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postimpresionismo

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Ensayo sobre el postimpresionismo con la definición, las características, obras y artistas del movimiento. 

El postimpresionismo abarca a todos esos artistas en activo a partir de la segunda mitad del siglo XIX en el eje París-Provenza y que hoy son considerados, ni más ni menos, que los precursores del arte moderno. Resumiendo mucho, anotamos que todos ellos evolucionan desde las características del impresionismo para desarrollar cada uno un estilo individual, personal, único y, a veces, en la más extrema y cruel soledad. A estos artistas de difícil adscripción, aunque han sido englobados bajo este nombre (postimpresionismo), le siguen inmediatamente las vanguardias históricas. Y nos metemos en otros derroteros históricos y estilísticos, ya que lo primero que promulgan estos movimientos es la inutilidad del arte. 

Qué es el postimpresionismo  

Teniendo en cuenta esta anotación podemos definir el postimpresionismo no como una escuela o una corriente artística uniformada. Sus integrantes ni hicieron comunidad (como los impresionistas) ni se agruparon en contubernio para ir publicando manifiestos (como las vanguardias posteriores). Todos los artistas englobados bajo este concepto, de alguna manera u otra, están vinculados a París y al eje París-Provenza y produjeron sus obras durante las últimas décadas del siglo XIX rozando, en algún caso, el XX. Todos ellos se iniciaron en los rudimentos y estéticas impresionistas pero, muy pronto, evolucionaron (cada uno por su camino) hacia estilos divergentes. 

Como veremos a continuación, para todos los artistas del postimpresionismo el color se erige en la esencia de la obra de arte a la par que se despegan de los temas clásicos de la tradición artística. Excepto Cézanne, que sí tuvo cierto reconocimiento en vida o Toulouse-Lautrec que (aparte de disfrutar de un amplio patrimonio familiar) realizó encargos de carteles, los representantes del postimpresionismo vivieron al margen de las galerías (cuyas puertas estaban vetadas), los salones (en los que eran rechazados), el coleccionismo (excepto excepciones) e, incluso, de la Escuela de Bellas Artes. Este fue el caso de Cézanne, uno de los más grandes pintores de la historia del arte, que suspendió el examen de acceso. Una vez estos artistas dejaron este mundo comienzan otros movimientos rupturistas en extremo que rechazan cualquier recurso a la tradición. Así, en París surge el dadaísmo (que niega la utilidad del arte) o el cubismo con Picasso a la cabeza, en Italia se despliega el futurismo, en Alemania aparece el expresionismo… 

 Caracteristicas del postimpresionismo

Características del postimpresionismo 

1.- Como he anotado anteriormente, los artistas del postimpresionismo no forman escuela o grupo y eso a pesar de que algunos mantenían contacto (tal es el caso de Vicent van Gogh y Paul Gauguin). 

2.- El postimpresionismo es un movimiento  eminentemente pictórico. 

3.- El color se convierte en protagonista del cuadro y este se trata de forma matizada con pinceladas largas y espesas. 

4.- De igual modo, las luces y sombras se hacen por contrastes de color y no por pinceladas. 

5.- Se presta especial atención a los objetos sencillos, a los paisajes incluso anodinos de la labranza, a los tipos populares y los interiores cotidianos. Los cafés, los bailes y las salas de fiestas sustituyen a los grandes temas cívicos. 

6.- Se olvidan (casi para siempre) los grandes temas religiosos, mitológicos e históricos. 

7.- Hay un gusto por el exotismo, sobre todo el proveniente de Japón que se conoce a través de estampas y reproducciones que inundan las librerías de París. 

8.- Encontramos preferencia por los paisajes que han perdido todo dramatismo y se aleja de la visión truculenta de la pintura del Romanticismo. Estos adquieren carta de naturaleza y se convierten en protagonistas de las obras. No son meros decorados. 

9.- Se indaga en el interior anímico a través de retratos alejados de toda ceremonia y de los autorretratos. En este sentido se adelantan los choques espirituales que pondrán de manifiesto el descubrimiento del inconsciente según Freud

10.- Y, por último, enlazan con la tradición (el impresionismo) y abren la puerta a los movimientos de vanguardia, especialmente los que se desarrollan en París. Así, por poner un solo ejemplo, Cézanne es el único pintor del pasado que es aceptado por los representantes del cubismo.  

 Pintores postimpresionistas

Artistas del postimpresionismo  

1.- Paul Cézanne (1839-1906) 

Nació en la Provenza donde pasó buena parte de su vida y allí murió. Siendo adolescente su padre logró amasar una gran fortuna instando a su hijo a que se hiciera cargo de los negocios familiares. Aunque intentó llevar a cabo los mandatos paternos matriculándose incluso en la Escuela de Derecho, muy pronto le arrastró su vocación artística, espoleado, nada y nada menos, que por Émile Zola, el mayor representante del naturalismo.  

Las obras de Paul Cézanne comenzaron a tener un éxito discreto en la década de los ochenta del siglo XIX por parte de algunos coleccionistas modernos. En ellas, el artista despliega todo su hacer con los colores saturados, contrastados y complejos de gran belleza. El pincel casi desaparece para introducirnos en las posibilidades del trazo grueso. Mantuvo preferencia por los paisajes (incluso los nocturnos que retrata magistralmente), por los bodegones que elevó a la categoría de protagonista y retratos de personas cercanas.  

2.- Paul Gauguin (1848-1903)

De carácter aventurero, abandonó París muy pronto para recorrerse primero la Bretaña (donde retrata sus mujeres con la vestimenta tradicional) y luego convivir (de forma tormentosa) con Vicent Van Gogh. Abordó el tema religioso desde un punto bastante heterodoxo y sus obras más conocidas son las que retrata el mundo de los habitantes de Tahití y las Islas Marquesas, los territorios de ultramar francesas. Hasta allí viajó, vivió, murió y está enterrado. 

Su pintura evoluciona hacia un simbolismo primigenio y primitivo y se caracteriza por el uso del color extremo. Además, algunas de sus composiciones están organizadas de una forma bastante original con los modelos ajenos al espectador. Esto último era una novedad en la época. 

  • Los amantes del arte curiosos, tienen una pequeña introducción de las obras de Paul Gauguin en el link anterior. 

3.- Vincent van Gogh (1853-1890) 

No solo es uno de los pintores postimpresionistas más conocidos sino de toda la historia del arte al mismo nivel que Miguel Ángel, Goya, Velázquez o Leonardo da Vinci. La biografía de Vicent van Gogh está repleta de sucesos oscuros, de episodios tristes, de soledad o sucumbiendo a enfermedades nerviosas. Quiso ser predicador y ayudar a los pobres. A instancias de su hermano menor (Theo), se inició en los pinceles llegando a levantar una obra única e irrepetible. Su particular trazo ondulado se presta para conjugar obras en apariencia sencilla pero, en el fondo, son el espejo donde se refleja su alma pasional y, a veces, atormentada.  

Van Gogh eleva los objetos sencillos, los interiores cotidianos y los paisajes de labranza de la Provenza al podio apoteósico del arte. A pesar de que no tuvo ningún tipo de reconocimiento en vida, fue su cuñada (Johanna Van Gogh), al enviudar de Theo, la que ordenó y sistematizó toda su obra para organizar exposiciones y poder colocarlas en el circuito y mercado del arte. Críticos hubo que se burlaron de la señora por tal ocurrencia alegando que los cuadros del holandés no tenían valor alguno. Han pagado sus palabras con el olvido a manos de la implacable historia.  

  • De la ingente producción del holandés, he seleccionado estas siete obras de Vicent van Gogh donde se analiza brevemente su significado.  

4.- Georges Seurat (1859-1891) 

Fue el creador de la pintura puntillista, una evolución del impresionismo. La técnica consiste en realizar las formas mediante pequeños puntos de color que, al visionarse de lejos, adquieren consistencia, luces y sombras. A pesar de que se inspira en la vida parisina con sus paseos y ambiente festivo, la mayor parte del trabajo lo realizaba en el estudio siguiendo métodos casi científicos y utilizando los conocimientos de la incipiente fotografía.  

5.- Paul Signac (1863-1935)  

Perteneciente también a la escuela puntillista tenía preferencia por las marinas, los paisajes marítimos o portuarios con barcos. Su obra manifiesta un ambiente desenfadado y distendido que contrasta con los movimientos de vanguardia con los que coincidió en el tiempo.  

6.- Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901)

Perteneciente a una familia aristocrática, estuvo toda su vida condicionado por una enfermedad degenerativa. De su obra hay que destacar aquellos que recrean los ambientes distendidos de los bailes y cafés del París de finales del siglo XIX. También realizó carteles para estos establecimientos con los motivos típicos del modernismo. Se interesó por la fotografía.  

 Pinturas postimpresionistas

Selección de algunas obras del postimpresionismo

Ni que decir tiene que la selección es tan personal y subjetiva que aquí caben muchas más. Sí tengo que anotar que las grandes títulos de los representantes impresionistas están entre lo más sublime de la historia del arte. 

  • Además de la lista a continuación, te he dejado un análisis crítico de 10 pinturas postimpresionistas en este enlace. Y tienes aún más para disfrutar con los vídeos de YouTube que te enlazo a continuación.  

1.- Obras del postimpresionismo pertenecientes a Cézanne

  • Paul Alexis leyendo a Zola (1870)
  • Paisaje con molino de agua (1871) 
  • La señora Cézanne en un sillón rojo (1877)
  • Naturaleza muerta con botella de menta (1893)
  • Recipientes y plato con fruta sobre tapete (1894) 
  • Los jugadores de cartas (1894)
  • Bodegón de 1894
  • Mujer con cafetera (1895)
  • Ciclo de Las bañistas (hasta 1905)
  • Monte Santa Victoria y Castillo Negro (1905)

2.- Obras del postimpresionismo pertenecientes a Paul Gauguin 

  • Las cuatro bretonas (1886)
  • Noche en el café (1888)
  • Cristo amarillo (1889)
  • Mujeres en la playa (1891) 
  • Arearea o Entretenimientos (1892)
  • El espíritu de la muerte te está mirando (1892)

 

3.- Obras del postimpresionismo salidas de Vicent van Gogh  

  • El puente Langlois con lavanderas (1888)
  • Campo de trigo con cuervos (1890)
  • Ciprés y aldea o la noche estrellada (1889)
  • Florero con doce girasoles (1888)
  • La habitación de Vicent en Arlés (1888)
  • La silla de Vicent (1889)
  • El sillón de Gauguin (1889)
  • Autorretrato de 1889
  • Autorretrato con oreja cortada (1889)
  • Retrato del Doctor Gachet (1990)
  • Las campesinas (1890)
  • Los comedores de patatas (1885) 
  • Terraza del café de noche (1888) 

4.- Pinturas postimpresionistas de otros autores  

  • Baile en el Moulin Rouge (1890) de Toulouse Lautrec.
  • El Circo Fernando (1888) de este mismo artista.
  • El puerto de Saint Tropez (1907) de Paul Signac.
  • Un domingo de verano en la Grande Jette (1884) de Georges Seurat. 
  • Saint Tropez de Paul Signac.

Estos dos últimos artistas son los mejores pintores puntillistas de la historia, un movimiento que pasó sin pena ni gloria en su tiempo por ser considerado poco consistente desde el punto de vista intelectual. Sin embargo, comienza a ser aceptado conforme se estudia la época a finales del siglo XX.  

El postimpresionismo fue una evolución, un enlace entre el impresionismo y las vanguardias, llevado a cabo de forma individual por algunos artistas que se encontraban, en ese momento, en el ombligo del mundo. Sin embargo, su importancia no estriba en ser un estilo o un movimiento de transición sino en haber conseguido reunir a un puñado de artistas que están en el cenit del arte moderno con obras de una belleza que alcanza la categoría de sublime codiciadas por coleccionistas y museos. 

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla  

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El arte es lo que queda cuando todo ha pasado. Es lo inmutable dentro del cambio. Es la belleza en un mundo en caos. El arte es parte importante de este sitio. Intentamos comprenderlo. 

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Ensayo sobre el postimpresionismo con la definición, las características, obras y artistas del movimiento. 

El postimpresionismo abarca a todos esos artistas en activo a partir de la segunda mitad del siglo XIX en el eje París-Provenza y que hoy son considerados, ni más ni menos, que los precursores del arte moderno. Resumiendo mucho, anotamos que todos ellos evolucionan desde las características del impresionismo para desarrollar cada uno un estilo individual, personal, único y, a veces, en la más extrema y cruel soledad. A estos artistas de difícil adscripción, aunque han sido englobados bajo este nombre (postimpresionismo), le siguen inmediatamente las vanguardias históricas. Y nos metemos en otros derroteros históricos y estilísticos, ya que lo primero que promulgan estos movimientos es la inutilidad del arte. 

Qué es el postimpresionismo  

Teniendo en cuenta esta anotación podemos definir el postimpresionismo no como una escuela o una corriente artística uniformada. Sus integrantes ni hicieron comunidad (como los impresionistas) ni se agruparon en contubernio para ir publicando manifiestos (como las vanguardias posteriores). Todos los artistas englobados bajo este concepto, de alguna manera u otra, están vinculados a París y al eje París-Provenza y produjeron sus obras durante las últimas décadas del siglo XIX rozando, en algún caso, el XX. Todos ellos se iniciaron en los rudimentos y estéticas impresionistas pero, muy pronto, evolucionaron (cada uno por su camino) hacia estilos divergentes. 

Como veremos a continuación, para todos los artistas del postimpresionismo el color se erige en la esencia de la obra de arte a la par que se despegan de los temas clásicos de la tradición artística. Excepto Cézanne, que sí tuvo cierto reconocimiento en vida o Toulouse-Lautrec que (aparte de disfrutar de un amplio patrimonio familiar) realizó encargos de carteles, los representantes del postimpresionismo vivieron al margen de las galerías (cuyas puertas estaban vetadas), los salones (en los que eran rechazados), el coleccionismo (excepto excepciones) e, incluso, de la Escuela de Bellas Artes. Este fue el caso de Cézanne, uno de los más grandes pintores de la historia del arte, que suspendió el examen de acceso. Una vez estos artistas dejaron este mundo comienzan otros movimientos rupturistas en extremo que rechazan cualquier recurso a la tradición. Así, en París surge el dadaísmo (que niega la utilidad del arte) o el cubismo con Picasso a la cabeza, en Italia se despliega el futurismo, en Alemania aparece el expresionismo… 

 Caracteristicas del postimpresionismo

Características del postimpresionismo 

1.- Como he anotado anteriormente, los artistas del postimpresionismo no forman escuela o grupo y eso a pesar de que algunos mantenían contacto (tal es el caso de Vicent van Gogh y Paul Gauguin). 

2.- El postimpresionismo es un movimiento  eminentemente pictórico. 

3.- El color se convierte en protagonista del cuadro y este se trata de forma matizada con pinceladas largas y espesas. 

4.- De igual modo, las luces y sombras se hacen por contrastes de color y no por pinceladas. 

5.- Se presta especial atención a los objetos sencillos, a los paisajes incluso anodinos de la labranza, a los tipos populares y los interiores cotidianos. Los cafés, los bailes y las salas de fiestas sustituyen a los grandes temas cívicos. 

6.- Se olvidan (casi para siempre) los grandes temas religiosos, mitológicos e históricos. 

7.- Hay un gusto por el exotismo, sobre todo el proveniente de Japón que se conoce a través de estampas y reproducciones que inundan las librerías de París. 

8.- Encontramos preferencia por los paisajes que han perdido todo dramatismo y se aleja de la visión truculenta de la pintura del Romanticismo. Estos adquieren carta de naturaleza y se convierten en protagonistas de las obras. No son meros decorados. 

9.- Se indaga en el interior anímico a través de retratos alejados de toda ceremonia y de los autorretratos. En este sentido se adelantan los choques espirituales que pondrán de manifiesto el descubrimiento del inconsciente según Freud

10.- Y, por último, enlazan con la tradición (el impresionismo) y abren la puerta a los movimientos de vanguardia, especialmente los que se desarrollan en París. Así, por poner un solo ejemplo, Cézanne es el único pintor del pasado que es aceptado por los representantes del cubismo.  

 Pintores postimpresionistas

Artistas del postimpresionismo  

1.- Paul Cézanne (1839-1906) 

Nació en la Provenza donde pasó buena parte de su vida y allí murió. Siendo adolescente su padre logró amasar una gran fortuna instando a su hijo a que se hiciera cargo de los negocios familiares. Aunque intentó llevar a cabo los mandatos paternos matriculándose incluso en la Escuela de Derecho, muy pronto le arrastró su vocación artística, espoleado, nada y nada menos, que por Émile Zola, el mayor representante del naturalismo.  

Las obras de Paul Cézanne comenzaron a tener un éxito discreto en la década de los ochenta del siglo XIX por parte de algunos coleccionistas modernos. En ellas, el artista despliega todo su hacer con los colores saturados, contrastados y complejos de gran belleza. El pincel casi desaparece para introducirnos en las posibilidades del trazo grueso. Mantuvo preferencia por los paisajes (incluso los nocturnos que retrata magistralmente), por los bodegones que elevó a la categoría de protagonista y retratos de personas cercanas.  

2.- Paul Gauguin (1848-1903)

De carácter aventurero, abandonó París muy pronto para recorrerse primero la Bretaña (donde retrata sus mujeres con la vestimenta tradicional) y luego convivir (de forma tormentosa) con Vicent Van Gogh. Abordó el tema religioso desde un punto bastante heterodoxo y sus obras más conocidas son las que retrata el mundo de los habitantes de Tahití y las Islas Marquesas, los territorios de ultramar francesas. Hasta allí viajó, vivió, murió y está enterrado. 

Su pintura evoluciona hacia un simbolismo primigenio y primitivo y se caracteriza por el uso del color extremo. Además, algunas de sus composiciones están organizadas de una forma bastante original con los modelos ajenos al espectador. Esto último era una novedad en la época. 

  • Los amantes del arte curiosos, tienen una pequeña introducción de las obras de Paul Gauguin en el link anterior. 

3.- Vincent van Gogh (1853-1890) 

No solo es uno de los pintores postimpresionistas más conocidos sino de toda la historia del arte al mismo nivel que Miguel Ángel, Goya, Velázquez o Leonardo da Vinci. La biografía de Vicent van Gogh está repleta de sucesos oscuros, de episodios tristes, de soledad o sucumbiendo a enfermedades nerviosas. Quiso ser predicador y ayudar a los pobres. A instancias de su hermano menor (Theo), se inició en los pinceles llegando a levantar una obra única e irrepetible. Su particular trazo ondulado se presta para conjugar obras en apariencia sencilla pero, en el fondo, son el espejo donde se refleja su alma pasional y, a veces, atormentada.  

Van Gogh eleva los objetos sencillos, los interiores cotidianos y los paisajes de labranza de la Provenza al podio apoteósico del arte. A pesar de que no tuvo ningún tipo de reconocimiento en vida, fue su cuñada (Johanna Van Gogh), al enviudar de Theo, la que ordenó y sistematizó toda su obra para organizar exposiciones y poder colocarlas en el circuito y mercado del arte. Críticos hubo que se burlaron de la señora por tal ocurrencia alegando que los cuadros del holandés no tenían valor alguno. Han pagado sus palabras con el olvido a manos de la implacable historia.  

  • De la ingente producción del holandés, he seleccionado estas siete obras de Vicent van Gogh donde se analiza brevemente su significado.  

4.- Georges Seurat (1859-1891) 

Fue el creador de la pintura puntillista, una evolución del impresionismo. La técnica consiste en realizar las formas mediante pequeños puntos de color que, al visionarse de lejos, adquieren consistencia, luces y sombras. A pesar de que se inspira en la vida parisina con sus paseos y ambiente festivo, la mayor parte del trabajo lo realizaba en el estudio siguiendo métodos casi científicos y utilizando los conocimientos de la incipiente fotografía.  

5.- Paul Signac (1863-1935)  

Perteneciente también a la escuela puntillista tenía preferencia por las marinas, los paisajes marítimos o portuarios con barcos. Su obra manifiesta un ambiente desenfadado y distendido que contrasta con los movimientos de vanguardia con los que coincidió en el tiempo.  

6.- Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901)

Perteneciente a una familia aristocrática, estuvo toda su vida condicionado por una enfermedad degenerativa. De su obra hay que destacar aquellos que recrean los ambientes distendidos de los bailes y cafés del París de finales del siglo XIX. También realizó carteles para estos establecimientos con los motivos típicos del modernismo. Se interesó por la fotografía.  

 Pinturas postimpresionistas

Selección de algunas obras del postimpresionismo

Ni que decir tiene que la selección es tan personal y subjetiva que aquí caben muchas más. Sí tengo que anotar que las grandes títulos de los representantes impresionistas están entre lo más sublime de la historia del arte. 

  • Además de la lista a continuación, te he dejado un análisis crítico de 10 pinturas postimpresionistas en este enlace. Y tienes aún más para disfrutar con los vídeos de YouTube que te enlazo a continuación.  

1.- Obras del postimpresionismo pertenecientes a Cézanne

  • Paul Alexis leyendo a Zola (1870)
  • Paisaje con molino de agua (1871) 
  • La señora Cézanne en un sillón rojo (1877)
  • Naturaleza muerta con botella de menta (1893)
  • Recipientes y plato con fruta sobre tapete (1894) 
  • Los jugadores de cartas (1894)
  • Bodegón de 1894
  • Mujer con cafetera (1895)
  • Ciclo de Las bañistas (hasta 1905)
  • Monte Santa Victoria y Castillo Negro (1905)

2.- Obras del postimpresionismo pertenecientes a Paul Gauguin 

  • Las cuatro bretonas (1886)
  • Noche en el café (1888)
  • Cristo amarillo (1889)
  • Mujeres en la playa (1891) 
  • Arearea o Entretenimientos (1892)
  • El espíritu de la muerte te está mirando (1892)

 

3.- Obras del postimpresionismo salidas de Vicent van Gogh  

  • El puente Langlois con lavanderas (1888)
  • Campo de trigo con cuervos (1890)
  • Ciprés y aldea o la noche estrellada (1889)
  • Florero con doce girasoles (1888)
  • La habitación de Vicent en Arlés (1888)
  • La silla de Vicent (1889)
  • El sillón de Gauguin (1889)
  • Autorretrato de 1889
  • Autorretrato con oreja cortada (1889)
  • Retrato del Doctor Gachet (1990)
  • Las campesinas (1890)
  • Los comedores de patatas (1885) 
  • Terraza del café de noche (1888) 

4.- Pinturas postimpresionistas de otros autores  

  • Baile en el Moulin Rouge (1890) de Toulouse Lautrec.
  • El Circo Fernando (1888) de este mismo artista.
  • El puerto de Saint Tropez (1907) de Paul Signac.
  • Un domingo de verano en la Grande Jette (1884) de Georges Seurat. 
  • Saint Tropez de Paul Signac.

