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surrealismo

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Entendemos la obra El carnaval del arlequín (1924-1925) de Joan Miró (1893-1983), uno de los más importantes artistas surrealistas. 

En las primeras décadas del siglo XX, la irrupción de los distintos estilos artísticos de las denominadas vanguardias históricas desembocó en el gran movimiento denominado surrealismo. No fue por casualidad, ya que se realizaron una serie de avances en el campo de la medicina, la técnica y la filosofía que se unieron, por un lado, a las grandes transformaciones de la ciencia y de las ciudades y, por el otro, a los horrores de la Primera Guerra Mundial. En el campo que nos ocupa, el hito más significativo es la publicación en 1900 de La interpretación de los sueños, poniendo sobre la mesa el concepto de inconsciente según Freud. Por tanto, el análisis y el significado último de El carnaval del arlequín de Miró hay que entenderlo en relación con esta obra fundamental, ya que supuso un antes y un después en el conocimiento de la espiritualidad humana. 

Inconsciente y surrealismo: datos básicos para entender El carnaval del arlequín

Hasta los estudios de Freud, la psique humana era considerada inmutable y todos los actos de los individuos se entendían guiados por los postulados de la razón. Así había sido aceptado especialmente desde finales del siglo XVII con la asimilación de la cultura del Neoclasicismo, cuyo principio básico era la entronización de la razón y el positivismo. Sin embargo, en los albores del siglo XX la revolución llegó con los estudios basados en el psicoanálisis y en todas las facetas y aristas del inconsciente. Aparece ante la humanidad, por tanto, un emplazamiento desconocido, oscuro y que ofrece información de radical importancia para el desarrollo de la mente y la espiritualidad. El inconsciente es un emplazamiento desconocido con mensajes de vital importancia para la humanidad. La dificultad llega con el lenguaje escogido para esa comunicación. Este es el de los símbolos, presentes en los sueños y en el arte, pero cuyos códigos han sido olvidados por el individuo occidental contemporáneo.  

Un poco más tarde, C.G.Jung (1875-1961) y su escuela levantan el concepto de inconsciente colectivo materializado en los arquetipos. Con estas investigaciones se llega a la conclusión de que hay una serie de imágenes elementales que responden a anhelos, virtudes y vicios humanos comunes a la humanidad. Reduciendo mucho, este conocimiento, cuando se maneja a nuestro favor, propicia lo que Jung denominó el proceso de individuación, etapa anterior a la consecución de la serenidad y, en último extremo, a la felicidad. 

Así, los artistas y representantes del surrealismo, tanto en el campo literario como en el plástico, recogen todo este conocimiento y promulgan que el mundo anterior no sirve, ya que la información que nos ofrece está incompleta y se ofrece sesgada por desconocimiento. Aunque la gran mayoría de los movimientos de vanguardia, desde el dadaísmo hasta el futurismo, se empañaron en negar cualquier herencia de la tradición, con el surrealismo se hace más patente si cabe. Los surrealistas aspiran a una nueva vida en la que no haya ningún tipo de imposición mental, espiritual o social. Para llegar a ella se zambullen en el pensamiento simbólico procedente de los sueños e, incluso, de estados alterados de consciencia. Cualquier camino será válido si este nos lleva a la información inconsciente que queda oculta a la raza humana.  

Joan Miró, el creador de El carnaval del arlequín 

Nace en Barcelona en 1893 cuando la Ciudad Condal era un bullicio de artistas de todo tipo mezclados con buscavidas y gentes de negocio. Milita en la estética surrealista durante toda su vida (aunque coquetea con los postulados del dadaísmo) creando un universo pictórico muy personal en el que se mezclan seres irreconocibles con símbolos universales y elementos geométricos. Sus figuras son potentes, planas, de trazo firme y siempre en los tonos básicos en los que predominan el blanco, negro, rojo o amarillo. Viaja a París, ombligo del mundo por entonces. Allí comienza a tener alucinaciones, al parecer, provocadas por el hambre y la escasez. Y es aquí donde desarrolla sus imágenes tan personales y únicas en obras tanto en el ámbito pictórico como en el escultórico.  

A pesar de que el estilo de Miró responde a todas las características del surrealismo, fue capaz de crear un universo propio, de raigambre onírica, con elementos tomados de la naturaleza pero, a la vez, compuestos, mezclados y combinados en un relato irreal y cercano a la alucinación. Sus obras están llenas de símbolos en espacios planos, de una imaginación desbordante que muestra un universo interior que quiere ser alegre, vital y mediterráneo. Muere en 1983 en Palma de Mallorca rodeado de éxito internacional y de él dijo Bretón (el redactor del Manifiesto Surrealista) que fue “la más bella pluma del sombrero surrealista”. Hoy sus obras están desperdigadas por todo el mundo, aunque un buen puñado de ellas se encuentran en la Fundación Miró de Barcelona y en el espacio dedicado al artista en Palma de Mallorca.  

Análisis  y significado de El carnaval del arlequín 

1.- La obra es un pequeño óleo sobre lienzo de 66 x 93 cms que se encuentra en la Albreight-Knox Gallery de Búfalo. Miró lo pintó entre 1924 y 1925 justo cuando dejó de lado su faceta realista para sumergirse de lleno en el surrealismo.  

2.- Sobre un fondo claro se van desplegando figuras, elementos, partes reconocibles del cuerpo humano (un ojo) y extrañas criaturas que no se encuentran en la naturaleza, aunque podamos asimilar algunas a seres reconocibles. Así, encontramos en la esquina inferior derecha lo que parece un perro, eso sí con la cara de color rojo y las patas delanteras totalmente ajenas a los parámetros de este ser vivo. Encontramos en el centro (sobre un dado) una especie de insecto que tiene la misma proporción que el resto de las figuras.  

3.- En la parte de abajo central se sitúa el arlequín (protagonista del cuadro) deformado y tirando de un hilo que parece arrastrar al perro nombrado anteriormente, aunque el movimiento nos recuerda al de una cometa que no quiere alzar el vuelo. Ruedas, miradas extrañas, espirales, estrellas, notas musicales y una guitarra flotando son elementos reconocibles. 

El Carnaval del Arlequin de Miro 

4.- En El carnaval del arlequín predomina el color intenso, el azul, amarillo y rojo de forma plana sin sombras y los distintos elementos están superpuestos como si estuvieran flotando y sin ninguna perspectiva, sombra o ordenación jerárquica. 

5.- Los cuerpos han sido desmaterializados. Apenas adivinamos qué criatura se encuentra detrás, ya que los distintas partes de la misma han sido manipuladas de tal manera que la sensación que nos ofrece es de inquietud o de perturbación.  

6.- Toda la imagen nos sumerge en un mundo onírico, irreal, en una especie de orquesta de seres imposibles que se encuentran como en un escaparate sin ningún tipo de interacción entre ellos. No hay violencia en la obra, tal como nos encontramos en otras pinturas surrealistas y nada más tenemos que poner dos ejemplos (ya analizados en este espacio) de Dalí: La persistencia de la memoria y El gran masturbador.  

7.- El carnaval del arlequín más bien nos remite a una fiesta, a una alucinación, a un estado alterado de conciencia, extremo este reconocido incluso por el artista. Los elementos parecen flotar dando un mensaje imposible de descifrar.  

8.- Aún así, la sensación es de alegría, de vitalidad, de juego, de baile, de burla de nuestra razón incapaz de comprender ese mundo más allá de la frontera de la conciencia. En la obra, Miró no juzga pero sí nos pone ante una nueva realidad que al espectador le es imposible de descifrar. Nos remite a las máscaras, a las fronteras, a lo que se encuentra más allá. La obra nos dice de una forma distinta de estar en el mundo, irreconocible para la mente consciente y nos intenta sumergir en otra realidad ajena a la razón. Y lo hace utilizando el disfraz, el juego, la burla, el engaño… para mostrar la verdad, tal cual sucede en un carnaval.  

El carnaval del arlequín de Miró forma parte de esas obras surrealistas que dejan aparcado a un lado la crítica para sumergirse en la ironía, en la burla, en el juego y, también, en la alegría.  

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

 

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El arte es lo que queda cuando todo ha pasado. Es lo inmutable dentro del cambio. Es la belleza en un mundo en caos. El arte es parte importante de este sitio. Intentamos comprenderlo. 

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Entendemos la obra El carnaval del arlequín (1924-1925) de Joan Miró (1893-1983), uno de los más importantes artistas surrealistas. 

En las primeras décadas del siglo XX, la irrupción de los distintos estilos artísticos de las denominadas vanguardias históricas desembocó en el gran movimiento denominado surrealismo. No fue por casualidad, ya que se realizaron una serie de avances en el campo de la medicina, la técnica y la filosofía que se unieron, por un lado, a las grandes transformaciones de la ciencia y de las ciudades y, por el otro, a los horrores de la Primera Guerra Mundial. En el campo que nos ocupa, el hito más significativo es la publicación en 1900 de La interpretación de los sueños, poniendo sobre la mesa el concepto de inconsciente según Freud. Por tanto, el análisis y el significado último de El carnaval del arlequín de Miró hay que entenderlo en relación con esta obra fundamental, ya que supuso un antes y un después en el conocimiento de la espiritualidad humana. 

Inconsciente y surrealismo: datos básicos para entender El carnaval del arlequín

Hasta los estudios de Freud, la psique humana era considerada inmutable y todos los actos de los individuos se entendían guiados por los postulados de la razón. Así había sido aceptado especialmente desde finales del siglo XVII con la asimilación de la cultura del Neoclasicismo, cuyo principio básico era la entronización de la razón y el positivismo. Sin embargo, en los albores del siglo XX la revolución llegó con los estudios basados en el psicoanálisis y en todas las facetas y aristas del inconsciente. Aparece ante la humanidad, por tanto, un emplazamiento desconocido, oscuro y que ofrece información de radical importancia para el desarrollo de la mente y la espiritualidad. El inconsciente es un emplazamiento desconocido con mensajes de vital importancia para la humanidad. La dificultad llega con el lenguaje escogido para esa comunicación. Este es el de los símbolos, presentes en los sueños y en el arte, pero cuyos códigos han sido olvidados por el individuo occidental contemporáneo.  

Un poco más tarde, C.G.Jung (1875-1961) y su escuela levantan el concepto de inconsciente colectivo materializado en los arquetipos. Con estas investigaciones se llega a la conclusión de que hay una serie de imágenes elementales que responden a anhelos, virtudes y vicios humanos comunes a la humanidad. Reduciendo mucho, este conocimiento, cuando se maneja a nuestro favor, propicia lo que Jung denominó el proceso de individuación, etapa anterior a la consecución de la serenidad y, en último extremo, a la felicidad. 

