cubismo

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Prácticamente todos los movimientos de las denominadas vanguardias históricas querían hacer saltar por los aires cualquier tradición artística anterior. No fue esta una de las características del cubismo exclusiva de sus integrantes. Este anhelo por ser los primeros o los pioneros en una manera radical de enfrentarse al arte en todos sus ámbitos fue también común en el dadaísmo (especialmente en el ámbito literario), en el futurismo (aunque se quedaran en mera declaración de intenciones), en el expresionismo…  

La crítica se ha puesto de acuerdo en aceptar que una de las obras del cubismo más importantes, Las señoritas de Avignon, de Pablo Picasso y realizada en 1907, inaugura el movimiento. Este se extiende hasta bien entrado la década de los años veinte del siglo XX, aunque la mayoría de los artistas del cubismo evolucionan hacia otros modos representativos. A pesar de su corta duración, el cubismo, junto con el movimiento conocido como surrealismo, son los más señeros e importantes (por su sustrato en los creadores posteriores) del siglo XX. 

10 características del cubismo comunes a los  periodos analítico y sintético

El movimiento se divide en dos periodos, el analítico (el cual se extiende desde sus inicios hasta 1911-1912 aproximadamente) y el sintético (el cual retoma el relevo en esta fecha hasta al disolución del mismo). Ambos, por supuesto, tienen características comunes que detallo a continuación. 

Cinco primeras características del cubismo 

1.- Una de las características del cubismo, como he indicado, es su desprecio casi por la tradición. Ni que decir tiene que esto no se consiguió del todo, ya que nada hay en la creación de la humanidad que se haga de nuevo. No obstante, consiguieron revolucionar los cimientos del arte de una manera nunca vista hasta entonces.  

2.- El cubismo no puede entenderse sin un componente social. Los artistas del movimiento estaban imbuidos de la creencia de que el arte sirve para cambiar el mundo. El método sería simplemente una actitud rebelde ante los convencionalismo de la época. Estos siempre han existido, existen y seguirán existiendo, pero en los albores del siglo XX eran tantos que coartaban la creatividad casi. 

3.- Para poder entender las características del cubismo en toda su extensión y magnitud no podemos olvidar que en la época se desarrollan una serie de avances tecnológicos, de ingeniería o científicos que hacen saltar por los aires la concepción del mundo imperante hasta entonces. Si la fotografía como representación se hace común, el arte tiene que buscar su sentido en otros modelos y otros mundos. Esos universos inexplorados se abren con la Teoría de la relatividad de Einstein y los estudios sobre el inconsciente inaugurados por Freud.  

4.- Hay una fuerte inspiración en el arte africano con sus líneas marcadas, sus colores ocres, sus máscaras simbólicas y sus trazos rápidos.  A poco que nos detengamos en Las señoritas de Avignon, por poner un caso, encontramos rápidamente esos paralelismos en los rostros de las protagonistas. 

5.- Los materiales (el lienzo, la arena, los elementos metálicos) comienzan a tener sentido expresivo. Esto es, el significante (la forma) se reviste también de significado. Esta tendencia se extiende por todo el siglo XX superando incluso las fronteras de los modos expresivos del siglo XXI.  

Seguimos con más características del cubismo comunes al movimiento

6.- Hay un gusto por los interiores, por las composiciones de objetos, por los bodegones, por la representación de la figura humana que, por primera vez en la historia del arte, comienza a distorsionarse de manera significativa. 

7.- Se eligen temas que hasta la fecha se consideraban escabrosos o fuera del sistema convencional. En este sentido, recordemos que Las señoritas de Avignon, para seguir con el mismo ejemplo,  es la representación de las chicas en exhibición en un salón de un burdel cualquiera.  

8.- En definitiva, hay un cambio radical a la hora de elegir los personajes de las obras. Atrás quedarían para siempre los modelos aristocráticos, los temas mitológicos, la representación amable de la cotidianidad… Es una de las características del cubismo que más influencia ha generado en el arte posterior.  

“… esos personajes no son dioses, tampoco titanes ni héroes, ni siquiera figuras simbólicas ni alegóricas. Son problemas desnudos, números blancos sobre un fondo negro. Aquí aparece el principio de la pintura ecuación. El nuevo cuadro fue espontáneamente bautizado por un amigo del artista como Las prostitutas filosóficas. Pienso que fue el último chiste hecho en un estudio y todavía regocijó el mundo de los jóvenes pintores. A partir de entonces la pintura sería una ciencia y muy austera.”

 

André Salmon a propósito de Las señoritas de Avignon

9.- Otra de las características del cubismo que se fue afianzando a partir de la segunda década de vida del movimiento es el gusto por la geometría, por imponer un orden matemático (y, por tanto, científico) en la obra.  

10.- Hay un gusto por la escultura, la cual se realiza, en su mayoría, siguiendo la técnica del ensamblaje de distintos materiales (incluso de desecho) olvidando casi para siempre el orden puro de las técnicas clásicas. 

7 características del cubismo sintético 

1.- Las líneas se confunden entre sí dificultando el reconocimiento de figuras ya sean animadas o inanimadas.  

2.- Se abandona la idea de la representación de la realidad. El arte ya no tiene esa “función”. Por tanto, hay que generar obras que nos introduzcan en otros mundos. Este sería el de la razón. Y, a lo largo del siglo XX, cobra fuerza la descripción de un inconsciente oculto a través de los postulados del surrealismo.  

3.- El artista ofrece su visión del la realidad que no tiene por qué ser la convencional. El cubismo, por tanto, erige al creador como una especie de demiurgo, de creador de realidades que ya se dio en movimientos anteriores como el Romanticismo literario.  

4.-  Hay un gusto por la composición de objetos de la vida cotidiana: guitarras, jarrones, mesas periódicos…

5.-  Los colores adquieren una tonalidad ocre y/o apagado con preponderancia de trazos gruesos, lineales y de contorno en negro.  

6.- Se renuncia a la perspectiva. Por tanto, las composiciones aparecen como amontonadas, sobrepuesto un objeto tras otro. 

7.- Se recurre a las formas geométricas e, incluso, a las puras fácilmente reconocibles dentro del cuadro.

Características del cubismo analítico 

A partir de 1911 el movimiento evoluciona hacia otros modos expresivos a la par que se van incorporando nuevos artistas que habían entrado en contacto, sobre todo, con la obra de Picasso en París.  

1.- Los cuadros se llenan con colores vivos, radiantes  y luminosos abandonado la gama de los pardos y terrosos. 

2.- Se investiga con las posibilidades de la perspectiva pero siempre de manera diferente a cómo se había abordado la temática de manera tradicional. 

3.- Hay un gusto por el collage, por el ensamblaje, por la utilización de elementos de la vida cotidiana que se incorporan a la obra como parte de ella y, a la par, como representación. 

4.- Una de las características del cubismo se centra en el uso de la tipografía como elementos de significado. No es ajena a otros movimientos de vanguardia y el dadaísmo hizo uso de ellas de manera abundante.  

5.- Los artistas son conscientes de su originalidad e importancia y a la teoría sobre el movimiento se hace a la par que se crean las obras. En este sentido, Apollinaire (uno de los inspiradores de la poesía visual posterior) escribe y publica en 1913 Meditaciones estéticas. Los pintores cubistas. Aquí desgrana todas sus características y los retos a los que se enfrentarían todos los artistas (especialmente de París) que cayeron rendidos a la nueva manera artística.  

6.- El gusto por las matemáticas, la geometría o la ciencia hace que los artistas cubistas recuperen el número áureo o divino. Y eso a pesar de su choque con cualquier idea que pudiera considerarse tradición. Esta proporción se retoma en el Renacimiento (tras estudios de los textos de la Biblia) y es considerada la perfecta y la armónica. Tuvo bastante predicamento, especialmente, en la arquitectura de la época. 

7.-  Las investigaciones de las posibilidades de la obra llegan a una evolución que adelanta, incluso, la abstracción. 

Si bien el movimiento duró relativamente poco y hacia la mitad de la década de los años veinte puede darse por terminado, su influencia fue inmensa. La revolución que supuso en los cánones artísticos de la época fue tanta que constituyó un sustrato significativo para buena parte de los artistas del siglo XX.  

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla 

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El arte es lo que queda cuando todo ha pasado. Es lo inmutable dentro del cambio. Es la belleza en un mundo en caos. El arte es parte importante de este sitio. Intentamos comprenderlo. 

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Prácticamente todos los movimientos de las denominadas vanguardias históricas querían hacer saltar por los aires cualquier tradición artística anterior. No fue esta una de las características del cubismo exclusiva de sus integrantes. Este anhelo por ser los primeros o los pioneros en una manera radical de enfrentarse al arte en todos sus ámbitos fue también común en el dadaísmo (especialmente en el ámbito literario), en el futurismo (aunque se quedaran en mera declaración de intenciones), en el expresionismo…  

La crítica se ha puesto de acuerdo en aceptar que una de las obras del cubismo más importantes, Las señoritas de Avignon, de Pablo Picasso y realizada en 1907, inaugura el movimiento. Este se extiende hasta bien entrado la década de los años veinte del siglo XX, aunque la mayoría de los artistas del cubismo evolucionan hacia otros modos representativos. A pesar de su corta duración, el cubismo, junto con el movimiento conocido como surrealismo, son los más señeros e importantes (por su sustrato en los creadores posteriores) del siglo XX. 

10 características del cubismo comunes a los  periodos analítico y sintético

El movimiento se divide en dos periodos, el analítico (el cual se extiende desde sus inicios hasta 1911-1912 aproximadamente) y el sintético (el cual retoma el relevo en esta fecha hasta al disolución del mismo). Ambos, por supuesto, tienen características comunes que detallo a continuación. 

Cinco primeras características del cubismo 

1.- Una de las características del cubismo, como he indicado, es su desprecio casi por la tradición. Ni que decir tiene que esto no se consiguió del todo, ya que nada hay en la creación de la humanidad que se haga de nuevo. No obstante, consiguieron revolucionar los cimientos del arte de una manera nunca vista hasta entonces.  

2.- El cubismo no puede entenderse sin un componente social. Los artistas del movimiento estaban imbuidos de la creencia de que el arte sirve para cambiar el mundo. El método sería simplemente una actitud rebelde ante los convencionalismo de la época. Estos siempre han existido, existen y seguirán existiendo, pero en los albores del siglo XX eran tantos que coartaban la creatividad casi. 

3.- Para poder entender las características del cubismo en toda su extensión y magnitud no podemos olvidar que en la época se desarrollan una serie de avances tecnológicos, de ingeniería o científicos que hacen saltar por los aires la concepción del mundo imperante hasta entonces. Si la fotografía como representación se hace común, el arte tiene que buscar su sentido en otros modelos y otros mundos. Esos universos inexplorados se abren con la Teoría de la relatividad de Einstein y los estudios sobre el inconsciente inaugurados por Freud.  

4.- Hay una fuerte inspiración en el arte africano con sus líneas marcadas, sus colores ocres, sus máscaras simbólicas y sus trazos rápidos.  A poco que nos detengamos en Las señoritas de Avignon, por poner un caso, encontramos rápidamente esos paralelismos en los rostros de las protagonistas. 

5.- Los materiales (el lienzo, la arena, los elementos metálicos) comienzan a tener sentido expresivo. Esto es, el significante (la forma) se reviste también de significado. Esta tendencia se extiende por todo el siglo XX superando incluso las fronteras de los modos expresivos del siglo XXI.  

Seguimos con más características del cubismo comunes al movimiento

6.- Hay un gusto por los interiores, por las composiciones de objetos, por los bodegones, por la representación de la figura humana que, por primera vez en la historia del arte, comienza a distorsionarse de manera significativa. 

7.- Se eligen temas que hasta la fecha se consideraban escabrosos o fuera del sistema convencional. En este sentido, recordemos que Las señoritas de Avignon, para seguir con el mismo ejemplo,  es la representación de las chicas en exhibición en un salón de un burdel cualquiera.  

8.- En definitiva, hay un cambio radical a la hora de elegir los personajes de las obras. Atrás quedarían para siempre los modelos aristocráticos, los temas mitológicos, la representación amable de la cotidianidad… Es una de las características del cubismo que más influencia ha generado en el arte posterior.  

“… esos personajes no son dioses, tampoco titanes ni héroes, ni siquiera figuras simbólicas ni alegóricas. Son problemas desnudos, números blancos sobre un fondo negro. Aquí aparece el principio de la pintura ecuación. El nuevo cuadro fue espontáneamente bautizado por un amigo del artista como Las prostitutas filosóficas. Pienso que fue el último chiste hecho en un estudio y todavía regocijó el mundo de los jóvenes pintores. A partir de entonces la pintura sería una ciencia y muy austera.”

 

André Salmon a propósito de Las señoritas de Avignon

9.- Otra de las características del cubismo que se fue afianzando a partir de la segunda década de vida del movimiento es el gusto por la geometría, por imponer un orden matemático (y, por tanto, científico) en la obra.  

10.- Hay un gusto por la escultura, la cual se realiza, en su mayoría, siguiendo la técnica del ensamblaje de distintos materiales (incluso de desecho) olvidando casi para siempre el orden puro de las técnicas clásicas. 

7 características del cubismo sintético 

1.- Las líneas se confunden entre sí dificultando el reconocimiento de figuras ya sean animadas o inanimadas.  

2.- Se abandona la idea de la representación de la realidad. El arte ya no tiene esa “función”. Por tanto, hay que generar obras que nos introduzcan en otros mundos. Este sería el de la razón. Y, a lo largo del siglo XX, cobra fuerza la descripción de un inconsciente oculto a través de los postulados del surrealismo.  

3.- El artista ofrece su visión del la realidad que no tiene por qué ser la convencional. El cubismo, por tanto, erige al creador como una especie de demiurgo, de creador de realidades que ya se dio en movimientos anteriores como el Romanticismo literario.  