Estos dos últimos artistas son los mejores pintores puntillistas de la historia, un movimiento que pasó sin pena ni gloria en su tiempo por ser considerado poco consistente desde el punto de vista intelectual. Sin embargo, comienza a ser aceptado conforme se estudia la época a finales del siglo XX.  

El postimpresionismo fue una evolución, un enlace entre el impresionismo y las vanguardias, llevado a cabo de forma individual por algunos artistas que se encontraban, en ese momento, en el ombligo del mundo. Sin embargo, su importancia no estriba en ser un estilo o un movimiento de transición sino en haber conseguido reunir a un puñado de artistas que están en el cenit del arte moderno con obras de una belleza que alcanza la categoría de sublime codiciadas por coleccionistas y museos. 

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla  

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Si bien una de las características del postimpresionismo es la extrema individualidad de sus creadores, estos seis artistas tienen puntos en común más allá de coincidir en el tiempo (segunda mitad del siglo XIX) y en el espacio (eje París-Provenza). Todos ellos mantuvieron contactos con algún artista del impresionismo e, incluso, se iniciaron en los pinceles bajo estos parámetros. Aún así, muy pronto comenzaron, de forma individual, un devenir estilístico personal, irrepetible y, en algún que otro caso, bajo las sombras de la soledad. Sin embargo y a pesar de todas sus diferencias, estos seis pintores postimpresionistas ofrecen aspectos comunes. Así, todos ellos investigan en las posibilidades del color (tanto en los brillantes como en los complejos saturados), en las opciones que ofrece el pincel, en la belleza presente tanto en los objetos como en los espacios sencillos… Los artistas postimpresionistas comienzan un camino de búsqueda que, en el caso de Gauguin, lo lleva a explorar los límites del mundo conocido y en el de Van Gogh los del espíritu. 

1.- Vicent van Gogh el más conocido de los pintores postimpresionistas

De compleja personalidad, atormentado, pasional, de salud psíquica frágil y uno de los grandes artistas de todos los tiempos. Así podemos resumir el devenir vital de Vicent van Gogh (1853-1890), un creador ajeno a cualquier corriente,  atormentado por una contradictoria espiritualidad. Quiso ser predicador y ayudar a los pobres. Su afán de trascendencia, tras varias crisis psicológicas, le encaminó por los derroteros de la pintura. Las penurias económicas que sufrió no fue en ningún momento un impedimento para continuar creando cuadros de gran fuerza expresiva. Recibió en vida el apoyo de su hermano menor Theo y, a la muerte de ambos, fue su cuñada Johanna van Gogh (1862-1925) la que sistematizaría su obra, organizaría exposiciones y logró colocar la producción entre coleccionistas privados. Sin ella, hoy Vicent van Gogh sería un auténtico desconocido, ya que tuvo nulo reconocimiento en vida. 

Si quieres saber más de la biografía de Vicent van Gogh, te he dejado más datos en el enlace.  

La obra del artista gira alrededor de elementos sencillos (unas botas, una silla, una habitación humilde, una jarra con girasoles) que trata con fuerza expresiva al máximo. Todo ello lo consigue haciendo uso de los colores primarios, de un trazo enérgico y tan espeso que es, incluso, visible en las reproducciones. Algún crítico ha querido ver en su gusto por la espiral un remanente de paranoia (el autorretrato que encabeza este artículo o la obra La noche estrellada por poner dos ejemplos). Sus últimas obras, tras una crisis psicológica que le llevó a un sanatorio, reflejan la vida sencilla de la Provenza, los campos de labranza y los puentes… Va evolucionando hacia un simbolismo primigenio que desemboca en su última creación: Campo de trigo con cuervos donde los colores, el camino y los cuervos que se levantan del suelo aportan sentido. En esta última obra el artista nos deja una despedida espiritual, un adiós que es, a la vez, una integración con la naturaleza a la que tanto amó. 

Tienes más datos sobre las obras de Vicent van Gogh en este enlace.  

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2.- Paul Cézanne, el artista que enlaza la tradición con las vanguardias históricas 

Paul Cézanne (1839-1906) estaba llamado a estudiar derecho y a dirigir el negocio financiero familiar. Afortunadamente para la historia del arte, se cruzó en su camino Émile Zola (1840-1902), máximo representante del naturalismo, quien instó al artista a convertirse no solo en uno de los pintores postimpresionistas más importantes sino en un creador imprescindible para la historia del arte. A pesar del rechazo paterno a que continuara su vocación, pudo muy pronto dedicarse de pleno a los pinceles y a una edad bastante joven comenzó a exponer y a vender. 

Las primeras obras de Paul Cézanne reflejan estos desacuerdos internos con colores oscuros, contrastados y bruscos. Sin embargo, muy pronto evolucionó hacia los tonos brillantes, complejos, matizados y de una belleza sublime. Busca las formas a través de los colores y las sombras se hacen por contraste. Su trabajo tiene preferencia por los bodegones, los paisajes alrededor de su casa, los tipos populares… Hay que anotar que Cézanne fue el único artista del siglo XIX aceptado por los rupturistas representantes del cubismo y de otros movimientos de vanguardia que irrumpirían nada más inaugurarse el siglo XX.  

Tienes más datos sobre las obras de Paul Cézanne en este link. 

 Paul Gauguin

3.- Paul Gauguin, el más aventurero de los pintores postimpresionistas 

Se inició (de la mano de Pissarro) en las características del impresionismo, tendencia que abandonó muy pronto. El espíritu aventurero de Paul Gauguin (1848-1903), le llevó primero a la Bretaña francesa donde retrató a sus mujeres con la vestimenta tradicional en obras de gran fuerza expresiva por los contrastes de color. La relación con Vicent van Gogh y la convivencia de ambos artistas en la Provenza supuso choques emocionales frontales y desencuentros de importancia. Sin embargo, ambos siguieron investigando y trabajando en sus estilos tan personales. A pesar de que realizó algunas obras de índole religiosa (que no siguen las características del postimpresionismo en cuanto a temática), su producción más conocida tiene como protagonistas a las mujeres y el mundo de los territorios de ultramar franceses.  

En las Islas Marquesas y en Tahití vivió, amó, pintó y murió. Y de ese universo son sus obras más conocidas incluso por el público no especialmente entendido en la historia del arte. En ellas sobresale el tratamiento del color que utiliza de manera extrema y con gran fuerza. A la par, la composición es totalmente novedosa presentándonos, a veces, las figuras humanas ensimismadas en su mundo anterior. En este sentido, sus creaciones se encuentran entre las pinturas postimpresionistas (y del siglo XIX) que mejor reflejan y adelantan los cambios espirituales que se producirían en el siglo XX con el conocimiento del inconsciente. 

Puedes estudiar los entresijos de las obras de Paul Gauguin en el siguiente enlace.

4.- Georges Seurat, el creador del puntillismo  

Una de las características del postimpresionismo es su intento por evolucionar desde la pincelada impresionista que había revolucionado el arte de la época. En este sentido, hay que reseñar la aportación de Georges Seurat (1859-1891), uno de los más famosos pintores puntillistas y creador de esta técnica pictórica. En sus obras se plasman las luces y las sombras así como los colores utilizando pequeños puntos que, al visionarse de lejos, aparecen las contornos de manera contrastada. El formato, aunque tuvo repercusión solo en la época, es bastante popular hoy en día por lo que implica de estudio científico. A diferencia de los impresionistas (que gustaban de trabajar al aire libre y del natural), los puntillistas toman solo bocetos de la obra en el emplazamiento concreto. El resto de las tareas se realizan en el estudio siguiendo una planificación. 

5.- Paul Signac, uno de los pintores postimpresionistas que vive las vanguardias  

Adscrito también al movimiento del puntillismo, Paul Signac (1863-1935) mantuvo una clara preferencia por retratar los ambientes portuarios con sus marinas, barcos y casas apelotonadas mirando al mar. No abandonó los preceptos del movimiento a pesar de que siguió trabajando bien entrado el siglo XX, cuando las vanguardias históricas se sucedían unas a otras e, incluso, el surrealismo (con su visión dramática de las fuerzas de choque psíquicas) se imponía en todos los ámbitos artísticos. Logró disfrutar de reconocimiento en vida. 

 Toulouse-Lautrec

6.- Henri Toulouse-Lautrec el artista que retrató los cabarets de París

De distinto tenor es la obra de Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901) condicionado por una enfermedad genética y la soledad. Fue el mejor retratista del París ocioso de los bailes y los cabarets de finales del siglo XX, cuando la capital francesa era el eje cultural, filosófico e intelectual del mundo. Es uno de los pintores postimpresionistas más ecléctico ya que también cultivó la fotografía (por entonces una novedad) y realizó múltiples carteles para los locales que solía retratar en pintura. Estos siguen la estética modernista y están plagados de los motivos femeninos, florales y geométricos propios de este movimiento. 

Estos grandes pintores postimpresionistas, de alguna manera u otra, influyeron en otros colegas ajenos a la vida parisina o los campos de Provenza con sus obras originales al máximo y, por entonces, alejadas del canon. En la actualidad, conforman un opus general que se encuentra entre lo más cotizado en las subastas internacionales y eso que alguno de ellos (los que no podían disfrutar de patrimonio familiar) malvivieron rozando o resbalándose en la absoluta indigencia. 

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla 

 

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El arte es lo que queda cuando todo ha pasado. Es lo inmutable dentro del cambio. Es la belleza en un mundo en caos. El arte es parte importante de este sitio. Intentamos comprenderlo. 

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Si bien una de las características del postimpresionismo es la extrema individualidad de sus creadores, estos seis artistas tienen puntos en común más allá de coincidir en el tiempo (segunda mitad del siglo XIX) y en el espacio (eje París-Provenza). Todos ellos mantuvieron contactos con algún artista del impresionismo e, incluso, se iniciaron en los pinceles bajo estos parámetros. Aún así, muy pronto comenzaron, de forma individual, un devenir estilístico personal, irrepetible y, en algún que otro caso, bajo las sombras de la soledad. Sin embargo y a pesar de todas sus diferencias, estos seis pintores postimpresionistas ofrecen aspectos comunes. Así, todos ellos investigan en las posibilidades del color (tanto en los brillantes como en los complejos saturados), en las opciones que ofrece el pincel, en la belleza presente tanto en los objetos como en los espacios sencillos… Los artistas postimpresionistas comienzan un camino de búsqueda que, en el caso de Gauguin, lo lleva a explorar los límites del mundo conocido y en el de Van Gogh los del espíritu. 

1.- Vicent van Gogh el más conocido de los pintores postimpresionistas

De compleja personalidad, atormentado, pasional, de salud psíquica frágil y uno de los grandes artistas de todos los tiempos. Así podemos resumir el devenir vital de Vicent van Gogh (1853-1890), un creador ajeno a cualquier corriente,  atormentado por una contradictoria espiritualidad. Quiso ser predicador y ayudar a los pobres. Su afán de trascendencia, tras varias crisis psicológicas, le encaminó por los derroteros de la pintura. Las penurias económicas que sufrió no fue en ningún momento un impedimento para continuar creando cuadros de gran fuerza expresiva. Recibió en vida el apoyo de su hermano menor Theo y, a la muerte de ambos, fue su cuñada Johanna van Gogh (1862-1925) la que sistematizaría su obra, organizaría exposiciones y logró colocar la producción entre coleccionistas privados. Sin ella, hoy Vicent van Gogh sería un auténtico desconocido, ya que tuvo nulo reconocimiento en vida. 

Si quieres saber más de la biografía de Vicent van Gogh, te he dejado más datos en el enlace.  

La obra del artista gira alrededor de elementos sencillos (unas botas, una silla, una habitación humilde, una jarra con girasoles) que trata con fuerza expresiva al máximo. Todo ello lo consigue haciendo uso de los colores primarios, de un trazo enérgico y tan espeso que es, incluso, visible en las reproducciones. Algún crítico ha querido ver en su gusto por la espiral un remanente de paranoia (el autorretrato que encabeza este artículo o la obra La noche estrellada por poner dos ejemplos). Sus últimas obras, tras una crisis psicológica que le llevó a un sanatorio, reflejan la vida sencilla de la Provenza, los campos de labranza y los puentes… Va evolucionando hacia un simbolismo primigenio que desemboca en su última creación: Campo de trigo con cuervos donde los colores, el camino y los cuervos que se levantan del suelo aportan sentido. En esta última obra el artista nos deja una despedida espiritual, un adiós que es, a la vez, una integración con la naturaleza a la que tanto amó. 

Tienes más datos sobre las obras de Vicent van Gogh en este enlace.  

Cezanne self softhat

2.- Paul Cézanne, el artista que enlaza la tradición con las vanguardias históricas 

Paul Cézanne (1839-1906) estaba llamado a estudiar derecho y a dirigir el negocio financiero familiar. Afortunadamente para la historia del arte, se cruzó en su camino Émile Zola (1840-1902), máximo representante del naturalismo, quien instó al artista a convertirse no solo en uno de los pintores postimpresionistas más importantes sino en un creador imprescindible para la historia del arte. A pesar del rechazo paterno a que continuara su vocación, pudo muy pronto dedicarse de pleno a los pinceles y a una edad bastante joven comenzó a exponer y a vender. 

Las primeras obras de Paul Cézanne reflejan estos desacuerdos internos con colores oscuros, contrastados y bruscos. Sin embargo, muy pronto evolucionó hacia los tonos brillantes, complejos, matizados y de una belleza sublime. Busca las formas a través de los colores y las sombras se hacen por contraste. Su trabajo tiene preferencia por los bodegones, los paisajes alrededor de su casa, los tipos populares… Hay que anotar que Cézanne fue el único artista del siglo XIX aceptado por los rupturistas representantes del cubismo y de otros movimientos de vanguardia que irrumpirían nada más inaugurarse el siglo XX.  

Tienes más datos sobre las obras de Paul Cézanne en este link. 

 Paul Gauguin

3.- Paul Gauguin, el más aventurero de los pintores postimpresionistas 

Se inició (de la mano de Pissarro) en las características del impresionismo, tendencia que abandonó muy pronto. El espíritu aventurero de Paul Gauguin (1848-1903), le llevó primero a la Bretaña francesa donde retrató a sus mujeres con la vestimenta tradicional en obras de gran fuerza expresiva por los contrastes de color. La relación con Vicent van Gogh y la convivencia de ambos artistas en la Provenza supuso choques emocionales frontales y desencuentros de importancia. Sin embargo, ambos siguieron investigando y trabajando en sus estilos tan personales. A pesar de que realizó algunas obras de índole religiosa (que no siguen las características del postimpresionismo en cuanto a temática), su producción más conocida tiene como protagonistas a las mujeres y el mundo de los territorios de ultramar franceses.  

En las Islas Marquesas y en Tahití vivió, amó, pintó y murió. Y de ese universo son sus obras más conocidas incluso por el público no especialmente entendido en la historia del arte. En ellas sobresale el tratamiento del color que utiliza de manera extrema y con gran fuerza. A la par, la composición es totalmente novedosa presentándonos, a veces, las figuras humanas ensimismadas en su mundo anterior. En este sentido, sus creaciones se encuentran entre las pinturas postimpresionistas (y del siglo XIX) que mejor reflejan y adelantan los cambios espirituales que se producirían en el siglo XX con el conocimiento del inconsciente. 

Puedes estudiar los entresijos de las obras de Paul Gauguin en el siguiente enlace.

4.- Georges Seurat, el creador del puntillismo  

Una de las características del postimpresionismo es su intento por evolucionar desde la pincelada impresionista que había revolucionado el arte de la época. En este sentido, hay que reseñar la aportación de Georges Seurat (1859-1891), uno de los más famosos pintores puntillistas y creador de esta técnica pictórica. En sus obras se plasman las luces y las sombras así como los colores utilizando pequeños puntos que, al visionarse de lejos, aparecen las contornos de manera contrastada. El formato, aunque tuvo repercusión solo en la época, es bastante popular hoy en día por lo que implica de estudio científico. A diferencia de los impresionistas (que gustaban de trabajar al aire libre y del natural), los puntillistas toman solo bocetos de la obra en el emplazamiento concreto. El resto de las tareas se realizan en el estudio siguiendo una planificación. 

5.- Paul Signac, uno de los pintores postimpresionistas que vive las vanguardias  

Adscrito también al movimiento del puntillismo, Paul Signac (1863-1935) mantuvo una clara preferencia por retratar los ambientes portuarios con sus marinas, barcos y casas apelotonadas mirando al mar. No abandonó los preceptos del movimiento a pesar de que siguió trabajando bien entrado el siglo XX, cuando las vanguardias históricas se sucedían unas a otras e, incluso, el surrealismo (con su visión dramática de las fuerzas de choque psíquicas) se imponía en todos los ámbitos artísticos. Logró disfrutar de reconocimiento en vida. 

 Toulouse-Lautrec

6.- Henri Toulouse-Lautrec el artista que retrató los cabarets de París

De distinto tenor es la obra de Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901) condicionado por una enfermedad genética y la soledad. Fue el mejor retratista del París ocioso de los bailes y los cabarets de finales del siglo XX, cuando la capital francesa era el eje cultural, filosófico e intelectual del mundo. Es uno de los pintores postimpresionistas más ecléctico ya que también cultivó la fotografía (por entonces una novedad) y realizó múltiples carteles para los locales que solía retratar en pintura. Estos siguen la estética modernista y están plagados de los motivos femeninos, florales y geométricos propios de este movimiento. 

Estos grandes pintores postimpresionistas, de alguna manera u otra, influyeron en otros colegas ajenos a la vida parisina o los campos de Provenza con sus obras originales al máximo y, por entonces, alejadas del canon. En la actualidad, conforman un opus general que se encuentra entre lo más cotizado en las subastas internacionales y eso que alguno de ellos (los que no podían disfrutar de patrimonio familiar) malvivieron rozando o resbalándose en la absoluta indigencia. 

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla 

 

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El postimpresionismo, ese movimiento de artistas solitarios y enrocados en sí mismos, dio a la historia del arte algunas de las obras más sublimes jamás creadas. En este cajón estilístico podemos meter la producción del atormentado Vicent van Gogh, los coloridos retratos de las muchachas de los mares del sur de Paul Gauguin, la apoteosis de color de Paul Cézanne y los ambientes marginales de Toulouse-Lautrec. Esta selección de las 10 pinturas postimpresionistas desplegadas a continuación están entre las más hermosas jamás creadas por la humanidad. 

El postimpresionismo no es, en esencia, un movimiento estilístico, ya que todos sus creadores (aunque se conocían y tenían contacto entre ellos) trabajaron de forma individual y ajenos a los grupos. Aún así, hay líneas generales comunes. Resumiendo mucho, todas ellas miran hacia la naturaleza como protagonista. Las luces y las sombras se hacen con saturación de color. La pincelada se alarga y se espesa. Encontramos otras características del postimpresionismo en el mundo representado, que es el sencillo, el cotidiano, el de los interiores de los cafés, el de París y de los campos de la Provenza. Todo ello se conjuga para disfrutar con obras que están en lo más granado del arte desde la pintura renacentista y no ha vuelto a ser superado por ningún otro movimiento posterior. Aquí va la lista y adelanto que es tremendamente personal y subjetiva.  

Obras de Van Gogh 7 La habitacion de Arles

1.- La habitación de Arlés de Vicent Van Gogh, una de las pinturas postimpresionistas más conocidas

El atormentado Vicent van Gogh (1853-1890) realiza esta obra (de la que hay varias versiones) en 1888. Es un interior sencillo, sobrio, recogido e íntimo y actúa casi como un autorretrato, ya que nos dice del sentir del artista. Hay que hacer notar que hasta este momento (mediados del siglo XIX) el arte se había concentrado en los grandes temas religiosos, mitológicos, históricos o cívicos. Únicamente con la pintura del Romanticismo, la naturaleza se torna protagonista y no mero paisaje o decorado. Todo este testigo se encuentra en las principales características del impresionismo que lo recoge para evolucionar en su tratamiento de la naturaleza. Sin embargo, ahora se da una vuelta de tuerca más y los protagonistas son los objetos humildes, los campos de labranza, los jarrones, las botas o las sillas. En este sentido hay que admirar las obras de Vicent van Gogh, ya que elevan para el arte la humildad de la cotidianidad. Y es así como tenemos que entender La habitación de Arlés, la pintura más buscada en Internet para ser copiada e iniciarse en los rudimentos de los pinceles. ¡Por algo será!

 Postimpresionismo PaulGauguin. Cristo amarillo. 1889

2.- Cristo amarillo de Paul Gauguin de 1889 

Del paso por la Provenza del aventurero Paul Gauguin (1848-1903) tenemos este heterodoxo Cristo amarillo. Ya he anotado anteriormente que no interesan los temas religiosos, históricos o filosóficos, sin embargo Gauguin realiza varias obras sobre este hilo conductor. Además, el tratamiento que se hace de la figura de Cristo es totalmente heterodoxo. En primer lugar sitúa a Jesús en trance de muerte sobre un paisaje de Provenza y, a su alrededor, se despliegan mujeres ataviadas con los típicos trajes bretones haciendo caso omiso a los acompañantes reseñados en la Biblia. Por si fuera poco, el color de la carnalidad es ajena a la realidad. Y esto será una constante no solo en las obras de Paul Gauguin sino en la producción del resto de artistas postimpresionistas. 