Así, los artistas y representantes del surrealismo, tanto en el campo literario como en el plástico, recogen todo este conocimiento y promulgan que el mundo anterior no sirve, ya que la información que nos ofrece está incompleta y se ofrece sesgada por desconocimiento. Aunque la gran mayoría de los movimientos de vanguardia, desde el dadaísmo hasta el futurismo, se empañaron en negar cualquier herencia de la tradición, con el surrealismo se hace más patente si cabe. Los surrealistas aspiran a una nueva vida en la que no haya ningún tipo de imposición mental, espiritual o social. Para llegar a ella se zambullen en el pensamiento simbólico procedente de los sueños e, incluso, de estados alterados de consciencia. Cualquier camino será válido si este nos lleva a la información inconsciente que queda oculta a la raza humana.  

Joan Miró, el creador de El carnaval del arlequín 

Nace en Barcelona en 1893 cuando la Ciudad Condal era un bullicio de artistas de todo tipo mezclados con buscavidas y gentes de negocio. Milita en la estética surrealista durante toda su vida (aunque coquetea con los postulados del dadaísmo) creando un universo pictórico muy personal en el que se mezclan seres irreconocibles con símbolos universales y elementos geométricos. Sus figuras son potentes, planas, de trazo firme y siempre en los tonos básicos en los que predominan el blanco, negro, rojo o amarillo. Viaja a París, ombligo del mundo por entonces. Allí comienza a tener alucinaciones, al parecer, provocadas por el hambre y la escasez. Y es aquí donde desarrolla sus imágenes tan personales y únicas en obras tanto en el ámbito pictórico como en el escultórico.  

A pesar de que el estilo de Miró responde a todas las características del surrealismo, fue capaz de crear un universo propio, de raigambre onírica, con elementos tomados de la naturaleza pero, a la vez, compuestos, mezclados y combinados en un relato irreal y cercano a la alucinación. Sus obras están llenas de símbolos en espacios planos, de una imaginación desbordante que muestra un universo interior que quiere ser alegre, vital y mediterráneo. Muere en 1983 en Palma de Mallorca rodeado de éxito internacional y de él dijo Bretón (el redactor del Manifiesto Surrealista) que fue “la más bella pluma del sombrero surrealista”. Hoy sus obras están desperdigadas por todo el mundo, aunque un buen puñado de ellas se encuentran en la Fundación Miró de Barcelona y en el espacio dedicado al artista en Palma de Mallorca.  

Análisis  y significado de El carnaval del arlequín 

1.- La obra es un pequeño óleo sobre lienzo de 66 x 93 cms que se encuentra en la Albreight-Knox Gallery de Búfalo. Miró lo pintó entre 1924 y 1925 justo cuando dejó de lado su faceta realista para sumergirse de lleno en el surrealismo.  

2.- Sobre un fondo claro se van desplegando figuras, elementos, partes reconocibles del cuerpo humano (un ojo) y extrañas criaturas que no se encuentran en la naturaleza, aunque podamos asimilar algunas a seres reconocibles. Así, encontramos en la esquina inferior derecha lo que parece un perro, eso sí con la cara de color rojo y las patas delanteras totalmente ajenas a los parámetros de este ser vivo. Encontramos en el centro (sobre un dado) una especie de insecto que tiene la misma proporción que el resto de las figuras.  

3.- En la parte de abajo central se sitúa el arlequín (protagonista del cuadro) deformado y tirando de un hilo que parece arrastrar al perro nombrado anteriormente, aunque el movimiento nos recuerda al de una cometa que no quiere alzar el vuelo. Ruedas, miradas extrañas, espirales, estrellas, notas musicales y una guitarra flotando son elementos reconocibles. 

El Carnaval del Arlequin de Miro 

4.- En El carnaval del arlequín predomina el color intenso, el azul, amarillo y rojo de forma plana sin sombras y los distintos elementos están superpuestos como si estuvieran flotando y sin ninguna perspectiva, sombra o ordenación jerárquica. 

5.- Los cuerpos han sido desmaterializados. Apenas adivinamos qué criatura se encuentra detrás, ya que los distintas partes de la misma han sido manipuladas de tal manera que la sensación que nos ofrece es de inquietud o de perturbación.  

6.- Toda la imagen nos sumerge en un mundo onírico, irreal, en una especie de orquesta de seres imposibles que se encuentran como en un escaparate sin ningún tipo de interacción entre ellos. No hay violencia en la obra, tal como nos encontramos en otras pinturas surrealistas y nada más tenemos que poner dos ejemplos (ya analizados en este espacio) de Dalí: La persistencia de la memoria y El gran masturbador.  

7.- El carnaval del arlequín más bien nos remite a una fiesta, a una alucinación, a un estado alterado de conciencia, extremo este reconocido incluso por el artista. Los elementos parecen flotar dando un mensaje imposible de descifrar.  

8.- Aún así, la sensación es de alegría, de vitalidad, de juego, de baile, de burla de nuestra razón incapaz de comprender ese mundo más allá de la frontera de la conciencia. En la obra, Miró no juzga pero sí nos pone ante una nueva realidad que al espectador le es imposible de descifrar. Nos remite a las máscaras, a las fronteras, a lo que se encuentra más allá. La obra nos dice de una forma distinta de estar en el mundo, irreconocible para la mente consciente y nos intenta sumergir en otra realidad ajena a la razón. Y lo hace utilizando el disfraz, el juego, la burla, el engaño… para mostrar la verdad, tal cual sucede en un carnaval.  

El carnaval del arlequín de Miró forma parte de esas obras surrealistas que dejan aparcado a un lado la crítica para sumergirse en la ironía, en la burla, en el juego y, también, en la alegría.  

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

 

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Significado, comentario y análisis de la pintura surrealista El gran masturbador, una de las más representativas y conocidas de Salvador Dalí. 

Los sentidos y significados de una de las obras del surrealismo más conocidas no pueden entenderse sin los cambios filosóficos, médicos o científicos que explotaron en los primeros años del siglo XX. Si bien la gran mayoría de movimientos estilísticos de las denominadas vanguardias históricas se hicieron eco de la profunda transformación de las ciudades (con los avances de la técnica o la velocidad) y de las relaciones humanas (entrando la soledad y el alineamiento como protagonistas), fue el surrealismo el que quiso bucear en las profundidades del alma humana. Y con este concepto básico tenemos que entender El gran masturbador de Dalí. 

Apuntes mínimos sobre el surrealismo para entender El gran masturbador de Dalí  

Aunque los primeros -ismos se plantearon tirar por tierra cualquier atisbo de tradición haciendo choque frontal con la sociedad imperante, este extremo se llevó a cabo únicamente de manera formal en la mayoría de los casos. Y muchas veces hay que entender únicamente en este sentido las boutades del dadaísmo o los múltiples manifiestos llamando a incendiar el arte del futurismo. Sin embargo, el surrealismo, el movimiento más influyente del siglo XX cuyos coletazos llegan incluso al XXI, se arraiga en otra concepción de la raza humana. Porque es en 1900 cuando sale a la luz La interpretación de los sueños y allí se ponen las bases para un parámetro totalmente nuevo: el inconsciente según Freud (1856-1939). Hasta esa fecha el ser humano se consideraba una entidad inmutable guiada por los postulados de la razón. Nada había que no fuera de su conocimiento. Sin embargo, el psicoanálisis pone sobre la mesa una entidad desconocida, oculta, oscura y guiada por un lenguaje simbólico. Y, además, dispone de información fundamental para completar los recovecos del espíritu humano. Allí, en el inconsciente, habitan anhelos desconocidos y amordazados, a la par que un conocimiento espiritual regido por un pensamiento simbólico fundamental para la existencia. La única manera de acceder a estas profundidades para extraer una sabiduría al máximo era, por entonces, con el arte y los sueños. 

Un poco más tarde, C.G. Jung (1875-1961) da un paso hacia adelante y demuestra la existencia de un inconsciente colectivo que se manifiesta a través de arquetipos. Nos damos de bruces con un emplazamiento desconocido hasta entonces donde habita buena parte de la espiritualidad común a la humanidad. Es aquí donde se concentran virtudes, vicios, expectativas o miedos personales que son, a la vez, comunes a la raza humana. Para el artista de la época, por tanto, estas ideas estallan de golpe invitando a negar la historia. Todo ello impacta profundamente en la filosofía y en el arte de las primeras décadas del siglo XX en una población abrumada, además, por la barbarie de guerras cruentas. Así, las principales características del surrealismo en el arte apelarán a esa nueva información escamoteada a la mente consciente. Por tanto, todo el afán de los artistas (de cualquier género) será sacar a la luz datos fundamentales desconocidos hasta entonces. Los surrealistas, además, pretendían cambiar el mundo y crear un orden nuevo, ya que los parámetros culturales sobre los que se sustentaba la sociedad no estaban completos. Surgen, por tanto, obras de todo tipo que quieren exhibir (a veces de una manera pertubadora e inquietante) aquello que había sido escamoteado. 

Salvador Dalí y El gran masturbador 

La obra es un lienzo de medianas dimensiones (110 x 150 cms) ejecutado en 1929 cuando su autor solo contaba con veinticinco años y acababa de conocer a Gala, la única mujer que formó parte de su vida íntima. En la actualidad, se custodia en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia. Junto con La persistencia de la memoria, es una de las pinturas surrealistas más famosas de todos los autores del movimiento. 

Salvador Dalí nace en Figueres en 1904 en el seno de una familia culta y acomodada. Con tan solo dieciocho años se instala en la Residencia de Estudiantes, punto de encuentro fundamental de la futura intelectualidad de la época. Allí coincide, entre otros, con Buñuel y Lorca con los que traba amistad y se inicia en los principios del psicoanálisis y en las posibilidades del arte surrealista. Previamente, había hecho algunos intentos con el cubismo y con la pintura metafísica de Giorgio de Chirico, cuyo sustrato estilístico se encuentra en la obra que nos ocupa.  

Dalí es uno de los máximos representantes del surrealismo internacional y llegó a crear un método propio, el paranoico-crítico, consistente en ir quitando las capas de la realidad hasta llegar a la esencia. De personalidad compleja y patológicamente tímido no abrazó todos los postulados expuestos en los diferentes manifiestos. Para el genio de Figueres la obra no podía ser el fruto de una creación automática y debía pasar por un proceso de razonamiento. Esta meditación a la hora de afrontar el trabajo se completa con un fantástico domino del dibujo y de la pintura realista. A pesar de ello, sus creaciones entran en el onirismo (en el sueño o en la pesadilla). Encontramos elementos de la naturaleza, pero estos han sido modificados de tal manera que la representación última se nos antoja irreconocible. Dalí hizo del surrealismo una forma de vida casi, ya que no abandonó los principios una vez que se sumergió en las posibilidades expresivas del movimiento. Falleció en 1989 cuando otras estéticas copaban la esfera internacional. 