4.-  Hay un gusto por la composición de objetos de la vida cotidiana: guitarras, jarrones, mesas periódicos…

5.-  Los colores adquieren una tonalidad ocre y/o apagado con preponderancia de trazos gruesos, lineales y de contorno en negro.  

6.- Se renuncia a la perspectiva. Por tanto, las composiciones aparecen como amontonadas, sobrepuesto un objeto tras otro. 

7.- Se recurre a las formas geométricas e, incluso, a las puras fácilmente reconocibles dentro del cuadro.

Características del cubismo analítico 

A partir de 1911 el movimiento evoluciona hacia otros modos expresivos a la par que se van incorporando nuevos artistas que habían entrado en contacto, sobre todo, con la obra de Picasso en París.  

1.- Los cuadros se llenan con colores vivos, radiantes  y luminosos abandonado la gama de los pardos y terrosos. 

2.- Se investiga con las posibilidades de la perspectiva pero siempre de manera diferente a cómo se había abordado la temática de manera tradicional. 

3.- Hay un gusto por el collage, por el ensamblaje, por la utilización de elementos de la vida cotidiana que se incorporan a la obra como parte de ella y, a la par, como representación. 

4.- Una de las características del cubismo se centra en el uso de la tipografía como elementos de significado. No es ajena a otros movimientos de vanguardia y el dadaísmo hizo uso de ellas de manera abundante.  

5.- Los artistas son conscientes de su originalidad e importancia y a la teoría sobre el movimiento se hace a la par que se crean las obras. En este sentido, Apollinaire (uno de los inspiradores de la poesía visual posterior) escribe y publica en 1913 Meditaciones estéticas. Los pintores cubistas. Aquí desgrana todas sus características y los retos a los que se enfrentarían todos los artistas (especialmente de París) que cayeron rendidos a la nueva manera artística.  

6.- El gusto por las matemáticas, la geometría o la ciencia hace que los artistas cubistas recuperen el número áureo o divino. Y eso a pesar de su choque con cualquier idea que pudiera considerarse tradición. Esta proporción se retoma en el Renacimiento (tras estudios de los textos de la Biblia) y es considerada la perfecta y la armónica. Tuvo bastante predicamento, especialmente, en la arquitectura de la época. 

7.-  Las investigaciones de las posibilidades de la obra llegan a una evolución que adelanta, incluso, la abstracción. 

Si bien el movimiento duró relativamente poco y hacia la mitad de la década de los años veinte puede darse por terminado, su influencia fue inmensa. La revolución que supuso en los cánones artísticos de la época fue tanta que constituyó un sustrato significativo para buena parte de los artistas del siglo XX.  

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla 

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El cubismo fue el movimiento que inauguró las vanguardias históricas. Así sin más. Si el futurismo quiso ser el que rompiera con los moldes tradicionales, no lo consiguió del todo quedando ese honor para el cubismo. Aunque muy pronto abandonado por los mismos artistas que lo crearon, su pujanza fue sustituida por el surrealismo, línea estética que ahondaba en los terrenos vedados del inconsciente. Hoy traigo 25 obras del cubismo más importantes que nos ayudarán a comprender la importancia de este movimiento revolucionario en el plano plástico como lo fue el dadaísmo en el artístico en general. La lista a continuación, a excepción del primer ejemplo, es sencillamente aleatoria.  

Mis 10 obras del cubismo favoritas  

1.- Las señoritas de Avignon (1907) de Pablo Picasso primera obra del cubismo

Este lienzo de más de dos metros de lado que se custodia en el MOMA de Nueva York da el pistoletazo de salida al movimiento y fue ejecutado por uno de los mayores (si no el que más) representantes del cubismo. Todo en esta obra es original, vanguardista y rompedor empezando por la utilización de una paleta de ocres hasta terminar por la deformación de los modelos clásicos pasando por el tema mismo. Porque Las señoritas de Avignon representan la exposición de unas muchachas en el interior de un burdel. Si algunos artistas del impresionismo ya habían retratado a personajes considerados socialmente fuera del sistema, el arte clásico siempre rechazó esta representación. En esta obra del cubismo, además, se dan casi todas las características del movimiento. El cuerpo humano se deforma y se reduce, a posta, cualquier atisbo de perspectiva. Encontramos un sustrato de la pintura primitiva africana (un recuerdo de sus populares máscaras) a la par que el espacio se diluye y se hace plano. Es, sin duda, la primera y la obra cumbre del cubismo. 

2.- Autorretrato (1907) por Pablo Picasso 

Una de las obras del cubismo más conocidas (bien sea porque representa a su mayor exponente) es un pequeño óleo de menos de medio metro de lado en el que el artista se ha despojado de buena parte de su realismo para representarse con las formas cuadradas, angulosas, de trazos fuertes y con los colores ocres o  apagados característicos del movimiento. 

3.- Jarro, botella y limón (1909) de Georges Braque

 

El cubismo demuestra un gusto por las naturalezas muertas, bodegones o representaciones de interiores siguiendo el estilo de Cézanne. En esta obra el espacio se ha hecho plano y los objetos representados se ejecutan conforme a líneas marcadas. 

4.- Aria de Bach (1912-1913) de Georges Braque,  una de las obras del cubismo más geométricas

Y con geométrica me refiero a los objetos representados. Las líneas angulosas dan un paso más convirtiendo las cosas en figuras planas reducidas a rectángulos o cuadriláteros.

5.- En la misma línea es El estanque de Horta (1909) de Pablo Picasso

Donde los edificios se han reducido a meras figuras geométricas aunque conservan un halo de tridimensionalidad. 

6.- Violín y botella de vino de Juan Gris, una de las obras del cubismo características

En ella encontramos los colores apagados, el gusto por las composiciones de objetos, la pérdida de la tercera dimensión y una propensión a reducir la figura a meras formas geométricas. 

7.- Naturaleza muerta (1922) de María Blanchard

Es una de mis obras del cubismo favorita (si puedo hacer esa apreciación personal). En ella la artista, aún siguiendo los cánones del movimiento, evoluciona hacia una luz especial que no tiene otras obras representativas. El uso del color gris, el blanco y las formas curvas de lo que parecen unas uvas contribuyen a ello. María Blanchard fue una de las máximas representantes del cubismo, aunque su nombre (quizás por una perspectiva de género) no se nombra tanto como sus camaradas masculinos. Este lienzo es el utilizado como imagen de cabecera de este estudio. 

8.- La torre roja (1913) de Robert Delaunay una de las obras del cubismo con movimiento 

Si el futurismo fue la tendencia estética del movimiento, el cubismo, por su parte, aspirar a lo estático, a lo plano y a lo bidimensional. Sin embargo, esta obra presenta una cadencia distinta ya sea por las líneas cóncavas como por el uso acertado de colores contrastados. 

9.- Mujer haciendo punto (1919) de Jean Metzinger

Como en el caso de Las señoritas de Avignon intuimos la figura humana. Se ha hecho uso de los colores en gama azules que no eran de los favoritos de los artistas del cubismo. 

10.- Tres músicos (1921) de Pablo Picasso

Evolucionada en cuanto al uso del color aunque las formas se desarrollan de manera tan marcada que son puramente geométricas. 

Otras 15 obras del cubismo que hay que conocer y completamos las 25

11.- Violín “Joie Eva” (1912) por Pablo Picasso, favorita de los críticos por presentar todas las características del movimiento. 

12.- Desnudo (Gran bañista), realizada entre 1907-1908, por George Braque

 

13.- Bañista (1908-1909) de Pablo Picasso. 

14.- Retrato de Daniel-Henri Kahweilere por Pablo Picasso realizado en 1910 de una forma más desestructurada que el autorretrato comentado un poco más arriba. 

15.- También de Picasso es Naturaleza muerta con silla de rejilla realizado en 1912 y guardada en su museo de París. 

16.- Paisaje de L´ Estaque (1908) de Georges Braque. 

17.- Guitarra (1912) por Pablo Picasso que sigue la técnica del ensamblaje que tanta influencia generará posteriormente. 

18.- La guitarra (1913) por Juan Gris.

19.- Botella y vaso (1917) por Henri Laurens también utilizando una técnica mixta en la que se combina chapa con color y madera. 

20.- La mujer de azul (1912) de Fernad Léger.

21.- La mujer de la mandolina (1909) de Pablo Picasso. 

22.- Del mismo artista es Pan y frutero sobre una mesa

23.- Composición cubista (1916-1919) de María Blanchard.

24.- De la misma artista es también Mujer con guitarra custodiada en el Museo Reina Sofía de Madrid. 

25.- Y terminamos como empezamos, con Pablo PIcasso, y su Frutero y calabaza (1908-1909) que nos recuerda, a pesar de la genialidad y originalidad del artista, a las obras de Cézanne.  

El cubismo fue un movimiento rompedor con la tradición cuyo epicentro estuvo en París, por entonces, el ombligo del mundo. A partir de Las señoritas de Avignon, el arte no retomó ninguno de los moldes de los cánones clásicos. Fue, junto con el surrealismo, una de las líneas artísticas que más sustrato creó durante el siglo XX. 

 

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla 

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El cubismo fue el movimiento que inauguró las vanguardias históricas. Así sin más. Si el futurismo quiso ser el que rompiera con los moldes tradicionales, no lo consiguió del todo quedando ese honor para el cubismo. Aunque muy pronto abandonado por los mismos artistas que lo crearon, su pujanza fue sustituida por el surrealismo, línea estética que ahondaba en los terrenos vedados del inconsciente. Hoy traigo 25 obras del cubismo más importantes que nos ayudarán a comprender la importancia de este movimiento revolucionario en el plano plástico como lo fue el dadaísmo en el artístico en general. La lista a continuación, a excepción del primer ejemplo, es sencillamente aleatoria.  

Mis 10 obras del cubismo favoritas  

1.- Las señoritas de Avignon (1907) de Pablo Picasso primera obra del cubismo

Este lienzo de más de dos metros de lado que se custodia en el MOMA de Nueva York da el pistoletazo de salida al movimiento y fue ejecutado por uno de los mayores (si no el que más) representantes del cubismo. Todo en esta obra es original, vanguardista y rompedor empezando por la utilización de una paleta de ocres hasta terminar por la deformación de los modelos clásicos pasando por el tema mismo. Porque Las señoritas de Avignon representan la exposición de unas muchachas en el interior de un burdel. Si algunos artistas del impresionismo ya habían retratado a personajes considerados socialmente fuera del sistema, el arte clásico siempre rechazó esta representación. En esta obra del cubismo, además, se dan casi todas las características del movimiento. El cuerpo humano se deforma y se reduce, a posta, cualquier atisbo de perspectiva. Encontramos un sustrato de la pintura primitiva africana (un recuerdo de sus populares máscaras) a la par que el espacio se diluye y se hace plano. Es, sin duda, la primera y la obra cumbre del cubismo. 

2.- Autorretrato (1907) por Pablo Picasso 

Una de las obras del cubismo más conocidas (bien sea porque representa a su mayor exponente) es un pequeño óleo de menos de medio metro de lado en el que el artista se ha despojado de buena parte de su realismo para representarse con las formas cuadradas, angulosas, de trazos fuertes y con los colores ocres o  apagados característicos del movimiento. 

3.- Jarro, botella y limón (1909) de Georges Braque

 

El cubismo demuestra un gusto por las naturalezas muertas, bodegones o representaciones de interiores siguiendo el estilo de Cézanne. En esta obra el espacio se ha hecho plano y los objetos representados se ejecutan conforme a líneas marcadas. 

4.- Aria de Bach (1912-1913) de Georges Braque,  una de las obras del cubismo más geométricas

Y con geométrica me refiero a los objetos representados. Las líneas angulosas dan un paso más convirtiendo las cosas en figuras planas reducidas a rectángulos o cuadriláteros.

5.- En la misma línea es El estanque de Horta (1909) de Pablo Picasso

Donde los edificios se han reducido a meras figuras geométricas aunque conservan un halo de tridimensionalidad. 

6.- Violín y botella de vino de Juan Gris, una de las obras del cubismo características

En ella encontramos los colores apagados, el gusto por las composiciones de objetos, la pérdida de la tercera dimensión y una propensión a reducir la figura a meras formas geométricas. 

7.- Naturaleza muerta (1922) de María Blanchard

Es una de mis obras del cubismo favorita (si puedo hacer esa apreciación personal). En ella la artista, aún siguiendo los cánones del movimiento, evoluciona hacia una luz especial que no tiene otras obras representativas. El uso del color gris, el blanco y las formas curvas de lo que parecen unas uvas contribuyen a ello. María Blanchard fue una de las máximas representantes del cubismo, aunque su nombre (quizás por una perspectiva de género) no se nombra tanto como sus camaradas masculinos. Este lienzo es el utilizado como imagen de cabecera de este estudio. 

8.- La torre roja (1913) de Robert Delaunay una de las obras del cubismo con movimiento 

Si el futurismo fue la tendencia estética del movimiento, el cubismo, por su parte, aspirar a lo estático, a lo plano y a lo bidimensional. Sin embargo, esta obra presenta una cadencia distinta ya sea por las líneas cóncavas como por el uso acertado de colores contrastados. 

9.- Mujer haciendo punto (1919) de Jean Metzinger

Como en el caso de Las señoritas de Avignon intuimos la figura humana. Se ha hecho uso de los colores en gama azules que no eran de los favoritos de los artistas del cubismo. 

10.- Tres músicos (1921) de Pablo Picasso

Evolucionada en cuanto al uso del color aunque las formas se desarrollan de manera tan marcada que son puramente geométricas. 

Otras 15 obras del cubismo que hay que conocer y completamos las 25

11.- Violín “Joie Eva” (1912) por Pablo Picasso, favorita de los críticos por presentar todas las características del movimiento. 

12.- Desnudo (Gran bañista), realizada entre 1907-1908, por George Braque

 

13.- Bañista (1908-1909) de Pablo Picasso. 

14.- Retrato de Daniel-Henri Kahweilere por Pablo Picasso realizado en 1910 de una forma más desestructurada que el autorretrato comentado un poco más arriba. 

