto de Europa) había tocado a su fin. Sin embargo, y a pesar del avance de otros modos estilísticos totalmente radicales (naturalismo o realismo literario) logra levantar una obra a retazos, de gran belleza temática y estilística que se convierte en lo mejor del género en prosa de este movimiento artístico.  

Características estilísticas de las leyendas de Bécquer 

1.- Como he señalado anteriormente, están escritas en una prosa condensada, repleta de poesía y de gran acierto estilístico y belleza. Todas son de corta extensión asemejándose al cuento popular. 

2.- En buena parte de ellas, antes de iniciar la narración, el poeta se empeña en convencer al lector de su origen popular e, incluso, verídico desmontando, a la par, las fronteras entre la realidad y la ficción. Tal como es una de las características del Romanticismo también se vale de fuentes consideradas exóticas y ajenas a la tradición española. 

3.- El yo interior (atormentado o perdido a veces) aflora en buena parte de las leyendas de Bécquer enlazando la trama con un dato autobiográfico, que se incorpora a la narración. Esto es, el artista se dispone a señalar (como si de un diario se tratara) un hecho acaecido en cierto lugar.  Y a raíz del mismo un lugareño, de alguna manera u otra, le hace partícipe de un acontecimiento o una leyenda vinculada al lugar. 

4.- No hay alegría en estos relatos, tal cual es frecuente en el Romanticismo literario, y las tramas se dedican a aflorar una oscuridad interior en constante conflicto con la realidad.

5.- En este sentido, en las leyendas de Bécquer la figura femenina se convierte en el alter ego o en la personificación del concepto de ánima que afloraría unas décadas más tarde con las teorías del inconsciente según Freud y de los arquetipos de Jung.

6.- Con frecuencia estos personajes femeninos no pertenecen al mundo de los vivos y se nos presentan como parte de una realidad trascendental o etérea en forma de fantasmas, espíritus o seres sobrenaturales. 

7.- Hay un gusto por los emplazamientos ruinosos y cementerios, tal como es frecuente no solo en la pintura del Romanticismo sino en todas las creaciones artísticas de este periodo estilístico. 

8.- La naturaleza se aúna con el espíritu del escritor (atormentado frecuentemente) convirtiéndose en una extensión de su alma.

9.- Por primera vez entra en la literatura española los temas tradicionales germánicos y sus personajes clásicos en forma de gnomos o criaturas de los bosques. 

10.- Las leyendas de Gustavo Adolfo Bécquer son obras en prosa de gran belleza y repletas de espíritu poético aunque algún creador posterior, como Luis Cernuda, las califica de poemas en prosa. En relación con este último concepto nos atenemos a las palabras de Baquero Goyanes. 

… los aciertos expresivos del narrador están puestos al servicio de una imaginación poderosa que lo es todo en estas leyendas. Por el contrario, en el poema en prosa el asunto no es sino un débil pretexto para provocar sustentar una brillante teoría de imágenes, tras las cuales queda oculta el insignificante motivo argumental […] Bécquer consigue el milagro de una prosa poética sirviendo a unos asuntos que en emoción, misterio y belleza nada tienen que envidiar a los mejores de los autores citados [Zorrilla y el Duque de Rivas]. Las leyendas de Bécquer suponen el logro de un género antes mediocre y topiqueramente romántico, y a la vez significan casi su fin, ya que de puro perfectas ningún otro relato de esta clase, posterior, podrá igualarse a los del escritor sevillano. El género decae sensiblemente y todas sus manifestaciones subsiguientes parecerán torpes remedos de la obra de Gustavo Adolfo. 

Mariano Baquero Goyanes: El cuento español en el siglo XIX

Rimas y leyendas de Becquer

Resumen de las leyendas de Bécquer 

1.- El caudillo de las manos rojas

Es la primera de la serie y fue publicada en La Crónica en 1858. Gira en torno a un tema tradicional hindú en el que se mezclan los conceptos religiosos y el exotismo. Pulo es rey de Osira aunque ha sido expulsado del trono por su hermano Tippot. Sin embargo, Pulo seduce a su cuñada Siannah. Al ser descubiertos, Pulo asesina a Tippot y para lavar su culpa el dios Vishnú le impone como penitencia que se aleje de Siannah. Incumple esta promesa y es castigado con la muerte.  