El Gran Masturbador de Dali 

Análisis de El gran masturbador 

La obra de Dalí puede calificarse como perturbadora con unas claras alusiones eróticas y desde un punto de vista novedoso. Hasta la fecha, no se había tratado la masturbación (un acto tremendamente íntimo) en la historia del arte. El erotismo nunca había llegado a ese nivel de profundidad y nunca se había sacado a relucir los miedos, complejos y dudas con tal grado de exhibicionismo. Los artistas del surrealismo (y así lo hizo Dalí) pretendían hacer del surrealismo una forma de vida. En diversas ocasiones, las obras y los actos podían calificarse como obscenas para los parámetros de la época, ya que ponían de manifiesto actos que (de forma unánime) se consideraban pecaminosos o contrarios a la naturaleza humana.  

En El gran masturbador nos enfrentamos a una pintura que ha sido realizada con elementos realistas pero estos están combinados de tal manera que no reconocemos la narración. El artista se ha sumergido en el pensamiento simbólico de los sueños y nos muestra un autorretrato incompleto que termina en un rostro femenino enfrentado a extremidades masculinas. El relato de la obra nos invita a desentrañar un significado oculto. Todo ello viene potenciado por la presencia de un saltamontes gigante que ocupa el lugar que debería tener la boca. Así la capacidad de expresión ha sido reducida a la cualidad del insecto. Este, además, está plagado de hormigas y gusanos, símbolos universales de la podredumbre, destrucción y muerte.  

El relato perturbador de la obra va a más con la presencia de conchas o restos de animales que parecen horadar la imagen principal y el de un monstruo (parecido al oni de las leyendas japonesas) que sobresale de la carnalidad representada de manera plana y con un tono a todas luces enfermizo. Las figuras, siguiendo la estética de la pintura metafísica, han sido despojadas (a pesar de que están inmortalizadas en un abrazo) de su humanidad y nos recuerdan a los maniquíes que se utilizan como modelos en el aprendizaje de la pintura y el dibujo. Todo ello se ve intensificado con ciertos elementos simbólicos, como la cala que actúa en representación del acto sexual o la sombras que se alargan dramáticamente y de una forma imposible en el espacio natural.  

Significado de El gran masturbador de Dalí  

La obra, por tanto, ahonda en las posibilidades que se abren con el psicoanálisis sobre el que se basa el surrealismo. A partir de una imagen onírica formada por retazos chocantes entre sí de los elementos de la naturaleza interroga al espectador sobre los miedos y las frustraciones más íntimas. Se afronta el sexo de una manera exhibicionista en el que se mezcla la podredumbre (el miedo, la transformación, la suciedad y, en último extremo, la muerte) en contraposición a la belleza presente en el arte clásico. Así, el rostro femenino está representado de una forma serena (a pesar de estar recorrido por esas venas que nos remiten de nuevo a una carnalidad en descomposición). De igual forma, las extremidades masculinas encuentran el trasfondo en el arte griego con su culto a la belleza, la serenidad y la armonía.  

Pero no hay armonía en la obra. El paisaje está reducido al mínimo. No encontramos ningún elemento natural en el que apoyarnos para descansar y todas sus partes nos invitan a entrar en esa zona oscura del inconsciente donde pugnan entre sí los anhelos más fuertes contra las imposiciones culturales. Desde la flor de las calas que nos remiten al acto de la penetración hasta los insectos o el color plano de la misma (en un tono amarillo enfermizo) nos va interrogando una y otra vez sobre los miedos y contradicciones más profundas.  

Comentario de El gran masturbador de Dalí 

El artista acaba de conocer a Gala y se debatía entre deseos que no era capaz de canalizar de una forma saludable (para la cosmovisión actual). De una manera u otra, esa personalidad entre la impotencia, la timidez o la no aceptación de ciertos gustos le acompañaría durante toda su vida. La obra es inquietante por lo que supone de exhibicionismo de la parte más íntima del ser humano. Tenemos que recordar que, en el momento de su ejecución, los postulados surrealistas estaban en todo su apego y los artistas se empeñaban en levantar una frontera entre un mundo desconocido (agazapado en las profundidades de la psique) y las normas sociales. En ocasiones, el escándalo era la manera más directa de interrogar al espectador sobre su estar en el mundo. Este, por supuesto, está siempre condicionado por el conocimiento propio. El gran masturbador, en definitiva, nos dice de esa pulsión entre la vida (el sexo) y la muerte con su podredumbre, temas que tanto inquietó al artista durante toda su vida y que se reflejó en su obra.   

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

 

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Significado, comentario y análisis de la pintura surrealista El gran masturbador, una de las más representativas y conocidas de Salvador Dalí. 

Los sentidos y significados de una de las obras del surrealismo más conocidas no pueden entenderse sin los cambios filosóficos, médicos o científicos que explotaron en los primeros años del siglo XX. Si bien la gran mayoría de movimientos estilísticos de las denominadas vanguardias históricas se hicieron eco de la profunda transformación de las ciudades (con los avances de la técnica o la velocidad) y de las relaciones humanas (entrando la soledad y el alineamiento como protagonistas), fue el surrealismo el que quiso bucear en las profundidades del alma humana. Y con este concepto básico tenemos que entender El gran masturbador de Dalí. 

Apuntes mínimos sobre el surrealismo para entender El gran masturbador de Dalí  

Aunque los primeros -ismos se plantearon tirar por tierra cualquier atisbo de tradición haciendo choque frontal con la sociedad imperante, este extremo se llevó a cabo únicamente de manera formal en la mayoría de los casos. Y muchas veces hay que entender únicamente en este sentido las boutades del dadaísmo o los múltiples manifiestos llamando a incendiar el arte del futurismo. Sin embargo, el surrealismo, el movimiento más influyente del siglo XX cuyos coletazos llegan incluso al XXI, se arraiga en otra concepción de la raza humana. Porque es en 1900 cuando sale a la luz La interpretación de los sueños y allí se ponen las bases para un parámetro totalmente nuevo: el inconsciente según Freud (1856-1939). Hasta esa fecha el ser humano se consideraba una entidad inmutable guiada por los postulados de la razón. Nada había que no fuera de su conocimiento. Sin embargo, el psicoanálisis pone sobre la mesa una entidad desconocida, oculta, oscura y guiada por un lenguaje simbólico. Y, además, dispone de información fundamental para completar los recovecos del espíritu humano. Allí, en el inconsciente, habitan anhelos desconocidos y amordazados, a la par que un conocimiento espiritual regido por un pensamiento simbólico fundamental para la existencia. La única manera de acceder a estas profundidades para extraer una sabiduría al máximo era, por entonces, con el arte y los sueños. 

Un poco más tarde, C.G. Jung (1875-1961) da un paso hacia adelante y demuestra la existencia de un inconsciente colectivo que se manifiesta a través de arquetipos. Nos damos de bruces con un emplazamiento desconocido hasta entonces donde habita buena parte de la espiritualidad común a la humanidad. Es aquí donde se concentran virtudes, vicios, expectativas o miedos personales que son, a la vez, comunes a la raza humana. Para el artista de la época, por tanto, estas ideas estallan de golpe invitando a negar la historia. Todo ello impacta profundamente en la filosofía y en el arte de las primeras décadas del siglo XX en una población abrumada, además, por la barbarie de guerras cruentas. Así, las principales características del surrealismo en el arte apelarán a esa nueva información escamoteada a la mente consciente. Por tanto, todo el afán de los artistas (de cualquier género) será sacar a la luz datos fundamentales desconocidos hasta entonces. Los surrealistas, además, pretendían cambiar el mundo y crear un orden nuevo, ya que los parámetros culturales sobre los que se sustentaba la sociedad no estaban completos. Surgen, por tanto, obras de todo tipo que quieren exhibir (a veces de una manera pertubadora e inquietante) aquello que había sido escamoteado. 

Salvador Dalí y El gran masturbador 

La obra es un lienzo de medianas dimensiones (110 x 150 cms) ejecutado en 1929 cuando su autor solo contaba con veinticinco años y acababa de conocer a Gala, la única mujer que formó parte de su vida íntima. En la actualidad, se custodia en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia. Junto con La persistencia de la memoria, es una de las pinturas surrealistas más famosas de todos los autores del movimiento. 

Salvador Dalí nace en Figueres en 1904 en el seno de una familia culta y acomodada. Con tan solo dieciocho años se instala en la Residencia de Estudiantes, punto de encuentro fundamental de la futura intelectualidad de la época. Allí coincide, entre otros, con Buñuel y Lorca con los que traba amistad y se inicia en los principios del psicoanálisis y en las posibilidades del arte surrealista. Previamente, había hecho algunos intentos con el cubismo y con la pintura metafísica de Giorgio de Chirico, cuyo sustrato estilístico se encuentra en la obra que nos ocupa.  

Dalí es uno de los máximos representantes del surrealismo internacional y llegó a crear un método propio, el paranoico-crítico, consistente en ir quitando las capas de la realidad hasta llegar a la esencia. De personalidad compleja y patológicamente tímido no abrazó todos los postulados expuestos en los diferentes manifiestos. Para el genio de Figueres la obra no podía ser el fruto de una creación automática y debía pasar por un proceso de razonamiento. Esta meditación a la hora de afrontar el trabajo se completa con un fantástico domino del dibujo y de la pintura realista. A pesar de ello, sus creaciones entran en el onirismo (en el sueño o en la pesadilla). Encontramos elementos de la naturaleza, pero estos han sido modificados de tal manera que la representación última se nos antoja irreconocible. Dalí hizo del surrealismo una forma de vida casi, ya que no abandonó los principios una vez que se sumergió en las posibilidades expresivas del movimiento. Falleció en 1989 cuando otras estéticas copaban la esfera internacional. 

El Gran Masturbador de Dali 

Análisis de El gran masturbador 

La obra de Dalí puede calificarse como perturbadora con unas claras alusiones eróticas y desde un punto de vista novedoso. Hasta la fecha, no se había tratado la masturbación (un acto tremendamente íntimo) en la historia del arte. El erotismo nunca había llegado a ese nivel de profundidad y nunca se había sacado a relucir los miedos, complejos y dudas con tal grado de exhibicionismo. Los artistas del surrealismo (y así lo hizo Dalí) pretendían hacer del surrealismo una forma de vida. En diversas ocasiones, las obras y los actos podían calificarse como obscenas para los parámetros de la época, ya que ponían de manifiesto actos que (de forma unánime) se consideraban pecaminosos o contrarios a la naturaleza humana.  

En El gran masturbador nos enfrentamos a una pintura que ha sido realizada con elementos realistas pero estos están combinados de tal manera que no reconocemos la narración. El artista se ha sumergido en el pensamiento simbólico de los sueños y nos muestra un autorretrato incompleto que termina en un rostro femenino enfrentado a extremidades masculinas. El relato de la obra nos invita a desentrañar un significado oculto. Todo ello viene potenciado por la presencia de un saltamontes gigante que ocupa el lugar que debería tener la boca. Así la capacidad de expresión ha sido reducida a la cualidad del insecto. Este, además, está plagado de hormigas y gusanos, símbolos universales de la podredumbre, destrucción y muerte.  