15.- También de Picasso es Naturaleza muerta con silla de rejilla realizado en 1912 y guardada en su museo de París. 

16.- Paisaje de L´ Estaque (1908) de Georges Braque. 

17.- Guitarra (1912) por Pablo Picasso que sigue la técnica del ensamblaje que tanta influencia generará posteriormente. 

18.- La guitarra (1913) por Juan Gris.

19.- Botella y vaso (1917) por Henri Laurens también utilizando una técnica mixta en la que se combina chapa con color y madera. 

20.- La mujer de azul (1912) de Fernad Léger.

21.- La mujer de la mandolina (1909) de Pablo Picasso. 

22.- Del mismo artista es Pan y frutero sobre una mesa

23.- Composición cubista (1916-1919) de María Blanchard.

24.- De la misma artista es también Mujer con guitarra custodiada en el Museo Reina Sofía de Madrid. 

25.- Y terminamos como empezamos, con Pablo PIcasso, y su Frutero y calabaza (1908-1909) que nos recuerda, a pesar de la genialidad y originalidad del artista, a las obras de Cézanne.  

El cubismo fue un movimiento rompedor con la tradición cuyo epicentro estuvo en París, por entonces, el ombligo del mundo. A partir de Las señoritas de Avignon, el arte no retomó ninguno de los moldes de los cánones clásicos. Fue, junto con el surrealismo, una de las líneas artísticas que más sustrato creó durante el siglo XX. 

 

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla 

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Fue uno de los movimientos más revolucionarios dentro de lo que se denomina vanguardias históricas (a las que pertenecen idearios estéticos tan dispares como el futurismo, la abstracción o el dadaísmo). Quiere hacer romper por los aires la representación misma de los objetos negando la tercera dimensión buscada en pintura desde el Renacimiento. Tanto el cubismo sintético como el analítico está relacionado con los avances técnicos y de ingeniería de principios de siglo. El mundo conocido se tambalea tanto con el desarrollo de la fotografía o el cine, la Teoría de la relatividad de Einstein y, ¡cómo no!, el avance del psicoanálisis de Freud. Hago a continuación un esbozo de los 10 representantes del cubismo fundamentales para comprender el movimiento. 

No están todos los que son porque algunos artistas que, con posterioridad, realizaron una obra tan dispare al movimiento no están reflejados en la lista. Este es el caso, por citar solo uno, de Diego Rivera, quien es reconocido como muralista pero que se inició en el movimiento cubista. 

1.- Pablo Picasso, el más reconocido artista del cubismo

No es que sea el más insigne artista de este movimiento de vanguardia sino que más bien es el artista del siglo XX por excelencia. Nacido en Málaga en 1881, acabó sus días en Mougins, en 1973. En su larga carrera artística evolucionó desde un estilo clásico a más no poder (“La visita del médico”, por poner un caso) hasta convertirse en un genio artístico aún no superado.  

Pronto salió de su Málaga natal, por aquel entonces una ciudad provinciana que poco podía aportar. Tras pasar por una Barcelona que se abría al mundo, se instala en París en 1904. La capital de Francia llevaba décadas siendo el ombligo del mundo y así seguiría hasta bien entrada la década de los sesenta. El genio de Picasso, el más señero de entre los representantes del cubismo, estaba en el lugar y el momento adecuado. 

En 1907 pinta Las señoritas de Avignon, la obra que inaugura el movimiento cubista. Con ella revoluciona los cánones clásicos al deformar conscientemente la realidad y el cuerpo humano obligándolo a colocarlo en una perspectiva inédita hasta entonces. La geometría (herededa de Cezane) y el acercamiento a las obras primitivas africanas (una de las características del Cubismo) rompe con cualquier atisbo de tradición.  

En 1912 creó el que se considera el primer collage cubista y permaneció en el movimiento hasta 1916 para evolucionar hacia otras fórmulas artísticas.  

2.- María Blanchard, una de las artistas del cubismo que hay que conocer

Eclipsada injustamente (por un mal entendido concepto de género), María Blanchard es una de las máximas representantes del Cubismo junto con Picasso. Nacida en Santander en 1881 y perteneciente a la clase alta, vivió toda su existencia aquejada de una personalidad acomplejada por algunos defectos físicos. A igual que el genio de Picasso, a la cántabra pronto se le quedó pequeña su tierra natal y también emigró hacia París, donde murió tempranamente en 1932. Nació como María Gutiérrez Blanchard y su formación temprana se realizó en Madrid siguiendo las líneas del academicismo imperantes en la época. 

Su obra se caracteriza por la sobriedad, el quietismo y en ella está siempre presente un halo triste (el mismo que sufría la artista). Observamos un poso de pérdida, de melancolía, de ingreso en otros mundos. Sus obras muestran una extraña luz proveniente de colores de las gamas de los. azules que le otorgan unos puntos metálicos. 

Abandona el movimiento en 1919 y se centra en plasmar escenas de la vida cotidiana, interiores en los que son protagonistas niños o miembros de la familia. 

3.- Jorge Braque, entre el fauvismo y el cubismo

Conocido por su aportación al fauvismo, el movimiento artístico de los salvajes, nace en 1882 y muere en 1963. El francés abraza  la nueva estética en 1910 y se convierte en uno de los representantes del cubismo más importantes. No se conforma con crear obras en el que la perspectiva se ha distorsionado y las formas se han manipulado de manera extrema. Introduce en sus cuadros materiales (que hasta bien entrado el siglo XX) eran desconocidos en el lienzo. Inserta en sus lienzos arena, papel, madera e, incluso, piedras. La Primera Guerra Mundial, que acaba con tantas vidas (se llevó por delante casi por completo los autores del futurismo, por poner un caso), dejó huellas en el artista. Y no solo psíquicas ya que fue herido de gravedad. A partir de esta fecha su obra se vuelve sobria, como un objeto que nos lleva hacia el otro lado de la existencia y con un carácter incluso místico.  

4.- Juan Gris, uno de los fundamentales representantes del cubismo 

Nacido en Madrid en 1887, también ve la necesidad de emigrar a Francia. Allí se encuentra con Picasso quien le introdujo en las posibilidades expresivas del movimiento convirtiéndose en uno de los máximos representantes del cubismo. Muere de manera temprana en 1927 en la localidad de Boulogne sur Seine y ha pasado a la historia, especialmente, por su faceta de dibujante. Nunca llegó a la deconstrucción formal de otros artistas del movimiento, pero sus naturalezas muertas e interiores se encuentran entre lo más granado del movimiento. En 1917, tras finalizar la guerra, se embarca en una serie de obras en las que son protagonistas los personajes conocidos como Pierrots. Compagina su tarea artística con el diseño de atrezzo y decorados para teatros y ballets.  Los más conocidos son los que realizó para el bailarín ruso Diaghilev, una de las estrellas del momento.  De Juan Gris son las palabras “no es el cuadro el que debe coincidir con el objeto sino el objeto el que debe hacerlo con el cuadro”. 

5.- Fernand Léger, el impresionista que evolucionó a las vanguardias 

Sus fuentes de inspiración fueron los impresionistas y, especialmente, Cézanne. Nació en 1881 y para 1955 ya había abandonado este mundo. Su obra, al contrario que el resto de los integrantes del movimiento, se caracteriza por un colorido explosivo que le otorga un movimiento muy particular a pesar de su impronta geométrica. Al estallar la Primera Gran Guerra comienza a realizar obras en las que los objetos cotidianos son los protagonistas. Compagina su quehacer artístico con decorados para teatro, murales, vidrieras e, incluso, investiga con las posibilidades de la cerámica.  

En 1940 se traslada a los Estados Unidos confiriendo a su producción un sentido más realista centrándose en las figuras humanas en momentos de actividad. 

6.- André Lothe, entre la tradición y la modernidad

Nacido en Burdeos en 1885, acabó sus días en 1965 en un París que dejaba de ser el centro del universo artístico. Se inició en los postulados del fauvismo y su incursión en el cubismo no fue plena. Estuvo siempre interesado por las posibilidades expresivas del arte africano (las máscaras fueron una constante en el movimiento) así como en el sentido simbólico de la luz y la sombras.  

En 1922 abre una escuela y su labor artística se ve relegada a sus tareas de docente, investigador, escritor y ensayista.  

7.- Robert Delaunay, del Impresionismo y el fauvismo al cubismo

Se integra en el movimiento en 1909 con un peculiar trabajo sobre el color (de hecho su obra anterior se puede catalogar como impresionista y fauvista). Elimina cualquier indicio de perspectiva tradicional y se centra en las posibilidades expresivas de las formas. Enamorado de España, crea decorados para los ballets rusos de Diaghilev en Madrid.  

Abandona el movimiento en 1930 para integrarse en el surrealismo, el movimiento artístico que más influencia ha generado en el siglo XX, siendo el sustrato de casi todos los que llegaron después. 

8.- Albert Gleizes, el difusor teórico del movimiento

Nace en París en 1881 y muere en Aviñón en 1953. Es el autor del primer ensayo sobre el movimiento en el que desgrana las características de una obra cubista: Sobre el cubismo y los mejores medios para comprenderlo, dotándolo de bases teóricas y estéticas. Su idea era que el movimiento se convirtiera en una ciencia. Sin embargo, pronto abandona esa idea para evolucionar hacia postulados cercanos hacia la abstracción. También manifestó interés por el arte sacro. 

9.- Alexander Archipenko,  el escultor del cubismo

Nacido en Kiev en 1887, acabó sus días en Nueva York en 1964. Por entonces, la ciudad estaba empezando a eclipsar a la París pujante de principios del siglo XX. No obstante, vivió en París entre 1908-1920 justo cuando el cubismo se desarrollaba. Sus obras gustan de la geometría y de la arista. Más tarde comenzó a crear obras con mezcla de materiales diversos en el que la contraposición es la característica. 

10.- Jean Metzinger, autor de Sobre el cubismo

Junto con Gleizer escribe la obra Sobre el cubismo. Aunque realizó una obra ingente, no llega a la altura expresiva de otros representantes del cubismo. 

Todos estos artistas fueron innovadores a más no poder, rebeldes incluso. Sus propuestas fueron radicales, tanto que echaron por los aires el academicismo de salón que imperaba por entonces. Se adentran por terrenos desconocidos donde el realismo da paso a otras formas expresivas que beben de fuentes ajenas al arte por entonces.  

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla 

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Fue uno de los movimientos más revolucionarios dentro de lo que se denomina vanguardias históricas (a las que pertenecen idearios estéticos tan dispares como el futurismo, la abstracción o el dadaísmo). Quiere hacer romper por los aires la representación misma de los objetos negando la tercera dimensión buscada en pintura desde el Renacimiento. Tanto el cubismo sintético como el analítico está relacionado con los avances técnicos y de ingeniería de principios de siglo. El mundo conocido se tambalea tanto con el desarrollo de la fotografía o el cine, la Teoría de la relatividad de Einstein y, ¡cómo no!, el avance del psicoanálisis de Freud. Hago a continuación un esbozo de los 10 representantes del cubismo fundamentales para comprender el movimiento. 

No están todos los que son porque algunos artistas que, con posterioridad, realizaron una obra tan dispare al movimiento no están reflejados en la lista. Este es el caso, por citar solo uno, de Diego Rivera, quien es reconocido como muralista pero que se inició en el movimiento cubista. 

1.- Pablo Picasso, el más reconocido artista del cubismo

No es que sea el más insigne artista de este movimiento de vanguardia sino que más bien es el artista del siglo XX por excelencia. Nacido en Málaga en 1881, acabó sus días en Mougins, en 1973. En su larga carrera artística evolucionó desde un estilo clásico a más no poder (“La visita del médico”, por poner un caso) hasta convertirse en un genio artístico aún no superado.  

Pronto salió de su Málaga natal, por aquel entonces una ciudad provinciana que poco podía aportar. Tras pasar por una Barcelona que se abría al mundo, se instala en París en 1904. La capital de Francia llevaba décadas siendo el ombligo del mundo y así seguiría hasta bien entrada la década de los sesenta. El genio de Picasso, el más señero de entre los representantes del cubismo, estaba en el lugar y el momento adecuado. 

En 1907 pinta Las señoritas de Avignon, la obra que inaugura el movimiento cubista. Con ella revoluciona los cánones clásicos al deformar conscientemente la realidad y el cuerpo humano obligándolo a colocarlo en una perspectiva inédita hasta entonces. La geometría (herededa de Cezane) y el acercamiento a las obras primitivas africanas (una de las características del Cubismo) rompe con cualquier atisbo de tradición.  

En 1912 creó el que se considera el primer collage cubista y permaneció en el movimiento hasta 1916 para evolucionar hacia otras fórmulas artísticas.  

2.- María Blanchard, una de las artistas del cubismo que hay que conocer

Eclipsada injustamente (por un mal entendido concepto de género), María Blanchard es una de las máximas representantes del Cubismo junto con Picasso. Nacida en Santander en 1881 y perteneciente a la clase alta, vivió toda su existencia aquejada de una personalidad acomplejada por algunos defectos físicos. A igual que el genio de Picasso, a la cántabra pronto se le quedó pequeña su tierra natal y también emigró hacia París, donde murió tempranamente en 1932. Nació como María Gutiérrez Blanchard y su formación temprana se realizó en Madrid siguiendo las líneas del academicismo imperantes en la época. 

Su obra se caracteriza por la sobriedad, el quietismo y en ella está siempre presente un halo triste (el mismo que sufría la artista). Observamos un poso de pérdida, de melancolía, de ingreso en otros mundos. Sus obras muestran una extraña luz proveniente de colores de las gamas de los. azules que le otorgan unos puntos metálicos. 

Abandona el movimiento en 1919 y se centra en plasmar escenas de la vida cotidiana, interiores en los que son protagonistas niños o miembros de la familia. 