 La senora Cezanne en un sillon rojo 1877

3.- Retrato de Hortense sobre sillón rojo por Paul Cézanne de 1877

Paul Cézanne (1839-1906) se introduce en la pintura instigado por Émile Zola, el gran representante del naturalismo. En un principio tiene que conjugar su vocación artística con las imposiciones paternas, ya que se esperaba del pintor que gestionara los negocios familiares. Quizás debido a estos choques emocionales, las primeras obras de Paul Cézanne son oscuras, tristes y dramáticas. Sin embargo, esta tendencia comienza a cambiar a partir de los últimos años de la década de los setenta, cuando su producción empieza a tener aceptación entre algunos coleccionistas y recibe el beneplácito paterno para dedicarse a los pinceles. El retrato de quien fuera su esposa de por vida es un claro ejemplo de ello y en la obra podemos admirar los fuertes contrastes de color que serán una constante en toda su producción. Además las luces y las sombras ya no se realizan por degradación o con pequeñas pinceladas sino por contraposición. 

Puntillismo Seurat Tarde de domingo en la isla de Grande Jatte 1884 

4.- Un domingo de verano en la Grande Jatte (1884) de Seurat, una de las obras postimpresionistas perteneciente al puntillismo más conocida 

Georges Seurat (1859-1891) es el más conocido de los pintores puntillistas. Sigue manteniendo el gusto por reflejar los exteriores o la vida de ocio parisina pero, a diferencia de los impresionistas, realiza la mayoría del trabajo en el estudio. La pintura del natural solo sirve para realizar bocetos. Es una obra de gran tamaño creada para ser admirada desde lejos. Así, los pequeños puntos (en la retina) se unen para ir conformando no solo las formas sino las sombras y los claroscuros. 

Puntillismo Signac El Puerto de Saint Tropez 1907 

5.- El puerto de Saint Tropez (1907) de Paul Signac, una de las pinturas postimpresionistas realizadas cuando las vanguardias se encuentran vigentes

Paul Signac (1863-1935) crea obras puntillistas con una clara preferencia por los puertos, los barcos o las marinas. Sigue la estela de la pintura al aire libre iniciada en el siglo XIX. Y con ese estilo continuaría cuando ya estaban en pleno desarrollo los primeros movimientos de las vanguardias históricas (fauvismo, futurismo e, incluso, cubismo) que priorizan parámetros totalmente contrarios a los aquí expuestos. 

Toulouse Lautrec Baile en el Molino Rojo 

6.- Baile en el Moulin Rogue (1890) de Toulouse-Lautrec 

El artista francés es uno de los más originales del panorama estilístico de finales del siglo XIX ya que hace de la vida de los cabarets, las bailarinas y los personajes marginales el centro de su obra. Toulouse-Lautrec (1864-1901) nació en el seno de una familia aristocrática y con una enfermedad degenerativa que condicionó su vida. Quizás por ello, se refugia en este mundo a partes iguales entre la diversión y la marginalidad retratando a sus protagonistas. También fue creador de carteles aunque estos siguen la estética del modernismo. En esta obra sorprende el uso del color y el contraste del tono rojo donde se focaliza la atención. El movimiento es extremo y se consigue utilizando técnicas diversas. Es una de las obras postimpresionistas que mejor retrata una época, cuando París era (literal) el centro del mundo cultural y filosófico. 

Obras de Van Gogh 4Campo de trigo con vuelo de cuervos 

7.- Campo de trigo de Vicent Van Gogh pintada en 1890  

Con toda probabilidad, Campo de trigo con cuervos es una de las obras de Vicent van Gogh que mejor retrata su despedida de este mundo. La representación es completamente simbólica con una división clara entre el espacio terrenal conformado por el amarillo y el cielo azul que denota tanto espiritualidad como libertad. Los cuervos que emprenden el vuelo inciden en este sentido a igual que el camino que se encuentra en el eje central de la obra. La pintura está realizada, además, con una fuerza expresiva sublime en el que las pinceladas toman textura y la composición de la obra se acerca al minimalismo y casi a la abstracción. Por su importancia merece un estudio aparte que haré en breve. 

 Postimpresionismo Gauguin. Mujeres en la playa.1891

8.- Mujeres en la playa (1891) de Paul Gauguin, una de las obras del postimpresionismo que mejor representan el exotismo 

Y, además, este no es impostado ya que el artista viajó, vivió y murió en los territorios franceses de ultramar, por entonces (e, incluso, ahora) en los confines del mundo conocido por la cultura europea. Las últimas obras de Paul Gauguin reflejan la realidad de las Islas Marquesas, de Tahití… utilizando colores brillantes, saturados y contrastados. La pintura está realizada con una composición exquisita en la que los ejes centrales están estructurados en torno a las miradas y al personaje que nos da la espalda ajeno al espectador. Es otra de las características del postimpresionismo: las figuras se encuentran en su mundo y la obra parece captar un instante que no tiene nada que ver con un posado diseñado. Hay que anotar también que, en sus últimos años, Gauguin evoluciona hacia obras con un claro sentido simbólico y espiritual. 

Postimpresionismo Cezanne Los jugadores de cartas 1892 1895 

9.- Los jugadores de cartas (1894) de Paul Cézanne 

Disfruta de un capítulo especial en los anales de la historia del arte por su tratamiento sublime de una situación cotidiana y anodina. El eje central lo ocupan las cartas representadas con un punto blanco el cual contrasta con los colores complejos del resto de la composición. Las últimas obras de Paul Cézanne van evolucionando hacia unos tonos de una belleza inconmensurable (especialmente en la gama de los verdes y los azules) que las hacen reconocible hasta para los amantes del arte poco entendidos. La escena, como es frecuente en el postimpresionismo, carece de dramatismo y es, incluso, anodina. Su importancia radica en el tratamiento de las figuras, del color, del choque de las luces y las sombras plasmadas por acumulación. Hay que anotar, además, que la pincelada se ha hecho larga, espesa y elaborada. 

 El Circo Fernando de Toulouse Lautrec 1888

10.- El Circo Fernando de Toulouse-Lautrec de 1888, nuestra última obra postimpresionista

Y terminamos con este ejemplo de la vida parisina con su movimiento extremo y su uso radical del color. A igual que el otro ejemplo del mismo artista reseñado un poco más arriba, se ha contrastado los colores claros con los rojos o anaranjados colocados en elementos estratégicos de la composición. Así, obliga al espectador a realizar un movimiento circular con la visión a igual que si estuviéramos en el escenario circular del circo. 

La mayoría de las pinturas postimpresionistas más conocidas se encuentran en el podio de la apoteosis del arte. Son de una serena belleza sin dramatismos y sin preguntas filosóficas complicadas. Todas ellas reflejan la alegría de vivir en todas sus facetas posibles. Además, se ha desplegado todas las posibilidades del color, de la vida sencilla o cotidiana. Las últimas se solapan con los primeros movimientos de las vanguardias históricas, los mismos que se regodeaban con manifiestos y con proclamar la inutilidad del arte. En esa primera década del siglo XX, la raza humana se encargaría de escribir la palabra tragedia con mayúsculas en forma de guerras, persecuciones y exterminios sistemáticos. Conforme iban avanzando las décadas, el arte se hace eco de ese dolor y evoluciona por unos derroteros de expresión dramática de la que carecen las pinturas postimpresionistas. En su amabilidad está su belleza.  

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

 

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El postimpresionismo, ese movimiento de artistas solitarios y enrocados en sí mismos, dio a la historia del arte algunas de las obras más sublimes jamás creadas. En este cajón estilístico podemos meter la producción del atormentado Vicent van Gogh, los coloridos retratos de las muchachas de los mares del sur de Paul Gauguin, la apoteosis de color de Paul Cézanne y los ambientes marginales de Toulouse-Lautrec. Esta selección de las 10 pinturas postimpresionistas desplegadas a continuación están entre las más hermosas jamás creadas por la humanidad. 

El postimpresionismo no es, en esencia, un movimiento estilístico, ya que todos sus creadores (aunque se conocían y tenían contacto entre ellos) trabajaron de forma individual y ajenos a los grupos. Aún así, hay líneas generales comunes. Resumiendo mucho, todas ellas miran hacia la naturaleza como protagonista. Las luces y las sombras se hacen con saturación de color. La pincelada se alarga y se espesa. Encontramos otras características del postimpresionismo en el mundo representado, que es el sencillo, el cotidiano, el de los interiores de los cafés, el de París y de los campos de la Provenza. Todo ello se conjuga para disfrutar con obras que están en lo más granado del arte desde la pintura renacentista y no ha vuelto a ser superado por ningún otro movimiento posterior. Aquí va la lista y adelanto que es tremendamente personal y subjetiva.  

Obras de Van Gogh 7 La habitacion de Arles

1.- La habitación de Arlés de Vicent Van Gogh, una de las pinturas postimpresionistas más conocidas

El atormentado Vicent van Gogh (1853-1890) realiza esta obra (de la que hay varias versiones) en 1888. Es un interior sencillo, sobrio, recogido e íntimo y actúa casi como un autorretrato, ya que nos dice del sentir del artista. Hay que hacer notar que hasta este momento (mediados del siglo XIX) el arte se había concentrado en los grandes temas religiosos, mitológicos, históricos o cívicos. Únicamente con la pintura del Romanticismo, la naturaleza se torna protagonista y no mero paisaje o decorado. Todo este testigo se encuentra en las principales características del impresionismo que lo recoge para evolucionar en su tratamiento de la naturaleza. Sin embargo, ahora se da una vuelta de tuerca más y los protagonistas son los objetos humildes, los campos de labranza, los jarrones, las botas o las sillas. En este sentido hay que admirar las obras de Vicent van Gogh, ya que elevan para el arte la humildad de la cotidianidad. Y es así como tenemos que entender La habitación de Arlés, la pintura más buscada en Internet para ser copiada e iniciarse en los rudimentos de los pinceles. ¡Por algo será!

 Postimpresionismo PaulGauguin. Cristo amarillo. 1889

2.- Cristo amarillo de Paul Gauguin de 1889 

Del paso por la Provenza del aventurero Paul Gauguin (1848-1903) tenemos este heterodoxo Cristo amarillo. Ya he anotado anteriormente que no interesan los temas religiosos, históricos o filosóficos, sin embargo Gauguin realiza varias obras sobre este hilo conductor. Además, el tratamiento que se hace de la figura de Cristo es totalmente heterodoxo. En primer lugar sitúa a Jesús en trance de muerte sobre un paisaje de Provenza y, a su alrededor, se despliegan mujeres ataviadas con los típicos trajes bretones haciendo caso omiso a los acompañantes reseñados en la Biblia. Por si fuera poco, el color de la carnalidad es ajena a la realidad. Y esto será una constante no solo en las obras de Paul Gauguin sino en la producción del resto de artistas postimpresionistas. 

 La senora Cezanne en un sillon rojo 1877

3.- Retrato de Hortense sobre sillón rojo por Paul Cézanne de 1877

Paul Cézanne (1839-1906) se introduce en la pintura instigado por Émile Zola, el gran representante del naturalismo. En un principio tiene que conjugar su vocación artística con las imposiciones paternas, ya que se esperaba del pintor que gestionara los negocios familiares. Quizás debido a estos choques emocionales, las primeras obras de Paul Cézanne son oscuras, tristes y dramáticas. Sin embargo, esta tendencia comienza a cambiar a partir de los últimos años de la década de los setenta, cuando su producción empieza a tener aceptación entre algunos coleccionistas y recibe el beneplácito paterno para dedicarse a los pinceles. El retrato de quien fuera su esposa de por vida es un claro ejemplo de ello y en la obra podemos admirar los fuertes contrastes de color que serán una constante en toda su producción. Además las luces y las sombras ya no se realizan por degradación o con pequeñas pinceladas sino por contraposición. 

Puntillismo Seurat Tarde de domingo en la isla de Grande Jatte 1884 

4.- Un domingo de verano en la Grande Jatte (1884) de Seurat, una de las obras postimpresionistas perteneciente al puntillismo más conocida 

Georges Seurat (1859-1891) es el más conocido de los pintores puntillistas. Sigue manteniendo el gusto por reflejar los exteriores o la vida de ocio parisina pero, a diferencia de los impresionistas, realiza la mayoría del trabajo en el estudio. La pintura del natural solo sirve para realizar bocetos. Es una obra de gran tamaño creada para ser admirada desde lejos. Así, los pequeños puntos (en la retina) se unen para ir conformando no solo las formas sino las sombras y los claroscuros. 

Puntillismo Signac El Puerto de Saint Tropez 1907 

5.- El puerto de Saint Tropez (1907) de Paul Signac, una de las pinturas postimpresionistas realizadas cuando las vanguardias se encuentran vigentes

Paul Signac (1863-1935) crea obras puntillistas con una clara preferencia por los puertos, los barcos o las marinas. Sigue la estela de la pintura al aire libre iniciada en el siglo XIX. Y con ese estilo continuaría cuando ya estaban en pleno desarrollo los primeros movimientos de las vanguardias históricas (fauvismo, futurismo e, incluso, cubismo) que priorizan parámetros totalmente contrarios a los aquí expuestos. 

Toulouse Lautrec Baile en el Molino Rojo 

6.- Baile en el Moulin Rogue (1890) de Toulouse-Lautrec 

El artista francés es uno de los más originales del panorama estilístico de finales del siglo XIX ya que hace de la vida de los cabarets, las bailarinas y los personajes marginales el centro de su obra. Toulouse-Lautrec (1864-1901) nació en el seno de una familia aristocrática y con una enfermedad degenerativa que condicionó su vida. Quizás por ello, se refugia en este mundo a partes iguales entre la diversión y la marginalidad retratando a sus protagonistas. También fue creador de carteles aunque estos siguen la estética del modernismo. En esta obra sorprende el uso del color y el contraste del tono rojo donde se focaliza la atención. El movimiento es extremo y se consigue utilizando técnicas diversas. Es una de las obras postimpresionistas que mejor retrata una época, cuando París era (literal) el centro del mundo cultural y filosófico. 

Obras de Van Gogh 4Campo de trigo con vuelo de cuervos 

7.- Campo de trigo de Vicent Van Gogh pintada en 1890  

Con toda probabilidad, Campo de trigo con cuervos es una de las obras de Vicent van Gogh que mejor retrata su despedida de este mundo. La representación es completamente simbólica con una división clara entre el espacio terrenal conformado por el amarillo y el cielo azul que denota tanto espiritualidad como libertad. Los cuervos que emprenden el vuelo inciden en este sentido a igual que el camino que se encuentra en el eje central de la obra. La pintura está realizada, además, con una fuerza expresiva sublime en el que las pinceladas toman textura y la composición de la obra se acerca al minimalismo y casi a la abstracción. Por su importancia merece un estudio aparte que haré en breve. 

 Postimpresionismo Gauguin. Mujeres en la playa.1891

8.- Mujeres en la playa (1891) de Paul Gauguin, una de las obras del postimpresionismo que mejor representan el exotismo 

Y, además, este no es impostado ya que el artista viajó, vivió y murió en los territorios franceses de ultramar, por entonces (e, incluso, ahora) en los confines del mundo conocido por la cultura europea. Las últimas obras de Paul Gauguin reflejan la realidad de las Islas Marquesas, de Tahití… utilizando colores brillantes, saturados y contrastados. La pintura está realizada con una composición exquisita en la que los ejes centrales están estructurados en torno a las miradas y al personaje que nos da la espalda ajeno al espectador. Es otra de las características del postimpresionismo: las figuras se encuentran en su mundo y la obra parece captar un instante que no tiene nada que ver con un posado diseñado. Hay que anotar también que, en sus últimos años, Gauguin evoluciona hacia obras con un claro sentido simbólico y espiritual. 

Postimpresionismo Cezanne Los jugadores de cartas 1892 1895 

9.- Los jugadores de cartas (1894) de Paul Cézanne 

Disfruta de un capítulo especial en los anales de la historia del arte por su tratamiento sublime de una situación cotidiana y anodina. El eje central lo ocupan las cartas representadas con un punto blanco el cual contrasta con los colores complejos del resto de la composición. Las últimas obras de Paul Cézanne van evolucionando hacia unos tonos de una belleza inconmensurable (especialmente en la gama de los verdes y los azules) que las hacen reconocible hasta para los amantes del arte poco entendidos. La escena, como es frecuente en el postimpresionismo, carece de dramatismo y es, incluso, anodina. Su importancia radica en el tratamiento de las figuras, del color, del choque de las luces y las sombras plasmadas por acumulación. Hay que anotar, además, que la pincelada se ha hecho larga, espesa y elaborada. 

 El Circo Fernando de Toulouse Lautrec 1888

10.- El Circo Fernando de Toulouse-Lautrec de 1888, nuestra última obra postimpresionista

Y terminamos con este ejemplo de la vida parisina con su movimiento extremo y su uso radical del color. A igual que el otro ejemplo del mismo artista reseñado un poco más arriba, se ha contrastado los colores claros con los rojos o anaranjados colocados en elementos estratégicos de la composición. Así, obliga al espectador a realizar un movimiento circular con la visión a igual que si estuviéramos en el escenario circular del circo. 

La mayoría de las pinturas postimpresionistas más conocidas se encuentran en el podio de la apoteosis del arte. Son de una serena belleza sin dramatismos y sin preguntas filosóficas complicadas. Todas ellas reflejan la alegría de vivir en todas sus facetas posibles. Además, se ha desplegado todas las posibilidades del color, de la vida sencilla o cotidiana. Las últimas se solapan con los primeros movimientos de las vanguardias históricas, los mismos que se regodeaban con manifiestos y con proclamar la inutilidad del arte. En esa primera década del siglo XX, la raza humana se encargaría de escribir la palabra tragedia con mayúsculas en forma de guerras, persecuciones y exterminios sistemáticos. Conforme iban avanzando las décadas, el arte se hace eco de ese dolor y evoluciona por unos derroteros de expresión dramática de la que carecen las pinturas postimpresionistas. En su amabilidad está su belleza.  

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

 

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10 Características comunes a los artistas del postimpresionismo activos en la segunda mitad del siglo XIX.

A mediados del siglo XIX y hasta el final de la centuria una serie de pintores (entre los que destacan especialmente tres: Vicent van Gogh, Paul Gauguin y Paul Cézanne) evolucionan desde las primeras características del impresionismo hacia un orden artístico nuevo. Esto es, aunque todos ellos se iniciaron en la pintura con este estilo artístico muy pronto generan uno tan personal que ya no pueden estudiarse junto a Renoir, Pissarro o Degas. Son artistas que escogen una trayectoria individual y, a veces, tan irrepetible que, al día de hoy, son tremendamente difíciles de encasillar. Aún así, encontramos características del postimpresionismo comunes a todos ellos. Resumiendo mucho anoto:  

1.- Una de las principales características del postimpresionismo es que sus artistas no forman escuela

Esto es, la trayectoria de cada uno de ellos (a pesar de tener nexos en común) se realiza de forma individual e, incluso, en el ámbito de la más absoluta soledad. En este sentido tenemos que recordar, por poner un caso, las obras de Paul Gauguin en las que toma como protagonistas los habitantes de Tahití y de los territorios franceses de los mares del sur. Ningún artista europeo con anterioridad elige este camino vital y creativo. Como resultado de este devenir personal, su opus creativo es totalmente original. Y todo ello sucede a pesar de que se inicia en el impresionismo o mantiene relación con algunos pintores del movimiento. Un tanto de lo mismo puede decirse de las obras de Vicent van Gogh. En el postimpresionismo no hay reuniones de amigos que charlan sobre arte o comparten sus inquietudes ni tampoco agrupaciones para publicar manifiestos tan de gusto de las vanguardias históricas que llegarán tan solo unas décadas más tarde. Lo que caracteriza a estos creadores es la individualidad (a veces hasta el egocentrismo e, incluso, de tendencia narcisista), la soledad y la búsqueda de opciones vitales divergentes en extremo. 

2.- Búsqueda de las luces y las sombras a través del color

Aunque los pintores puntillistas del siglo XIX también pueden encasillarse en este movimiento artístico, lo común es que se huya de la impresión del momento que había caracterizado la pintura inmediatamente anterior. Ya no se intenta plasmar los cambios de las luces y las sombras con pinceladas cortas y, a veces, tremendamente contrastadas. El claroscuro se hace con el color emplastado, matizado y saturado. Todo ello imprime a estas obras una fuerza expresiva única en la historia del arte. 

Postimpresionismo Gauguin. Mujeres en la playa.1891 

3.- Otra de las características del postimpresionismo es la apoteosis del color 

Y quizás sea una de las más llamativas, ya que estos artistas buscan, especialmente, esos contrastes, esas fuerzas emocionales y, a veces, simbólicas con las que crean las formas y los contornos. En ocasiones, como ocurre con algunas obras de Vicent van Gogh, los distintos colores son perfilados abruptamente para destacarlo aún más. En el caso de Gauguin, el artista recurre a los tonos básicos que coloca en contraste para potenciar aún más el significado simbólico de cada uno de ellos. La grandeza apoteósica del color en la pintura llega con las últimas obras de Paul Cézanne y sus azules verdosos en varios tonos que son insertados en la obra no de forma degradada sino enfrentados. Todo ello potencia la belleza inherente de estas pinturas que alcanzan la categoría de sublimes. 

4.- Paralelamente, se recurre a los trazos gruesos y formas saturadas

Se deja atrás la pincelada suelta impresionista e, incluso, las formas difuminadas de la pintura del Romanticismo. La fuerza expresiva se consigue con trazos gruesos, con la pintura colocada con saturación incluso. A veces se abandona el pincel y se toma la paleta o bien el trabajo sobre el lienzo se asemeja a esta técnica. No se utilizan materiales extraños. Todo se consigue con el óleo y la tela.  

Obras de Cezanne naturaleza muerta con botella de jarabe de menta 1893 1895

5.- Se ensalzan los objetos sencillos y los tipos populares

Desde principios de siglo se va abandonando progresivamente los temas recurrentes de la tradición pictórica. No interesa ni los grandes asuntos bíblicos ni mitológicos ni los que ensalzan las virtudes cívicas. Y, cuando se abordan, se hacen desde una forma totalmente heterodoxa (tal cual el Cristo amarillo de Paul Gauguin). Del Romanticismo se toma el gusto por la naturaleza, no como paisaje o decorado, sino como protagonista. Tal cual hacían los impresionistas, se intenta retratar la vida cotidiana. Pero ahora, París (por entonces el ombligo del mundo) queda, a veces, a un lado y se mira hacia los campos de la Provenza.