El relato perturbador de la obra va a más con la presencia de conchas o restos de animales que parecen horadar la imagen principal y el de un monstruo (parecido al oni de las leyendas japonesas) que sobresale de la carnalidad representada de manera plana y con un tono a todas luces enfermizo. Las figuras, siguiendo la estética de la pintura metafísica, han sido despojadas (a pesar de que están inmortalizadas en un abrazo) de su humanidad y nos recuerdan a los maniquíes que se utilizan como modelos en el aprendizaje de la pintura y el dibujo. Todo ello se ve intensificado con ciertos elementos simbólicos, como la cala que actúa en representación del acto sexual o la sombras que se alargan dramáticamente y de una forma imposible en el espacio natural.  

Significado de El gran masturbador de Dalí  

La obra, por tanto, ahonda en las posibilidades que se abren con el psicoanálisis sobre el que se basa el surrealismo. A partir de una imagen onírica formada por retazos chocantes entre sí de los elementos de la naturaleza interroga al espectador sobre los miedos y las frustraciones más íntimas. Se afronta el sexo de una manera exhibicionista en el que se mezcla la podredumbre (el miedo, la transformación, la suciedad y, en último extremo, la muerte) en contraposición a la belleza presente en el arte clásico. Así, el rostro femenino está representado de una forma serena (a pesar de estar recorrido por esas venas que nos remiten de nuevo a una carnalidad en descomposición). De igual forma, las extremidades masculinas encuentran el trasfondo en el arte griego con su culto a la belleza, la serenidad y la armonía.  

Pero no hay armonía en la obra. El paisaje está reducido al mínimo. No encontramos ningún elemento natural en el que apoyarnos para descansar y todas sus partes nos invitan a entrar en esa zona oscura del inconsciente donde pugnan entre sí los anhelos más fuertes contra las imposiciones culturales. Desde la flor de las calas que nos remiten al acto de la penetración hasta los insectos o el color plano de la misma (en un tono amarillo enfermizo) nos va interrogando una y otra vez sobre los miedos y contradicciones más profundas.  

Comentario de El gran masturbador de Dalí 

El artista acaba de conocer a Gala y se debatía entre deseos que no era capaz de canalizar de una forma saludable (para la cosmovisión actual). De una manera u otra, esa personalidad entre la impotencia, la timidez o la no aceptación de ciertos gustos le acompañaría durante toda su vida. La obra es inquietante por lo que supone de exhibicionismo de la parte más íntima del ser humano. Tenemos que recordar que, en el momento de su ejecución, los postulados surrealistas estaban en todo su apego y los artistas se empeñaban en levantar una frontera entre un mundo desconocido (agazapado en las profundidades de la psique) y las normas sociales. En ocasiones, el escándalo era la manera más directa de interrogar al espectador sobre su estar en el mundo. Este, por supuesto, está siempre condicionado por el conocimiento propio. El gran masturbador, en definitiva, nos dice de esa pulsión entre la vida (el sexo) y la muerte con su podredumbre, temas que tanto inquietó al artista durante toda su vida y que se reflejó en su obra.   

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

 

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Análisis, significado y comentario de la la obra pictórica de Salvador Dalí La persistencia de la memoria, uno de los ejemplos más conocido de arte surrealista. 

La persistencia de la memoria de Salvador Dalí es un pequeño óleo sobre lienzo cuyas medidas apenas alcanzan los 32,50 x 23,50 cms. Fue pintado en 1931 y se custodia actualmente en el MOMA. Apenas tiene presentación, ya que es una de las pinturas surrealistas más conocidas y reconocibles, incluso por el público en general no interesado especialmente en el arte. 

Para entender su significado y antes de entrar en el comentario hay que entender qué supuso el surrealismo, no ya para el arte de las vanguardias sino para el pensamiento del siglo XX. Además, la obra, y adelanto este punto de su análisis, supone una racionalización de símbolos universales contraponiendo uno de los principios del movimiento que buscaba la comunicación automática con el inconsciente. Pero vayamos por partes y no adelantemos.  

Entendiendo el surrealismo para comprender el significado de La persistencia de la memoria 

Una de las principales características del surrealismo es su afán, no ya por levantarse como un movimiento artístico claramente rompedor con la tradición, sino por erigirse en una auténtica filosofía subversiva en todos los órdenes vitales. Para entenderlo, no podemos olvidar que en 1900 se publica La interpretación de los sueños y, aunque la obra pasó inadvertida en los primeros años, supuso una revolución en el pensamiento no solo de la época sino de la sociedad que llegó después. Hasta esa fecha, el ser humano se consideraba inmutable, completo, sin sombras ni lados ocultos. Se aceptaba que era la razón la encargada de dirigir los actos de la raza humana. Sin embargo, al poner  las bases para entender el inconsciente según Freud (1856-1939), nos adentramos en un terreno desconocido cuya información se entiende fundamental para el ser humano. Sería este una especie de cajón oscuro, un desván oculto y encerrado donde se guardan los anhelos insatisfechos y, a la par, una fuente desconocida para la razón de conocimiento trascendente. La complicación llega cuando estos datos, fundamentales para la auto percepción, están basados en los símbolos, cuyo lenguaje se había perdido para el individuo occidental del siglo XX.  

Reduciendo mucho el cambio histórico, posteriormente C.G. Jung (1875-1961) llega a lo que él mismo denominó inconsciente colectivo materializado a través de arquetipos. En esencia, la humanidad se regiría por un pensamiento simbólico olvidado tras la exacerbación de la razón a partir de la cultura del Neoclasicismo (desde finales del siglo XVII). El inconsciente colectivo nos habla de los miedos más profundos, de los anhelos, de la insatisfacción, de los vicios y las virtudes. Olvidado por el occidental contemporáneo, este bagaje de información solo podía aflorar a través de los sueños y del arte. 

Y es aquí donde entra la estética surrealista en su afán por plasmar aquello oculto a la conciencia y que es fundamental para el conocimiento que la raza humana tiene de sí misma. Todo ello se abona con los postulados de otros movimientos anteriores, especialmente el dadaísmo y sus encontronazos feroces con la sociedad circundante. El artista, por tanto, se erige en una especie de demiurgo (comunicador entre dos mundos) que plasma aquello que se queda en la sombra inconsciente y desconocida de una forma, en ocasiones, inquietante. Anoto que la violencia y el erotismo que se plasma en estas obras son nuevas en la historia del arte 

Salvador Dalí y La persistencia de la memoria

Siguiendo la línea esbozada anteriormente, se busca la fuerza de los sueños, los paisajes oníricos, la ruptura con la realidad mediante el trastoque de los elementos. Y, a la par, se ensalza el automatismo, aunque Dalí no sigue esta línea a rajatabla. Más bien, en el opus del genio surrealista hay un proceso racional que le lleva a reflejar sus paisajes oníricos siguiendo un orden lógico, aunque este haya que entenderlo dentro de la obra.  

Nace Salvador Dalí en Figueras en 1904 en el seno de una familia culta, instruida y de economía desahogada. En 1922 ingresa en la Residencia de Estudiantes, por entonces, el mejor (y con diferencia) centro académico de España. Allí traba amistad con el poeta Federico García Lorca y el cineasta Luis Buñuel. Aunque realiza algunas incursiones bajo la estética del cubismo o de la pintura metafísica (de la que recibe una importante impronta), Dalí es uno de los máximos representantes del surrealismo internacional. En la Residencia de Estudiantes se empapa del trabajo de Freud y entra de lleno en los procesos inconscientes que permiten este conocimiento oculto y de vital importancia para completar espiritualmente la raza humana. Trabajó durante toda su vida en esta estética incorporándola a su forma de ver y de estar en el mundo. Muere en 1989 sin abandonar su estilo característico. Por último, hay que tener en cuenta que es el creador del método paranoico-crítico que supone la búsqueda de la verdad a través de bucear en las distintas capas de la realidad.  

La persistencia de la memoria de Dali 

Análisis de La persistencia de la memoria

Pintada en 1931, el artista ya había asimilado todos los postulados del psicoanálisis que, por entonces, desbarataban de un plumazo tanto la práctica médica como la filosófica. Conocedor del pensamiento simbólico y de las imágenes presentes en los sueños, todo ello lo pone en práctica en la totalidad de su trabajo: desde sus pinturas surrealistas más famosas hasta la decoración del Castillo de Púbol, residencia de Gala y donde pidió ser enterrado sin cumplirse su voluntad.   

Así, La persistencia de la memoria está dominada por un paisaje onírico difícil de encontrar en la naturaleza, aunque tenga elementos plenamente reconocibles como el árbol seco, la montaña o el mar. Estos elementos se convierten en un decorado que nos invitan a adentrarnos en la inmensidad y que sirven para potenciar la presencia de los tres relojes que se derriten o se deforman. Sujetos el primero a  una rama seca, a un elemento que nos remite a la carnalidad, el segundo, y en lo que parece una mesa (el tercero) nos dicen de los reinos de la naturaleza: animal, vegetal y mineral. El cuarto reloj solo se intuye en la esquina inferior izquierda y está colocado del revés. En él adivinamos un modelo de bolsillo popular en la época.  

Significado de La persistencia de la memoria 

Para poder entenderla, tenemos que remitirnos a los símbolos universales, los mismos que pueblan los sueños y que conforman la lengua del inconsciente. En resumidas cuentas tenemos: 

1.- La montaña parece más bien una promontorio o un acantilado que se precipita en el mar. No tiene la función de elevación característica de este elemento y nos remite al mineral, a la roca, a lo inmutable que está a lo lejos. Se encuentra en la esquina superior derecha que, en simbología, siempre representa la razón y la plena conciencia. Nos dice de la inmutabilidad. 

2.- Tenemos un mar sin olas, plano, sin sombras como el que se produce en los sueños de autodefinición y sobre el que no logramos descubrir si anochece o amanece. Es en este paisaje que, en principio, se nos antoja un decorado donde encontramos la primera referencia al tiempo inmutable, cíclico e, incluso estancado. No podemos adivinar ni la estación ni la hora del día. Y el artista nos dice así de la anulación del tiempo y, por tanto, de la eternidad. 

3.- El correr del tiempo es la simbolización primera de la muerte. Y este siempre se ha reflejado en el arte con relojes de cualquier tipo. La vida es tiempo (desde el nacimiento hasta la muerte) y los relojes están presentados de una forma que nos dice de la imposibilidad de atraparlo. La sensación es de plasticidad, de derretirse, de deformidad, de falta de consistencia, de estar en un proceso en el que se escurren por algún elemento no presente en la obra. 

4.- Y luego tenemos el cuarto reloj, el que está del revés o cerrado ya que este tipo de modelos pueden tener una tapa para proteger la esfera de cristal. No podemos saber qué hora marca o si marca alguna. Con respecto a este último elemento tenemos que tener en cuenta que está situado en la esquina inferior izquierda y este es el lado del inconsciente, del conocimiento oculto, de la sombra que atenaza con su verdad a la raza humana. 