2.- La cruz del diablo

La acción está situada en Segre, en el Pirineos, donde se dirige el poeta que pretende rezar ante una cruz de hierro allí plantada. Sin embargo, un lugareño le impide tal acción y le advierte de que el objeto está maldito adentrándose en la narración de una de las más famosas leyendas de Gustavo Adolfo Bécquer. Al parecer la cruz fue fundida a partir de la armadura de un señor local que realizó tales maldades y crueldades que el pueblo, para librarse de su yugo, lo ajustició. Sin embargo, este volvió de su tumba ocupando su espíritu la armadura para continuar con sus fechorías. La única opción que tuvo el pueblo es fundir la misma con la forma sagrada de cruz. Sin embargo, la misma continúa estando maldita y por eso no debe rezarse ante ella.  

3.- La ajorca de oro 

Fue publicada en 1861 y está emplazada en Toledo. María es una caprichosa narcisista que convence a su marido Pedro para que robe una ajorca (un aro que se coloca en cualquier parte del cuerpo a modo de pulsera o tobillera) del joyero de la Virgen. Cuando el esposo emprende la huida tras cometer el delito sacrílego, las estatuas de la catedral cobran vida logrando que el desdichado pierda completamente el juicio.  

4.- La creación

Fue publicada en 1861y también trata un tema hindú. En ella se narra cómo los grandharvas o ángeles crean el mundo humano tras trastear en el laboratorio de Brahma. Por eso, nuestra realidad es el fruto de un desorden que lleva implícito la destrucción. 

Id -les dijo [Brahma]-, turba desalmada e incorregible! Marchaos adonde no os vea más con vuestra deforme criatura. Ese mundo no debe, no puede existir, porque en él hasta los átomos pelean con los átomos; pero marchad, os repito. Mi esperanza es que en poder vuestro no durará mucho.

5.- El Monte de las Ánimas

Fue escrita en Noviembre de 1961 y es una de las más conocidas de entre las leyendas de Bécquer. Es un relato de terror emplazado en el Monte de las Ánimas de Soria durante la noche anterior al Día de Difuntos. Hasta allí van de caza Alonso y su prima Beatriz. El joven propone regresar con la luz del día ya que teme que les ataque los espíritus de los Templarios que vagan por los campos en esa fecha. Una vez en el castillo, la muchacha (caprichosa y veleidosa) insta a su primo a regresar al bosque puesto que ha perdido un valioso pañuelo azul. Las maldiciones se llevan a cabo cuando a la mañana siguiente la servidumbre encuentra muerta a Beatriz en actitud de espanto. Iban a comunicarle que el cadáver de Alonso había sido hallado devorado por los lobos.  

6.- Los ojos verdes

Esta leyenda de Bécquer también está compuesta en 1861 y la protagonista es una ondina al estilo de los mitos de la literatura griega. Fernando llega hasta una fuente de la cual bebe a pesar de las advertencias de su montero. El joven, a partir de este momento, se vuelve taciturno y mustio regresando a estas aguas misteriosas cada día. En ella ha creído ver unos ojos de color verde y de tono imposible como el que luce la mujer de sus sueños. En una de sus idas y venidas hasta el lugar se topa con una enigmática joven con ojos como los que el desdichado Fernando cree ver. Ella le promete amor eterno y él lo acepta. En ese momento lo abraza arrastrándolo hasta las simas profundas del agua.  

7.- El rayo de luna  

Fue escrita en 1862 y es considerada la leyenda más personal de Bécquer, trasunto del poeta melancólico y dado a la soledad. El protagonista, de nombre Manrique, se recrea en cada recoveco de la naturaleza y cree sinceramente que en cada rincón viven seres misteriosos que se comunican con él. En estas ensoñaciones en las que no se puede distinguir la realidad de la ficción se enamora de una enigmática mujer, ideal de belleza perfecta para el protagonista. Sin embargo, esta no es más que un rayo de luna.  