Cualquier objeto o ambiente por muy humilde o sencillo que sea puede ser protagonista de un cuadro. Y esta es una de las características del postimpresionismo más evidente y recurrente. Los bodegones no sirven como estudio para composiciones de mayor calado intelectual o anímico sino que se convierten en finalidad por sí mismos. Van Gogh retrata unas botas, una silla o su humilde habitación en Arlés. Otro tanto de lo mismo sucede con los tipos populares, con personajes anónimos o anodinos que pueblan estas pinturas. Desde las bailarinas del cancán de Toulouse-Lautrec hasta los Jugadores de cartas de Cézanne o las mujeres de piel oscura de Gauguin se convierten en el eje central de cuadros de belleza inimitable. Además, todos ellos están tratados no como personajes secundarios sino como protagonistas.  

Obras de Van Gogh 8 Punte Langlois con lavanderas

6.- Otra de las características del postimpresionismo es su gusto por los paisajes 

La naturaleza toma carta de naturaleza y se convierte en elementos de fuerza simbólica (como el último cuadro de Vicent van Gogh: Campo de trigo con cuervos). Esta está retratada en todo su esplendor, luminosidad y grandiosidad. No hay (como ocurre con la pintura romántica) dramatismo en ella. El reflejo casi siempre es de quietud, serenidad y belleza incluso cuando se retrata nocturnos o momentos cercanos al ocaso. La figura humana desaparece con bastante recurrencia y es el mundo natural el que ocupa el eje central del cuadro. Por otro lado, otros artistas (como el mencionado Toulouse-Lautrec) se recrean en los ambientes marginales y sus personajes que rozan la adición (cuando no han sucumbido a ella) y la soledad más absoluta.  

Obras de Van Gogh 1 Autorretrato

7.- Se busca la realidad más personal e íntima retratándose sin pudor

Aún faltarían algunas décadas para que el concepto de inconsciente según Freud transformara el pensamiento, la psicología y el arte de una manera radical y revolucionaria. Sin embargo, estos artistas, de algún modo u otro, se adelantan a su tiempo reflejando una realidad interior atormentada que chocaba con la sociedad positivista de la época. El mejor ejemplo de estas características del postimpresionismo es Vicent van Gogh y sus múltiples autorretratos en el que vemos al artista de todos los modos posibles: desde el situado con los fondos en espiral que algún crítico ha querido ver un reflejo de puntos de paranoia hasta la autolesión con la oreja cortada. Estos creadores, en definitiva, buscan una realidad interior, un contraste, una fuerza oscura que les da información (el inconsciente) aunque aún no atinan a acertar qué es. Otros, tal cual es el caso de Gauguin, no dudan en alejarse del mundo civilizado para ir en búsqueda de una libertad que no encuentra en la sociedad occidental. Este sentir, además, encuentra su modelo parejo en la literatura,  en los poetas agrupados alrededor del simbolismo.  

8.- Otra de las características del postimpresionismo es el gusto por el exotismo 

La tradición cultural occidental se queda, a veces, corta para expresar el movimiento anímico de estos creadores. Y, aunque alguno hubo que llevó una existencial radical, se estudia otras fuentes. Se ponen de moda las estampas japonesas llenas de color y de elementos naturales en todo su esplendor estacional. Estas sirven como modelo o como sustrato o fondo para algunas obras. También hay un gusto por las máscaras africanas que comienzan a conocerse por los movimientos comerciales o de colonialismo puro y duro. En ellas se ven los símbolos de la esencia sagrada humana (tal cual, por cierto, es entendido por estos pueblos). Previamente, los viajeros románticos y del Grand Tour habían dado a conocer con sus publicaciones la ruinas perdidas de Egipto, Constantinopla e, incluso, el sur de Europa. Todo ello se convierte en eje central de algunas obras que buscan este exotismo oriental o costumbrista. 

9.- Los artistas del postimpresionismo se adelantan el expresionismo e incluso la abstracción

Aunque las vanguardias históricas que llegarían inmediatamente después reniegan de toda tradición, esto es imposible en cualquier hacer por parte de la raza humana. Siempre hay una continuidad, aunque esta se manifieste con rupturas más o menos evidentes o de calado. En este sentido, Cézanne, uno de los artistas del postimpresionismo más influyentes, se adelanta a las características del expresionismo, aunque la obra del artista francés emana una serenidad imposible de encontrar en el siglo XX. Este también coloca los modelos para los inicios del fauvismo e, incluuso, del arte abstracto y es uno de los pocos creadores aceptado por los representantes del cubismo

10.- El postimpresionismo quedó concentrado en el eje Provenza-París

Y si algún artista se sale de este circuito (por procedencia o nacimiento) siempre visitó la capital francesa para empaparse de los modelos que allí había. París era por entonces (y siguió siéndolo hasta finales de la Segunda Guerra Mundial) el centro literal del mundo. Allí se concentraban los salones, las galerías, los primeros grandes museos, los cafés literarios, los ejes teatrales de vanguardia y los primeros poetas que eligieron la libertad (aunque fuera a costa de pasar hambre) antes que el mecenazgo.  

En París se arremolinaban artistas dando cuenta de los cambios sociales, ya fuera mediante las obras del realismo literario, primero, o del naturalismo después. En las artes plásticas, desde finales del siglo XVIII hasta la fecha señalada de la década de los cincuenta del siglo XX, logró asistir a la creación de un movimiento artístico tras otro sin interrupción siquiera. Y ese mundo es el que se retrata y el que forma parte de las características del postimpresionismo. Eso sin contar que algunos creadores (agobiados a veces por el bullicio de la capital) se instalaron en la Provenza o procedían de esta tierra mágica. Esos campos y rincones han quedado inmortalizados, gracias a ellos, en obras sublimes y fundamentales para la historia del arte.  

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

 

 

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10 Características comunes a los artistas del postimpresionismo activos en la segunda mitad del siglo XIX.

A mediados del siglo XIX y hasta el final de la centuria una serie de pintores (entre los que destacan especialmente tres: Vicent van Gogh, Paul Gauguin y Paul Cézanne) evolucionan desde las primeras características del impresionismo hacia un orden artístico nuevo. Esto es, aunque todos ellos se iniciaron en la pintura con este estilo artístico muy pronto generan uno tan personal que ya no pueden estudiarse junto a Renoir, Pissarro o Degas. Son artistas que escogen una trayectoria individual y, a veces, tan irrepetible que, al día de hoy, son tremendamente difíciles de encasillar. Aún así, encontramos características del postimpresionismo comunes a todos ellos. Resumiendo mucho anoto:  

1.- Una de las principales características del postimpresionismo es que sus artistas no forman escuela

Esto es, la trayectoria de cada uno de ellos (a pesar de tener nexos en común) se realiza de forma individual e, incluso, en el ámbito de la más absoluta soledad. En este sentido tenemos que recordar, por poner un caso, las obras de Paul Gauguin en las que toma como protagonistas los habitantes de Tahití y de los territorios franceses de los mares del sur. Ningún artista europeo con anterioridad elige este camino vital y creativo. Como resultado de este devenir personal, su opus creativo es totalmente original. Y todo ello sucede a pesar de que se inicia en el impresionismo o mantiene relación con algunos pintores del movimiento. Un tanto de lo mismo puede decirse de las obras de Vicent van Gogh. En el postimpresionismo no hay reuniones de amigos que charlan sobre arte o comparten sus inquietudes ni tampoco agrupaciones para publicar manifiestos tan de gusto de las vanguardias históricas que llegarán tan solo unas décadas más tarde. Lo que caracteriza a estos creadores es la individualidad (a veces hasta el egocentrismo e, incluso, de tendencia narcisista), la soledad y la búsqueda de opciones vitales divergentes en extremo. 

2.- Búsqueda de las luces y las sombras a través del color

Aunque los pintores puntillistas del siglo XIX también pueden encasillarse en este movimiento artístico, lo común es que se huya de la impresión del momento que había caracterizado la pintura inmediatamente anterior. Ya no se intenta plasmar los cambios de las luces y las sombras con pinceladas cortas y, a veces, tremendamente contrastadas. El claroscuro se hace con el color emplastado, matizado y saturado. Todo ello imprime a estas obras una fuerza expresiva única en la historia del arte. 

Postimpresionismo Gauguin. Mujeres en la playa.1891 

3.- Otra de las características del postimpresionismo es la apoteosis del color 

Y quizás sea una de las más llamativas, ya que estos artistas buscan, especialmente, esos contrastes, esas fuerzas emocionales y, a veces, simbólicas con las que crean las formas y los contornos. En ocasiones, como ocurre con algunas obras de Vicent van Gogh, los distintos colores son perfilados abruptamente para destacarlo aún más. En el caso de Gauguin, el artista recurre a los tonos básicos que coloca en contraste para potenciar aún más el significado simbólico de cada uno de ellos. La grandeza apoteósica del color en la pintura llega con las últimas obras de Paul Cézanne y sus azules verdosos en varios tonos que son insertados en la obra no de forma degradada sino enfrentados. Todo ello potencia la belleza inherente de estas pinturas que alcanzan la categoría de sublimes. 

4.- Paralelamente, se recurre a los trazos gruesos y formas saturadas

Se deja atrás la pincelada suelta impresionista e, incluso, las formas difuminadas de la pintura del Romanticismo. La fuerza expresiva se consigue con trazos gruesos, con la pintura colocada con saturación incluso. A veces se abandona el pincel y se toma la paleta o bien el trabajo sobre el lienzo se asemeja a esta técnica. No se utilizan materiales extraños. Todo se consigue con el óleo y la tela.  

Obras de Cezanne naturaleza muerta con botella de jarabe de menta 1893 1895

5.- Se ensalzan los objetos sencillos y los tipos populares

Desde principios de siglo se va abandonando progresivamente los temas recurrentes de la tradición pictórica. No interesa ni los grandes asuntos bíblicos ni mitológicos ni los que ensalzan las virtudes cívicas. Y, cuando se abordan, se hacen desde una forma totalmente heterodoxa (tal cual el Cristo amarillo de Paul Gauguin). Del Romanticismo se toma el gusto por la naturaleza, no como paisaje o decorado, sino como protagonista. Tal cual hacían los impresionistas, se intenta retratar la vida cotidiana. Pero ahora, París (por entonces el ombligo del mundo) queda, a veces, a un lado y se mira hacia los campos de la Provenza.

Cualquier objeto o ambiente por muy humilde o sencillo que sea puede ser protagonista de un cuadro. Y esta es una de las características del postimpresionismo más evidente y recurrente. Los bodegones no sirven como estudio para composiciones de mayor calado intelectual o anímico sino que se convierten en finalidad por sí mismos. Van Gogh retrata unas botas, una silla o su humilde habitación en Arlés. Otro tanto de lo mismo sucede con los tipos populares, con personajes anónimos o anodinos que pueblan estas pinturas. Desde las bailarinas del cancán de Toulouse-Lautrec hasta los Jugadores de cartas de Cézanne o las mujeres de piel oscura de Gauguin se convierten en el eje central de cuadros de belleza inimitable. Además, todos ellos están tratados no como personajes secundarios sino como protagonistas.  

Obras de Van Gogh 8 Punte Langlois con lavanderas

6.- Otra de las características del postimpresionismo es su gusto por los paisajes 

La naturaleza toma carta de naturaleza y se convierte en elementos de fuerza simbólica (como el último cuadro de Vicent van Gogh: Campo de trigo con cuervos). Esta está retratada en todo su esplendor, luminosidad y grandiosidad. No hay (como ocurre con la pintura romántica) dramatismo en ella. El reflejo casi siempre es de quietud, serenidad y belleza incluso cuando se retrata nocturnos o momentos cercanos al ocaso. La figura humana desaparece con bastante recurrencia y es el mundo natural el que ocupa el eje central del cuadro. Por otro lado, otros artistas (como el mencionado Toulouse-Lautrec) se recrean en los ambientes marginales y sus personajes que rozan la adición (cuando no han sucumbido a ella) y la soledad más absoluta.  

Obras de Van Gogh 1 Autorretrato

7.- Se busca la realidad más personal e íntima retratándose sin pudor

Aún faltarían algunas décadas para que el concepto de inconsciente según Freud transformara el pensamiento, la psicología y el arte de una manera radical y revolucionaria. Sin embargo, estos artistas, de algún modo u otro, se adelantan a su tiempo reflejando una realidad interior atormentada que chocaba con la sociedad positivista de la época. El mejor ejemplo de estas características del postimpresionismo es Vicent van Gogh y sus múltiples autorretratos en el que vemos al artista de todos los modos posibles: desde el situado con los fondos en espiral que algún crítico ha querido ver un reflejo de puntos de paranoia hasta la autolesión con la oreja cortada. Estos creadores, en definitiva, buscan una realidad interior, un contraste, una fuerza oscura que les da información (el inconsciente) aunque aún no atinan a acertar qué es. Otros, tal cual es el caso de Gauguin, no dudan en alejarse del mundo civilizado para ir en búsqueda de una libertad que no encuentra en la sociedad occidental. Este sentir, además, encuentra su modelo parejo en la literatura,  en los poetas agrupados alrededor del simbolismo.  

8.- Otra de las características del postimpresionismo es el gusto por el exotismo 

La tradición cultural occidental se queda, a veces, corta para expresar el movimiento anímico de estos creadores. Y, aunque alguno hubo que llevó una existencial radical, se estudia otras fuentes. Se ponen de moda las estampas japonesas llenas de color y de elementos naturales en todo su esplendor estacional. Estas sirven como modelo o como sustrato o fondo para algunas obras. También hay un gusto por las máscaras africanas que comienzan a conocerse por los movimientos comerciales o de colonialismo puro y duro. En ellas se ven los símbolos de la esencia sagrada humana (tal cual, por cierto, es entendido por estos pueblos). Previamente, los viajeros románticos y del Grand Tour habían dado a conocer con sus publicaciones la ruinas perdidas de Egipto, Constantinopla e, incluso, el sur de Europa. Todo ello se convierte en eje central de algunas obras que buscan este exotismo oriental o costumbrista. 

9.- Los artistas del postimpresionismo se adelantan el expresionismo e incluso la abstracción

Aunque las vanguardias históricas que llegarían inmediatamente después reniegan de toda tradición, esto es imposible en cualquier hacer por parte de la raza humana. Siempre hay una continuidad, aunque esta se manifieste con rupturas más o menos evidentes o de calado. En este sentido, Cézanne, uno de los artistas del postimpresionismo más influyentes, se adelanta a las características del expresionismo, aunque la obra del artista francés emana una serenidad imposible de encontrar en el siglo XX. Este también coloca los modelos para los inicios del fauvismo e, incluuso, del arte abstracto y es uno de los pocos creadores aceptado por los representantes del cubismo

10.- El postimpresionismo quedó concentrado en el eje Provenza-París

Y si algún artista se sale de este circuito (por procedencia o nacimiento) siempre visitó la capital francesa para empaparse de los modelos que allí había. París era por entonces (y siguió siéndolo hasta finales de la Segunda Guerra Mundial) el centro literal del mundo. Allí se concentraban los salones, las galerías, los primeros grandes museos, los cafés literarios, los ejes teatrales de vanguardia y los primeros poetas que eligieron la libertad (aunque fuera a costa de pasar hambre) antes que el mecenazgo.  

En París se arremolinaban artistas dando cuenta de los cambios sociales, ya fuera mediante las obras del realismo literario, primero, o del naturalismo después. En las artes plásticas, desde finales del siglo XVIII hasta la fecha señalada de la década de los cincuenta del siglo XX, logró asistir a la creación de un movimiento artístico tras otro sin interrupción siquiera. Y ese mundo es el que se retrata y el que forma parte de las características del postimpresionismo. Eso sin contar que algunos creadores (agobiados a veces por el bullicio de la capital) se instalaron en la Provenza o procedían de esta tierra mágica. Esos campos y rincones han quedado inmortalizados, gracias a ellos, en obras sublimes y fundamentales para la historia del arte.  

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

 

 

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Paul Cézanne nace en Aix-en-Provence en 1839 y, siendo un adolescente, su padre comienza a amasar una inmensa fortuna gracias a negocios financieros. Si este hecho iría a influir (en sentidos divergentes) en su quehacer artístico, sería determinante el encuentro y la amistad con Émile Zola, quizás el principal representante del naturalismo literario. Aunque intenta amoldarse a los deseos paternos, tanto en los estudios académicos a elegir (derecho y finanzas) como en el derrotero profesional (la gerencia de los negocios), muy pronto desobedece esos mandatos familiares y comienza su carrera como pintor. Sus primeros trabajos se insertan en las características del impresionismo más tardías aunque, quizás debido a ese choque emocional entre la vocación y las imposiciones paternas, en ellos se vislumbra un trabajo oscuro y dramático. Son estas primeras obras de Paul Cézanne las que nos introducen en naturalezas en tonos ocres con sus reconocibles pincelas fuertes. 

A pesar de que suspendió el examen para el ingreso en la Escuela de Bellas Artes y que no lograba exponer en los salones parisinos, en la década de los setenta entra en contacto con Tanguy y Duret que le abre las puertas a otro tipo de coleccionistas. A partir de estas fechas va evolucionando hacia su particular estilo, puente con las vanguardias históricas, especialmente con el cubismo. La financiación paterna (que afortunadamente se aviene a consentir su vocación de pintor) le permite indagar en un particular universo pictórico que se materializa en grandes obras en las que el color (especialmente la gama de los azules) toma protagonismo propio junto con un trazo fuerte y enérgico. Además, las obras de Cézanne dan carta de naturaleza a los objetos sencillos, a los paisajes anodinos y a las gentes cercanas abriendo nuevas puertas en la historia del arte. Ni que decir tiene, los títulos a continuación son solo una selección personal que muestra su particular evolución artística. 

Paul Alexis leyendo a Emile Zola 1869 1970 

Paul Alexis Leyendo a Zola (1869-1870), una de las primeras obras de Cézanne 

Es uno de los primeros cuadros de juventud en el que el protagonista es el escritor Emile Zola, amigo personal de Cézanne y determinante en los inicios de su carrera como pintor, ya que fue él quien lo instó a seguir su vocación en contra del criterio paterno. La característica principal de la obra son los fuertes contrastes de colores oscuros en los que predominan el negro y el ocre. En la misma se refleja las fuerzas contradictorias vitales que el artista estaba sufriendo en ese momento, cuando su vocación aún no estaba asentada y debía a hacer frente a todo tipo de rechazos y contratiempos.

Obras de Cezanne Paisaje con molino de agua 1871 

Paisaje con molino de agua (1871) 

En este mismo contexto situamos esta nueva obra de Cézanne realizada un año más tarde. En ella es protagonista uno de sus motivos favoritos: los paisajes cercanos. Al contrario que los impresionistas, la pincelada no es pequeña y ligera y ya se manifiesta el trazo fuerte y enérgico que será característico de todo su opus artístico. Además, la luz está reflejada de una manera distinta, renunciando a los claroscuros y al uso del blanco casi. A inicios de la década de los setenta Cézanne debe hacer frente a numerosos contratiempos, desde las exigencias familiares para que se dedicara al negocio familiar hasta el suspenso en el examen de acceso a Bellas Artes. Cézanne muestra en estas obras sus choques emocionales con una visión triste, dramática y oscura. 

 La senora Cezanne en un sillon rojo 1877

La señora Cézanne en un sillón rojo (1877)

De distinto tenor son ya las obras de Cézanne que se realizan en los últimos años de la década de los setenta cuando comienza a abrirse camino como pintor y puede desplegar todo su potencial. El artista era minucioso con su trabajo que retocaba constantemente. Quizás por eso le resultaba difícil encontrar modelos. Sea como fuere, son múltiples los retratos de Hortensia, quien fuera su única esposa. En esta obra, el color toma protagonismo y no solo por el rojo del sillón sino por el tratamiento del rostro que ha sido realizado con tonos ajenos a los encontrados en la naturaleza. El artista comienza a investigar sobre las posibilidades expresivas de las máscaras y del arte africano que tanto influjo tuvo en las artes plásticas de la época.

 Obras de Cezanne naturaleza muerta con botella de jarabe de menta 1893 1895

Naturaleza muerta con botella de menta (1893), una de las obras de Cézanne basada en un bodegón 

Hasta los últimos años del siglo XIX los bodegones, naturalezas muertas o representaciones de interiores eran considerados géneros menores. Se hacía hincapié especialmente en los grandes temas religiosos, mitológicos o cívicos y en los retratos de personajes ilustres. Todo ello cambió con la pintura del Romanticismo que introdujo el gusto por la naturaleza como protagonista y, especialmente, con el impresionismo que se recreaba con la vida sencilla. Otra vuelta de tuerca se produce con las obras de Paul Gauguin que retratan el mundo y las mujeres de los mares del sur y con las obras de Van Gogh alrededor de elementos de la vida cotidiana. Cézanne sigue esta línea e investiga todas las posibilidades del color y de las formas en sus composiciones. En ellas, como en esta que tratamos, niega la tercera dimensión cuyos efectos seguirían siendo explorados por los representantes del cubismo, apenas una década más tarde. 

Postimpresionismo Cezanne Los jugadores de cartas 1892 1895 

Los jugadores de cartas (1894), una de las obras de Paul Cézanne más conocidas 

En la década de los noventa ya tiene un estilo propio con colores personales como los azules verdosos y obras que giran alrededor de motivos sencillos como los bodegones. Paralelamente, comienza a interesarse por los personajes y los tipos populares en los que retrata en obras que retoca incansablemente. En esta, el eje central se encuentra en las cartas cuyo blanco contrasta con los colores oscuros de las figuras humanas enfrentadas entre sí. 