3.- Jorge Braque, entre el fauvismo y el cubismo

Conocido por su aportación al fauvismo, el movimiento artístico de los salvajes, nace en 1882 y muere en 1963. El francés abraza  la nueva estética en 1910 y se convierte en uno de los representantes del cubismo más importantes. No se conforma con crear obras en el que la perspectiva se ha distorsionado y las formas se han manipulado de manera extrema. Introduce en sus cuadros materiales (que hasta bien entrado el siglo XX) eran desconocidos en el lienzo. Inserta en sus lienzos arena, papel, madera e, incluso, piedras. La Primera Guerra Mundial, que acaba con tantas vidas (se llevó por delante casi por completo los autores del futurismo, por poner un caso), dejó huellas en el artista. Y no solo psíquicas ya que fue herido de gravedad. A partir de esta fecha su obra se vuelve sobria, como un objeto que nos lleva hacia el otro lado de la existencia y con un carácter incluso místico.  

4.- Juan Gris, uno de los fundamentales representantes del cubismo 

Nacido en Madrid en 1887, también ve la necesidad de emigrar a Francia. Allí se encuentra con Picasso quien le introdujo en las posibilidades expresivas del movimiento convirtiéndose en uno de los máximos representantes del cubismo. Muere de manera temprana en 1927 en la localidad de Boulogne sur Seine y ha pasado a la historia, especialmente, por su faceta de dibujante. Nunca llegó a la deconstrucción formal de otros artistas del movimiento, pero sus naturalezas muertas e interiores se encuentran entre lo más granado del movimiento. En 1917, tras finalizar la guerra, se embarca en una serie de obras en las que son protagonistas los personajes conocidos como Pierrots. Compagina su tarea artística con el diseño de atrezzo y decorados para teatros y ballets.  Los más conocidos son los que realizó para el bailarín ruso Diaghilev, una de las estrellas del momento.  De Juan Gris son las palabras “no es el cuadro el que debe coincidir con el objeto sino el objeto el que debe hacerlo con el cuadro”. 

5.- Fernand Léger, el impresionista que evolucionó a las vanguardias 

Sus fuentes de inspiración fueron los impresionistas y, especialmente, Cézanne. Nació en 1881 y para 1955 ya había abandonado este mundo. Su obra, al contrario que el resto de los integrantes del movimiento, se caracteriza por un colorido explosivo que le otorga un movimiento muy particular a pesar de su impronta geométrica. Al estallar la Primera Gran Guerra comienza a realizar obras en las que los objetos cotidianos son los protagonistas. Compagina su quehacer artístico con decorados para teatro, murales, vidrieras e, incluso, investiga con las posibilidades de la cerámica.  

En 1940 se traslada a los Estados Unidos confiriendo a su producción un sentido más realista centrándose en las figuras humanas en momentos de actividad. 

6.- André Lothe, entre la tradición y la modernidad

Nacido en Burdeos en 1885, acabó sus días en 1965 en un París que dejaba de ser el centro del universo artístico. Se inició en los postulados del fauvismo y su incursión en el cubismo no fue plena. Estuvo siempre interesado por las posibilidades expresivas del arte africano (las máscaras fueron una constante en el movimiento) así como en el sentido simbólico de la luz y la sombras.  

En 1922 abre una escuela y su labor artística se ve relegada a sus tareas de docente, investigador, escritor y ensayista.  

7.- Robert Delaunay, del Impresionismo y el fauvismo al cubismo

Se integra en el movimiento en 1909 con un peculiar trabajo sobre el color (de hecho su obra anterior se puede catalogar como impresionista y fauvista). Elimina cualquier indicio de perspectiva tradicional y se centra en las posibilidades expresivas de las formas. Enamorado de España, crea decorados para los ballets rusos de Diaghilev en Madrid.  

Abandona el movimiento en 1930 para integrarse en el surrealismo, el movimiento artístico que más influencia ha generado en el siglo XX, siendo el sustrato de casi todos los que llegaron después. 

8.- Albert Gleizes, el difusor teórico del movimiento

Nace en París en 1881 y muere en Aviñón en 1953. Es el autor del primer ensayo sobre el movimiento en el que desgrana las características de una obra cubista: Sobre el cubismo y los mejores medios para comprenderlo, dotándolo de bases teóricas y estéticas. Su idea era que el movimiento se convirtiera en una ciencia. Sin embargo, pronto abandona esa idea para evolucionar hacia postulados cercanos hacia la abstracción. También manifestó interés por el arte sacro. 

9.- Alexander Archipenko,  el escultor del cubismo

Nacido en Kiev en 1887, acabó sus días en Nueva York en 1964. Por entonces, la ciudad estaba empezando a eclipsar a la París pujante de principios del siglo XX. No obstante, vivió en París entre 1908-1920 justo cuando el cubismo se desarrollaba. Sus obras gustan de la geometría y de la arista. Más tarde comenzó a crear obras con mezcla de materiales diversos en el que la contraposición es la característica. 

10.- Jean Metzinger, autor de Sobre el cubismo

Junto con Gleizer escribe la obra Sobre el cubismo. Aunque realizó una obra ingente, no llega a la altura expresiva de otros representantes del cubismo. 

Todos estos artistas fueron innovadores a más no poder, rebeldes incluso. Sus propuestas fueron radicales, tanto que echaron por los aires el academicismo de salón que imperaba por entonces. Se adentran por terrenos desconocidos donde el realismo da paso a otras formas expresivas que beben de fuentes ajenas al arte por entonces.  

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla 

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Conocido y reconocido por sus grandes murales de corte realista y temática social, los primeros esbozos del artista mexicano Diego Rivera (1886-1957) en las vanguardias históricas quizás pasen desapercibidos para los amantes del arte. El artista, como era común en la época, realiza un viaje de estudios por Europa y en París entra en contacto con los círculos más rompedores del arte. Picasso había inaugurado el Cubismo y a la nueva forma de crear pintura se anotaron todos los creadores que querían estar en primera fila. Diego Rivera fue uno de ellos.

Biografía mínima de los primeros años en el arte de Diego Rivera

Gracias al apoyo económico del entonces gobernador de la provincia mexicana de Veracruz, un jovencísimo Diego Rivera consigue financiación para viajar y completar sus estudios de pintura por diversos emplazamientos europeos. Recae, en una primera etapa, en Madrid donde pasa dos años completando sus estudios académicos a la par que entra en contacto con la obra de El Greco. 

Pero muy pronto, el ambicioso Riviera siente que la capital de España comienza a quedarse pequeña y, tras concluir este periodo de aprendizaje y consolidación en las técnicas pictóricas, emprende un largo viaje por otras capitales europeas: Brujas, Gante, Londres y, por último, París.

El encuentro de Diego Rivera con el cubismo y Picasso en París

Y fue en París, tras sucumbir a la efervescencia cultural que, por entonces, se respiraba en sus barrios más artísticos (Montmartre y Montparnasse), donde Rivera se empapa de todas los movimientos de vanguardia que se iban gestando uno tras otro en la capital francesa.

El París de las primeras décadas del siglo XX era el de los cubistas Braque y, especialmente, Picasso, era el lugar por excelencia de la bohemia donde intentaba abrirse camino un, por entonces, desconocido Modigliani y  era la ciudad de las nuevas ideas filosóficas y políticas que dominarían todo el siglo XX. 

Por si esto fuera poco, comenzaban a afianzarse entre la élite cultural los movimientos de las décadas anteriores. Los malditos de finales del siglo XIX empiezan a tener, por estos años, su particular parcela de reconocimiento público. El impresionismo de un Renoir o el postimpresionismo de Cézanne se convierten en clásicos contemporáneos abriéndose, para ellos, las puertas de los museos. Sin descartar ninguna opción, Diego Rivera estudia todos estos movimientos (incluso el clasicismo de Ingres) y los va paulatinamente adaptando a su particular quehacer artístico.  

 

La estética de las pinturas murales de Diego Rivera

El periplo europeo de Diego Rivera termina hacia el año 1922, tras un viaje por tierras italianas donde entra en contacto con los grandes muralistas antiguos del Cuatrocento. Es aquí donde Rivera encuentra lo que necesita para construir una obra personal y propia.

Aunque vuelve al caballete al final de su vida, Rivera se dedicará casi de pleno –y por ello es conocido- a los murales de grandes espacios públicos donde plasma su particular percepción del color, a la par que ensalza el trabajo en equipo o el pasado glorioso del antiguo México. Mientras que la intervención, contratado por Henry Ford, el gran magnate de la automoción, en el Detroit Institute of Art (en la línea de los postulados del Manifiesto Futurista) tiene como leitmotiv los avances de la ingeniería, el realizado en el Teatro de los Insurgentes, por el contrario, se centra en ensalzar las grandes gestas de la historia de México.

Sin duda, Diego Rivera fue un artista polifacético, de personalidad poliédrica, capaz de beber e impregnarse de diversas fuentes e incorporarlas con éxito a sus obras. Fascinado por las posibilidades de expresión de los murales, sus convicciones izquierdistas no le impidió ser crítico con el régimen soviético y sus atrocidades. Pero eso para otro día.

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación

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El arte es lo que queda cuando todo ha pasado. Es lo inmutable dentro del cambio. Es la belleza en un mundo en caos. El arte es parte importante de este sitio. Intentamos comprenderlo. 

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Conocido y reconocido por sus grandes murales de corte realista y temática social, los primeros esbozos del artista mexicano Diego Rivera (1886-1957) en las vanguardias históricas quizás pasen desapercibidos para los amantes del arte. El artista, como era común en la época, realiza un viaje de estudios por Europa y en París entra en contacto con los círculos más rompedores del arte. Picasso había inaugurado el Cubismo y a la nueva forma de crear pintura se anotaron todos los creadores que querían estar en primera fila. Diego Rivera fue uno de ellos.

Biografía mínima de los primeros años en el arte de Diego Rivera

Gracias al apoyo económico del entonces gobernador de la provincia mexicana de Veracruz, un jovencísimo Diego Rivera consigue financiación para viajar y completar sus estudios de pintura por diversos emplazamientos europeos. Recae, en una primera etapa, en Madrid donde pasa dos años completando sus estudios académicos a la par que entra en contacto con la obra de El Greco. 

Pero muy pronto, el ambicioso Riviera siente que la capital de España comienza a quedarse pequeña y, tras concluir este periodo de aprendizaje y consolidación en las técnicas pictóricas, emprende un largo viaje por otras capitales europeas: Brujas, Gante, Londres y, por último, París.

El encuentro de Diego Rivera con el cubismo y Picasso en París

Y fue en París, tras sucumbir a la efervescencia cultural que, por entonces, se respiraba en sus barrios más artísticos (Montmartre y Montparnasse), donde Rivera se empapa de todas los movimientos de vanguardia que se iban gestando uno tras otro en la capital francesa.

El París de las primeras décadas del siglo XX era el de los cubistas Braque y, especialmente, Picasso, era el lugar por excelencia de la bohemia donde intentaba abrirse camino un, por entonces, desconocido Modigliani y  era la ciudad de las nuevas ideas filosóficas y políticas que dominarían todo el siglo XX. 

Por si esto fuera poco, comenzaban a afianzarse entre la élite cultural los movimientos de las décadas anteriores. Los malditos de finales del siglo XIX empiezan a tener, por estos años, su particular parcela de reconocimiento público. El impresionismo de un Renoir o el postimpresionismo de Cézanne se convierten en clásicos contemporáneos abriéndose, para ellos, las puertas de los museos. Sin descartar ninguna opción, Diego Rivera estudia todos estos movimientos (incluso el clasicismo de Ingres) y los va paulatinamente adaptando a su particular quehacer artístico.  

 

La estética de las pinturas murales de Diego Rivera

El periplo europeo de Diego Rivera termina hacia el año 1922, tras un viaje por tierras italianas donde entra en contacto con los grandes muralistas antiguos del Cuatrocento. Es aquí donde Rivera encuentra lo que necesita para construir una obra personal y propia.

Aunque vuelve al caballete al final de su vida, Rivera se dedicará casi de pleno –y por ello es conocido- a los murales de grandes espacios públicos donde plasma su particular percepción del color, a la par que ensalza el trabajo en equipo o el pasado glorioso del antiguo México. Mientras que la intervención, contratado por Henry Ford, el gran magnate de la automoción, en el Detroit Institute of Art (en la línea de los postulados del Manifiesto Futurista) tiene como leitmotiv los avances de la ingeniería, el realizado en el Teatro de los Insurgentes, por el contrario, se centra en ensalzar las grandes gestas de la historia de México.

Sin duda, Diego Rivera fue un artista polifacético, de personalidad poliédrica, capaz de beber e impregnarse de diversas fuentes e incorporarlas con éxito a sus obras. Fascinado por las posibilidades de expresión de los murales, sus convicciones izquierdistas no le impidió ser crítico con el régimen soviético y sus atrocidades. Pero eso para otro día.

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación

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Guía completa para entender el movimiento artístico perteneciente a las vanguardias históricas conocido como cubismo en sus distintas etapas.  

El cubismo, una definición, qué fue y cómo se desarrolló

A decir de los estudiosos, el primer movimiento artístico de las denominadas vanguardias históricas fue tan corto en el tiempo que apenas tuvo una década duración. El cubismo se inaugura en 1907 con las Señoritas de Avignon de Pablo Picasso y siete años después (con el comienzo de la I Guerra Mundial) el movimiento se considera agotado, aunque no es así con la trayectoria artística de sus principales representantes. Junto con el surrealismo y el fauvismo fue el movimento señero de las llamadas vanguardias históricas. 


El término fue propuesto por Apollinaire en 1908 al reducir todo el movimiento a las particulares formas geométricas que caracterizan gran parte de las obras encuadradas en la corriente artística. Su libro Los pintores cubistas sigue siendo imprescindible a la hora de estudiar esta tendencia que fue pictórica, pero también escultórica. 