5.- El motivo de los relojes que parecen derretirse por la acción de una fuerza desconocida fue ampliamente utilizado por Salvador Dalí en otras obras, sobre todo esculturas en metal. Es el tiempo que, a pesar de su soporte, se licúa, se extiende y amenaza con desaparecer. Y esa memoria de la muerte está potenciada por la rama del árbol en la que no adivinamos ni un atisbo de vida. Parece puesta allí como un perchero, como un elemento que ha dejado de estar vivo para convertirse en uno inanimado. 

6.- En contraposición, tenemos una memoria desconocida, una que persiste, una que nos lleva a otro plano, a uno más profundo, a uno en el que la raza humana se convierte en hermana. Y lo hace porque las motivaciones y los miedos son unánimes a todas las culturas y a todos los tiempos. 

7.- El ser humano comienza a desligarse de los instintos animales cuando tiene conciencia de su finitud en este mundo. Es en ese momento cuando busca algo más allá de lo presente en la naturaleza que dé un sentido a la vida. Como no puede explicar ese vacío y, a la vez, esa fuerza imposible de conocer, busca en el aquí y el ahora elementos que se adhieran con el poder de un más allá que intuye. Los símbolos que quieren conjurar la muerte han sido diversos a lo largo de la historia. No obstante, los más comunes siempre han sido los relojes, los que marcan el tiempo de paso en la tierra. La memoria y su persistencia es el recuerdo de la finitud, de la muerte, del final al que el artista se negaba a una edad bastante temprana.  

La persistencia de la memoria de Salvador Dalí, haciendo uso de los símbolos universales e introduciéndonos en el mundo onírico, nos recuerda a todos los espectadores la imposibilidad de atrapar un tiempo que insiste en licuarse, en resbalarse, en escaparse, en dejar de pertenecernos…  

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla 

 

 

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El arte es lo que queda cuando todo ha pasado. Es lo inmutable dentro del cambio. Es la belleza en un mundo en caos. El arte es parte importante de este sitio. Intentamos comprenderlo. 

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Análisis, significado y comentario de la la obra pictórica de Salvador Dalí La persistencia de la memoria, uno de los ejemplos más conocido de arte surrealista. 

La persistencia de la memoria de Salvador Dalí es un pequeño óleo sobre lienzo cuyas medidas apenas alcanzan los 32,50 x 23,50 cms. Fue pintado en 1931 y se custodia actualmente en el MOMA. Apenas tiene presentación, ya que es una de las pinturas surrealistas más conocidas y reconocibles, incluso por el público en general no interesado especialmente en el arte. 

Para entender su significado y antes de entrar en el comentario hay que entender qué supuso el surrealismo, no ya para el arte de las vanguardias sino para el pensamiento del siglo XX. Además, la obra, y adelanto este punto de su análisis, supone una racionalización de símbolos universales contraponiendo uno de los principios del movimiento que buscaba la comunicación automática con el inconsciente. Pero vayamos por partes y no adelantemos.  

Entendiendo el surrealismo para comprender el significado de La persistencia de la memoria 

Una de las principales características del surrealismo es su afán, no ya por levantarse como un movimiento artístico claramente rompedor con la tradición, sino por erigirse en una auténtica filosofía subversiva en todos los órdenes vitales. Para entenderlo, no podemos olvidar que en 1900 se publica La interpretación de los sueños y, aunque la obra pasó inadvertida en los primeros años, supuso una revolución en el pensamiento no solo de la época sino de la sociedad que llegó después. Hasta esa fecha, el ser humano se consideraba inmutable, completo, sin sombras ni lados ocultos. Se aceptaba que era la razón la encargada de dirigir los actos de la raza humana. Sin embargo, al poner  las bases para entender el inconsciente según Freud (1856-1939), nos adentramos en un terreno desconocido cuya información se entiende fundamental para el ser humano. Sería este una especie de cajón oscuro, un desván oculto y encerrado donde se guardan los anhelos insatisfechos y, a la par, una fuente desconocida para la razón de conocimiento trascendente. La complicación llega cuando estos datos, fundamentales para la auto percepción, están basados en los símbolos, cuyo lenguaje se había perdido para el individuo occidental del siglo XX.  

Reduciendo mucho el cambio histórico, posteriormente C.G. Jung (1875-1961) llega a lo que él mismo denominó inconsciente colectivo materializado a través de arquetipos. En esencia, la humanidad se regiría por un pensamiento simbólico olvidado tras la exacerbación de la razón a partir de la cultura del Neoclasicismo (desde finales del siglo XVII). El inconsciente colectivo nos habla de los miedos más profundos, de los anhelos, de la insatisfacción, de los vicios y las virtudes. Olvidado por el occidental contemporáneo, este bagaje de información solo podía aflorar a través de los sueños y del arte. 

Y es aquí donde entra la estética surrealista en su afán por plasmar aquello oculto a la conciencia y que es fundamental para el conocimiento que la raza humana tiene de sí misma. Todo ello se abona con los postulados de otros movimientos anteriores, especialmente el dadaísmo y sus encontronazos feroces con la sociedad circundante. El artista, por tanto, se erige en una especie de demiurgo (comunicador entre dos mundos) que plasma aquello que se queda en la sombra inconsciente y desconocida de una forma, en ocasiones, inquietante. Anoto que la violencia y el erotismo que se plasma en estas obras son nuevas en la historia del arte 

Salvador Dalí y La persistencia de la memoria

Siguiendo la línea esbozada anteriormente, se busca la fuerza de los sueños, los paisajes oníricos, la ruptura con la realidad mediante el trastoque de los elementos. Y, a la par, se ensalza el automatismo, aunque Dalí no sigue esta línea a rajatabla. Más bien, en el opus del genio surrealista hay un proceso racional que le lleva a reflejar sus paisajes oníricos siguiendo un orden lógico, aunque este haya que entenderlo dentro de la obra.  

Nace Salvador Dalí en Figueras en 1904 en el seno de una familia culta, instruida y de economía desahogada. En 1922 ingresa en la Residencia de Estudiantes, por entonces, el mejor (y con diferencia) centro académico de España. Allí traba amistad con el poeta Federico García Lorca y el cineasta Luis Buñuel. Aunque realiza algunas incursiones bajo la estética del cubismo o de la pintura metafísica (de la que recibe una importante impronta), Dalí es uno de los máximos representantes del surrealismo internacional. En la Residencia de Estudiantes se empapa del trabajo de Freud y entra de lleno en los procesos inconscientes que permiten este conocimiento oculto y de vital importancia para completar espiritualmente la raza humana. Trabajó durante toda su vida en esta estética incorporándola a su forma de ver y de estar en el mundo. Muere en 1989 sin abandonar su estilo característico. Por último, hay que tener en cuenta que es el creador del método paranoico-crítico que supone la búsqueda de la verdad a través de bucear en las distintas capas de la realidad.  

La persistencia de la memoria de Dali 

Análisis de La persistencia de la memoria

Pintada en 1931, el artista ya había asimilado todos los postulados del psicoanálisis que, por entonces, desbarataban de un plumazo tanto la práctica médica como la filosófica. Conocedor del pensamiento simbólico y de las imágenes presentes en los sueños, todo ello lo pone en práctica en la totalidad de su trabajo: desde sus pinturas surrealistas más famosas hasta la decoración del Castillo de Púbol, residencia de Gala y donde pidió ser enterrado sin cumplirse su voluntad.   

Así, La persistencia de la memoria está dominada por un paisaje onírico difícil de encontrar en la naturaleza, aunque tenga elementos plenamente reconocibles como el árbol seco, la montaña o el mar. Estos elementos se convierten en un decorado que nos invitan a adentrarnos en la inmensidad y que sirven para potenciar la presencia de los tres relojes que se derriten o se deforman. Sujetos el primero a  una rama seca, a un elemento que nos remite a la carnalidad, el segundo, y en lo que parece una mesa (el tercero) nos dicen de los reinos de la naturaleza: animal, vegetal y mineral. El cuarto reloj solo se intuye en la esquina inferior izquierda y está colocado del revés. En él adivinamos un modelo de bolsillo popular en la época.  

Significado de La persistencia de la memoria 

Para poder entenderla, tenemos que remitirnos a los símbolos universales, los mismos que pueblan los sueños y que conforman la lengua del inconsciente. En resumidas cuentas tenemos: 

1.- La montaña parece más bien una promontorio o un acantilado que se precipita en el mar. No tiene la función de elevación característica de este elemento y nos remite al mineral, a la roca, a lo inmutable que está a lo lejos. Se encuentra en la esquina superior derecha que, en simbología, siempre representa la razón y la plena conciencia. Nos dice de la inmutabilidad. 

2.- Tenemos un mar sin olas, plano, sin sombras como el que se produce en los sueños de autodefinición y sobre el que no logramos descubrir si anochece o amanece. Es en este paisaje que, en principio, se nos antoja un decorado donde encontramos la primera referencia al tiempo inmutable, cíclico e, incluso estancado. No podemos adivinar ni la estación ni la hora del día. Y el artista nos dice así de la anulación del tiempo y, por tanto, de la eternidad. 

3.- El correr del tiempo es la simbolización primera de la muerte. Y este siempre se ha reflejado en el arte con relojes de cualquier tipo. La vida es tiempo (desde el nacimiento hasta la muerte) y los relojes están presentados de una forma que nos dice de la imposibilidad de atraparlo. La sensación es de plasticidad, de derretirse, de deformidad, de falta de consistencia, de estar en un proceso en el que se escurren por algún elemento no presente en la obra. 

4.- Y luego tenemos el cuarto reloj, el que está del revés o cerrado ya que este tipo de modelos pueden tener una tapa para proteger la esfera de cristal. No podemos saber qué hora marca o si marca alguna. Con respecto a este último elemento tenemos que tener en cuenta que está situado en la esquina inferior izquierda y este es el lado del inconsciente, del conocimiento oculto, de la sombra que atenaza con su verdad a la raza humana. 

5.- El motivo de los relojes que parecen derretirse por la acción de una fuerza desconocida fue ampliamente utilizado por Salvador Dalí en otras obras, sobre todo esculturas en metal. Es el tiempo que, a pesar de su soporte, se licúa, se extiende y amenaza con desaparecer. Y esa memoria de la muerte está potenciada por la rama del árbol en la que no adivinamos ni un atisbo de vida. Parece puesta allí como un perchero, como un elemento que ha dejado de estar vivo para convertirse en uno inanimado. 

6.- En contraposición, tenemos una memoria desconocida, una que persiste, una que nos lleva a otro plano, a uno más profundo, a uno en el que la raza humana se convierte en hermana. Y lo hace porque las motivaciones y los miedos son unánimes a todas las culturas y a todos los tiempos. 