Postimpresisonistas Cezanne Bodegon 1894 

Bodegón de 1894

En sus bodegones investiga las formas, el color y los volúmenes desgajados de la representación realista. El trazo se hace cada vez más potente y los objetos se crean a través de un juego enérgico con la paleta, ya que ni siquiera se adivina el pincel. Conforme se va acercando al final de su producción va mostrando sus tonos favoritos como el impresionante azul Cézanne que, más tarde, ha sido retomado incluso por el diseño de moda. 

Postimpresionismo Cezanne. Las banistas 1998 1905 

Las bañistas de 1905, obras de Paul Cézanne pertenecientes a sus grandes ciclos 

Conforme se va acercando el final de su vida, trabaja incansablemente en grandes temas que representa desde distintas perspectivas. El ciclo de "Las bañistas" supone el cenit de su arte adelantando los modelos abstractos y las características del expresionismo. Los volúmenes se desligan de la realidad. Y el mismo efecto se crea con el color azul característico de su última época. Muy resumidamente, crea obras modernas al máximo sobre temas clásicos. 

 Postimpresionistas Cezanne Monte Santa Victoria y Castillo Negro 1904 1905

Monte Santa Victoria y Castillo Negro de 1905 

En los últimos paisajes trata de captar la luz que existe en los nocturnos con una pincelada gruesa y original. Aquí el tratamiento del color alcanza su apoteosis expresiva. Las manchas de color se superponen de tal manera que la figura se adivina cuando se ve desde lejos imprimiendo una fuerte pasión a la par que deja ver la penumbra de las últimas horas del día. Pocos artistas en la historia del arte han tratado de tal manera (con una mezcla de originalidad y de genialidad insuperables) este momento de la naturaleza. 

Las últimas obras de Paul Cézanne no pueden encajarse en movimiento artístico pictórico alguno por su fuerte personalidad. Los últimos años se dedica también al trabajo de acuarelas y se recluye prácticamente en su estudio a pesar de que venía cosechando éxitos en París desde hacía más de una década. Muere de una pulmonía el 23 de octubre de 1906. Para entonces, el futurismo, el dadaísmo y los primeros movimientos de vanguardia promulgaban no solo la inutilidad del arte sino la ruptura con cualquier modelo procedente de la tradición. Cézanne sería una excepción. 

 

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

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El arte es lo que queda cuando todo ha pasado. Es lo inmutable dentro del cambio. Es la belleza en un mundo en caos. El arte es parte importante de este sitio. Intentamos comprenderlo. 

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Paul Cézanne nace en Aix-en-Provence en 1839 y, siendo un adolescente, su padre comienza a amasar una inmensa fortuna gracias a negocios financieros. Si este hecho iría a influir (en sentidos divergentes) en su quehacer artístico, sería determinante el encuentro y la amistad con Émile Zola, quizás el principal representante del naturalismo literario. Aunque intenta amoldarse a los deseos paternos, tanto en los estudios académicos a elegir (derecho y finanzas) como en el derrotero profesional (la gerencia de los negocios), muy pronto desobedece esos mandatos familiares y comienza su carrera como pintor. Sus primeros trabajos se insertan en las características del impresionismo más tardías aunque, quizás debido a ese choque emocional entre la vocación y las imposiciones paternas, en ellos se vislumbra un trabajo oscuro y dramático. Son estas primeras obras de Paul Cézanne las que nos introducen en naturalezas en tonos ocres con sus reconocibles pincelas fuertes. 

A pesar de que suspendió el examen para el ingreso en la Escuela de Bellas Artes y que no lograba exponer en los salones parisinos, en la década de los setenta entra en contacto con Tanguy y Duret que le abre las puertas a otro tipo de coleccionistas. A partir de estas fechas va evolucionando hacia su particular estilo, puente con las vanguardias históricas, especialmente con el cubismo. La financiación paterna (que afortunadamente se aviene a consentir su vocación de pintor) le permite indagar en un particular universo pictórico que se materializa en grandes obras en las que el color (especialmente la gama de los azules) toma protagonismo propio junto con un trazo fuerte y enérgico. Además, las obras de Cézanne dan carta de naturaleza a los objetos sencillos, a los paisajes anodinos y a las gentes cercanas abriendo nuevas puertas en la historia del arte. Ni que decir tiene, los títulos a continuación son solo una selección personal que muestra su particular evolución artística. 

Paul Alexis leyendo a Emile Zola 1869 1970 

Paul Alexis Leyendo a Zola (1869-1870), una de las primeras obras de Cézanne 

Es uno de los primeros cuadros de juventud en el que el protagonista es el escritor Emile Zola, amigo personal de Cézanne y determinante en los inicios de su carrera como pintor, ya que fue él quien lo instó a seguir su vocación en contra del criterio paterno. La característica principal de la obra son los fuertes contrastes de colores oscuros en los que predominan el negro y el ocre. En la misma se refleja las fuerzas contradictorias vitales que el artista estaba sufriendo en ese momento, cuando su vocación aún no estaba asentada y debía a hacer frente a todo tipo de rechazos y contratiempos.

Obras de Cezanne Paisaje con molino de agua 1871 

Paisaje con molino de agua (1871) 

En este mismo contexto situamos esta nueva obra de Cézanne realizada un año más tarde. En ella es protagonista uno de sus motivos favoritos: los paisajes cercanos. Al contrario que los impresionistas, la pincelada no es pequeña y ligera y ya se manifiesta el trazo fuerte y enérgico que será característico de todo su opus artístico. Además, la luz está reflejada de una manera distinta, renunciando a los claroscuros y al uso del blanco casi. A inicios de la década de los setenta Cézanne debe hacer frente a numerosos contratiempos, desde las exigencias familiares para que se dedicara al negocio familiar hasta el suspenso en el examen de acceso a Bellas Artes. Cézanne muestra en estas obras sus choques emocionales con una visión triste, dramática y oscura. 

 La senora Cezanne en un sillon rojo 1877

La señora Cézanne en un sillón rojo (1877)

De distinto tenor son ya las obras de Cézanne que se realizan en los últimos años de la década de los setenta cuando comienza a abrirse camino como pintor y puede desplegar todo su potencial. El artista era minucioso con su trabajo que retocaba constantemente. Quizás por eso le resultaba difícil encontrar modelos. Sea como fuere, son múltiples los retratos de Hortensia, quien fuera su única esposa. En esta obra, el color toma protagonismo y no solo por el rojo del sillón sino por el tratamiento del rostro que ha sido realizado con tonos ajenos a los encontrados en la naturaleza. El artista comienza a investigar sobre las posibilidades expresivas de las máscaras y del arte africano que tanto influjo tuvo en las artes plásticas de la época.

 Obras de Cezanne naturaleza muerta con botella de jarabe de menta 1893 1895

Naturaleza muerta con botella de menta (1893), una de las obras de Cézanne basada en un bodegón 

Hasta los últimos años del siglo XIX los bodegones, naturalezas muertas o representaciones de interiores eran considerados géneros menores. Se hacía hincapié especialmente en los grandes temas religiosos, mitológicos o cívicos y en los retratos de personajes ilustres. Todo ello cambió con la pintura del Romanticismo que introdujo el gusto por la naturaleza como protagonista y, especialmente, con el impresionismo que se recreaba con la vida sencilla. Otra vuelta de tuerca se produce con las obras de Paul Gauguin que retratan el mundo y las mujeres de los mares del sur y con las obras de Van Gogh alrededor de elementos de la vida cotidiana. Cézanne sigue esta línea e investiga todas las posibilidades del color y de las formas en sus composiciones. En ellas, como en esta que tratamos, niega la tercera dimensión cuyos efectos seguirían siendo explorados por los representantes del cubismo, apenas una década más tarde. 

Postimpresionismo Cezanne Los jugadores de cartas 1892 1895 

Los jugadores de cartas (1894), una de las obras de Paul Cézanne más conocidas 

En la década de los noventa ya tiene un estilo propio con colores personales como los azules verdosos y obras que giran alrededor de motivos sencillos como los bodegones. Paralelamente, comienza a interesarse por los personajes y los tipos populares en los que retrata en obras que retoca incansablemente. En esta, el eje central se encuentra en las cartas cuyo blanco contrasta con los colores oscuros de las figuras humanas enfrentadas entre sí. 

Postimpresisonistas Cezanne Bodegon 1894 

Bodegón de 1894

En sus bodegones investiga las formas, el color y los volúmenes desgajados de la representación realista. El trazo se hace cada vez más potente y los objetos se crean a través de un juego enérgico con la paleta, ya que ni siquiera se adivina el pincel. Conforme se va acercando al final de su producción va mostrando sus tonos favoritos como el impresionante azul Cézanne que, más tarde, ha sido retomado incluso por el diseño de moda. 

Postimpresionismo Cezanne. Las banistas 1998 1905 

Las bañistas de 1905, obras de Paul Cézanne pertenecientes a sus grandes ciclos 

Conforme se va acercando el final de su vida, trabaja incansablemente en grandes temas que representa desde distintas perspectivas. El ciclo de "Las bañistas" supone el cenit de su arte adelantando los modelos abstractos y las características del expresionismo. Los volúmenes se desligan de la realidad. Y el mismo efecto se crea con el color azul característico de su última época. Muy resumidamente, crea obras modernas al máximo sobre temas clásicos. 

 Postimpresionistas Cezanne Monte Santa Victoria y Castillo Negro 1904 1905

Monte Santa Victoria y Castillo Negro de 1905 

En los últimos paisajes trata de captar la luz que existe en los nocturnos con una pincelada gruesa y original. Aquí el tratamiento del color alcanza su apoteosis expresiva. Las manchas de color se superponen de tal manera que la figura se adivina cuando se ve desde lejos imprimiendo una fuerte pasión a la par que deja ver la penumbra de las últimas horas del día. Pocos artistas en la historia del arte han tratado de tal manera (con una mezcla de originalidad y de genialidad insuperables) este momento de la naturaleza. 

Las últimas obras de Paul Cézanne no pueden encajarse en movimiento artístico pictórico alguno por su fuerte personalidad. Los últimos años se dedica también al trabajo de acuarelas y se recluye prácticamente en su estudio a pesar de que venía cosechando éxitos en París desde hacía más de una década. Muere de una pulmonía el 23 de octubre de 1906. Para entonces, el futurismo, el dadaísmo y los primeros movimientos de vanguardia promulgaban no solo la inutilidad del arte sino la ruptura con cualquier modelo procedente de la tradición. Cézanne sería una excepción. 

 

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

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Recorrido por las obras de Paul Gauguin a través de cinco ejemplos pertenecientes a cada una de sus etapas estilísticas.   

Nació en París, en 1848, cuando la capital ya era el ombligo del mundo cultural e intelectual. De esos intereses participaba su familia, ya que su padre era el director de un periódico republicano y su madre tenía sangre aristocrática peruana. En ese ambiente artístico y con un punto bohemio creció el futuro pintor no sin antes hacer gala de espíritu aventurero. Todos estos condicionantes serían determinantes para el peculiar, particular y original carácter de la obras de Paul Gauguin. Si bien se abrió al mundo como marino mercante, volvió a casa y anduvo por buena parte de Francia antes de tomar rumbo a las tierras más lejanas para los ojos europeos. 

Llegó hasta Bretaña, por entonces, un emplazamiento apartado con su naturaleza deslumbrante y sus costumbres autóctonas. Allí comenzó a desvincularse de las principales características del impresionismo, estilo artístico en el que se había iniciado. Su errar por la tierra lo llevó también a la Provenza donde mantuvo una difícil convivencia con Vicent van Gogh. Algunas de las obras de esta época están realizadas en una suerte de debate artístico (cuando no confrontación abierta) con el artista holandés. Es en esta etapa, como veremos, cuando empieza a investigar con los colores para figuras animadas o inanimadas ajenos a los que podemos encontrar en la naturaleza. 

Sin embargo, las obras de Paul Gauguin que más llaman la atención son las realizadas en Tahití, en las Islas Marquesas, en los emplazamientos franceses de los lejanos mares del sur. Allí entra en contacto con otra cosmovisión a la que se rinde desde el primer momento. Y es en esta tierra donde termina sus días en 1903 (debido a la sífilis) y aquí se encuentra su tumba. Antes nos dejó algunas de sus mejores obras realizadas en clave simbólica sin perder por ello una depurada esencia figurativa. Ni que decir tiene que, en un opus tan extenso como el suyo, esta selección es mínima. No obstante, he intentado elegir, al menos, un ejemplo de cada una de sus épocas.  

PostImpresionismo Gauguin. Cuatro mujeres bretonas.1886

1.- Las cuatro bretonas de 1886, una de las obras de Paul Gauguin de la primera etapa 

En Pont Aven dibujó incansablemente no solo los grandes espacios naturales, favoritos de los impresionistas, sino también los tipos humanos con sus originales ropajes y costumbres. Y de vuelta a su estudio de París realizó la obra que nos ocupa en la que destaca la composición organizada alrededor de cuatro figuras femeninas en distintas posiciones. De hecho, la central se encuentra de espaldas, lo que constituye una innovación para los parámetros artísticos de la época. Con esta obra, Paul Gauguin se enfrasca en los grandes cuadros de temática femenina que serán una constante en su quehacer pictórico a lo largo de toda su existencia.  

En cuanto al estilo de Las cuatro bretonas, el artista se aleja de los parámetros impresionistas aunque aún podemos encontrar la típica pincelada rápida del movimiento en el tratamiento de la naturaleza que sirve de fondo. Sin embargo, el artista ya ensaya con los colores sólidos e, incluso, con los delineados de las tocas blancas, que tanta fuerza expresiva aportan en un entorno protagonizado por los tonos muy oscuros.  

Postimpresionismo Gauguin.Noche en el cafe de Arles. 1888

2.- Noche en el café de Arlés de 1888 

Al contrario que las obras de Vicent van Gogh realizadas en la Provenza en las que son protagonistas los paisajes y los elementos naturales, Gauguin se sigue interesando por los tipos humanos que pueblan la zona. En este sentido hay que situar Noche en el café de Arlés de 1888. Estamos ante un interior en el que nos encontramos en primer término otra figura femenina. Por el contrario,  el artista holandés retrató este espacio desde distintos puntos de vista, pero siempre sin que fuera protagonista ningún miembro de la raza humana. 

Es una de las primeras obras de Paul Gauguin en la que se aprecia su particular visión del color y en la que va engrosando cada vez más la pincelada. Ya no le interesa la luz impresionista sino el carácter humano de todas las figuras, incluso las que están detrás jugando al billar. La retratada es la dueña del local, la señora Ginoux que parece hacer un guiño coqueto al artista mientras cuida del negocio. 

Postimpresionismo PaulGauguin. Cristo amarillo. 1889

3.- El Cristo amarillo 1889, una de las obras de Paul Gauguin más originales

Y lo es porque hace un tratamiento de un motivo harto representado en la tradición pictórica occidental de una manera ajena (hasta la fecha) a la historia del arte. Hay que comenzar diciendo que sitúa el Monte Calvario no entre los olivos de Jerusalem sino en los típicos paisajes provenzales. Además, quienes acompañan a Cristo en la cruz no son los anotados en la Biblia y reconocidos ampliamente por el público occidental. En este caso, Paul Gauguin se atreve a colocar figuras femeninas ataviadas con los trajes típicos bretones que, ni que decir tiene, no está reconocida su presencia por la tradición biblíca.

Además, la figura de Cristo está plasmada de una forma inquietante y onírica, a pesar de que no se encuentran huellas sangrientas en ella. El color amarillo de la carne, combinado con el azul, aporta un aire extraño, ajeno a la realidad y el artista comienza así a desvincularse de los tonos que se encuentran en la naturaleza para ofrecer los suyos propios. Todo ello no está exento de un carácter simbólico que se iría depurando con el tiempo. Existe un cuadro gemelo, aún más original, el conocido como Cristo verde

Postimpresionismo Gauguin. Mujeres en la playa.1891 

4.- Mujeres en la playa de 1891, una de las primeras obras de Paul Gauguin realiza en Tahití 

Es una de las primeras obras realizadas en Tahití cuyos motivos ya no abandonaría jamás y en la que se aprecia, además, su estilo pictórico en todo su esplendor. La pintura tiene una composición original con una de las dos protagonistas representada de frente pero mirando ajena al espectador. Mientras tanto, la otra está totalmente abstraída de la composición pictórica. Estas obras han sido calificadas por la crítica artística como escultóricas por su carácter rotundo y su intento de reflejar la tercera dimensión con una pincelada fuerte y alargada ribeteada de negro. La narración, además, se acompaña de una pincelada densa que, si bien fue ensayada con anterioridad, en estos últimos años alcanzaría su esplendor. 

Postimpresionismo Gauguin El eespiritu de la muerte te esta mirando. 1892 

5.- Manaò Tupapaù o El espíritu de la muerte te está mirando de 1892

Perteneciente a las últimas obras de Paul Gauguin, no solo se indaga en los individuos de las Islas Marquesas. De hecho, la modelo pudo ser Tehana, la joven esposa del artista que le acompañó durante sus últimos años. En el cuadro se ha abandonado cualquier intento de plasmar las luces y las sombras que aún podemos encontrar en el ejemplo anterior. Así, tanto figuras como formas humanas, están tratadas con colores sólidos apenas retocados con pequeños fragmentos que quieren aportar carnalidad. Además, la composición se ha reducido en extremo eliminado cualquier elemento que pudiera entorpecer el relato principal.  

Es esta una de las obras de Paul Gauguin de sus últimos años (tal cual Nevermore de 1897,  El sueño de 1897 o El caballo blanco de 1889) que aporta elementos simbólicos. En la que tratamos se adentra en el conocimiento de los sueños, de los espíritus, de los fantasmas, de los seres del más allá… elementos favoritos del Romanticismo literario. Y da un paso hacia adelante adelantando el concepto de inconsciente según Freud que tantos artistas, de una manera u otra, plasmaron antes que el médico vienés. Además, en todos estos ejemplos se aportan elementos simbólicos tratados de una manera depurada en extremo. Y lo hace tanto desde el punto de vista de la composición (que se hace sencilla e, incluso, minimalista) como en el tema o en el tratamiento del mismo. Estas últimas obras se reflejan colores sólidos sin pinceladas ni sombras, formulación cuyo testigo sería recogido por algunos movimientos de las vanguardias de principios del siglo XX (como el cubismo e, incluso, el fauvismo).  

Reconozco que son solo un puñado de obras de Paul Gauguin. Aún así, cada una de ellas, tal como anoté al inicio, son representativas de una época artística y son ejemplos perfectos para ir viendo la progresiva evolución estilística hasta desembocar en las grandes pinturas de su última época. Son estas últimas las que han alcanzado récord millonario en exclusivas subastas. 

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

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Recorrido por las obras de Paul Gauguin a través de cinco ejemplos pertenecientes a cada una de sus etapas estilísticas.   

Nació en París, en 1848, cuando la capital ya era el ombligo del mundo cultural e intelectual. De esos intereses participaba su familia, ya que su padre era el director de un periódico republicano y su madre tenía sangre aristocrática peruana. En ese ambiente artístico y con un punto bohemio creció el futuro pintor no sin antes hacer gala de espíritu aventurero. Todos estos condicionantes serían determinantes para el peculiar, particular y original carácter de la obras de Paul Gauguin. Si bien se abrió al mundo como marino mercante, volvió a casa y anduvo por buena parte de Francia antes de tomar rumbo a las tierras más lejanas para los ojos europeos. 

Llegó hasta Bretaña, por entonces, un emplazamiento apartado con su naturaleza deslumbrante y sus costumbres autóctonas. Allí comenzó a desvincularse de las principales características del impresionismo, estilo artístico en el que se había iniciado. Su errar por la tierra lo llevó también a la Provenza donde mantuvo una difícil convivencia con Vicent van Gogh. Algunas de las obras de esta época están realizadas en una suerte de debate artístico (cuando no confrontación abierta) con el artista holandés. Es en esta etapa, como veremos, cuando empieza a investigar con los colores para figuras animadas o inanimadas ajenos a los que podemos encontrar en la naturaleza. 

Sin embargo, las obras de Paul Gauguin que más llaman la atención son las realizadas en Tahití, en las Islas Marquesas, en los emplazamientos franceses de los lejanos mares del sur. Allí entra en contacto con otra cosmovisión a la que se rinde desde el primer momento. Y es en esta tierra donde termina sus días en 1903 (debido a la sífilis) y aquí se encuentra su tumba. Antes nos dejó algunas de sus mejores obras realizadas en clave simbólica sin perder por ello una depurada esencia figurativa. Ni que decir tiene que, en un opus tan extenso como el suyo, esta selección es mínima. No obstante, he intentado elegir, al menos, un ejemplo de cada una de sus épocas.  

PostImpresionismo Gauguin. Cuatro mujeres bretonas.1886

1.- Las cuatro bretonas de 1886, una de las obras de Paul Gauguin de la primera etapa 

En Pont Aven dibujó incansablemente no solo los grandes espacios naturales, favoritos de los impresionistas, sino también los tipos humanos con sus originales ropajes y costumbres. Y de vuelta a su estudio de París realizó la obra que nos ocupa en la que destaca la composición organizada alrededor de cuatro figuras femeninas en distintas posiciones. De hecho, la central se encuentra de espaldas, lo que constituye una innovación para los parámetros artísticos de la época. Con esta obra, Paul Gauguin se enfrasca en los grandes cuadros de temática femenina que serán una constante en su quehacer pictórico a lo largo de toda su existencia.  

En cuanto al estilo de Las cuatro bretonas, el artista se aleja de los parámetros impresionistas aunque aún podemos encontrar la típica pincelada rápida del movimiento en el tratamiento de la naturaleza que sirve de fondo. Sin embargo, el artista ya ensaya con los colores sólidos e, incluso, con los delineados de las tocas blancas, que tanta fuerza expresiva aportan en un entorno protagonizado por los tonos muy oscuros.  

Postimpresionismo Gauguin.Noche en el cafe de Arles. 1888

2.- Noche en el café de Arlés de 1888 

Al contrario que las obras de Vicent van Gogh realizadas en la Provenza en las que son protagonistas los paisajes y los elementos naturales, Gauguin se sigue interesando por los tipos humanos que pueblan la zona. En este sentido hay que situar Noche en el café de Arlés de 1888. Estamos ante un interior en el que nos encontramos en primer término otra figura femenina. Por el contrario,  el artista holandés retrató este espacio desde distintos puntos de vista, pero siempre sin que fuera protagonista ningún miembro de la raza humana. 