Es considerado, como he anotado, el primer movimiento artístico de las vanguardias históricas y el que quiso “liberar” a las artes plásticas de su papel representativo. Una idea que no se entiende sin el avance de la fotografía y la popularidad creciente del cine mudo. A decir de los creadores de la época (no solo del cubismo), si estos inventos pueden captar la realidad tal cual es, el arte, por tanto, podría encaminarse por otros derroteros, ya que la representación de la realidad podría hacerse por medios alternativos. 

cubismo 2 mujer de la mandolina picasso


A esta irrupción tecnológica que desbarata la cosmovisión hasta entonces imperante se une el desarrollo de las técnicas del psicoanálisis con la definición del inconsciente.  Recordemos que El significado de los sueños de Freud se publica en el año 1900. Estas ideas que inauguran la psicología moderna con su descripción de un mundo oscuro, desconocido para la mente, pero vital para la persona, seducen a los artistas hacia la plasmación de otra dimensión de la realidad, más allá del mundo físico y tangible. Este extremo llegará a su apoteosis artística con el surrealismo y, de alguna manera u otra, permanece vigente durante buena parte del siglo XX. 


Por si esto fuera poco, el avance de la ciencia y de la comprensión del universo (La Teoría de la Relatividad nace en el año 1905) trastoca los conceptos que hasta entonces se tenía del tiempo y del espacio. Y las revoluciones no acaban con el desarrollo de la técnica o el avance exponencial del conocimiento, ya que también hay movimientos importantes en el orden socio-político.  Dejamos solo unas fechas: 1910 fue el año de la Revolución en México, un año después le tocaría a China y en 1914 el mundo al completo se ensalza a tiros en trincheras excavadas en media Europa.  

Características del cubismo o cómo reconocer un cuadro cubista

Estos movimientos en el orden socio político se dejan ver en la economía con los primeros manifiestos, libros o panfletos que abonan el campo que llevará al Comunismo. El arte no podía ser ajeno a esos cambios. Por eso, lo primero que proponen los artistas del cubismo es una ruptura total con todo el pasado y aquí radica su primera característica. Pero no será la única. Anota:

  • De este divorcio con la creación de los siglos anteriores solo se salvan contados nombres. El aduanero Rousseau (considerado junto con Alfred Jarry un subversivo social), Seurat o Cézanne (por sus investigaciones para encontrar un método para el arte) están entre los pocos artistas que merecían ser tenidos en cuenta.
  • El arte africano, sobre todo las máscaras de ídolos y dioses, comienzan a ser valoradas por su expresión “cortante” y significativas aristas. En la predilección por este gusto no estuvo solo, ya que el fauvismo también demostró un gusto especial por esta forma expresiva alejada, por entonces, de los estándares expresivos europeos.
  • Se vuelve a la significación de los materiales, al continente como generador de sentidos.
  • Los descubrimientos del psicoanálisis abonan el terreno para considerar la realidad de forma poliédrica. Los artistas del cubismo harían suya esta idea creando obras en las que se quería mostrar varios momentos a la vez.
  • Los objetos representados (que pueden ser figuras humanas) parecen ser transparentes en un intento por mostrar, de forma plástica, “distintas realidades”.
  • Se ve una predilección por los colores grises, tierras, ocres o verdosos.
  • Aunque algunos artistas (el primer Picasso, por ejemplo) se rigen por un deseo de plasmar la realidad a base de impulsos, en líneas generales hay un gusto por el análisis, por la metodología, por seguir los fundamentos de la ciencia, por la austeridad…
  • El arte pretendía, así, dinamitar las fronteras de los géneros, a la par que quería librarse de su papel imitador de la naturaleza.
  • Nacen los papiers collés o collage, esto es, se mezclan materiales en la misma obra, ya que al óleo tradicional se insertan hules, plásticos, papeles o elementos varios de la vida cotidiana (metales, cucharillas, cuerdas...)
  • En pintura, hay una predilección por objetos de la vida cotidiana que se presenta a la manera de los bodegones clásicos, pero fragmentados en descomposiciones planas prevaleciendo las líneas geométricas hasta llegar a acentuar las aristas tan del gusto de todos los artistas que integran el cubismo.
  • En el ámbito de la escultura se asiste, por primera vez, al assemblage con materiales de distinta procedencia incluso entresacados de la vida cotidiana. En este sentido, podemos considerar la tendencia como la continuación de lospapiers collés de la pintura.  


cubismo 3 plato y frutas braque

 

El cubismo analítico o hermético, Pablo Picasso y Georges Braque en busca del nuevo arte

Entre 1909 y 1912, en distintas circunstancias y emplazamientos, Pablo Picasso y Georges Braque se embarcan en una serie de investigaciones y debates con el fin de explotar todas las posibilidades del arte. Con este análisis se pretendía romper con cualquier atisbo del pasado. Nace el denominado cubismo analítico, el cual se caracteriza por:

  • Se lleva al máximo la descomposición en la representación, ya sean de objetos o de figuras humanas.
  • Tiene una fuerte impronta intelectual. Por eso es tan difícil de asimilar por el gran público (incluso hoy en día) ya que apela, no a lo inconsciente, sino a lo racional. Cualquier indicador de sentimentalidad es apartado de la creación. En este sentido, son las técnicas, las matemáticas y un pretendido orden los que prevalecen.
  • La figura humana pierde protagonismo y es rebajada a la condición de mero objeto, a la par que los contornos son tratados con una geometría feroz, como si estuvieran dibujados o plasmados con tiralíneas.
  • El lienzo se llena de formas en aparente desorden en un afán rupturista que proponía otra observación de la realidad. Si los objetos son presentados en batiburrillo, el espectador tenía como misión “ordenar” en su mente el mensaje dado por el artista. En esta línea, podemos decir que el cubismo es el antecedente más remoto de la filosofía de la deconstrucción imperante a finales del siglo XX.
  • Por esta razón, el espectador debe tomar protagonismo al tener que recomponer o reconocer esos objetos, la mayoría de la vida cotidiana, en su mente. El diálogo que ejerce la obra se torna, por  tanto, mucho más intenso.
  • El color de las obras se reduce a los ocres, pardos, grises, azules fuertes o los rosados de, por ejemplo, Las señoritas de Avignon. En la mente y espíritu de Picasso y Braque parecían que estos tonos eran los que más se aproximaban al lenguaje de la razón. 
  • Las características del cubismo sintético más allá de las obras de Braque y Picasso

    A partir del año 1911, el arte cubista sufre una transformación. Si en la etapa analítica o hermética son Pablo Picasso y Georges Braque los abanderados de esta nueva forma de hacer arte, a partir de esta fecha el movimiento (aunque nunca tuvo un manifiesto que podamos calificarlo de tal modo) comienza a expandirse. Se hace de dos maneras o en dos vías distintas: con la incorporación de nuevos artistas, primero, y llegando a un público más amplio, en segunda instancia. Y eso sin olvidar que el epicentro se encontraba y siempre estuvo en París, punto de encuentro artístico internacional desde hacía varias décadas.

    En 1912 Jean Metzinger y Albert Gleizes publican  Del cubismo, una reflexión a la manera de ensayo en la que se sistematizaba las características de este nuevo movimiento. Un año después, Apollinaire pone en las estanterías Meditaciones estéticas. Los pintores cubistas. Esto es, la nueva forma de hacer arte había traspasado los talleres y las galerías para ser objeto de estudio de los críticos, aunque fueran los mismos integrantes del movimiento los que reflexionaran sobre esta línea artística.Con respecto a la etapa analítica encontramos algunas diferencias que resumo en las siguientes:

    • Una vuelta al color. Se abandonan las paletas de ocre y grises para centrarse en toda la gama cromática.
    • Las formas no se presentan tan marcadas desde el punto de vista geométrico llegando incluso a desdibujarse sin confundirse con la abstracción. Aunque hay preferencia por las  estructuradas en ángulo, comienzan a utilizarse también las líneas curvas.
    • Nacen obras con un marcado intento de burlar el ojo del espectador utilizando técnicas de trampantojos o collages vanguardistas con materiales diversos.
    • Eso propició un debate sobre lo real frente a lo inventado (que aún perdura en algunos sentidos).
    • Paralelamente al nacimiento del libro de artista de vanguardia, con los Libros de Diálogo mano a mano entre poetas y creadores plásticos, la tipografía entra en los cuadros, así como las frases sueltas o palabras aquí y allá que se unían en un todo para crear un sentido ambivalente.
    • Si en la primera etapa, la analítica o hermética, se vuelve a retomar el sentido de la perspectiva del Renacimiento, ahora se da un paso más allá al utilizar el mágico número áureo en algunas creaciones.
    • En definitiva, en esta etapa, al entrar nuevos pintores y creadores, el movimiento se hizo más heterogéneo y más dinámico al incorporar la particular visión de cada uno de los artistas.
    • Eso propició que cada uno de ellos hiciera valer sus particulares  sellos de identidad. Duchamp, por poner un ejemplo, se afanó por captar el movimiento. Leger fue uno de los primeros que vio la posible alienación humana debido al avance de las máquinas (los coches y los artilugios comienzan a inundar las calles). 

    A partir de la I Guerra Mundial, con medio mundo en llamas, cada uno de los artistas del cubismo comenzó una nueva andadura. Si Picasso, con su trabajo para los Ballets Rusos siguiendo los encantos de una de sus integrantes, vuelve a la figuración, otros se meten de lleno en la abstracción.Que el movimiento, como tal, se agotara no significó que sus integrantes, de los que doy cuenta a continuación, no siguieran ejerciendo de forma fructífera. De hecho, hubo quien abanderó alguna que otra corriente artística distinta. Lo vemos uno a uno.  


    cubismo 5 retrato de picasso gris

     

    Principales artistas, pintores, representantes y escultores del cubismo

    • Pablo Picasso, el artista más complejo del siglo XX

    No se puede entender la historia del arte del siglo XX sin la figura de Pablo Picasso (Málaga, 1881 – Mougins 1973). Desde su Málaga natal y pasando por Barcelona (por entonces un centro interesante a nivel creativo), un jovencísimo Picasso se instala en París en 1904 donde entra en contacto con las vanguardias llegando a trascenderlas hasta tal punto que se erige en adalid de los movimientos estéticos de la época. En aquel momento, a la Ciudad de la Luz arribaban creadores, filósofos o políticos desde todos los rincones del orbe realizándose una simbiosis nunca vista en la historia moderna.

    En este sentido, solo podemos encontrar un caso similar en la historia que fue la Alejandría de los Ptolomeos, los mismos que crearon la primera biblioteca de importancia.Picasso bebe de las teorías que se respiraban en el aire de París (Freud, Einstein, el avance del cine, las nuevas fórmulas político-económicas que desembocarían en el comunismo…) y crea las primeras obras del primer movimiento de vanguardia. También son las más significativas. Junto a Braque desarrolló el cubismo analítico para luego evolucionar hacia el sintético. Y eso sin contar que algunos críticos encasillan algunas de sus creaciones como cubismo rococó o curvilíneo. A su refugio veraniego de Ceret, en el Sur, llegaron diferentes artistas en post del ya maestro Pablo Picasso, quien (y eso para otro día) no se agotó con el cubismo sino que el movimiento artístico le sirvió para dar un paso más hacia una de las obras más singulares de la historia.

    cubismo 12 el jugador de cartas picasso

    • Georges Braque, el pintor que elevó el collage a los altares del arte


    Iniciado en el fauvismo, la corriente de los denominados salvajes, evolucionó junto con Pablo Picasso hacia el cubismo. Georges Braque (1882-1963) sentía predilección por los bodegones, las naturalezas muertas e, incluso, por inquietantes paisajes. El gusto del cubismo por la mezcla de materiales, tal como he expuesto anteriormente, le llevó a realizar experimentaciones con madera, papel e, incluso, arena convirtiendo a Georges Braque a un maestro de la técnica. Dotado de gran capacidad de auto-análisis, tal como dejó escrito en suCarnét, consideraba el arte (y especialmente la pintura) como algo alejado de la realidad. El lirismo subyacente en su obra no oculta una importante estructuración y sobriedad.


    cubismo 10 hombre con guitarra braque

    • Robert  Delaunay 

    También iniciado en el fauvismo, su primera etapa muestra reminiscencias del impresionismo. Rompe con una de las características principales del primer cubismo (la de ceñirse a unos cuantos tonos) para ejecutar unos cuadros con un gran predominio del color. Y no solo por su uso sino también por los contrastes a los que sometía las formas.No solo se interesó por la pintura sino que también abordó decorados teatrales, vestuarios, carteles para películas o, incluso, la puesta en escena de la Exposición Universal de París de 1937.

    Aunque encuadrado en el cubismo, su estilo fluctuó a lo largo de su carrera comenzando, como he anotado, con obras de tintes impresionistas, anotándose a los fauves e, incluso, realizando obras de corte más realista. Estas últimas corresponde a su estancia en España y Portugal tras el estallido de la I Guerra Mundial. Ya sea por las crueldades de la guerra o por el sustrato de la pintura tradicional hispana, las obras de esta etapa de Robert Delaunay (1885-1941)  acusan esta tendencia. Tampoco fue ajeno al surrealismo que atrapó a la casi totalidad de artistas de buena parte del siglo XX para terminar sus días investigando con las posibilidades de la abstracción. Por si esto fuera poco, también coqueteó con el dadaísmo. 


    cubismo 7 la torre roja delaunay

     

    • María Blanchard

    La española María Blanchard (Santander, 1881-París 1932) desarrolló una de las trayectorias artísticas más interesantes de la primera mitad del siglo XX. De familia acomodada y culta, estudió, primero, en Madrid donde adquirió los rudimentos de la técnica y, luego, en el bullicioso París de las Vanguardias. Allí se instaló en 1908 donde subsistió con recursos escasísimos dedicada a su arte y a dar clases de pintura. Aquejada de una escoliosis desde pequeña, esta característica física influyó tanto en la percepción que de ella misma tenía, que la creación fue como un refugio (¡y de qué manera!) para superar los avatares de la vida cotidiana.