7.- El ser humano comienza a desligarse de los instintos animales cuando tiene conciencia de su finitud en este mundo. Es en ese momento cuando busca algo más allá de lo presente en la naturaleza que dé un sentido a la vida. Como no puede explicar ese vacío y, a la vez, esa fuerza imposible de conocer, busca en el aquí y el ahora elementos que se adhieran con el poder de un más allá que intuye. Los símbolos que quieren conjurar la muerte han sido diversos a lo largo de la historia. No obstante, los más comunes siempre han sido los relojes, los que marcan el tiempo de paso en la tierra. La memoria y su persistencia es el recuerdo de la finitud, de la muerte, del final al que el artista se negaba a una edad bastante temprana.  

La persistencia de la memoria de Salvador Dalí, haciendo uso de los símbolos universales e introduciéndonos en el mundo onírico, nos recuerda a todos los espectadores la imposibilidad de atrapar un tiempo que insiste en licuarse, en resbalarse, en escaparse, en dejar de pertenecernos…  

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla 

 

 

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El surrealismo fue el movimiento artístico que quiso cambiar la visión vital del hombre. ¿Y cómo intentaron hacer eso? Las pinturas surrealistas, sobre todo, aunque también tenemos ejemplo en literatura o escultura muestran un mundo onírico (perteneciente a los sueños) fuertemente impregnado de los estudios sobre el inconsciente. Estos diez representantes del surrealismo que traigo hoy se afanaron por mostrar una realidad que se encuentra en el revés de la vida cotidiana consciente.

Para ellos, el artista debía mostrar una realidad oculta a la razón, oscura, simbólica y difícil de desentrañar. Pero una vez estuviera plasmada en la obra de arte tendría el papel de liberar de cualquier atadura tanto al creador como al espectador. Damos un repaso a los grandes artistas del surrealismo, el movimiento artístico que más calado y profundidad tuvo en el siglo XX.

1.- Salvador Dalí, el gran artista del surrealismo

Nacido en Figueras en 1904, muere en el castillo de Púbol en 1989. Es, sin duda, el gran genio del movimiento. De fuerte y difícil personalidad, contradictorio, con graves problemas de adaptación y de aceptación, llevó todos sus tensiones emocionales a la grandeza del arte. Se inicia  como dibujante y sus primeras obras tienen un fuerte carácter realista. Educado en los modos clásicos, muy pronto comenzó a investigar nuevos lenguajes para reaccionar (incluso con virulencia y un paso teatral) contra las convecciones de la época. Por eso sus primeras obras tienen un tinte impresionista incluso.  En esta línea investigadora se encuentran sus pinturas que pudieran encuadrarse en el cubismo, pero donde llegó a generar sus grandes obras fue en la estética del surrealismo.  

Corría el año 1922 y Dalí se encuentra en la Residencia de Estudiantes de Madrid con un Lorca que lo introduce en el mundo de la noche de los cafés y tablaos flamencos. Buñuel forma parte de este círculo y juntos crean la primera película surrealista y una de las obras cumbres del cine universal: Un perro andaluz. Estudia a Freud, su teoría sobre el inconsciente reprimido y el papel sanador de los sueños. Todo ello se irá trasladando a una obra fecunda, rica en símbolos y en la que está presente todos y cada uno de sus disfunciones emocionales. Tanto fue así que su estética fue bautizada con el método paranoico-crítico. 

 

2.- Joan Miró, el pintor surrealista que se acerca a la abstracción

Un poco mayor que Salvador Dalí, ya que nace en 1893 y muere en Palma de Mallorca en 1983, fue uno de los abanderados de la estética surrealista introduciendo a buena parte de los representantes del surrealismo en los modos creativos del movimiento.  Se empeña en reflejar un rico mundo onírico lleno de color y de formas cercana a la abstracción muy reconocibles por su estilo personal. En algunas obras se aprecian incluso escenas alucinatorias. Iniciado en el dadaísmo, aunque buena parte de su obra se encuadra en el surrealismo, su estética es tan personal que su obra constituye un mundo aparte plagado de símbolos y de metamorfosis constantes. 

 

3.- Marcel Duchamp, el creador de los ready-made

Francés de nacimiento (1887), se refugia en Nueva York durante la Primera Gran Guerra Mundial y hasta allí lleva los postulados del dadaísmo. Es el creador de los ready-made, el sustrato de las instalaciones contemporáneas. Son obras de arte entresacadas de objetos cotidianos y puestas en interrogación que interpelan al espectador sobre el sentido del arte mismo, sobre su función social. Regresa a París donde muere en 1968 no sin antes encandilar al grupo surrealista con sus originales creaciones. 

4.- Mar Ernst, uno de los representantes del surrealismo más importantes

Formado en la filosofía y en los incipientes estudios de psiquiatría, con 20 años descubre su vocación artística. Se inicia, como tantos representantes del surrealismo, en el dadaísmo para adoptar la estética surrealista muy pronto. Su obra se caracteriza por un gusto por los collages y otras técnicas con el objetivo de ofrecerla como si de una alucinación se tratara. Para los artistas surrealistas, cualquier estado era válido si nos llevaba a otros mundos que nos ayudara a liberar la convecciones limitantes de éste. 

5.- Jean Arp, iniciado en los principios de Dadá

Nace en Estrasburgo en 1887 y muere en Suiza en 1966. También subyugado por las posibilidades comunicativas del dadaísmo, se adhiere al nuevo movimiento en la década de los treinta. Son famosos y representativas sus esculturas coloridas y móviles. 

 

6.- René Magritte, uno de los representantes del surrealismo más reconocido 

Su contacto con el grupo surrealista llega en 1924 (con 26 años). Es el más filosófico de todos los representantes del surrealismo, ya que centró toda su producción en las posibilidades comunicativas y de liberación (sin obviar la transgresión, la sorpresa o las interrogaciones incómodas) de la obra de arte. Sus piezas artísticas están basadas en preguntas. Y nada más tenemos que recordar La llave del campo donde el artista juega con la ilusión de la realidad tanto de lo que se aprecia a través de la ventana como la imagen reflejada en los cristales rotos. 

7.- André Masson, el artista surrealista torturado por la muerte

Nació en Balagny-sur-Thérain en 1896 y deja este mundo en París en 1887. Participa en la Primera Guerra Mundial y todos sus horrores le afectaron profundamente. Con una importante cultura literaria y filosófica, su obra está impregnada de una fuerte radicalidad, de un profundo erotismo y siempre contraponiendo las fuerzas de la vida luminosa con las de la muerte. En este sentido refleja las investigaciones más clásicas de Freud en su obra. Recurre a metamorfosis complejas para la expresión de su particular universo que podríamos calificar de atormentado. Abandona el grupo en 1943, aunque su impronta estará presente en toda su producción. 

8.- Man Ray, el fotógrafo de entre los representantes del surrealismo

Famoso por sus composiciones fotográficas que han superado los embates del tiempo, nace en Filadelfia en 1890 y acaba sus días en París en 1976. Es otro de los introductores del dadaísmo en Nueva York, aunque muy pronto se instala en la capital francesa donde entra en contacto con el grupo de los representantes surrealistas. Es un innovador de las posibilidades de la fotografía y un pionero de esta modalidad artística.  

9.- Yves Tanguy, inclasificable

Se incorpora al grupo en 1925 y se centra en las posibilidades de la escritura automática tanto como método liberador como artístico. En su obra hay un componente alucinatorio y abstracto bastante importante.  

10.- Francis Picabia, el artista que se inició en el cubismo 

Toda su vida (1879-1953)  transcurre en París donde se inicia primero en el cubismo y también en las posibilidades del futurismo. Pronto elige la senda nihilista de Dadá negando cualquier utilidad del arte incluso la meramente estética. Es el más libertario y contestario de todos los representantes del surrealismo, ya que continuamente está cuestionado los principios fundamentales del movimiento. 

En definitiva, el surrealismo fue uno de los movimientos artísticos con más calado en la historia del arte del siglo XX. No solo estuvo representado por estos artistas sino que creadores posteriores y con sustrato diverso, de algún modo u otro, propagaron sus principios. El psicoanálisis había supuesto un antes y un después en lo que a la concepción del espíritu humano se refiere. Los artistas y los representantes del surrealismo más importantes no fueron inmunes a esta revolución filosófica e intentaron llevar esa liberación del inconsciente a las obras utilizando los símbolos del mundo onírico, la mezcla e, incluso, los estados cercanos a la alucinación. 

 

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla 

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El arte es lo que queda cuando todo ha pasado. Es lo inmutable dentro del cambio. Es la belleza en un mundo en caos. El arte es parte importante de este sitio. Intentamos comprenderlo. 

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El surrealismo fue el movimiento artístico que quiso cambiar la visión vital del hombre. ¿Y cómo intentaron hacer eso? Las pinturas surrealistas, sobre todo, aunque también tenemos ejemplo en literatura o escultura muestran un mundo onírico (perteneciente a los sueños) fuertemente impregnado de los estudios sobre el inconsciente. Estos diez representantes del surrealismo que traigo hoy se afanaron por mostrar una realidad que se encuentra en el revés de la vida cotidiana consciente.

Para ellos, el artista debía mostrar una realidad oculta a la razón, oscura, simbólica y difícil de desentrañar. Pero una vez estuviera plasmada en la obra de arte tendría el papel de liberar de cualquier atadura tanto al creador como al espectador. Damos un repaso a los grandes artistas del surrealismo, el movimiento artístico que más calado y profundidad tuvo en el siglo XX.

1.- Salvador Dalí, el gran artista del surrealismo

Nacido en Figueras en 1904, muere en el castillo de Púbol en 1989. Es, sin duda, el gran genio del movimiento. De fuerte y difícil personalidad, contradictorio, con graves problemas de adaptación y de aceptación, llevó todos sus tensiones emocionales a la grandeza del arte. Se inicia  como dibujante y sus primeras obras tienen un fuerte carácter realista. Educado en los modos clásicos, muy pronto comenzó a investigar nuevos lenguajes para reaccionar (incluso con virulencia y un paso teatral) contra las convecciones de la época. Por eso sus primeras obras tienen un tinte impresionista incluso.  En esta línea investigadora se encuentran sus pinturas que pudieran encuadrarse en el cubismo, pero donde llegó a generar sus grandes obras fue en la estética del surrealismo.  

Corría el año 1922 y Dalí se encuentra en la Residencia de Estudiantes de Madrid con un Lorca que lo introduce en el mundo de la noche de los cafés y tablaos flamencos. Buñuel forma parte de este círculo y juntos crean la primera película surrealista y una de las obras cumbres del cine universal: Un perro andaluz. Estudia a Freud, su teoría sobre el inconsciente reprimido y el papel sanador de los sueños. Todo ello se irá trasladando a una obra fecunda, rica en símbolos y en la que está presente todos y cada uno de sus disfunciones emocionales. Tanto fue así que su estética fue bautizada con el método paranoico-crítico. 