Es una de las primeras obras de Paul Gauguin en la que se aprecia su particular visión del color y en la que va engrosando cada vez más la pincelada. Ya no le interesa la luz impresionista sino el carácter humano de todas las figuras, incluso las que están detrás jugando al billar. La retratada es la dueña del local, la señora Ginoux que parece hacer un guiño coqueto al artista mientras cuida del negocio. 

Postimpresionismo PaulGauguin. Cristo amarillo. 1889

3.- El Cristo amarillo 1889, una de las obras de Paul Gauguin más originales

Y lo es porque hace un tratamiento de un motivo harto representado en la tradición pictórica occidental de una manera ajena (hasta la fecha) a la historia del arte. Hay que comenzar diciendo que sitúa el Monte Calvario no entre los olivos de Jerusalem sino en los típicos paisajes provenzales. Además, quienes acompañan a Cristo en la cruz no son los anotados en la Biblia y reconocidos ampliamente por el público occidental. En este caso, Paul Gauguin se atreve a colocar figuras femeninas ataviadas con los trajes típicos bretones que, ni que decir tiene, no está reconocida su presencia por la tradición biblíca.

Además, la figura de Cristo está plasmada de una forma inquietante y onírica, a pesar de que no se encuentran huellas sangrientas en ella. El color amarillo de la carne, combinado con el azul, aporta un aire extraño, ajeno a la realidad y el artista comienza así a desvincularse de los tonos que se encuentran en la naturaleza para ofrecer los suyos propios. Todo ello no está exento de un carácter simbólico que se iría depurando con el tiempo. Existe un cuadro gemelo, aún más original, el conocido como Cristo verde

Postimpresionismo Gauguin. Mujeres en la playa.1891 

4.- Mujeres en la playa de 1891, una de las primeras obras de Paul Gauguin realiza en Tahití 

Es una de las primeras obras realizadas en Tahití cuyos motivos ya no abandonaría jamás y en la que se aprecia, además, su estilo pictórico en todo su esplendor. La pintura tiene una composición original con una de las dos protagonistas representada de frente pero mirando ajena al espectador. Mientras tanto, la otra está totalmente abstraída de la composición pictórica. Estas obras han sido calificadas por la crítica artística como escultóricas por su carácter rotundo y su intento de reflejar la tercera dimensión con una pincelada fuerte y alargada ribeteada de negro. La narración, además, se acompaña de una pincelada densa que, si bien fue ensayada con anterioridad, en estos últimos años alcanzaría su esplendor. 

Postimpresionismo Gauguin El eespiritu de la muerte te esta mirando. 1892 

5.- Manaò Tupapaù o El espíritu de la muerte te está mirando de 1892

Perteneciente a las últimas obras de Paul Gauguin, no solo se indaga en los individuos de las Islas Marquesas. De hecho, la modelo pudo ser Tehana, la joven esposa del artista que le acompañó durante sus últimos años. En el cuadro se ha abandonado cualquier intento de plasmar las luces y las sombras que aún podemos encontrar en el ejemplo anterior. Así, tanto figuras como formas humanas, están tratadas con colores sólidos apenas retocados con pequeños fragmentos que quieren aportar carnalidad. Además, la composición se ha reducido en extremo eliminado cualquier elemento que pudiera entorpecer el relato principal.  

Es esta una de las obras de Paul Gauguin de sus últimos años (tal cual Nevermore de 1897,  El sueño de 1897 o El caballo blanco de 1889) que aporta elementos simbólicos. En la que tratamos se adentra en el conocimiento de los sueños, de los espíritus, de los fantasmas, de los seres del más allá… elementos favoritos del Romanticismo literario. Y da un paso hacia adelante adelantando el concepto de inconsciente según Freud que tantos artistas, de una manera u otra, plasmaron antes que el médico vienés. Además, en todos estos ejemplos se aportan elementos simbólicos tratados de una manera depurada en extremo. Y lo hace tanto desde el punto de vista de la composición (que se hace sencilla e, incluso, minimalista) como en el tema o en el tratamiento del mismo. Estas últimas obras se reflejan colores sólidos sin pinceladas ni sombras, formulación cuyo testigo sería recogido por algunos movimientos de las vanguardias de principios del siglo XX (como el cubismo e, incluso, el fauvismo).  

Reconozco que son solo un puñado de obras de Paul Gauguin. Aún así, cada una de ellas, tal como anoté al inicio, son representativas de una época artística y son ejemplos perfectos para ir viendo la progresiva evolución estilística hasta desembocar en las grandes pinturas de su última época. Son estas últimas las que han alcanzado récord millonario en exclusivas subastas. 

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

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Obras de Paul Gauguin

  Recorrido por las obras de Paul Gauguin a través de cinco ejemplos pertenecientes a cada un...

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A finales del siglo XIX, en París (y en algunos puntos de Italia) aparecen una serie de artistas que evolucionan desde los preceptos y las principales características del impresionismo. Seurat o Signac, dos de los más reconocidos pintores puntillistas del siglo XIX, se encuentran a medio camino entre el arte clásico y las vanguardias extremas con las que comparten, especialmente el último, tiempo y lugar. Pero vamos por partes.  

Origen de la técnica y de las obras de los pintores puntillistas 

Estos no se pueden entender sin la revolución que supuso, primero, la pintura del Romanticismo y, más tarde, el impresionismo a lo largo del siglo XIX. Tanto el arte como el romanticismo literario se desvinculan, por vez primera, de los preceptos que había regido siglos atrás. El artista, en este punto, se convierte en un revolucionario casi y reniega de la sociedad burguesa del recién estrenado capitalismo. La libertad se toma como bandera y con ella se van sucediendo los movimientos estilísticos que desembocan en las vanguardias del siglo XX. Aunque todos los movimientos posteriores renegarían de la tradición, ninguno de ellos puede entenderse sin los cambios del siglo XIX.

Puntillismo Signac El Puerto de Saint Tropez 1907  

La pintura se desliga definitivamente del arte sagrado o cívico del pasado para centrarse en la impresión, en la visión personal y única del artista. Por primera vez en la historia, la naturaleza deja de ser mero decorado para convertirse en protagonista. A la par, se aparcan los grandes relatos (míticos, históricos o religiosos) para centrarse en la vida cotidiana. París se convierte, literal, en el ombligo cultural del mundo y desde aquí se van sucediendo los distintos movimientos. Los pintores puntillistas participan de todas estas fuentes.  

Además, con el impresionismo y también con los grandes pintores postimpresionistas (Van Gogh, Cézanne y Gauguin) la vida cotidiana adquiere carta de naturaleza. También es obligado recordar que la gran revolución impresionista fue centrarse en la luz, en las distintas sombras que va generando la luz natural en aquello que toca. Este tratamiento da como resultado obras ágiles, gráciles, positivas sin un atisbo de crítica social, pesimismo o dramatismo. Lo allí retratado siempre serán las fiestas, los bailes, los paisajes (con o sin figuras), interiores sencillos, reuniones de amigos… Y los pintores puntillistas también participan de estas temáticas y tratamiento en la obra pictórica. 

La técnica del puntillismo 

1.- Con todo este bagaje Georges Seurat (1859-1891) crea una técnica de puntos en el que ha habido un proceso intelectual previo importante. Por un lado, los pintores puntillistas ya no crean sus obras en el exterior como lo hacían los impresionistas captando ese momento único en el lienzo. Más bien realizan en el estudio un trabajo de lo captado anteriormente. 

2.- La pincelada y las distintas veladuras para crear las sombras y las luces se sustituyen por puntos, primero con Seurat, y luego por toques que se van acercando a una línea en las obras de Signac (1863-1935). 

3.- La técnica trabaja con las posibilidades de los colores opuestos o contrastados. Así los distintos puntos están colocados en el lienzo de tal manera que, a lo lejos, en la retina, aparezca un nuevo color, un tono o una sombra. 

Puntillismo Seurat Tarde de domingo en la isla de Grande Jatte 1884

4.- Al hilo de lo anterior, los lienzos creados son de gran formato y están formulados para dialogar en la distancia. Así podemos apreciar el color y las formas. 

5.- Las figuras aparecen en las obras de Seurat (el creador de la técnica) estilizadas en extremo sin pliegues en las ropas y sin ningún tipo de expresión en el rostro. Los colores puros y las líneas que se forman con los distintos puntos van creando formas separadas que no se entrelazan aunque sí hay un diálogo en conjunto. En este sentido (y siempre salvando las debidas distancias), se adelantan al cubismo al eliminar casi  la representación de la tercera dimensión en la obra pictórica. 

6.- Conforme la técnica se depura (ya con Signac y bien entrado el siglo XX) los pintores puntillistas van abandonando el estudio, la formulación intelectual y van mezclando en la obra el punto con la pincelada, aunque los principios de color y luz siguen en el cuadro. 

7.- Aunque son favoritos los temas alrededor de la naturaleza, la vida al aire libre o los ambientes relajados (como Un domingo de verano en la Grande Jatte de Seurat), en Italia, la técnica se utiliza para adelantar los preceptos del futurismo. Así Gino Severini (1883-1966), uno de los más importantes autores del futurismo utiliza la técnica en cuadros que adelantan la abstracción. Sus obras (como Expansión esférica de la luz centrífuga de 1913-1914) las formas ya no son de la naturaleza sino que son completamente geométricas. Además, del canto a la vida amable de los primeros pintores puntillistas ya se pasa a narrar la velocidad de la ciudad, los choques de los contrarios e, incluso, el desfogue de la vida contemporánea. 

8.- A partir de la primera década del siglo XX (especialmente tras la Primera Guerra Mundial) este enfoque queda abandonado por completo ya que las circunstancias sociales o políticas no invitan a regodearse en las maravillas de la luz. Todo ello se ve abonado por la propagación de las ideas del inconsciente según Freud. Los artistas, los poetas, en general, los creadores comienzan a entrar en un desgarro, en un intento por pasar a entender un otro lado que va más allá de las bondades de la naturaleza. 

Dos pintores puntillistas: Seurat y Signac 

La corta vida del parisino Georges Pierre Seurat no impidió que dejara una profunda huella en el arte del siglo XIX y en el posterior. Considerado creador del puntillismo, llegó a la técnica tras un proceso de observación y de investigación casi científico. Postuló que el color tenía su propio sentido y que trabajando sobre sus posibilidades se podía llegar a un proceso en el que se aunara la ciencia con la emoción. Sus obras, a pesar de la acogida en los circuitos más vanguardistas, tuvo un rechazo enconado entre los académicos y los miembros del Salón. Ya sabemos que los gustos retrógrados de quienes manejaban el poder artístico parisino de entonces le llevaron a rechazar prácticamente todo el canon artístico de la época. 

Paul Signac nació en una familia acomodada y pudo dedicarse toda la vida a investigar y a trabajar en su pintura. Recogió las enseñanzas de Seurat y promulgó en diversas obras publicadas que el color era independiente del objeto. Este testigo será recogido posteriormente por algunos postimpresionistas como Cézanne o Gauguin. Siguió trabajando en sus óleos y acuarelas con la técnica puntillista hasta bien entrado el siglo XX cuando las vanguardias históricas habían dinamitado todos los cimientos posibles del arte e, incluso, estaba en boga el surrealismo. A Signac nunca le interesó las posibilidades de los conocimientos ocultos a la mente consciente como la gran mayoría de los pintores que trabajan en la época. Sus pinturas son alegres, mundanas, centradas en la naturaleza y con un claro gusto por los espacios portuarios con sus barcos amarrados rodeados de construcciones. 

Si bien estos pintores puntillistas representan lo mejor del movimiento, sus fundamentos fueron recogidos después especialmente por los artistas que se dedicaron a la abstracción. Por supuesto, ya bajo otros parámetros tanto creativos como culturales o históricos. 

 

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

 

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El arte es lo que queda cuando todo ha pasado. Es lo inmutable dentro del cambio. Es la belleza en un mundo en caos. El arte es parte importante de este sitio. Intentamos comprenderlo. 

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A finales del siglo XIX, en París (y en algunos puntos de Italia) aparecen una serie de artistas que evolucionan desde los preceptos y las principales características del impresionismo. Seurat o Signac, dos de los más reconocidos pintores puntillistas del siglo XIX, se encuentran a medio camino entre el arte clásico y las vanguardias extremas con las que comparten, especialmente el último, tiempo y lugar. Pero vamos por partes.  

Origen de la técnica y de las obras de los pintores puntillistas 

Estos no se pueden entender sin la revolución que supuso, primero, la pintura del Romanticismo y, más tarde, el impresionismo a lo largo del siglo XIX. Tanto el arte como el romanticismo literario se desvinculan, por vez primera, de los preceptos que había regido siglos atrás. El artista, en este punto, se convierte en un revolucionario casi y reniega de la sociedad burguesa del recién estrenado capitalismo. La libertad se toma como bandera y con ella se van sucediendo los movimientos estilísticos que desembocan en las vanguardias del siglo XX. Aunque todos los movimientos posteriores renegarían de la tradición, ninguno de ellos puede entenderse sin los cambios del siglo XIX.

Puntillismo Signac El Puerto de Saint Tropez 1907  

La pintura se desliga definitivamente del arte sagrado o cívico del pasado para centrarse en la impresión, en la visión personal y única del artista. Por primera vez en la historia, la naturaleza deja de ser mero decorado para convertirse en protagonista. A la par, se aparcan los grandes relatos (míticos, históricos o religiosos) para centrarse en la vida cotidiana. París se convierte, literal, en el ombligo cultural del mundo y desde aquí se van sucediendo los distintos movimientos. Los pintores puntillistas participan de todas estas fuentes.  

Además, con el impresionismo y también con los grandes pintores postimpresionistas (Van Gogh, Cézanne y Gauguin) la vida cotidiana adquiere carta de naturaleza. También es obligado recordar que la gran revolución impresionista fue centrarse en la luz, en las distintas sombras que va generando la luz natural en aquello que toca. Este tratamiento da como resultado obras ágiles, gráciles, positivas sin un atisbo de crítica social, pesimismo o dramatismo. Lo allí retratado siempre serán las fiestas, los bailes, los paisajes (con o sin figuras), interiores sencillos, reuniones de amigos… Y los pintores puntillistas también participan de estas temáticas y tratamiento en la obra pictórica. 

La técnica del puntillismo 

1.- Con todo este bagaje Georges Seurat (1859-1891) crea una técnica de puntos en el que ha habido un proceso intelectual previo importante. Por un lado, los pintores puntillistas ya no crean sus obras en el exterior como lo hacían los impresionistas captando ese momento único en el lienzo. Más bien realizan en el estudio un trabajo de lo captado anteriormente. 

2.- La pincelada y las distintas veladuras para crear las sombras y las luces se sustituyen por puntos, primero con Seurat, y luego por toques que se van acercando a una línea en las obras de Signac (1863-1935). 

3.- La técnica trabaja con las posibilidades de los colores opuestos o contrastados. Así los distintos puntos están colocados en el lienzo de tal manera que, a lo lejos, en la retina, aparezca un nuevo color, un tono o una sombra. 

Puntillismo Seurat Tarde de domingo en la isla de Grande Jatte 1884

4.- Al hilo de lo anterior, los lienzos creados son de gran formato y están formulados para dialogar en la distancia. Así podemos apreciar el color y las formas. 

5.- Las figuras aparecen en las obras de Seurat (el creador de la técnica) estilizadas en extremo sin pliegues en las ropas y sin ningún tipo de expresión en el rostro. Los colores puros y las líneas que se forman con los distintos puntos van creando formas separadas que no se entrelazan aunque sí hay un diálogo en conjunto. En este sentido (y siempre salvando las debidas distancias), se adelantan al cubismo al eliminar casi  la representación de la tercera dimensión en la obra pictórica. 

6.- Conforme la técnica se depura (ya con Signac y bien entrado el siglo XX) los pintores puntillistas van abandonando el estudio, la formulación intelectual y van mezclando en la obra el punto con la pincelada, aunque los principios de color y luz siguen en el cuadro. 

7.- Aunque son favoritos los temas alrededor de la naturaleza, la vida al aire libre o los ambientes relajados (como Un domingo de verano en la Grande Jatte de Seurat), en Italia, la técnica se utiliza para adelantar los preceptos del futurismo. Así Gino Severini (1883-1966), uno de los más importantes autores del futurismo utiliza la técnica en cuadros que adelantan la abstracción. Sus obras (como Expansión esférica de la luz centrífuga de 1913-1914) las formas ya no son de la naturaleza sino que son completamente geométricas. Además, del canto a la vida amable de los primeros pintores puntillistas ya se pasa a narrar la velocidad de la ciudad, los choques de los contrarios e, incluso, el desfogue de la vida contemporánea. 

8.- A partir de la primera década del siglo XX (especialmente tras la Primera Guerra Mundial) este enfoque queda abandonado por completo ya que las circunstancias sociales o políticas no invitan a regodearse en las maravillas de la luz. Todo ello se ve abonado por la propagación de las ideas del inconsciente según Freud. Los artistas, los poetas, en general, los creadores comienzan a entrar en un desgarro, en un intento por pasar a entender un otro lado que va más allá de las bondades de la naturaleza. 

Dos pintores puntillistas: Seurat y Signac 

La corta vida del parisino Georges Pierre Seurat no impidió que dejara una profunda huella en el arte del siglo XIX y en el posterior. Considerado creador del puntillismo, llegó a la técnica tras un proceso de observación y de investigación casi científico. Postuló que el color tenía su propio sentido y que trabajando sobre sus posibilidades se podía llegar a un proceso en el que se aunara la ciencia con la emoción. Sus obras, a pesar de la acogida en los circuitos más vanguardistas, tuvo un rechazo enconado entre los académicos y los miembros del Salón. Ya sabemos que los gustos retrógrados de quienes manejaban el poder artístico parisino de entonces le llevaron a rechazar prácticamente todo el canon artístico de la época. 

Paul Signac nació en una familia acomodada y pudo dedicarse toda la vida a investigar y a trabajar en su pintura. Recogió las enseñanzas de Seurat y promulgó en diversas obras publicadas que el color era independiente del objeto. Este testigo será recogido posteriormente por algunos postimpresionistas como Cézanne o Gauguin. Siguió trabajando en sus óleos y acuarelas con la técnica puntillista hasta bien entrado el siglo XX cuando las vanguardias históricas habían dinamitado todos los cimientos posibles del arte e, incluso, estaba en boga el surrealismo. A Signac nunca le interesó las posibilidades de los conocimientos ocultos a la mente consciente como la gran mayoría de los pintores que trabajan en la época. Sus pinturas son alegres, mundanas, centradas en la naturaleza y con un claro gusto por los espacios portuarios con sus barcos amarrados rodeados de construcciones. 

Si bien estos pintores puntillistas representan lo mejor del movimiento, sus fundamentos fueron recogidos después especialmente por los artistas que se dedicaron a la abstracción. Por supuesto, ya bajo otros parámetros tanto creativos como culturales o históricos. 

 

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

 

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Selección de siete obras de van Gogh realizadas desde 1988 hasta julio de 1890 cuando deja lista la enigmática Campo de trigo con cuervos

 

En estos dos años largos hasta su fallecimiento el paisaje de la Provenza con su gentes sencillas, sus campos y sus pueblos sería el escenario perfecto para las rotundas obras de Vicent van Gogh. En este lugar, a pesar de los altibajos de un alma atormentada y de la falta de recursos económicos, pudo levantar sus más conocidas pinturas. Y lo hizo sirviéndose de todo aquello que había a su alrededor para dejar plasmado un mundo único bajo una mirada excepcional. Hago una selección de las mismas y nos adentramos en el sentido simbólico de las mismas más allá de sus maravillosos colores y trazos. 

El sentido de trascendencia en las obras de Vicent Van Gogh

Fue en los últimos tres años de vida, los que van de 1888 hasta su muerte en julio de 1890, cuando su obra se afianza en el particular estilo que ha propiciado la entrada en los libros de arte. Es ahora cuando esa intensa búsqueda -a la que el artista sometió tanto el espíritu como la creación propia- le empuja por el camino de la consecución. No podemos perder de vista que van Gogh siempre se enfrentó a la pintura con un claro sentido del destino. No pintaba por entretenerse, por afición o por aplacar los nervios, como pudieron hacer muchos de sus contemporáneos, antes o después que él. Lo suyo iba más allá: tanto en los días de predicador como en los que ocupó el auto-aprendizaje y el domino de la pintura, el artista siempre vio un fin en ello. Con frecuencia este extremo se lo hacía notar a su hermano Theo en la correspondencia mantenida con él. Así, en una carta fechada el 3 de abril de 1878 en Amsterdam, dos años antes de que van Gogh se decidiera a coger los pinceles, le escribe a su hermano menor:  

… Y el que mucho ama realiza grandes cosas y se siente capaz, y lo que hace por amor está bien hecho.

Y algunos años más tarde (abril de 1882), desde La Haya, donde se empeñaba en dominar el dibujo al carbón (consciente ya del arduo camino de penalidades que le esperaba si se quería consagrar a algo que no solo le sobreviviera sino que, en un futuro -el cual deseaba con ardor fuera cercano- pudiera consolar a la humanidad que sufre) escribe: 

Es necesario comprender bien cómo considero yo el arte. Para llegar a la verdad, se necesita trabajar largo tiempo y mucho. Lo que yo quiero y a lo que aspiro es despejadamente difícil, y sin embargo no creo aspirar demasiado alto […] Por encima de todo, yo quiero llegar a un punto en que se diga de mi obra: este hombre siente profundamente y este hombre siente delicadamente […] Y la grandeza no es una cosa fortuita, sino que debe ser deseada.

A pesar de la tormentosa biografía de Vicent van Gogh, buena parte de sus obras están en la retina no solo de los entendidos del arte sino también de los profanos. Nos adentramos en algunas de ellas.  

El puente Langlois con lavanderas, una de las obras de van Gogh más simbólicas 

Se custodia en el Museo Kröller-Müller de Otterlo (Países Bajos) y fue realizado en marzo de 1888. El mismo motivo ocupa ocho obras tanto realizadas al óleo como dibujos. Presentan variantes de composición (sin figuras humanas y con elementos diversos). 