    La obra de María Blanchard destella una originalidad y altura artística muy por encima de la reconocida por la historia. La ensoñación (o la fantasía) convive con una sobriedad hispana no exenta de cierta tristeza, la misma que aquejó a la artista durante toda su vida.Los últimos años de su existencia fueron duros para María, ya que a los problemas de autoestima (tal como podríamos definirlos hoy en día) que arrastró desde la infancia se unieron sus hermanas. Se mudaron a vivir con ella (y de ella). Esto empeoró su ánimo y su situación económica. Al tiempo, los temas se volvieron más íntimos. Los niños, la familia y los objetos domésticos predominan en su obra durante esta última etapa. 


    cubismo 8 naturaleza muerta con lámpara roja blanchard

    • Alexander Archipenko

    Es uno de los pocos escultores clasificados dentro del cubismo. Nacido en Kiev, en 1887, estudió en Moscú antes de emigrar hasta París (la meta de todo creador de la época, recordemos). Aún así, buena parte de su carrera se desarrolló en Estados Unidos donde se instaló en 1924.Su contribución al arte se centra en los espacios facetados. Esto es, en la misma obra muestra distintas perspectivas para mostrar la figura humana (sobre todo) desde diferentes puntos de vista. Gustaba de mezclar los planos y del vaciado. No dejó de lado la policromía. Y, además, fue un pionero en la experimentación con los materiales, algo que sería corriente en las manifestaciones artísticas posteriores. Realiza, por ejemplo, esculturas transparentes. Se considera el inventor o el introductor de la llamada escultopintura. 


    cubismo 19

    • Juan Gris

    Nacido como Juan José Victoriano González en 1887 (Madrid), el contacto con Picasso  a partir de 1909, en París, hizo que se uniera al movimiento. Aunque comenzó con los postulados del cubismo analítico, lo mejor de su obra se encuadra en el cubismo sintético.Si su obra destaca por una fuerte coherencia, colorido y por la impecable técnica del dibujo, no se puedo olvidar que el uso del papier collé le llevó a resultados sorprendentes. Célebre por la frase “No es el cuadro el que debe coincidir con un objeto, sino el objeto el que debe hacerlo con el cuadro”, fue fiel al movimiento hasta el final de sus días.Su carrera, aunque corta (falleció en 1827) fue intensa, ya que también fue un notable ilustrador de obras literarias y se encargó de algunos decorados para el ballet de Diaghilev. 


    cubismo 14 la ventana del pintor gris

    • Albert Gleizes

    Su idea era que el cubismo se convirtiera en ciencia (artística, eso sí). Quizás por eso fue uno de los redactores (junto con Jean Meatzinger) de una de las obras de referencia del movimiento: Sobre el cubismo y los medios para comprenderlo, dotándolo de bases teóricas y estéticas. Ese fulgor inicial por el movimiento no impidió a Albert Gleizes (1881-1953), años más tarde, abrazar los postulados de la abstracción. Se interesó por el arte sacro, sobre todo, por el período del Románico en Francia.


    cubismo 20 gleizes las bañistas 1912

    • Jean Metzinger

    Seducido, en principio, tanto por las posibilidades del último impresionismo como por la fuerza expresiva del fauvismo, se adhirió al grupo en 1908. A pesar de su fervor inicial, muy pronto se decanta por un estilo más cercano al realismo.


    cubismo 21 danza en un café metzinger 1912

     

    • André Lothe

    André Lothe (1885-1965) fue otro artista desdoblado en sus creaciones. Si bien se adhirió al movimiento en 1908 tras pasar por etapa fauvista, muy pronto volvió a los postulados clásicos que defendió con fervor. A su labor artística hay que sumar su ingente tarea docente y como crítico de arte.

    cubismo 9 escale lothe

    • Fernand Léger

    Al artista francés se debe la introducción del color en el movimiento. Este gusto quizás se deba al sustrato de la obra de Cézanne y de los últimos impresionistas que subyace en su obra.Fernand Léger (1881-1955) construye un universo de contrastes en el que intenta introducir el dinamismo o el movimiento en el cuadro. Sus primeras obras (hasta el inicio de la Primera Guerra Mundial) muestran objetos tubulares, planos y formas cónicas en los colores primarios.Movilizado y combatiente en Verdum, la experiencia de la guerra (donde estuvo a punto de morir por un ataque de gas) hizo mella (¡no podía ser de otra manera!) en su ánimo y su arte. A partir de 1916 se inicia el denominado “período mecánico”. Las formas adquieren un aire de robot, de máquina (incluso las humanas). Comienza a interesarse por las posibilidades expresivas de los semáforos.En 1920 conoce a Le Cobusier. Sería amigo de por vida y también un referente artístico. Comienza a hacer murales, vidrieras, esculturas, decorados… A partir de los años cuarenta se instala en Estados Unidos donde imparte clases en la prestigiosa Universidad de Yale. Su obra se vuelve más  realista sin perder su particular uso del color y del contraste. 

    cubismo 16 la ciudad leger

    • Henri Laurens 

    Fue otro de los pocos escultores del cubismo con especial predilección por el bronce y la piedra. Eso no quita para que el francés Henri Laurens (1885-1954) no experimentara con lospapiers colliers tan queridos por los integrantes del movimiento. Tuvo predilección por el cuerpo femenino y, quizás por ello, fue progresivamente abandonando las líneas rectas o geométricas por un gusto por las curvas. 

    cubismo 22 amphion laurens 1952

     Las obras más importantes del cubismo o las más conocidas

    Es difícil colocar aquí una lista con las pinturas o esculturas más representativas del movimiento, pero este no se puede entender sin la siguiente lista: Obras del cubismo de Pablo Picasso 

    • Las señoritas de Avignon de Pablo Picasso, el título que inaugura el movimiento.
    • Conocido también es el Autorretrato de Picasso, del mismo año, custodiado en la Galería Nacional de Praga.
    • Del período sintético es Naturaleza muerta con silla de rejilla, de 1912, en el que la técnica del collage llega al extremo al incorporar un hule plástico a la obra.
    • El estanque de Horta, de 1909, es un claro ejemplo del cubismo analítico con un trazado de fuerte impronta geométrica en tonos ocres y verdes.
    • En Bañista, realizado entre 1908 y 1909, aún se adivina la figura humana.  Lo mismo sucede con La mujer de la mandolina del mismo período.
    • Más difícil de asimilar para el ojo humano es Retrato de Daniel-Herni Kahnweiler, de 1910, ya que el rostro, el torso y las manos han sido descompuestos en una serie de figuras geométricas con el color marrón como protagonista.
    • Un claro ejemplo de los bodegones cubistas (con reminiscencias de Cezánne) es Frutero y calabaza del Museum of Modern Art de Nueva York.  En esta línea también tenemos Pan y frutero sobre una mesa.
    • El gusto por poner distintos elementos en aparente desorden sin perspectivas y en plano es la característica principal de Violín “Jolie Eva” pintado en Ceret, en el verano de 1912.
    • El ensamblaje propio de la escultura cubista se entiende con la serie Guitarras, creada en 1912.
    • Vaso de absenta, de 1914, se vehicula en la misma línea, pero aquí la mezcla de los materiales ha trascendido los propios del taller al incorporar una cucharilla de menaje auténtica.
    • La conocida obra Tres músicos, de 1921, trasciende todas las características del movimiento para tratar a la figura humana de una forma más suave y reconocible. 


    Botella de anís El Mono

     

    Obras de Georges Braque siguiendo el cubismo

     

    • Mano a mano con Picasso, la obra de Braque trata los mismos temas y, a veces, de forma paralela.  Esto es lo que sucede con Desnudo (Gran Bañista) ejecutado entre 1907 y 1908.
    • En Paisaje de L’Estaque, de 1908, la naturaleza se ha reducido a una serie de formas geométricas en líneas verdosas y ocres propiciando la interrogación en el espectador.
    • La referencia a Cézanne se encuentra en Jarro, botella y limón, de 1909.
    • Y la experimentación con las mezclas y el collage llega a su máximo en Aria de Bach, cuadro ejecutado entre 1912 y 1913. 


    Violín y vaso de Georges Braque

    Otras obras del cubismo

    Aunque el movimiento caló hondo en buena parte de los artistas que, por aquellos años, recalaron en París (y nada más tengo que recordar que uno tan alejado de esta tendencia como Diego Rivera se inició en el movimiento), solo un puñado de obras ha trascendido la historia.

    • Entre ellas se encuentra Desnudo bajando por una escalera nº 2 de Marcel Duchamp, donde se ha incorporado una sensación de movimiento en una estética artística que se caracteriza por el estatismo.
    • El Retrato de Pablo Picasso por Juan Gris, de 1912, aún recurriendo a la geometría pura, se nos antoja de un carácter menos agresivo característico de las primeras obras del cubismo.
    • En esta línea, el color se hace abundante en los bodegones de Juan Gris, como puede ser La guitarra o Violín y Botella de vino.
    • Conforme avanza el movimiento, las obras se presentan de una forma más heterogénea.  Así Mujer de azul, de Fernand Leger, se adelanta a la abstracción.
    • En La torre roja de Robert Delaunay, de 1913, el estatismo ha desaparecido por completo y los edificios representados amenazan con derrumbarse.
    • El color, la geometría y un atisbo de abstracción puede verse en En el puerto, de Albert Gleizes y realizado en una fecha tardía: 1917.
    • Un tanto de lo mismo sucede con Composición cubista de María Blanchard, de 1919. 


    cubismo 13 composicion cubista blanchard

     

    La literatura  cubista y los poemas del cubismo

    En lo que respecta a las letras hay que discernir los teóricos del movimiento de entre los literatos que, de alguna manera u otra, se unieron a la causa. El cubismo fue sobre todo pictórico (con las muestras escultóricas que he señalado) y las creaciones literarias fueron mínimas.Durante los años que duró el movimiento París y, especialmente, Montmartre era un hervidero de creadores. En los cafés se reunían pintores, filósofos, poetas y políticos diversos. El trasvase de ideas era constante. Blas Cendras, Max Jacob y, especialmente, Guillaume Apollinaire conocían y ayudaran a difundir el movimiento con sus escritos. Otra cosa son los poemas y/o obras literarias que puedan clasificarse como dentro del cubismo.

    Sí es cierto que la yuxtaposición de planos, los distintos puntos de vista, la supresión de cualquier anécdota pueden ser consideradas características cubistas en los autores arriba mencionados. Pero esas características se encuentran en obras posteriores de autores diversos que poco o nada tienen que ver con el cubismo.La crítica cita Alcools de Guillaume Apollinaire como la esencia del cubismo en literatura. Sus caligramas (predecesores de la poesía visual posterior) son considerados también como una forma de literatura cubista al mezclar lo puramente visual (pictórico) con lo literario. 

    cubismo 17 caligrama apollinaire

    Bibliografía básica

    1. Apollinaire, G.: Los pintores cubistas. (1913). Madrid. La Balsa de la Medusa. 1994.
    2. Bozal, V.: El arte del siglo XX. La construcción de la Vanguardia. Madrid. 1978.
    3. Carrassat, P.F.R. y Marcadé, I.: «CUBISMO (analítico, sintético)», en Movimientos de la pintura, págs. 102-105.Larousse. Barcelona. 2004.
    4. Cooper, D.: La época cubista. Madrid. 1984.
    5. Essers, V.: «La modernidad clásica. La pintura durante la primera mitad del siglo XX», en Los maestros de la pintura occidental. Vol. II. Taschen. 2005.
    6. Hoffmann, W.: Los fundamentos del arte moderno. Barcelona. 1991.
    7. Marchán Fiz, S.: «Nacimiento y evolución del cubismo (1907-1914): Braque, Picasso y J. Gris», en Summa Artis. Historia general del arte (Antología, vol. XII.Madrid.  Espasa Calpe. 2004.
    8. Ramírez Domínguez, J.A.: «El cubismo», en Historia del Arte. Anaya. Madrid.  1986.
    9. VV.AA.: Descubrir el arte del siglo XX. La Polígrafa. Barcelona. 1995. 

    Nota.- Todas las imágenes son de contenido libre. De arriba a abajo:

    1.- Pablo Picasso: Las señoritas de Avignon. 1907.
    2.- Pablo Picasso: Mujer con mandolina. 1909.  
    3.- Georges Braque: Platón y plato de frutas. 1908. 
    4.- Marcel Duchamp: Desnudo bajando la escalera nº 2. 1912. 
    5.- Juan Gris: Retrato de Picasso. 1912.
    6.- Pablo Picasso: El jugador de cartas. 1914. 
    7.- Georges Braque: Hombre con guitarra. 1914. 
    8.- Robert Delaunay: La torre roja. 1909-191.
    9.- María Blanchard: Naturaleza muerta con lámpara en rojo. 1916-1918.
    10.- Alexander Archipenko: Mujer caminando. 1912.
    11.- Juan Gris: La ventana abierta. 1921.  
    12.- Albert Gleizes: Las bañistas. 1912. 
    13.- Jean Metzinger: Danza en un café. 1912. 
    14.- André Lothe: L'Scale. 1913. 
    15.- Fernand Léger: La ciudad. 1919. 
    16.- Henri Laurens: Amphion. 1952. 
    17.- Pablo Picasso: Botella de anís El Mono. 1919. 
    18.- Georges Braque: Violín y vaso. 1914. 
    19.- María Blanchard: Composición cubista. 1919. 
    20.- Guillaume Apollinaire: Caligrama. 1920. 

    Recuerda que la casilla comentarios está abierta a tus impresiones. 

    Por Candela Vizcaíno

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    Guía completa para entender el movimiento artístico perteneciente a las vanguardias históricas conocido como cubismo en sus distintas etapas.  

    El cubismo, una definición, qué fue y cómo se desarrolló

    A decir de los estudiosos, el primer movimiento artístico de las denominadas vanguardias históricas fue tan corto en el tiempo que apenas tuvo una década duración. El cubismo se inaugura en 1907 con las Señoritas de Avignon de Pablo Picasso y siete años después (con el comienzo de la I Guerra Mundial) el movimiento se considera agotado, aunque no es así con la trayectoria artística de sus principales representantes. Junto con el surrealismo y el fauvismo fue el movimento señero de las llamadas vanguardias históricas. 