 

2.- Joan Miró, el pintor surrealista que se acerca a la abstracción

Un poco mayor que Salvador Dalí, ya que nace en 1893 y muere en Palma de Mallorca en 1983, fue uno de los abanderados de la estética surrealista introduciendo a buena parte de los representantes del surrealismo en los modos creativos del movimiento.  Se empeña en reflejar un rico mundo onírico lleno de color y de formas cercana a la abstracción muy reconocibles por su estilo personal. En algunas obras se aprecian incluso escenas alucinatorias. Iniciado en el dadaísmo, aunque buena parte de su obra se encuadra en el surrealismo, su estética es tan personal que su obra constituye un mundo aparte plagado de símbolos y de metamorfosis constantes. 

 

3.- Marcel Duchamp, el creador de los ready-made

Francés de nacimiento (1887), se refugia en Nueva York durante la Primera Gran Guerra Mundial y hasta allí lleva los postulados del dadaísmo. Es el creador de los ready-made, el sustrato de las instalaciones contemporáneas. Son obras de arte entresacadas de objetos cotidianos y puestas en interrogación que interpelan al espectador sobre el sentido del arte mismo, sobre su función social. Regresa a París donde muere en 1968 no sin antes encandilar al grupo surrealista con sus originales creaciones. 

4.- Mar Ernst, uno de los representantes del surrealismo más importantes

Formado en la filosofía y en los incipientes estudios de psiquiatría, con 20 años descubre su vocación artística. Se inicia, como tantos representantes del surrealismo, en el dadaísmo para adoptar la estética surrealista muy pronto. Su obra se caracteriza por un gusto por los collages y otras técnicas con el objetivo de ofrecerla como si de una alucinación se tratara. Para los artistas surrealistas, cualquier estado era válido si nos llevaba a otros mundos que nos ayudara a liberar la convecciones limitantes de éste. 

5.- Jean Arp, iniciado en los principios de Dadá

Nace en Estrasburgo en 1887 y muere en Suiza en 1966. También subyugado por las posibilidades comunicativas del dadaísmo, se adhiere al nuevo movimiento en la década de los treinta. Son famosos y representativas sus esculturas coloridas y móviles. 

 

6.- René Magritte, uno de los representantes del surrealismo más reconocido 

Su contacto con el grupo surrealista llega en 1924 (con 26 años). Es el más filosófico de todos los representantes del surrealismo, ya que centró toda su producción en las posibilidades comunicativas y de liberación (sin obviar la transgresión, la sorpresa o las interrogaciones incómodas) de la obra de arte. Sus piezas artísticas están basadas en preguntas. Y nada más tenemos que recordar La llave del campo donde el artista juega con la ilusión de la realidad tanto de lo que se aprecia a través de la ventana como la imagen reflejada en los cristales rotos. 

7.- André Masson, el artista surrealista torturado por la muerte

Nació en Balagny-sur-Thérain en 1896 y deja este mundo en París en 1887. Participa en la Primera Guerra Mundial y todos sus horrores le afectaron profundamente. Con una importante cultura literaria y filosófica, su obra está impregnada de una fuerte radicalidad, de un profundo erotismo y siempre contraponiendo las fuerzas de la vida luminosa con las de la muerte. En este sentido refleja las investigaciones más clásicas de Freud en su obra. Recurre a metamorfosis complejas para la expresión de su particular universo que podríamos calificar de atormentado. Abandona el grupo en 1943, aunque su impronta estará presente en toda su producción. 

8.- Man Ray, el fotógrafo de entre los representantes del surrealismo

Famoso por sus composiciones fotográficas que han superado los embates del tiempo, nace en Filadelfia en 1890 y acaba sus días en París en 1976. Es otro de los introductores del dadaísmo en Nueva York, aunque muy pronto se instala en la capital francesa donde entra en contacto con el grupo de los representantes surrealistas. Es un innovador de las posibilidades de la fotografía y un pionero de esta modalidad artística.  

9.- Yves Tanguy, inclasificable

Se incorpora al grupo en 1925 y se centra en las posibilidades de la escritura automática tanto como método liberador como artístico. En su obra hay un componente alucinatorio y abstracto bastante importante.  

10.- Francis Picabia, el artista que se inició en el cubismo 

Toda su vida (1879-1953)  transcurre en París donde se inicia primero en el cubismo y también en las posibilidades del futurismo. Pronto elige la senda nihilista de Dadá negando cualquier utilidad del arte incluso la meramente estética. Es el más libertario y contestario de todos los representantes del surrealismo, ya que continuamente está cuestionado los principios fundamentales del movimiento. 

En definitiva, el surrealismo fue uno de los movimientos artísticos con más calado en la historia del arte del siglo XX. No solo estuvo representado por estos artistas sino que creadores posteriores y con sustrato diverso, de algún modo u otro, propagaron sus principios. El psicoanálisis había supuesto un antes y un después en lo que a la concepción del espíritu humano se refiere. Los artistas y los representantes del surrealismo más importantes no fueron inmunes a esta revolución filosófica e intentaron llevar esa liberación del inconsciente a las obras utilizando los símbolos del mundo onírico, la mezcla e, incluso, los estados cercanos a la alucinación. 

 

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla 

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En la estela de todos los movimientos estéticos de vanguardia, tal cual el cubismo o el futurismo, el surrealismo quería romper con todas las convecciones instaladas. Los artistas en torno al movimiento se afanaron, no ya por presentar la realidad desde una perspectiva desconocida hasta entonces, sino que se encaminaron por liberar al hombre de sus ataduras. Así sin más. Las pinturas surrealistas (y cualquier manifestación artística que pueda etiquetarse como tal) muestran un mundo desconocido, onírico y oculto. Para entenderlo nos tenemos que remitir a Freud quien había revolucionado su concepción de la humanidad con la obra La interpretación de los sueños, germen de la psicología moderna y contemporánea. Las pinturas surrealistas que traigo a continuación se levantan sobre este sustrato filosófico. 

Que nos dicen las pinturas surrealistas 

Si hasta las teorías de  Freud el hombre era concebido como un todo inmutable, sin fisuras y sin cambios, con las investigaciones sobre el inconsciente todo esto cambia de una forma radical. Los sueños nos informaban de datos ocultos, liberadores y, a la vez, aterradores sobre la fuerza de la imposición  social. Con estas ideas en las manos, los artistas del surrealismo se afanaron por mostrar otro mundo, distinto a la realidad convencional, donde se mostraba otra verdad, inconsciente y necesaria para la humanidad. 

De la ingente cantidad de obras que pueden catalogarse como surrealistas, he escogido 8 pinturas surrealistas y una instalación (que algunos críticos clasifican dentro del dadaísmo). Todas ellas nos apuntan a la magnitud a la que se enfrentaban los artistas del surrealismo y su incursión a través de los símbolos del inconsciente. 

 La llave del campo

1.- La llave del campo (1936)  por René Magritte una de las pinturas surrealistas más conocidas

Custodiado en el Museo Thyssen-Bornemisza, este óleo de pequeño tamaño nos interroga sobre la realidad y sus posibilidades. Una ventana abierta al campo nos refleja un pequeño bosquete, el mismo que adivinamos en los cristales rotos. En este caso, la pregunta es la que sigue: ¿dónde está la realidad? ¿Detrás de la ventana? ¿O acaso esta es el reflejo de los cristales rotos? Es una de las pinturas surrealistas más conocidas por lo que tiene de juego entre la realidad consciente y la inconsciente. Nos viene a preguntar si aquello que está oculto o es desconocido quizás no sea la verdad absoluta tal cual abogan los postulados del psicoanálisis y sus deseos fervientes por traer aquello agazapado a la realidad consciente. 

La persistencia de la memoria 

 

2.- La persistencia de la memoria (1931) de Salvador Dalí y sus símbolos del tiempo y la muerte 

Es otra de las pinturas surrealistas más famosas con sus relojes derritiéndose y su paisaje lunar de fondo. De esta obra se han realizado bastantes análisis con interpretaciones distintas, algo común al arte surrealista, el cual siempre necesita ser explicado. En ella, Dalí (con graves problemas de autoestima e, incluso, mentales recordemos) nos presenta un fondo onírico a más no poder con relojes que se derriten y no pueden mantenerse en pie. Sin duda, es una metáfora de la inmaterialidad e inconsistencia del tiempo. Y decir tiempo es decir muerte, un tabú y una verdad aterradora para el genio de Dalí. 

El gran masturbador

3.- El gran masturbador (1929) de Salvador Dalí, la más reconocida de las pinturas surrealistas

En ella se aprecian sustratos de la pintura metafísica y está poblado de símbolos. Recordemos aquí que el inconsciente se manifiesta, especialmente a través del mundo del arte y también de los sueños. Su lenguaje es el de los símbolos, perdido para la humanidad contemporánea actual. Por eso es tan difícil descifrar el significado de los sueños y de algunos símbolos presentes en estas pinturas surrealistas. En esta obra Dalí usa casi todos los recursos y temas que le atormentaban. Por un lado, el sexo distendido y saludable que no pudo disfrutar por su confusión espiritual (y que permitió sus obras geniales dicho sea de paso), por el otro, la muerte y la corrupción presente en las larvas y los gusanos que se abren en un cuerpo femenino intrigante. En ella se representan todas la obsesiones del artista y se vomitan como en una pesadilla en la que la mujer (representación de la vida a través de la maternidad) ha perdido toda vocación luminosa para volverse de una manera casi pérfida. 

Bañista sentada 

4.-Bañista sentada (1930) por Pablo Picasso 

Aunque está clasificada como una de las pinturas surrealistas en ella se adivina aún los trazos y los modos de las obras del cubismo. Si Dalí nos interpela y nos solivianta con unas imágenes oníricas en las que los símbolos se alinean para presentar una realidad inquietante, este óleo es casi amable, una de los pocos del surrealismo. Nos presenta una mujer desnuda desestructurada con un cuerpo que se confunde con el paisaje, el mar y el cielo. 

El Carnaval del Alerquín  

5.- El carnaval del Alerquín (1924-1925) de Joan Miró 

Las obras de Miró tienen un sustrato en las pinturas de El Bosco (quizás el primer artista surrealista aunque sus temas no fueran los del inconsciente liberador sino los del Apocalipsis biblíco). Es una obra plana con gran colorido en el que se ha eliminado toda perspectiva y es difícil reconocer los objetos que se presentan e identificarlos con su correlato de la realidad cotidiana. Miró nos presenta símbolos deshilados, sin coherencia aparente, mezclados y coloridos. La obra nos remite a esa mezcla y confusión propias del carnaval, cuando, por unos momentos, las convecciones sociales quedan aparcadas con el fin de conocer la verdad de la que no se habla de una manera lúdica. 

 Todavía y siempre 

6.- Todavía y siempre (1942)  por Yves Tanguy, una de las pinturas surrealistas que retratan los sueños

Es una de las pinturas surrealistas en las que se aprecia con mayor claridad la referencia onírica, esto es, al mundo de los sueños. Asistimos al espacio de la inmensidad (el mismo que aparece cuando el inconsciente interpela a la mente consciente). En este océano verdoso y quieto aparecen objetos desconocidos como de otro mundo. No podemos adivinar ni su uso ni cómo han llegado hasta allí. Es una de las obras en la que la temática es la pregunta misma. En ella está representado ese “qué hago aquí” con el que todo ser humano se ha torturado alguna vez. 