8.- Creed en Dios 

Fue publicada en 1862 y es una de las menos populares, aunque el tema es harto repetido en la literatura occidental del siglo XIX y XX. El protagonista es Teobaldo de Montagoult, un señor cruel y sanguinario dedicado únicamente a satisfacer sus deseos. Durante una cacería es sorprendido por una gran tormenta y se refugia (junto con sus criados y perros) en una iglesia. Allí el sacerdote le recrimina sus pecados hasta que Teobaldo se ve sorprendido por un jabalí que entra en el recinto. Aquí el animal funciona como un símbolo primigenio de lo inconsciente primitivo y desconocido. Sale para darle caza adentrándose en un espacio totalmente onírico. En este momento nos damos cuenta de que Teobaldo ha caído en un profundo sueño en el que se le invita a arrepentirse de sus pecados. Se despierta bruscamente pero nadie logra reconocerlo. Ha pasado más de un siglo y todo su mundo ha desaparecido. Su castillo ha sido convertido en un monasterio donde el otrora cruel señor pide asilo para vivir una vida en recogimiento sagrado.  

9.- El aderezo de esmeraldas 

También fue escrito en 1862 y hay críticos que no lo sitúan dentro de las leyendas de Bécquer porque el emplazamiento es el Madrid contemporáneo al autor. La trama gira alrededor de un sueño complicado en el que un bohemio sin liquidez alguna intenta comprar un collar de esmeralda para regalárselo a una enigmática dama que, previamente, había manifestado su gusto por él. Lo consiguió ya que publica un libro y las ganancias del mismo se las juega en una apuesta consiguiendo el importe necesario para comprar la joya. Cae herido y la enigmática dama va a visitarlo en su lecho de muerte. Esta obra adelanta los postulados de la moderna psicología a la par que entra en las características del simbolismo.  

10.- El Miserere

Es una de las leyendas más famosas de Bécquer y el tema gira en torno a los pecados de la vanidad. Un músico famoso que había utilizado su arte como arma de seducción, en su vejez quiere componer un miserere para redimirse. Sin embargo, todo este proceso está  alejado de cualquier sentimiento de humildad. El relato inserta una trama dentro de otra trama creando un espacio literario simbólico a modo de muñecas rusas. En este punto hemos dejado al músico explicando la obra que quiere levantar cuando uno de los oyentes le refiere la misteriosa historia del miserere de la montaña. Allí, en un monasterio en ruinas, cada Jueves Santo (día en el que se desarrolla la acción), los antiguos monjes cantan un miserere inacabado. Este fue interrumpido en su día por el hijo malvado del antiguo señor del lugar que, debido a los pecados de su vástago, convirtió el castillo en monasterio desheredando al muchacho. El joven, llevado por la ira, un Jueves Santo arrasó el monasterio justo cuando los monjes cantaban el miserere. Desde entonces, cada año un extraño y bello canto sale de sus ruinas. Guiado por la curiosidad, hasta allí se dirige el músico que ve ante sus ojos como se reconstruye el recinto sagrado en ruinas y escucha la más hermosa música jamás interpretada. Lleno de sentimientos encontrados, regresa y se dispone a copiar las notas que han llegado hasta sus oídos. Pero solo puede llegar hasta la mitad. Enloquece y el manuscrito inacabado es encontrado por el poeta que nos cuenta la historia. 

11.- Tres fechas 

Fue compuesta en 1862 y la crítica es unánime en considerarla un esquema autobiográfico. En ella se vuelve de nuevo a los límites entre la realidad y la ficción, entre el mundo onírico y el de la vigilia, entre la materia y la espiritualidad. Todo gira en torno a una enigmática mujer que por tres veces se aparece al poeta en las calles de Toledo.  

13.- El Cristo de la calavera

Realizada en el mismo año, tiene como hipotexto una leyenda tradicional toledana. Dos jóvenes compiten por el amor de una mujer y no se les ocurre otra cosa que batirse en duelo. Lo hacen una noche iluminados por el farol de una imagen de Cristo. Cada vez que las espadas chocan, la luz, misteriosamente, se apaga. Y así sucede repetidamente hasta que ambos caballeros se dan cuenta de que aquello es una señal divina. Al día siguiente partían para la guerra y en el camino ven como la dama (por la que hacía tan solo unas horas podía haber acabado con la vida de uno de ellos) se despide, con gran arrobo, de un tercer caballero.  