Obras de Van Gogh 8 Punte Langlois con lavanderas 

Podemos ver claramente que las mujeres se encuentran en la orilla izquierda (que en arte y en psicología siempre representa el inconsciente). Además, la posición es inferior (hacia abajo) con respecto a la imagen del puente que, además, es levadizo.  Todos los elementos del cuadro significan. Así, el río que corre bajo el puente (reduciendo mucho su sentido) es la simbolización de la vida, a igual que las ruedas del carro que ocupa el eje central de la composición. Estas remiten a la vida como principio y origen de todas las cosa. Y también de esa vida que no es más que un repetir cotidiano de trabajo y esfuerzo potenciado por la presencia de las lavanderas y su fatigosa tarea. Se incide en ese concepto con la imagen del río que es, también, el espacio en movimiento perpetuo por donde fluyen todas las posibilidades. Además, son la representación de todas las opciones las flores multicolores que ribetean la vereda. Un río que es, como el hombre, siempre el mismo y siempre distinto. El agua diferente que fluye por el cauce de un río se asemeja a la esencia del hombre cuyo ser es inmutable, pero su psique evoluciona o transforma en estados anímicos o vivenciales de distinto cariz e intensidad. 

El puente, resumiendo mucho, divide y une, a la par, dos mundos. A un lado, en la orilla de la izquierda, que es el lado oculto e inconsciente, nos encontramos el universo de las lavanderas ajenas a la cosmovisión del artista. En la derecha, se encuentra lo luminoso, consciente y las posibilidades de cambio (¿redención?) simbolizada por los caminos. Esta idea, además, se redunda con la presencia del puente levadizo que ocupa el eje central de la escena.  

Es esta una de las obras de van Gogh de sus últimos años que podemos adjetivar como de espíritu más positivo, ya que toda ella remite a la opción de cambio y de transformación (simbolizado en el elemento de paso que es el puente). Y, por tanto, nos encontramos ante la opción de crecimiento espiritual y anímico. El tema le era tan querido (¿o necesario?) al artista que del mismo motivo se conservan oleos, dibujos y bocetos diversos. 

Campo de trigo con vuelo de cuervos  

Catalogado en La obra pictórica completa de Van Gogh, listado realizado por Paolo Leocaldano en 1971, con el número 864, es probablemente la última salida de la mano del pintor. Se conserva en el Museo Van Gogh de Ámsterdam y está realizada en Auvers antes del 9 de julio de 1890.

Obras de Van Gogh 4Campo de trigo con vuelo de cuervos 

En la obra los elementos presentes están muy difuminados excepto ese camino que lleva al infinito, a un espacio que al artista se le antoja que es otra vida, tanto física (a través del paso de  la muerte) como trascendental (mediando una producción artística única). Si algo destaca en esta obra, una de las más enigmáticas pinturas de van Gogh, es el color. El amarillo protagonista -como el naranja o el anaranjado- es el color ambivalente por excelencia. Su simbolización va desde la identificación con el oro y, por tanto, con todo lo valioso, pasando por la envidia hasta desembocar en la crueldad. Y el amarillo -en la escala de valores simbólicos- se opone al azul. Así contrapuesto, el amarillo toma la cualidad de la tierra y, por tanto, de la vida que aquí se desarrolla, frente al azul, representación del mundo espiritual. 

El naranja contrapuesto, así, al azul es el color intermedio, el del equilibrio entre las cosas del mundo y las del cielo. El amarillo tiende a lo material, a lo brillante y el azul a lo etéreo y espiritual. Entre los dos el naranja quiere ser el equilibrio de ambas fuerzas. El artista, con estos colores, nos deja plasmado esa contraposición entre permanecer en el mundo terrenal y la necesidad de marcharse, de irse, de trascender a través de la obra.  

5 obras más de Vicent van Gogh famosas 

Obras de Van Gogh 2 La noche estrellada

1.- Ciprés y aldea o la noche estrellada, una de las obras de Van Gogh más conocidas 

Perteneciente al Museo de Arte Moderno de Nueva York, fue realizada en Saint-Rémy en junio de 1889. Los fuertes tonos oscuros y la pincelada circular dan un aspecto sobrecogedor a esta pintura que intenta atrapar los colores de la noche en plena naturaleza. El artista hace sobresalir las estrellas que están magnificadas en un cielo que se presenta de manera circular, como si estuvieran amenazando su frágil alma. En primer término, un esbelto ciprés nos recuerda la bienvenida de los cementerios sumergiéndonos en ese mudo de contrastes en el que se movía el espíritu del pintor. 

Obras de Van Gogh 3 Florero con Doce Girasoles 

2.- Florero con doce girasoles  

El tema ocupa casi ocho obras y el que reproduzco se encuentra en el Bayerische Staatsgemäldesammlugen Neve Pinakotheke de Munich. Fue realizado en Arlés en agosto de 1888. Y, de nuevo, nos encontramos con el color amarillo, favorito de van Gogh. El pintor llega a reconocer que este tono representa la luz y la libertad. Su idea era hacer uno para cada habitación. Así se permitiría que la luminosidad que representan los girasoles se desperdigaran por toda la vivienda. Uno de ellos aparece (inserto como hipotexto propio) en la conocida representación de su sencilla habitación. 

Obras de Van Gogh 7 La habitacion de Arles 

3.- La habitación de Vicent en Arlés 

Guardada en el Museo Vicent van Gogh de Amsterdam, es otra de las obras realizadas en este emplazamiento de la Provenza en octubre de 1888. En su estancia en el sanatorio de Saint-Rémy realizó dos réplicas más del cuadro, con diversas variantes, que, en la actualidad, están catalogadas con los números 689 y 690 y se encuentran en el Museo del Lourvre de París y en el Instituto de Arte de Chicago. La de Ámsterdam lleva el número 585 en dicho catálogo. Asistimos a lo sencillo, a lo cotidiano, a lo que está al alcance y lo que interesa al artista. Los interiores son sobrios y nos ha dejado una muestra de su vida de creador pobre. Esta es una de las obras de van Gogh más conocidas del artista. Tanto es así que se busca, incluso su plantilla, para introducir a los niños en los rudimentos del arte. Esto es, se ha convertido en el cenit del canon artístico internacional. 

 Obras de Van Gogh 5 La silla de Vincent

4.- La silla de Van Gogh 

Se custodia en la Tate de Londres y está realizada entre diciembre de 1888 y enero de 1889. Esta obra hay que leerla junto con otra pareja: El sillón de Gauguin. Van Gogh la realizó en su tormentosa convivencia con otro genio de la pintura. Los desencuentros y las riñas eran constantes. Vicent van Gogh, a la hora de representar el mueble que él mismo utilizaba, lo hace de forma erecta, sencilla, sin más complicaciones. Y no podemos perder de vista que el tono predominante es el amarillo con las significaciones que tiene tal como hemos visto antes. Es, además, un asiento menos cómodo que un sillón. El de Gauguin se nos antoja desvencijado como si no pudiera aguantar el peso. Las patas están curvadas amenazando con desmoronarse en cualquier momento. Sin embargo, la silla de Van Gogh se nos presenta cuidada y en perfecto uso. Sin duda, a pesar de la amistad, los egos de artistas hicieron mella en el ánimo de ambos. Y estas obras de Van Gogh son una buena representación de esa etapa. 

Obras de Van Gogh 1 Autorretrato 

5.- Autorretrato de 1889  

Se custodia en el Museo de Orsay de París en una sala dedicada al artista y a continuación de las mejores obras características del impresionismo. Comento esto porque la experiencia es sublime. Es, al parecer, el último autorretrato de tantos como se realizó. Impresiona por la serenidad en la que se representa el artista y por el fondo en espiral que más bien quiere ser una representación de un alma atormentada. El choque entre la tranquilidad del rostro y el traje elegante contra ese fondo nos introduce en otro mundo, en el del final de la vida física y el inicio de la trascendencia que, de alguna manera u otra, auguraba. Y, por último, para los lectores apresurados aquí dejo un vídeo de mi canal de Youtube con un resumen del artículo: 

Estas siete obras de Vincent van Gogh son solo un puñado de las más conocidas del artista, pero imprescindibles para conocer el legado de uno de los pintores más universales de todos los tiempos.  

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

 

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El arte es lo que queda cuando todo ha pasado. Es lo inmutable dentro del cambio. Es la belleza en un mundo en caos. El arte es parte importante de este sitio. Intentamos comprenderlo. 

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Selección de siete obras de van Gogh realizadas desde 1988 hasta julio de 1890 cuando deja lista la enigmática Campo de trigo con cuervos

 

En estos dos años largos hasta su fallecimiento el paisaje de la Provenza con su gentes sencillas, sus campos y sus pueblos sería el escenario perfecto para las rotundas obras de Vicent van Gogh. En este lugar, a pesar de los altibajos de un alma atormentada y de la falta de recursos económicos, pudo levantar sus más conocidas pinturas. Y lo hizo sirviéndose de todo aquello que había a su alrededor para dejar plasmado un mundo único bajo una mirada excepcional. Hago una selección de las mismas y nos adentramos en el sentido simbólico de las mismas más allá de sus maravillosos colores y trazos. 

El sentido de trascendencia en las obras de Vicent Van Gogh

Fue en los últimos tres años de vida, los que van de 1888 hasta su muerte en julio de 1890, cuando su obra se afianza en el particular estilo que ha propiciado la entrada en los libros de arte. Es ahora cuando esa intensa búsqueda -a la que el artista sometió tanto el espíritu como la creación propia- le empuja por el camino de la consecución. No podemos perder de vista que van Gogh siempre se enfrentó a la pintura con un claro sentido del destino. No pintaba por entretenerse, por afición o por aplacar los nervios, como pudieron hacer muchos de sus contemporáneos, antes o después que él. Lo suyo iba más allá: tanto en los días de predicador como en los que ocupó el auto-aprendizaje y el domino de la pintura, el artista siempre vio un fin en ello. Con frecuencia este extremo se lo hacía notar a su hermano Theo en la correspondencia mantenida con él. Así, en una carta fechada el 3 de abril de 1878 en Amsterdam, dos años antes de que van Gogh se decidiera a coger los pinceles, le escribe a su hermano menor:  

… Y el que mucho ama realiza grandes cosas y se siente capaz, y lo que hace por amor está bien hecho.

Y algunos años más tarde (abril de 1882), desde La Haya, donde se empeñaba en dominar el dibujo al carbón (consciente ya del arduo camino de penalidades que le esperaba si se quería consagrar a algo que no solo le sobreviviera sino que, en un futuro -el cual deseaba con ardor fuera cercano- pudiera consolar a la humanidad que sufre) escribe: 

Es necesario comprender bien cómo considero yo el arte. Para llegar a la verdad, se necesita trabajar largo tiempo y mucho. Lo que yo quiero y a lo que aspiro es despejadamente difícil, y sin embargo no creo aspirar demasiado alto […] Por encima de todo, yo quiero llegar a un punto en que se diga de mi obra: este hombre siente profundamente y este hombre siente delicadamente […] Y la grandeza no es una cosa fortuita, sino que debe ser deseada.

A pesar de la tormentosa biografía de Vicent van Gogh, buena parte de sus obras están en la retina no solo de los entendidos del arte sino también de los profanos. Nos adentramos en algunas de ellas.  

El puente Langlois con lavanderas, una de las obras de van Gogh más simbólicas 

Se custodia en el Museo Kröller-Müller de Otterlo (Países Bajos) y fue realizado en marzo de 1888. El mismo motivo ocupa ocho obras tanto realizadas al óleo como dibujos. Presentan variantes de composición (sin figuras humanas y con elementos diversos). 

Obras de Van Gogh 8 Punte Langlois con lavanderas 

Podemos ver claramente que las mujeres se encuentran en la orilla izquierda (que en arte y en psicología siempre representa el inconsciente). Además, la posición es inferior (hacia abajo) con respecto a la imagen del puente que, además, es levadizo.  Todos los elementos del cuadro significan. Así, el río que corre bajo el puente (reduciendo mucho su sentido) es la simbolización de la vida, a igual que las ruedas del carro que ocupa el eje central de la composición. Estas remiten a la vida como principio y origen de todas las cosa. Y también de esa vida que no es más que un repetir cotidiano de trabajo y esfuerzo potenciado por la presencia de las lavanderas y su fatigosa tarea. Se incide en ese concepto con la imagen del río que es, también, el espacio en movimiento perpetuo por donde fluyen todas las posibilidades. Además, son la representación de todas las opciones las flores multicolores que ribetean la vereda. Un río que es, como el hombre, siempre el mismo y siempre distinto. El agua diferente que fluye por el cauce de un río se asemeja a la esencia del hombre cuyo ser es inmutable, pero su psique evoluciona o transforma en estados anímicos o vivenciales de distinto cariz e intensidad. 

El puente, resumiendo mucho, divide y une, a la par, dos mundos. A un lado, en la orilla de la izquierda, que es el lado oculto e inconsciente, nos encontramos el universo de las lavanderas ajenas a la cosmovisión del artista. En la derecha, se encuentra lo luminoso, consciente y las posibilidades de cambio (¿redención?) simbolizada por los caminos. Esta idea, además, se redunda con la presencia del puente levadizo que ocupa el eje central de la escena.  

Es esta una de las obras de van Gogh de sus últimos años que podemos adjetivar como de espíritu más positivo, ya que toda ella remite a la opción de cambio y de transformación (simbolizado en el elemento de paso que es el puente). Y, por tanto, nos encontramos ante la opción de crecimiento espiritual y anímico. El tema le era tan querido (¿o necesario?) al artista que del mismo motivo se conservan oleos, dibujos y bocetos diversos. 

Campo de trigo con vuelo de cuervos  

Catalogado en La obra pictórica completa de Van Gogh, listado realizado por Paolo Leocaldano en 1971, con el número 864, es probablemente la última salida de la mano del pintor. Se conserva en el Museo Van Gogh de Ámsterdam y está realizada en Auvers antes del 9 de julio de 1890.

Obras de Van Gogh 4Campo de trigo con vuelo de cuervos 

En la obra los elementos presentes están muy difuminados excepto ese camino que lleva al infinito, a un espacio que al artista se le antoja que es otra vida, tanto física (a través del paso de  la muerte) como trascendental (mediando una producción artística única). Si algo destaca en esta obra, una de las más enigmáticas pinturas de van Gogh, es el color. El amarillo protagonista -como el naranja o el anaranjado- es el color ambivalente por excelencia. Su simbolización va desde la identificación con el oro y, por tanto, con todo lo valioso, pasando por la envidia hasta desembocar en la crueldad. Y el amarillo -en la escala de valores simbólicos- se opone al azul. Así contrapuesto, el amarillo toma la cualidad de la tierra y, por tanto, de la vida que aquí se desarrolla, frente al azul, representación del mundo espiritual. 

El naranja contrapuesto, así, al azul es el color intermedio, el del equilibrio entre las cosas del mundo y las del cielo. El amarillo tiende a lo material, a lo brillante y el azul a lo etéreo y espiritual. Entre los dos el naranja quiere ser el equilibrio de ambas fuerzas. El artista, con estos colores, nos deja plasmado esa contraposición entre permanecer en el mundo terrenal y la necesidad de marcharse, de irse, de trascender a través de la obra.  

5 obras más de Vicent van Gogh famosas 

Obras de Van Gogh 2 La noche estrellada

1.- Ciprés y aldea o la noche estrellada, una de las obras de Van Gogh más conocidas 

Perteneciente al Museo de Arte Moderno de Nueva York, fue realizada en Saint-Rémy en junio de 1889. Los fuertes tonos oscuros y la pincelada circular dan un aspecto sobrecogedor a esta pintura que intenta atrapar los colores de la noche en plena naturaleza. El artista hace sobresalir las estrellas que están magnificadas en un cielo que se presenta de manera circular, como si estuvieran amenazando su frágil alma. En primer término, un esbelto ciprés nos recuerda la bienvenida de los cementerios sumergiéndonos en ese mudo de contrastes en el que se movía el espíritu del pintor. 

Obras de Van Gogh 3 Florero con Doce Girasoles 

2.- Florero con doce girasoles  

El tema ocupa casi ocho obras y el que reproduzco se encuentra en el Bayerische Staatsgemäldesammlugen Neve Pinakotheke de Munich. Fue realizado en Arlés en agosto de 1888. Y, de nuevo, nos encontramos con el color amarillo, favorito de van Gogh. El pintor llega a reconocer que este tono representa la luz y la libertad. Su idea era hacer uno para cada habitación. Así se permitiría que la luminosidad que representan los girasoles se desperdigaran por toda la vivienda. Uno de ellos aparece (inserto como hipotexto propio) en la conocida representación de su sencilla habitación. 

Obras de Van Gogh 7 La habitacion de Arles 

3.- La habitación de Vicent en Arlés 

Guardada en el Museo Vicent van Gogh de Amsterdam, es otra de las obras realizadas en este emplazamiento de la Provenza en octubre de 1888. En su estancia en el sanatorio de Saint-Rémy realizó dos réplicas más del cuadro, con diversas variantes, que, en la actualidad, están catalogadas con los números 689 y 690 y se encuentran en el Museo del Lourvre de París y en el Instituto de Arte de Chicago. La de Ámsterdam lleva el número 585 en dicho catálogo. Asistimos a lo sencillo, a lo cotidiano, a lo que está al alcance y lo que interesa al artista. Los interiores son sobrios y nos ha dejado una muestra de su vida de creador pobre. Esta es una de las obras de van Gogh más conocidas del artista. Tanto es así que se busca, incluso su plantilla, para introducir a los niños en los rudimentos del arte. Esto es, se ha convertido en el cenit del canon artístico internacional. 

 Obras de Van Gogh 5 La silla de Vincent

4.- La silla de Van Gogh 

Se custodia en la Tate de Londres y está realizada entre diciembre de 1888 y enero de 1889. Esta obra hay que leerla junto con otra pareja: El sillón de Gauguin. Van Gogh la realizó en su tormentosa convivencia con otro genio de la pintura. Los desencuentros y las riñas eran constantes. Vicent van Gogh, a la hora de representar el mueble que él mismo utilizaba, lo hace de forma erecta, sencilla, sin más complicaciones. Y no podemos perder de vista que el tono predominante es el amarillo con las significaciones que tiene tal como hemos visto antes. Es, además, un asiento menos cómodo que un sillón. El de Gauguin se nos antoja desvencijado como si no pudiera aguantar el peso. Las patas están curvadas amenazando con desmoronarse en cualquier momento. Sin embargo, la silla de Van Gogh se nos presenta cuidada y en perfecto uso. Sin duda, a pesar de la amistad, los egos de artistas hicieron mella en el ánimo de ambos. Y estas obras de Van Gogh son una buena representación de esa etapa. 

Obras de Van Gogh 1 Autorretrato 

5.- Autorretrato de 1889  

Se custodia en el Museo de Orsay de París en una sala dedicada al artista y a continuación de las mejores obras características del impresionismo. Comento esto porque la experiencia es sublime. Es, al parecer, el último autorretrato de tantos como se realizó. Impresiona por la serenidad en la que se representa el artista y por el fondo en espiral que más bien quiere ser una representación de un alma atormentada. El choque entre la tranquilidad del rostro y el traje elegante contra ese fondo nos introduce en otro mundo, en el del final de la vida física y el inicio de la trascendencia que, de alguna manera u otra, auguraba. Y, por último, para los lectores apresurados aquí dejo un vídeo de mi canal de Youtube con un resumen del artículo: 

Estas siete obras de Vincent van Gogh son solo un puñado de las más conocidas del artista, pero imprescindibles para conocer el legado de uno de los pintores más universales de todos los tiempos.  

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

 

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Junto con Leonardo, Picasso y, quizás, Klimt, Vincent van Gogh es uno de los artistas más reconocidos del panorama artístico internacional. Tanto es así que su nombre y los avatares más importantes de su vida resuenan en las mentes de aquellos que, incluso, no sobresalen por tener una amplia cultura humanística. El genio incomprendido, tachado de loco, solitario, buscando el amor insistentemente, tan pobre que vive de la caridad de su hermano menor se hace atractivo para el común de los mortales. Y esto se multiplica por cien o por mil cuando la fama y el valor millonario de sus cuadros no casa con la vida triste que llevó en su paso por este mundo. Aunque parezca contradictoria en la biografía de Vincent van Gogh encontramos datos y material para entender a la persona y al artista que había detrás. A pesar de que su obra primera puede tener las características del impresionismo comúnmente reconocidas, muy pronto evoluciona hacia un estilo propio en el que la acumulación de color, el trazo agresivo, firme, chocante y el simbolismo en algunas de sus obras cobran protagonismo. 

La importancia de la familia en la biografía de Vincent van Gogh: primeros años 

Pero empecemos por el principio. Cuando Vincent van Gogh llega a este mundo, el 30 de marzo de 1853 (hijo Theodorus van Gogh y de Anna Carbentus) en Groot Zundert, justo un año antes había nacido un hermano con el mismo nombre. Murió a los pocos minutos. Theo tardará en llegar a este mundo cuatro años más, el 1 de mayo de 1857. A pesar de la oposición de la familia en la decisión de dedicarse a la pintura de Vincent van Gogh, el mundillo no era ajeno al clan, ya que tres de sus tíos se dedicaban a esta actividad y eran marchantes de arte. Eso hay que tenerlo en cuanto a la hora de valorar su éxito posterior a pesar de los sinsabores de su vida. 

Van Gogh autorretrato dedicado a Gauguin

Sus estudios de primaria se desarrollan en su pueblo para luego entrar el internado de Zevenbergen y, posteriormente, en un instituto de secundaria de Tiburgo. Vincent van Gogh no realiza estudios universitarios y en verano de 1869 (con tan solo 16 años) ya está trabajando en la sucursal que la galería francesa Goupil y Cía mantenía en La Haya. Aquí permanecerá hasta 1973 cuando lo trasladan a Londres donde se instala ese verano. Un año antes había comenzado la correspondencia con Theo, la cual se encuentra perfectamente datada y emplazada siendo un material valioso para conocer de primera mano no solo los avatares vitales del pintor sino también su particular posicionamiento con respecto a su labor artística. En la capital inglesa permanecerá hasta 1876 compaginando su trabajo en la galería con los esbozos de sus primeros dibujos. El arte, por tanto, rodea al joven van Gogh en todos los aspectos.  