    El término fue propuesto por Apollinaire en 1908 al reducir todo el movimiento a las particulares formas geométricas que caracterizan gran parte de las obras encuadradas en la corriente artística. Su libro Los pintores cubistas sigue siendo imprescindible a la hora de estudiar esta tendencia que fue pictórica, pero también escultórica. 


    Es considerado, como he anotado, el primer movimiento artístico de las vanguardias históricas y el que quiso “liberar” a las artes plásticas de su papel representativo. Una idea que no se entiende sin el avance de la fotografía y la popularidad creciente del cine mudo. A decir de los creadores de la época (no solo del cubismo), si estos inventos pueden captar la realidad tal cual es, el arte, por tanto, podría encaminarse por otros derroteros, ya que la representación de la realidad podría hacerse por medios alternativos. 

    cubismo 2 mujer de la mandolina picasso


    A esta irrupción tecnológica que desbarata la cosmovisión hasta entonces imperante se une el desarrollo de las técnicas del psicoanálisis con la definición del inconsciente.  Recordemos que El significado de los sueños de Freud se publica en el año 1900. Estas ideas que inauguran la psicología moderna con su descripción de un mundo oscuro, desconocido para la mente, pero vital para la persona, seducen a los artistas hacia la plasmación de otra dimensión de la realidad, más allá del mundo físico y tangible. Este extremo llegará a su apoteosis artística con el surrealismo y, de alguna manera u otra, permanece vigente durante buena parte del siglo XX. 


    Por si esto fuera poco, el avance de la ciencia y de la comprensión del universo (La Teoría de la Relatividad nace en el año 1905) trastoca los conceptos que hasta entonces se tenía del tiempo y del espacio. Y las revoluciones no acaban con el desarrollo de la técnica o el avance exponencial del conocimiento, ya que también hay movimientos importantes en el orden socio-político.  Dejamos solo unas fechas: 1910 fue el año de la Revolución en México, un año después le tocaría a China y en 1914 el mundo al completo se ensalza a tiros en trincheras excavadas en media Europa.  

    Características del cubismo o cómo reconocer un cuadro cubista

    Estos movimientos en el orden socio político se dejan ver en la economía con los primeros manifiestos, libros o panfletos que abonan el campo que llevará al Comunismo. El arte no podía ser ajeno a esos cambios. Por eso, lo primero que proponen los artistas del cubismo es una ruptura total con todo el pasado y aquí radica su primera característica. Pero no será la única. Anota:

    • De este divorcio con la creación de los siglos anteriores solo se salvan contados nombres. El aduanero Rousseau (considerado junto con Alfred Jarry un subversivo social), Seurat o Cézanne (por sus investigaciones para encontrar un método para el arte) están entre los pocos artistas que merecían ser tenidos en cuenta.
    • El arte africano, sobre todo las máscaras de ídolos y dioses, comienzan a ser valoradas por su expresión “cortante” y significativas aristas. En la predilección por este gusto no estuvo solo, ya que el fauvismo también demostró un gusto especial por esta forma expresiva alejada, por entonces, de los estándares expresivos europeos.
    • Se vuelve a la significación de los materiales, al continente como generador de sentidos.
    • Los descubrimientos del psicoanálisis abonan el terreno para considerar la realidad de forma poliédrica. Los artistas del cubismo harían suya esta idea creando obras en las que se quería mostrar varios momentos a la vez.
    • Los objetos representados (que pueden ser figuras humanas) parecen ser transparentes en un intento por mostrar, de forma plástica, “distintas realidades”.
    • Se ve una predilección por los colores grises, tierras, ocres o verdosos.
    • Aunque algunos artistas (el primer Picasso, por ejemplo) se rigen por un deseo de plasmar la realidad a base de impulsos, en líneas generales hay un gusto por el análisis, por la metodología, por seguir los fundamentos de la ciencia, por la austeridad…
    • El arte pretendía, así, dinamitar las fronteras de los géneros, a la par que quería librarse de su papel imitador de la naturaleza.
    • Nacen los papiers collés o collage, esto es, se mezclan materiales en la misma obra, ya que al óleo tradicional se insertan hules, plásticos, papeles o elementos varios de la vida cotidiana (metales, cucharillas, cuerdas...)
    • En pintura, hay una predilección por objetos de la vida cotidiana que se presenta a la manera de los bodegones clásicos, pero fragmentados en descomposiciones planas prevaleciendo las líneas geométricas hasta llegar a acentuar las aristas tan del gusto de todos los artistas que integran el cubismo.
    • En el ámbito de la escultura se asiste, por primera vez, al assemblage con materiales de distinta procedencia incluso entresacados de la vida cotidiana. En este sentido, podemos considerar la tendencia como la continuación de lospapiers collés de la pintura.  


    cubismo 3 plato y frutas braque

     

    El cubismo analítico o hermético, Pablo Picasso y Georges Braque en busca del nuevo arte

    Entre 1909 y 1912, en distintas circunstancias y emplazamientos, Pablo Picasso y Georges Braque se embarcan en una serie de investigaciones y debates con el fin de explotar todas las posibilidades del arte. Con este análisis se pretendía romper con cualquier atisbo del pasado. Nace el denominado cubismo analítico, el cual se caracteriza por:

    • Se lleva al máximo la descomposición en la representación, ya sean de objetos o de figuras humanas.
    • Tiene una fuerte impronta intelectual. Por eso es tan difícil de asimilar por el gran público (incluso hoy en día) ya que apela, no a lo inconsciente, sino a lo racional. Cualquier indicador de sentimentalidad es apartado de la creación. En este sentido, son las técnicas, las matemáticas y un pretendido orden los que prevalecen.
    • La figura humana pierde protagonismo y es rebajada a la condición de mero objeto, a la par que los contornos son tratados con una geometría feroz, como si estuvieran dibujados o plasmados con tiralíneas.
    • El lienzo se llena de formas en aparente desorden en un afán rupturista que proponía otra observación de la realidad. Si los objetos son presentados en batiburrillo, el espectador tenía como misión “ordenar” en su mente el mensaje dado por el artista. En esta línea, podemos decir que el cubismo es el antecedente más remoto de la filosofía de la deconstrucción imperante a finales del siglo XX.
    • Por esta razón, el espectador debe tomar protagonismo al tener que recomponer o reconocer esos objetos, la mayoría de la vida cotidiana, en su mente. El diálogo que ejerce la obra se torna, por  tanto, mucho más intenso.
    • El color de las obras se reduce a los ocres, pardos, grises, azules fuertes o los rosados de, por ejemplo, Las señoritas de Avignon. En la mente y espíritu de Picasso y Braque parecían que estos tonos eran los que más se aproximaban al lenguaje de la razón. 
    • Las características del cubismo sintético más allá de las obras de Braque y Picasso

      A partir del año 1911, el arte cubista sufre una transformación. Si en la etapa analítica o hermética son Pablo Picasso y Georges Braque los abanderados de esta nueva forma de hacer arte, a partir de esta fecha el movimiento (aunque nunca tuvo un manifiesto que podamos calificarlo de tal modo) comienza a expandirse. Se hace de dos maneras o en dos vías distintas: con la incorporación de nuevos artistas, primero, y llegando a un público más amplio, en segunda instancia. Y eso sin olvidar que el epicentro se encontraba y siempre estuvo en París, punto de encuentro artístico internacional desde hacía varias décadas.

      En 1912 Jean Metzinger y Albert Gleizes publican  Del cubismo, una reflexión a la manera de ensayo en la que se sistematizaba las características de este nuevo movimiento. Un año después, Apollinaire pone en las estanterías Meditaciones estéticas. Los pintores cubistas. Esto es, la nueva forma de hacer arte había traspasado los talleres y las galerías para ser objeto de estudio de los críticos, aunque fueran los mismos integrantes del movimiento los que reflexionaran sobre esta línea artística.Con respecto a la etapa analítica encontramos algunas diferencias que resumo en las siguientes:

      • Una vuelta al color. Se abandonan las paletas de ocre y grises para centrarse en toda la gama cromática.
      • Las formas no se presentan tan marcadas desde el punto de vista geométrico llegando incluso a desdibujarse sin confundirse con la abstracción. Aunque hay preferencia por las  estructuradas en ángulo, comienzan a utilizarse también las líneas curvas.
      • Nacen obras con un marcado intento de burlar el ojo del espectador utilizando técnicas de trampantojos o collages vanguardistas con materiales diversos.
      • Eso propició un debate sobre lo real frente a lo inventado (que aún perdura en algunos sentidos).
      • Paralelamente al nacimiento del libro de artista de vanguardia, con los Libros de Diálogo mano a mano entre poetas y creadores plásticos, la tipografía entra en los cuadros, así como las frases sueltas o palabras aquí y allá que se unían en un todo para crear un sentido ambivalente.
      • Si en la primera etapa, la analítica o hermética, se vuelve a retomar el sentido de la perspectiva del Renacimiento, ahora se da un paso más allá al utilizar el mágico número áureo en algunas creaciones.
      • En definitiva, en esta etapa, al entrar nuevos pintores y creadores, el movimiento se hizo más heterogéneo y más dinámico al incorporar la particular visión de cada uno de los artistas.
      • Eso propició que cada uno de ellos hiciera valer sus particulares  sellos de identidad. Duchamp, por poner un ejemplo, se afanó por captar el movimiento. Leger fue uno de los primeros que vio la posible alienación humana debido al avance de las máquinas (los coches y los artilugios comienzan a inundar las calles). 

      A partir de la I Guerra Mundial, con medio mundo en llamas, cada uno de los artistas del cubismo comenzó una nueva andadura. Si Picasso, con su trabajo para los Ballets Rusos siguiendo los encantos de una de sus integrantes, vuelve a la figuración, otros se meten de lleno en la abstracción.Que el movimiento, como tal, se agotara no significó que sus integrantes, de los que doy cuenta a continuación, no siguieran ejerciendo de forma fructífera. De hecho, hubo quien abanderó alguna que otra corriente artística distinta. Lo vemos uno a uno.  


      cubismo 5 retrato de picasso gris

       

      Principales artistas, pintores, representantes y escultores del cubismo

      • Pablo Picasso, el artista más complejo del siglo XX

      No se puede entender la historia del arte del siglo XX sin la figura de Pablo Picasso (Málaga, 1881 – Mougins 1973). Desde su Málaga natal y pasando por Barcelona (por entonces un centro interesante a nivel creativo), un jovencísimo Picasso se instala en París en 1904 donde entra en contacto con las vanguardias llegando a trascenderlas hasta tal punto que se erige en adalid de los movimientos estéticos de la época. En aquel momento, a la Ciudad de la Luz arribaban creadores, filósofos o políticos desde todos los rincones del orbe realizándose una simbiosis nunca vista en la historia moderna.

      En este sentido, solo podemos encontrar un caso similar en la historia que fue la Alejandría de los Ptolomeos, los mismos que crearon la primera biblioteca de importancia.Picasso bebe de las teorías que se respiraban en el aire de París (Freud, Einstein, el avance del cine, las nuevas fórmulas político-económicas que desembocarían en el comunismo…) y crea las primeras obras del primer movimiento de vanguardia. También son las más significativas. Junto a Braque desarrolló el cubismo analítico para luego evolucionar hacia el sintético. Y eso sin contar que algunos críticos encasillan algunas de sus creaciones como cubismo rococó o curvilíneo. A su refugio veraniego de Ceret, en el Sur, llegaron diferentes artistas en post del ya maestro Pablo Picasso, quien (y eso para otro día) no se agotó con el cubismo sino que el movimiento artístico le sirvió para dar un paso más hacia una de las obras más singulares de la historia.

      cubismo 12 el jugador de cartas picasso

      • Georges Braque, el pintor que elevó el collage a los altares del arte


      Iniciado en el fauvismo, la corriente de los denominados salvajes, evolucionó junto con Pablo Picasso hacia el cubismo. Georges Braque (1882-1963) sentía predilección por los bodegones, las naturalezas muertas e, incluso, por inquietantes paisajes. El gusto del cubismo por la mezcla de materiales, tal como he expuesto anteriormente, le llevó a realizar experimentaciones con madera, papel e, incluso, arena convirtiendo a Georges Braque a un maestro de la técnica. Dotado de gran capacidad de auto-análisis, tal como dejó escrito en suCarnét, consideraba el arte (y especialmente la pintura) como algo alejado de la realidad. El lirismo subyacente en su obra no oculta una importante estructuración y sobriedad.


      cubismo 10 hombre con guitarra braque

      • Robert  Delaunay 

      También iniciado en el fauvismo, su primera etapa muestra reminiscencias del impresionismo. Rompe con una de las características principales del primer cubismo (la de ceñirse a unos cuantos tonos) para ejecutar unos cuadros con un gran predominio del color. Y no solo por su uso sino también por los contrastes a los que sometía las formas.No solo se interesó por la pintura sino que también abordó decorados teatrales, vestuarios, carteles para películas o, incluso, la puesta en escena de la Exposición Universal de París de 1937.

      Aunque encuadrado en el cubismo, su estilo fluctuó a lo largo de su carrera comenzando, como he anotado, con obras de tintes impresionistas, anotándose a los fauves e, incluso, realizando obras de corte más realista. Estas últimas corresponde a su estancia en España y Portugal tras el estallido de la I Guerra Mundial. Ya sea por las crueldades de la guerra o por el sustrato de la pintura tradicional hispana, las obras de esta etapa de Robert Delaunay (1885-1941)  acusan esta tendencia. Tampoco fue ajeno al surrealismo que atrapó a la casi totalidad de artistas de buena parte del siglo XX para terminar sus días investigando con las posibilidades de la abstracción. Por si esto fuera poco, también coqueteó con el dadaísmo. 


      cubismo 7 la torre roja delaunay

       

      • María Blanchard

      La española María Blanchard (Santander, 1881-París 1932) desarrolló una de las trayectorias artísticas más interesantes de la primera mitad del siglo XX. De familia acomodada y culta, estudió, primero, en Madrid donde adquirió los rudimentos de la técnica y, luego, en el bullicioso París de las Vanguardias. Allí se instaló en 1908 donde subsistió con recursos escasísimos dedicada a su arte y a dar clases de pintura. Aquejada de una escoliosis desde pequeña, esta característica física influyó tanto en la percepción que de ella misma tenía, que la creación fue como un refugio (¡y de qué manera!) para superar los avatares de la vida cotidiana.