14.- La Venta de los Gatos 

Está situada en Sevilla (donde existió un lugar con dicho nombre) y cuenta la historia de dos jóvenes criados como hermanos aunque la muchacha era adoptada. Cuando se disponían a casarse (ya que no les unía lazos de sangre) aparece la familia biológica de la joven que se opone a tal enlace ya que son gentes de hacienda y riqueza. El muchacho queda profundamente herido de amor y abandona el negocio familiar el cual, baldío, se convierte en un cementerio. Hasta allí llega un cortejo fúnebre por el que se interesa nuestro protagonista. Resulta que la finada era su amada. Ante tal noticia, el hombre enloquece como único medio del que dispone para despegarse de tan cruda realidad.  

15.- El gnomo 

Se basa en este personaje de las leyendas germánicas e inexistentes en las castellanas. Fue escrita en 1863. La acción comienza con un anciano advirtiendo a la juventud de los peligros de una cueva cercana habitada por duendes que atesoran joyas y oro. Marta y Magdalena, hermanas que oyen la narración, se deciden a ir por tales riquezas. Esta es una de las leyendas de Bécquer más simbólicas ya que cada una de las muchachas representan un carácter anímico distinto.  

16.- La cueva de la mora 

Fue publicada el 16 de enero de 1863 y en ella se narran los amores imposibles entre un cristiano y una musulmana.  

17.- La promesa 

Publicada el 12 de febrero de 1863, relata las visiones del conde de Gomara que parte a la guerra tras seducir a una joven. Cualquier acto que realiza es precedido por un mano enigmática. Cuando cree que va a enloquecer oye un romance. La canción desmenuza la desventura de un caballero que olvida el compromiso con una joven que muere de pena. Sin embargo, una de sus manos no puede ser enterrada puesto que espera el anillo de bodas que un día le prometieron. El conde entiende que es su historia. Regresa, se casa en una ceremonia en el cementerio y, desde ese momento, desaparece la enigmática mano.  

18.- La corza blanca 

Publicada en La América el 27 de junio de 1863, es una de las más sublimes leyendas de Bécquer. Un pastor de nombre Esteban cuenta a un grupo de nobles unos enigmáticos encuentros con un grupo de ciervos que parecen están dirigidos por una corza blanca que parece reírse como una humana. Entre sus interlocutores está don Dionis, su bella hija Constanza y Garcés, enamorado de la joven. Este promete dar caza a la corza para ofrecérsela a la muchacha. Así se adentra en el bosque hasta llegar a un grupo de ciervos que inmediatamente se transforman en hermosas jóvenes que se solazan en el agua y en el césped. Entre todas ellas sobresale Constanza. Garcés, confundido, intenta dar caza a los ahora transformados animales hiriendo con su ballesta al codiciado animal, el cual se presenta bajo la apariencia de Constanza ensangrentada. 

19.- El beso 

Esta leyenda de Bécquer también fue publicada en La América, el 27 de julio de 1863, y trata un motivo común en la tradición literaria. La acción se desarrolla en Toledo durante la ocupación de Napoleón. Un oficial francés se enamora de una de las estatuas de una iglesia. Cuando pretende darle un beso, la esfinge del marido, que se encuentra al lado, le espeta una bofetada.  

20.- La rosa de pasión 

Fue publicada en marzo de 1864 y gira en torno al sacrificio y martirio de la judía Sara crucificada por su padre el Viernes Santo por haberse enamorado de un cristiano. De su tumba, como en las metamorfosis de la literatura griega, brotan las flores de pasión o pasionarias, comunes en los jardines del sur de España.  

Excepto contados títulos, las leyendas de Bécquer tienen un trasfondo mágico, espiritual, nostálgico y pasional. Las ruinas y la naturaleza se alinean con los protagonistas que, en ocasiones, no atinan a distinguir entre realidad y ficción, entre la vigilia y los sueños o, en última instancia, entre los efectos de fuerzas poderosas. Como buen romántico, el artista sevillano no solo se abandona a la pasión sino también a un mundo enigmático y de difícil comprensión.  

Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

 

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el bosque de las respuestas

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