Aprovecha para visitar a la familia en verano y en Navidad y su hermana Anna se va a vivir con él en julio de 1874. Todo marcha en orden para el joven van Gogh llevando una vida rutinaria de pequeño burgués sin que nada haga presagiar el genio en el que se convertiría a la par que se reponía de sucesivas crisis existenciales. El primer desengaño amoroso llegaría en agosto de 1874 cuando es rechazado por Eugénie Loyer, la hija de su casera.

Un hilo conductor en la biografía de Vincent van Gogh: el querer ser útil y su labor como misionero

La personalidad sensible y quebradiza de Vincent van Gogh a primera vista escondía una persona tremendamente comprometida con sus semejantes. Mientras trabaja en Londres es enviado de vez en cuando a la sede parisina de la galería Goupil & Cia. Él aprovecha el tiempo de ocio que le deja el trabajo para pasear, pintar, seguir formándose y estudiar La Biblia. En este sentido fue determinante su amistad con Harry Gladwell que le acompañaba con la lectura de los textos religiosos.  

Al volver de las vacaciones de Navidad de 1876 es despedido de la galería. Vincent van Gogh se queda en Inglaterra donde comienza a dar clases y se enfrasca en su labor como misionero. Su primer sermón llevaba por título “Yo soy extranjero en la tierra, no me escondas de tus mandatos”. Sin embargo, pronto comienza a cansarse de Londres y baraja la posibilidad de ingresar en la Universidad. Por eso, se pone a la tarea de estudiar griego y latín (asignaturas imprescindibles entonces) mientras trabaja en la librería Dordrecht y se instala en Ámsterdam. 

De una manera nómada y totalmente autónoma sigue con su labor de predicación, primero en el noviciado de Laeken, luego en Bélgica, en Cuesmes… Se une con los más miserables, con los trabajadores de labores durísimas, con los mineros jugándose la vida a diario…  Es este un periodo dominado por un hilo conductor: su fe en la palabra para ayudar al mundo, una primera crisis existencial (al no aprobar los exámenes para entrar en la universidad) y una vida prácticamente nómada.   

Los primeros años como artista y el desencuentro con la familia 

Si hay una fecha importante en la biografía de Vincent Van Gogh, esta es 1880 cuando abandona la predicación de la Biblia para centrarse en su tarea como artista, de aquí ya no se moverá jamás. Eso no quita, por supuesto, para que los cimientos emocionales que el Evangelio le proporcionaba, no le abandonaran nunca. Ese mismo año entra en la Academia de Bellas Artes de Bruselas y toma clases particulares con Anton Mauve. El genio independiente de van Gogh no le permitía estar encorsetado en un estilo, un maestro o una institución. Por eso, a la par que sufre su segundo rechazo amoroso, esta vez de su prima Kee Vos, se deshace de todo aprendizaje más o menos reglado.  

Otra fecha importante en la biografía de Vincent van Gogh es 1882, año en el que aloja en su casa a una prostituta, Sien Hoornik, con quien permanecería hasta septiembre de 1883. A la par, comienza a pintar paisajes por encargo de un tío afincado en La Haya mientras su hermano comienza su labor interminable de mecenazgo aportando la financiación necesaria para desarrollar su arte, al negarse el padre a apoyar esta andadura. El desencuentro con la familia fue importante, a pesar de que el mundillo del arte no era ajeno al clan ni al mismo van Gogh, quien recordemos se había iniciado laboralmente trabajando en una galería. Quizás todo este rechazo e incomprensión innecesaria ahondó en un carácter de por sí frágil.  

Lo que vendría después está perfectamente resumido por el mismo artista:  

“Creo poder concluir, sin exagerar nada, que mi cuerpo aguantará al menos durante algunos años, digamos entre seis y diez… No tengo la intención de cuidarme."

Eso lo escribe en septiembre de 1883. El 30 de julio de 1890, Vincent van Gogh estaba siendo enterrado. Entre un hecho y otro habían pasado menos de 7 años, los mismos que levantaron su carrera y toda su obra conocida a la par que reconocida a nivel internacional.  

París en la vida de Vincent van Gogh 

A pesar de las desavenencias con el padre, vuelve al hogar paterno para cuidar de su madre y aquí llega su tercer enamoramiento (sin contar a Sien a quien Vincent la consideraba más bien alguien de acogida que una compañera sentimental). Esta vez se trata de una vecina, Margot Begemann con problemas psicológicos evidentes ya que tiene tendencias suicidas. En 1885 muere su padre y comienzan las primeras grandes obras del artista: Los comedores de patatas o Cementerio rural.  A partir de esta fecha se va vislumbrando su estilo original y único, el mismo que le ha hecho entrar en la historia del arte. 

Paralelamente, se empapa intelectualmente de las corrientes del naturalismo literario abanderado por Zola que, por entonces, estaban en boga. Todo ello, unido a su espíritu evangelista, hace que Vincent van Gogh se dedique a retratar la vida sencilla de los que nada tienen de una manera realista sin caer en el dramatismo. En 1886 viaja a París, por entonces epicentro y ombligo del mundo artístico no sin antes pasarse antes por Amberes para estudiar y admirar los clásicos flamencos.  Allí ve a Theo tras ¡10 años! separados. El punto de encuentro no puede ser más significativo: el Museo del Louvre.  

En París comienza a codearse con la bohemia artística que frecuenta Montmatre y alrededores. Aquí comienza su amistad (que acabó en desavenencia) con Gauguin, con Toulosse-Lautrec, Emile Bernard, Signac (quien derivaría hacia el puntillismo) y Pissarro. Pinta sin tregua empapándose de las corrientes novedosas de la capital del arte. A la par, visita exposiciones, museos o hace dibujos de esculturas clásicas. Logra incluso exponer su obra en dos ocasiones.  

Para 1887 la relación con Theo, con quien vive en un modesto apartamento, comienza a resistirse debido al especial carácter del Vincent. El hermano menor describe la convivencia con una persona que hoy sería catalogada como bipolar: 

“El apartamento es casi insoportable… Es como si hubiera dos seres en él, uno maravillosamente dotado, sensible y tierno, el otro egoísta y duro… ¡Qué lástima que él sea su propio enemigo!”  

Si la convivencia con el hermano es complicada, también se resienten las amistades. Gauguin pone tierra y mar de por medio iniciando uno de sus primeros viajes a lugares lejanos, aunque regresa muy pronto. Aún quedan los años en la Provenza juntos.  Sin embargo, Theo, a pesar de los desencuentros, trabaja para poder colocar y dar a conocer la obra de su hermano. Ese mismo año se vende “Las bañistas”.  

Los días más tristes en la biografía de Vincent van Gogh y la realización de sus mejores obras: Arlés y el sanatorio 

“Si no tuviera a Theo, sería imposible lograr en mi trabajo lo que debo alcanzar” reconocería el artista justo antes de abandonar París para instalarse en la Provenza, primero en Arlés (donde pinta su famosa habitación). Allí se reúne con Gauguin para pintar juntos. Sus salidas al mar, al campo de trigales, a la naturaleza en rededor lo hace rendirse al lugar. Se queda prendado de la luz, de los colores, de las posibilidades expresivas y trabaja de forma incansable. Este periodo fue magistralmente recogido en la película (de ficción) Los sueños de Akira Kurosawa, en el fragmento “Cuervos”.  

Vincent Willem van Gogh | autorretrato con oreja cortada

Desafortunadamente este trabajo pasional no le va bien a su carácter y tras una disputa con Gauguin se corta una oreja, hecho magistralmente recogido en uno de sus múltiples autorretratos. Eso sucedió en diciembre de 1888 y en febrero del siguiente año ya Vincent van Gogh daba muestras de un agotamiento psicológico extremo. Tanto es así que un mes más tarde es internado en el hospital para luego ser aceptado como interno en el asilo de Saint Remy, cuya vida también retrató de forma proverbial. Aunque a Vincent van Gogh se le ha colocado la etiqueta de loco con mucha frivolidad, hay que ponerse en las costumbres (también médicas) de la época. Aún faltaría por llegar los primeros escritos sobre el psicoanálisis de Freud y, a la par, este tipo de sanatorios eran auténticas cárceles (bajo la mirada contemporánea) en las que cualquier persona con una afección leve se podía ver atrapado. El resultado (hoy se sabe) es un ahondamiento de los síntomas simplemente por los métodos crueles que se practicaban de manera totalmente aceptada. 

Mientras Vincent pasa por sus momentos más tristes, Theo contrae matrimonio con Jo Bonger (quien sería crucial para el posterior conocimiento de su obra) e, inmediatamente se queda embarazada. Dará a luz a un niño (31 de enero de 1890) que se llamará a igual que su tío. Mientras tanto, el pintor encadena una crisis tras otra mientras su hermano y cuñada logran colocar algunas de sus obras en los circuitos artísticos europeos. Vincent estará en el sanatorio de Saint Remy hasta el 16 de mayo de 1890 poniendo rumbo, nada más ser dado de alta, hacia París, hacia la casa de su hermano. Allí alquila una habitación para estar junto a la familia y conoce al Dr. Gachet, inmortalizado en un magistral retrato.  

El 6 de julio regresa a la Provenza, a Auvers, y dos días más tarde pinta su último cuadro Campo de trigo con cuervos de una belleza apabullante y con un claro simbolismo de liberación, de unión cósmica representado en esos pájaros que unen el cielo con la tierra. Según la versión oficial, el  27 de julio de 1890 se pega un tiro en el pecho muriendo al día siguiente con Theo a su lado. Este seguiría a su hermano mayor al otro mundo a los pocos meses. Ambos reposan juntos bajo sencillas sepulturas en el cementerio de Auvers-sur-Oise.  

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

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Junto con Leonardo, Picasso y, quizás, Klimt, Vincent van Gogh es uno de los artistas más reconocidos del panorama artístico internacional. Tanto es así que su nombre y los avatares más importantes de su vida resuenan en las mentes de aquellos que, incluso, no sobresalen por tener una amplia cultura humanística. El genio incomprendido, tachado de loco, solitario, buscando el amor insistentemente, tan pobre que vive de la caridad de su hermano menor se hace atractivo para el común de los mortales. Y esto se multiplica por cien o por mil cuando la fama y el valor millonario de sus cuadros no casa con la vida triste que llevó en su paso por este mundo. Aunque parezca contradictoria en la biografía de Vincent van Gogh encontramos datos y material para entender a la persona y al artista que había detrás. A pesar de que su obra primera puede tener las características del impresionismo comúnmente reconocidas, muy pronto evoluciona hacia un estilo propio en el que la acumulación de color, el trazo agresivo, firme, chocante y el simbolismo en algunas de sus obras cobran protagonismo. 

La importancia de la familia en la biografía de Vincent van Gogh: primeros años 

Pero empecemos por el principio. Cuando Vincent van Gogh llega a este mundo, el 30 de marzo de 1853 (hijo Theodorus van Gogh y de Anna Carbentus) en Groot Zundert, justo un año antes había nacido un hermano con el mismo nombre. Murió a los pocos minutos. Theo tardará en llegar a este mundo cuatro años más, el 1 de mayo de 1857. A pesar de la oposición de la familia en la decisión de dedicarse a la pintura de Vincent van Gogh, el mundillo no era ajeno al clan, ya que tres de sus tíos se dedicaban a esta actividad y eran marchantes de arte. Eso hay que tenerlo en cuanto a la hora de valorar su éxito posterior a pesar de los sinsabores de su vida. 

Van Gogh autorretrato dedicado a Gauguin

Sus estudios de primaria se desarrollan en su pueblo para luego entrar el internado de Zevenbergen y, posteriormente, en un instituto de secundaria de Tiburgo. Vincent van Gogh no realiza estudios universitarios y en verano de 1869 (con tan solo 16 años) ya está trabajando en la sucursal que la galería francesa Goupil y Cía mantenía en La Haya. Aquí permanecerá hasta 1973 cuando lo trasladan a Londres donde se instala ese verano. Un año antes había comenzado la correspondencia con Theo, la cual se encuentra perfectamente datada y emplazada siendo un material valioso para conocer de primera mano no solo los avatares vitales del pintor sino también su particular posicionamiento con respecto a su labor artística. En la capital inglesa permanecerá hasta 1876 compaginando su trabajo en la galería con los esbozos de sus primeros dibujos. El arte, por tanto, rodea al joven van Gogh en todos los aspectos.  

Aprovecha para visitar a la familia en verano y en Navidad y su hermana Anna se va a vivir con él en julio de 1874. Todo marcha en orden para el joven van Gogh llevando una vida rutinaria de pequeño burgués sin que nada haga presagiar el genio en el que se convertiría a la par que se reponía de sucesivas crisis existenciales. El primer desengaño amoroso llegaría en agosto de 1874 cuando es rechazado por Eugénie Loyer, la hija de su casera.

Un hilo conductor en la biografía de Vincent van Gogh: el querer ser útil y su labor como misionero

La personalidad sensible y quebradiza de Vincent van Gogh a primera vista escondía una persona tremendamente comprometida con sus semejantes. Mientras trabaja en Londres es enviado de vez en cuando a la sede parisina de la galería Goupil & Cia. Él aprovecha el tiempo de ocio que le deja el trabajo para pasear, pintar, seguir formándose y estudiar La Biblia. En este sentido fue determinante su amistad con Harry Gladwell que le acompañaba con la lectura de los textos religiosos.  

Al volver de las vacaciones de Navidad de 1876 es despedido de la galería. Vincent van Gogh se queda en Inglaterra donde comienza a dar clases y se enfrasca en su labor como misionero. Su primer sermón llevaba por título “Yo soy extranjero en la tierra, no me escondas de tus mandatos”. Sin embargo, pronto comienza a cansarse de Londres y baraja la posibilidad de ingresar en la Universidad. Por eso, se pone a la tarea de estudiar griego y latín (asignaturas imprescindibles entonces) mientras trabaja en la librería Dordrecht y se instala en Ámsterdam. 

De una manera nómada y totalmente autónoma sigue con su labor de predicación, primero en el noviciado de Laeken, luego en Bélgica, en Cuesmes… Se une con los más miserables, con los trabajadores de labores durísimas, con los mineros jugándose la vida a diario…  Es este un periodo dominado por un hilo conductor: su fe en la palabra para ayudar al mundo, una primera crisis existencial (al no aprobar los exámenes para entrar en la universidad) y una vida prácticamente nómada.   

Los primeros años como artista y el desencuentro con la familia 

Si hay una fecha importante en la biografía de Vincent Van Gogh, esta es 1880 cuando abandona la predicación de la Biblia para centrarse en su tarea como artista, de aquí ya no se moverá jamás. Eso no quita, por supuesto, para que los cimientos emocionales que el Evangelio le proporcionaba, no le abandonaran nunca. Ese mismo año entra en la Academia de Bellas Artes de Bruselas y toma clases particulares con Anton Mauve. El genio independiente de van Gogh no le permitía estar encorsetado en un estilo, un maestro o una institución. Por eso, a la par que sufre su segundo rechazo amoroso, esta vez de su prima Kee Vos, se deshace de todo aprendizaje más o menos reglado.  

Otra fecha importante en la biografía de Vincent van Gogh es 1882, año en el que aloja en su casa a una prostituta, Sien Hoornik, con quien permanecería hasta septiembre de 1883. A la par, comienza a pintar paisajes por encargo de un tío afincado en La Haya mientras su hermano comienza su labor interminable de mecenazgo aportando la financiación necesaria para desarrollar su arte, al negarse el padre a apoyar esta andadura. El desencuentro con la familia fue importante, a pesar de que el mundillo del arte no era ajeno al clan ni al mismo van Gogh, quien recordemos se había iniciado laboralmente trabajando en una galería. Quizás todo este rechazo e incomprensión innecesaria ahondó en un carácter de por sí frágil.  

Lo que vendría después está perfectamente resumido por el mismo artista:  

“Creo poder concluir, sin exagerar nada, que mi cuerpo aguantará al menos durante algunos años, digamos entre seis y diez… No tengo la intención de cuidarme."

Eso lo escribe en septiembre de 1883. El 30 de julio de 1890, Vincent van Gogh estaba siendo enterrado. Entre un hecho y otro habían pasado menos de 7 años, los mismos que levantaron su carrera y toda su obra conocida a la par que reconocida a nivel internacional.  

París en la vida de Vincent van Gogh 

A pesar de las desavenencias con el padre, vuelve al hogar paterno para cuidar de su madre y aquí llega su tercer enamoramiento (sin contar a Sien a quien Vincent la consideraba más bien alguien de acogida que una compañera sentimental). Esta vez se trata de una vecina, Margot Begemann con problemas psicológicos evidentes ya que tiene tendencias suicidas. En 1885 muere su padre y comienzan las primeras grandes obras del artista: Los comedores de patatas o Cementerio rural.  A partir de esta fecha se va vislumbrando su estilo original y único, el mismo que le ha hecho entrar en la historia del arte. 

Paralelamente, se empapa intelectualmente de las corrientes del naturalismo literario abanderado por Zola que, por entonces, estaban en boga. Todo ello, unido a su espíritu evangelista, hace que Vincent van Gogh se dedique a retratar la vida sencilla de los que nada tienen de una manera realista sin caer en el dramatismo. En 1886 viaja a París, por entonces epicentro y ombligo del mundo artístico no sin antes pasarse antes por Amberes para estudiar y admirar los clásicos flamencos.  Allí ve a Theo tras ¡10 años! separados. El punto de encuentro no puede ser más significativo: el Museo del Louvre.  

En París comienza a codearse con la bohemia artística que frecuenta Montmatre y alrededores. Aquí comienza su amistad (que acabó en desavenencia) con Gauguin, con Toulosse-Lautrec, Emile Bernard, Signac (quien derivaría hacia el puntillismo) y Pissarro. Pinta sin tregua empapándose de las corrientes novedosas de la capital del arte. A la par, visita exposiciones, museos o hace dibujos de esculturas clásicas. Logra incluso exponer su obra en dos ocasiones.  

Para 1887 la relación con Theo, con quien vive en un modesto apartamento, comienza a resistirse debido al especial carácter del Vincent. El hermano menor describe la convivencia con una persona que hoy sería catalogada como bipolar: 

“El apartamento es casi insoportable… Es como si hubiera dos seres en él, uno maravillosamente dotado, sensible y tierno, el otro egoísta y duro… ¡Qué lástima que él sea su propio enemigo!”  

Si la convivencia con el hermano es complicada, también se resienten las amistades. Gauguin pone tierra y mar de por medio iniciando uno de sus primeros viajes a lugares lejanos, aunque regresa muy pronto. Aún quedan los años en la Provenza juntos.  Sin embargo, Theo, a pesar de los desencuentros, trabaja para poder colocar y dar a conocer la obra de su hermano. Ese mismo año se vende “Las bañistas”.  

Los días más tristes en la biografía de Vincent van Gogh y la realización de sus mejores obras: Arlés y el sanatorio 

“Si no tuviera a Theo, sería imposible lograr en mi trabajo lo que debo alcanzar” reconocería el artista justo antes de abandonar París para instalarse en la Provenza, primero en Arlés (donde pinta su famosa habitación). Allí se reúne con Gauguin para pintar juntos. Sus salidas al mar, al campo de trigales, a la naturaleza en rededor lo hace rendirse al lugar. Se queda prendado de la luz, de los colores, de las posibilidades expresivas y trabaja de forma incansable. Este periodo fue magistralmente recogido en la película (de ficción) Los sueños de Akira Kurosawa, en el fragmento “Cuervos”.  

Vincent Willem van Gogh | autorretrato con oreja cortada

Desafortunadamente este trabajo pasional no le va bien a su carácter y tras una disputa con Gauguin se corta una oreja, hecho magistralmente recogido en uno de sus múltiples autorretratos. Eso sucedió en diciembre de 1888 y en febrero del siguiente año ya Vincent van Gogh daba muestras de un agotamiento psicológico extremo. Tanto es así que un mes más tarde es internado en el hospital para luego ser aceptado como interno en el asilo de Saint Remy, cuya vida también retrató de forma proverbial. Aunque a Vincent van Gogh se le ha colocado la etiqueta de loco con mucha frivolidad, hay que ponerse en las costumbres (también médicas) de la época. Aún faltaría por llegar los primeros escritos sobre el psicoanálisis de Freud y, a la par, este tipo de sanatorios eran auténticas cárceles (bajo la mirada contemporánea) en las que cualquier persona con una afección leve se podía ver atrapado. El resultado (hoy se sabe) es un ahondamiento de los síntomas simplemente por los métodos crueles que se practicaban de manera totalmente aceptada. 

Mientras Vincent pasa por sus momentos más tristes, Theo contrae matrimonio con Jo Bonger (quien sería crucial para el posterior conocimiento de su obra) e, inmediatamente se queda embarazada. Dará a luz a un niño (31 de enero de 1890) que se llamará a igual que su tío. Mientras tanto, el pintor encadena una crisis tras otra mientras su hermano y cuñada logran colocar algunas de sus obras en los circuitos artísticos europeos. Vincent estará en el sanatorio de Saint Remy hasta el 16 de mayo de 1890 poniendo rumbo, nada más ser dado de alta, hacia París, hacia la casa de su hermano. Allí alquila una habitación para estar junto a la familia y conoce al Dr. Gachet, inmortalizado en un magistral retrato.  

El 6 de julio regresa a la Provenza, a Auvers, y dos días más tarde pinta su último cuadro Campo de trigo con cuervos de una belleza apabullante y con un claro simbolismo de liberación, de unión cósmica representado en esos pájaros que unen el cielo con la tierra. Según la versión oficial, el  27 de julio de 1890 se pega un tiro en el pecho muriendo al día siguiente con Theo a su lado. Este seguiría a su hermano mayor al otro mundo a los pocos meses. Ambos reposan juntos bajo sencillas sepulturas en el cementerio de Auvers-sur-Oise.  

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

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el bosque de las respuestas

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