      La obra de María Blanchard destella una originalidad y altura artística muy por encima de la reconocida por la historia. La ensoñación (o la fantasía) convive con una sobriedad hispana no exenta de cierta tristeza, la misma que aquejó a la artista durante toda su vida.Los últimos años de su existencia fueron duros para María, ya que a los problemas de autoestima (tal como podríamos definirlos hoy en día) que arrastró desde la infancia se unieron sus hermanas. Se mudaron a vivir con ella (y de ella). Esto empeoró su ánimo y su situación económica. Al tiempo, los temas se volvieron más íntimos. Los niños, la familia y los objetos domésticos predominan en su obra durante esta última etapa. 


      cubismo 8 naturaleza muerta con lámpara roja blanchard

      • Alexander Archipenko

      Es uno de los pocos escultores clasificados dentro del cubismo. Nacido en Kiev, en 1887, estudió en Moscú antes de emigrar hasta París (la meta de todo creador de la época, recordemos). Aún así, buena parte de su carrera se desarrolló en Estados Unidos donde se instaló en 1924.Su contribución al arte se centra en los espacios facetados. Esto es, en la misma obra muestra distintas perspectivas para mostrar la figura humana (sobre todo) desde diferentes puntos de vista. Gustaba de mezclar los planos y del vaciado. No dejó de lado la policromía. Y, además, fue un pionero en la experimentación con los materiales, algo que sería corriente en las manifestaciones artísticas posteriores. Realiza, por ejemplo, esculturas transparentes. Se considera el inventor o el introductor de la llamada escultopintura. 


      cubismo 19

      • Juan Gris

      Nacido como Juan José Victoriano González en 1887 (Madrid), el contacto con Picasso  a partir de 1909, en París, hizo que se uniera al movimiento. Aunque comenzó con los postulados del cubismo analítico, lo mejor de su obra se encuadra en el cubismo sintético.Si su obra destaca por una fuerte coherencia, colorido y por la impecable técnica del dibujo, no se puedo olvidar que el uso del papier collé le llevó a resultados sorprendentes. Célebre por la frase “No es el cuadro el que debe coincidir con un objeto, sino el objeto el que debe hacerlo con el cuadro”, fue fiel al movimiento hasta el final de sus días.Su carrera, aunque corta (falleció en 1827) fue intensa, ya que también fue un notable ilustrador de obras literarias y se encargó de algunos decorados para el ballet de Diaghilev. 


      cubismo 14 la ventana del pintor gris

      • Albert Gleizes

      Su idea era que el cubismo se convirtiera en ciencia (artística, eso sí). Quizás por eso fue uno de los redactores (junto con Jean Meatzinger) de una de las obras de referencia del movimiento: Sobre el cubismo y los medios para comprenderlo, dotándolo de bases teóricas y estéticas. Ese fulgor inicial por el movimiento no impidió a Albert Gleizes (1881-1953), años más tarde, abrazar los postulados de la abstracción. Se interesó por el arte sacro, sobre todo, por el período del Románico en Francia.


      cubismo 20 gleizes las bañistas 1912

      • Jean Metzinger

      Seducido, en principio, tanto por las posibilidades del último impresionismo como por la fuerza expresiva del fauvismo, se adhirió al grupo en 1908. A pesar de su fervor inicial, muy pronto se decanta por un estilo más cercano al realismo.


      cubismo 21 danza en un café metzinger 1912

       

      • André Lothe

      André Lothe (1885-1965) fue otro artista desdoblado en sus creaciones. Si bien se adhirió al movimiento en 1908 tras pasar por etapa fauvista, muy pronto volvió a los postulados clásicos que defendió con fervor. A su labor artística hay que sumar su ingente tarea docente y como crítico de arte.

      cubismo 9 escale lothe

      • Fernand Léger

      Al artista francés se debe la introducción del color en el movimiento. Este gusto quizás se deba al sustrato de la obra de Cézanne y de los últimos impresionistas que subyace en su obra.Fernand Léger (1881-1955) construye un universo de contrastes en el que intenta introducir el dinamismo o el movimiento en el cuadro. Sus primeras obras (hasta el inicio de la Primera Guerra Mundial) muestran objetos tubulares, planos y formas cónicas en los colores primarios.Movilizado y combatiente en Verdum, la experiencia de la guerra (donde estuvo a punto de morir por un ataque de gas) hizo mella (¡no podía ser de otra manera!) en su ánimo y su arte. A partir de 1916 se inicia el denominado “período mecánico”. Las formas adquieren un aire de robot, de máquina (incluso las humanas). Comienza a interesarse por las posibilidades expresivas de los semáforos.En 1920 conoce a Le Cobusier. Sería amigo de por vida y también un referente artístico. Comienza a hacer murales, vidrieras, esculturas, decorados… A partir de los años cuarenta se instala en Estados Unidos donde imparte clases en la prestigiosa Universidad de Yale. Su obra se vuelve más  realista sin perder su particular uso del color y del contraste. 

      cubismo 16 la ciudad leger

      • Henri Laurens 

      Fue otro de los pocos escultores del cubismo con especial predilección por el bronce y la piedra. Eso no quita para que el francés Henri Laurens (1885-1954) no experimentara con lospapiers colliers tan queridos por los integrantes del movimiento. Tuvo predilección por el cuerpo femenino y, quizás por ello, fue progresivamente abandonando las líneas rectas o geométricas por un gusto por las curvas. 

      cubismo 22 amphion laurens 1952

       Las obras más importantes del cubismo o las más conocidas

      Es difícil colocar aquí una lista con las pinturas o esculturas más representativas del movimiento, pero este no se puede entender sin la siguiente lista: Obras del cubismo de Pablo Picasso 

      • Las señoritas de Avignon de Pablo Picasso, el título que inaugura el movimiento.
      • Conocido también es el Autorretrato de Picasso, del mismo año, custodiado en la Galería Nacional de Praga.
      • Del período sintético es Naturaleza muerta con silla de rejilla, de 1912, en el que la técnica del collage llega al extremo al incorporar un hule plástico a la obra.
      • El estanque de Horta, de 1909, es un claro ejemplo del cubismo analítico con un trazado de fuerte impronta geométrica en tonos ocres y verdes.
      • En Bañista, realizado entre 1908 y 1909, aún se adivina la figura humana.  Lo mismo sucede con La mujer de la mandolina del mismo período.
      • Más difícil de asimilar para el ojo humano es Retrato de Daniel-Herni Kahnweiler, de 1910, ya que el rostro, el torso y las manos han sido descompuestos en una serie de figuras geométricas con el color marrón como protagonista.
      • Un claro ejemplo de los bodegones cubistas (con reminiscencias de Cezánne) es Frutero y calabaza del Museum of Modern Art de Nueva York.  En esta línea también tenemos Pan y frutero sobre una mesa.
      • El gusto por poner distintos elementos en aparente desorden sin perspectivas y en plano es la característica principal de Violín “Jolie Eva” pintado en Ceret, en el verano de 1912.
      • El ensamblaje propio de la escultura cubista se entiende con la serie Guitarras, creada en 1912.
      • Vaso de absenta, de 1914, se vehicula en la misma línea, pero aquí la mezcla de los materiales ha trascendido los propios del taller al incorporar una cucharilla de menaje auténtica.
      • La conocida obra Tres músicos, de 1921, trasciende todas las características del movimiento para tratar a la figura humana de una forma más suave y reconocible. 


      Botella de anís El Mono

       

      Obras de Georges Braque siguiendo el cubismo

       

      • Mano a mano con Picasso, la obra de Braque trata los mismos temas y, a veces, de forma paralela.  Esto es lo que sucede con Desnudo (Gran Bañista) ejecutado entre 1907 y 1908.
      • En Paisaje de L’Estaque, de 1908, la naturaleza se ha reducido a una serie de formas geométricas en líneas verdosas y ocres propiciando la interrogación en el espectador.
      • La referencia a Cézanne se encuentra en Jarro, botella y limón, de 1909.
      • Y la experimentación con las mezclas y el collage llega a su máximo en Aria de Bach, cuadro ejecutado entre 1912 y 1913. 


      Violín y vaso de Georges Braque

      Otras obras del cubismo

      Aunque el movimiento caló hondo en buena parte de los artistas que, por aquellos años, recalaron en París (y nada más tengo que recordar que uno tan alejado de esta tendencia como Diego Rivera se inició en el movimiento), solo un puñado de obras ha trascendido la historia.

      • Entre ellas se encuentra Desnudo bajando por una escalera nº 2 de Marcel Duchamp, donde se ha incorporado una sensación de movimiento en una estética artística que se caracteriza por el estatismo.
      • El Retrato de Pablo Picasso por Juan Gris, de 1912, aún recurriendo a la geometría pura, se nos antoja de un carácter menos agresivo característico de las primeras obras del cubismo.
      • En esta línea, el color se hace abundante en los bodegones de Juan Gris, como puede ser La guitarra o Violín y Botella de vino.
      • Conforme avanza el movimiento, las obras se presentan de una forma más heterogénea.  Así Mujer de azul, de Fernand Leger, se adelanta a la abstracción.
      • En La torre roja de Robert Delaunay, de 1913, el estatismo ha desaparecido por completo y los edificios representados amenazan con derrumbarse.
      • El color, la geometría y un atisbo de abstracción puede verse en En el puerto, de Albert Gleizes y realizado en una fecha tardía: 1917.
      • Un tanto de lo mismo sucede con Composición cubista de María Blanchard, de 1919. 


      cubismo 13 composicion cubista blanchard

       

      La literatura  cubista y los poemas del cubismo

      En lo que respecta a las letras hay que discernir los teóricos del movimiento de entre los literatos que, de alguna manera u otra, se unieron a la causa. El cubismo fue sobre todo pictórico (con las muestras escultóricas que he señalado) y las creaciones literarias fueron mínimas.Durante los años que duró el movimiento París y, especialmente, Montmartre era un hervidero de creadores. En los cafés se reunían pintores, filósofos, poetas y políticos diversos. El trasvase de ideas era constante. Blas Cendras, Max Jacob y, especialmente, Guillaume Apollinaire conocían y ayudaran a difundir el movimiento con sus escritos. Otra cosa son los poemas y/o obras literarias que puedan clasificarse como dentro del cubismo.

      Sí es cierto que la yuxtaposición de planos, los distintos puntos de vista, la supresión de cualquier anécdota pueden ser consideradas características cubistas en los autores arriba mencionados. Pero esas características se encuentran en obras posteriores de autores diversos que poco o nada tienen que ver con el cubismo.La crítica cita Alcools de Guillaume Apollinaire como la esencia del cubismo en literatura. Sus caligramas (predecesores de la poesía visual posterior) son considerados también como una forma de literatura cubista al mezclar lo puramente visual (pictórico) con lo literario. 

      cubismo 17 caligrama apollinaire

      Bibliografía básica

      1. Apollinaire, G.: Los pintores cubistas. (1913). Madrid. La Balsa de la Medusa. 1994.
      2. Bozal, V.: El arte del siglo XX. La construcción de la Vanguardia. Madrid. 1978.
      3. Carrassat, P.F.R. y Marcadé, I.: «CUBISMO (analítico, sintético)», en Movimientos de la pintura, págs. 102-105.Larousse. Barcelona. 2004.
      4. Cooper, D.: La época cubista. Madrid. 1984.
      5. Essers, V.: «La modernidad clásica. La pintura durante la primera mitad del siglo XX», en Los maestros de la pintura occidental. Vol. II. Taschen. 2005.
      6. Hoffmann, W.: Los fundamentos del arte moderno. Barcelona. 1991.
      7. Marchán Fiz, S.: «Nacimiento y evolución del cubismo (1907-1914): Braque, Picasso y J. Gris», en Summa Artis. Historia general del arte (Antología, vol. XII.Madrid.  Espasa Calpe. 2004.
      8. Ramírez Domínguez, J.A.: «El cubismo», en Historia del Arte. Anaya. Madrid.  1986.
      9. VV.AA.: Descubrir el arte del siglo XX. La Polígrafa. Barcelona. 1995. 

      Nota.- Todas las imágenes son de contenido libre. De arriba a abajo:

      1.- Pablo Picasso: Las señoritas de Avignon. 1907.
      2.- Pablo Picasso: Mujer con mandolina. 1909.  
      3.- Georges Braque: Platón y plato de frutas. 1908. 
      4.- Marcel Duchamp: Desnudo bajando la escalera nº 2. 1912. 
      5.- Juan Gris: Retrato de Picasso. 1912.
      6.- Pablo Picasso: El jugador de cartas. 1914. 
      7.- Georges Braque: Hombre con guitarra. 1914. 
      8.- Robert Delaunay: La torre roja. 1909-191.
      9.- María Blanchard: Naturaleza muerta con lámpara en rojo. 1916-1918.
      10.- Alexander Archipenko: Mujer caminando. 1912.
      11.- Juan Gris: La ventana abierta. 1921.  
      12.- Albert Gleizes: Las bañistas. 1912. 
      13.- Jean Metzinger: Danza en un café. 1912. 
      14.- André Lothe: L'Scale. 1913. 
      15.- Fernand Léger: La ciudad. 1919. 
      16.- Henri Laurens: Amphion. 1952. 
      17.- Pablo Picasso: Botella de anís El Mono. 1919. 
      18.- Georges Braque: Violín y vaso. 1914. 
      19.- María Blanchard: Composición cubista. 1919. 
      20.- Guillaume Apollinaire: Caligrama. 1920. 

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      Por Candela Vizcaíno

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el bosque de las respuestas

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