 Interior holandés de Joan Miró

7.- Interior holandés (1928) por Joan Miró

Volvemos al sustrato de las pinturas de El Bosco en una obra dramática en lo que al colorido se  refiere y que, de alguna manera, toca los postulados de la abstracción. 

Nada de ello sabrán los hombres

8.-  Nada de ello sabrán los hombres (1923) por Max Ernst o la necesidad de interpretación como otras pinturas surrealistas

Son los símbolos religiosos que aparecen en la obra lo que la hacen tan inquietante a la par que el título también contribuye a ello. Nos remite al esoterismo del iniciado, a aquello que está oculto, ajeno a la mente consciente o ignorante de la magnitud del universo y su lenguaje. Es una de mis pinturas surrealistas favoritas porque nos interroga con una necesidad de conocimiento casi místico y con un intento de unidad entre la razón y los sueños, entre lo sacro y lo profano, entre lo individual y lo colectivo que es casi imposible. Las partes del cuerpo desunidas que aparecen en la obra vuelven sobre ese sentido: la imposibilidad de la unión y la realización completas. 

 Rueda de bicicleta de Marcel Duchamp

 

Del dadaísmo al surrealismo con Rueda de bicicleta (1913) de Marcel Duchamp

No es una escultura o una pintura. Su clasificación es más bien el de instalación. Esto es, una obra de arte realizada con elementos de desecho o de partes de objetos de la vida cotidiana con la finalidad de interpelar al espectador. Duchamp fue un maestro de este tipo de obras. Recordemos La fuente de 1917 en el que se utiliza un urinario masculino. En este tipo de obras se quiere generar a la par un malestar y una pregunta. Se recurre a los símbolos (la rueda es uno de los considerados primigenios o esenciales) para acceder al mensaje por la vía del inconsciente puro y duro. El que la rueda (de bicicleta) esté colocada sobre un taburete en la posición contraria a la lógica intelectual lo hace aún más inquietante al negar cualquier utilidad o servicio.  

El surrealismo, para ir terminando y como hemos visto en estas pinturas surrealistas más famosas, obvia la realidad cotidiana, la de la mente consciente, para buscar la verdad a través de la liberación del inconsciente y del mundo onírico. Para ello se valen tanto de símbolos tradicionales como de imágenes que pertenecen al imaginario de terror particular del artista. En este último caso, quizás sea Salvador Dalí el maestro inigualable.

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En la estela de todos los movimientos estéticos de vanguardia, tal cual el cubismo o el futurismo, el surrealismo quería romper con todas las convecciones instaladas. Los artistas en torno al movimiento se afanaron, no ya por presentar la realidad desde una perspectiva desconocida hasta entonces, sino que se encaminaron por liberar al hombre de sus ataduras. Así sin más. Las pinturas surrealistas (y cualquier manifestación artística que pueda etiquetarse como tal) muestran un mundo desconocido, onírico y oculto. Para entenderlo nos tenemos que remitir a Freud quien había revolucionado su concepción de la humanidad con la obra La interpretación de los sueños, germen de la psicología moderna y contemporánea. Las pinturas surrealistas que traigo a continuación se levantan sobre este sustrato filosófico. 

Que nos dicen las pinturas surrealistas 

Si hasta las teorías de  Freud el hombre era concebido como un todo inmutable, sin fisuras y sin cambios, con las investigaciones sobre el inconsciente todo esto cambia de una forma radical. Los sueños nos informaban de datos ocultos, liberadores y, a la vez, aterradores sobre la fuerza de la imposición  social. Con estas ideas en las manos, los artistas del surrealismo se afanaron por mostrar otro mundo, distinto a la realidad convencional, donde se mostraba otra verdad, inconsciente y necesaria para la humanidad. 

De la ingente cantidad de obras que pueden catalogarse como surrealistas, he escogido 8 pinturas surrealistas y una instalación (que algunos críticos clasifican dentro del dadaísmo). Todas ellas nos apuntan a la magnitud a la que se enfrentaban los artistas del surrealismo y su incursión a través de los símbolos del inconsciente. 

 La llave del campo

1.- La llave del campo (1936)  por René Magritte una de las pinturas surrealistas más conocidas

Custodiado en el Museo Thyssen-Bornemisza, este óleo de pequeño tamaño nos interroga sobre la realidad y sus posibilidades. Una ventana abierta al campo nos refleja un pequeño bosquete, el mismo que adivinamos en los cristales rotos. En este caso, la pregunta es la que sigue: ¿dónde está la realidad? ¿Detrás de la ventana? ¿O acaso esta es el reflejo de los cristales rotos? Es una de las pinturas surrealistas más conocidas por lo que tiene de juego entre la realidad consciente y la inconsciente. Nos viene a preguntar si aquello que está oculto o es desconocido quizás no sea la verdad absoluta tal cual abogan los postulados del psicoanálisis y sus deseos fervientes por traer aquello agazapado a la realidad consciente. 

La persistencia de la memoria 

 

2.- La persistencia de la memoria (1931) de Salvador Dalí y sus símbolos del tiempo y la muerte 

Es otra de las pinturas surrealistas más famosas con sus relojes derritiéndose y su paisaje lunar de fondo. De esta obra se han realizado bastantes análisis con interpretaciones distintas, algo común al arte surrealista, el cual siempre necesita ser explicado. En ella, Dalí (con graves problemas de autoestima e, incluso, mentales recordemos) nos presenta un fondo onírico a más no poder con relojes que se derriten y no pueden mantenerse en pie. Sin duda, es una metáfora de la inmaterialidad e inconsistencia del tiempo. Y decir tiempo es decir muerte, un tabú y una verdad aterradora para el genio de Dalí. 

El gran masturbador

3.- El gran masturbador (1929) de Salvador Dalí, la más reconocida de las pinturas surrealistas

En ella se aprecian sustratos de la pintura metafísica y está poblado de símbolos. Recordemos aquí que el inconsciente se manifiesta, especialmente a través del mundo del arte y también de los sueños. Su lenguaje es el de los símbolos, perdido para la humanidad contemporánea actual. Por eso es tan difícil descifrar el significado de los sueños y de algunos símbolos presentes en estas pinturas surrealistas. En esta obra Dalí usa casi todos los recursos y temas que le atormentaban. Por un lado, el sexo distendido y saludable que no pudo disfrutar por su confusión espiritual (y que permitió sus obras geniales dicho sea de paso), por el otro, la muerte y la corrupción presente en las larvas y los gusanos que se abren en un cuerpo femenino intrigante. En ella se representan todas la obsesiones del artista y se vomitan como en una pesadilla en la que la mujer (representación de la vida a través de la maternidad) ha perdido toda vocación luminosa para volverse de una manera casi pérfida. 

Bañista sentada 

4.-Bañista sentada (1930) por Pablo Picasso 

Aunque está clasificada como una de las pinturas surrealistas en ella se adivina aún los trazos y los modos de las obras del cubismo. Si Dalí nos interpela y nos solivianta con unas imágenes oníricas en las que los símbolos se alinean para presentar una realidad inquietante, este óleo es casi amable, una de los pocos del surrealismo. Nos presenta una mujer desnuda desestructurada con un cuerpo que se confunde con el paisaje, el mar y el cielo. 

El Carnaval del Alerquín  

5.- El carnaval del Alerquín (1924-1925) de Joan Miró 

Las obras de Miró tienen un sustrato en las pinturas de El Bosco (quizás el primer artista surrealista aunque sus temas no fueran los del inconsciente liberador sino los del Apocalipsis biblíco). Es una obra plana con gran colorido en el que se ha eliminado toda perspectiva y es difícil reconocer los objetos que se presentan e identificarlos con su correlato de la realidad cotidiana. Miró nos presenta símbolos deshilados, sin coherencia aparente, mezclados y coloridos. La obra nos remite a esa mezcla y confusión propias del carnaval, cuando, por unos momentos, las convecciones sociales quedan aparcadas con el fin de conocer la verdad de la que no se habla de una manera lúdica. 

 Todavía y siempre 

6.- Todavía y siempre (1942)  por Yves Tanguy, una de las pinturas surrealistas que retratan los sueños

Es una de las pinturas surrealistas en las que se aprecia con mayor claridad la referencia onírica, esto es, al mundo de los sueños. Asistimos al espacio de la inmensidad (el mismo que aparece cuando el inconsciente interpela a la mente consciente). En este océano verdoso y quieto aparecen objetos desconocidos como de otro mundo. No podemos adivinar ni su uso ni cómo han llegado hasta allí. Es una de las obras en la que la temática es la pregunta misma. En ella está representado ese “qué hago aquí” con el que todo ser humano se ha torturado alguna vez. 

 Interior holandés de Joan Miró

7.- Interior holandés (1928) por Joan Miró

Volvemos al sustrato de las pinturas de El Bosco en una obra dramática en lo que al colorido se  refiere y que, de alguna manera, toca los postulados de la abstracción. 

Nada de ello sabrán los hombres

8.-  Nada de ello sabrán los hombres (1923) por Max Ernst o la necesidad de interpretación como otras pinturas surrealistas

Son los símbolos religiosos que aparecen en la obra lo que la hacen tan inquietante a la par que el título también contribuye a ello. Nos remite al esoterismo del iniciado, a aquello que está oculto, ajeno a la mente consciente o ignorante de la magnitud del universo y su lenguaje. Es una de mis pinturas surrealistas favoritas porque nos interroga con una necesidad de conocimiento casi místico y con un intento de unidad entre la razón y los sueños, entre lo sacro y lo profano, entre lo individual y lo colectivo que es casi imposible. Las partes del cuerpo desunidas que aparecen en la obra vuelven sobre ese sentido: la imposibilidad de la unión y la realización completas. 

 Rueda de bicicleta de Marcel Duchamp

 

Del dadaísmo al surrealismo con Rueda de bicicleta (1913) de Marcel Duchamp

No es una escultura o una pintura. Su clasificación es más bien el de instalación. Esto es, una obra de arte realizada con elementos de desecho o de partes de objetos de la vida cotidiana con la finalidad de interpelar al espectador. Duchamp fue un maestro de este tipo de obras. Recordemos La fuente de 1917 en el que se utiliza un urinario masculino. En este tipo de obras se quiere generar a la par un malestar y una pregunta. Se recurre a los símbolos (la rueda es uno de los considerados primigenios o esenciales) para acceder al mensaje por la vía del inconsciente puro y duro. El que la rueda (de bicicleta) esté colocada sobre un taburete en la posición contraria a la lógica intelectual lo hace aún más inquietante al negar cualquier utilidad o servicio.  

El surrealismo, para ir terminando y como hemos visto en estas pinturas surrealistas más famosas, obvia la realidad cotidiana, la de la mente consciente, para buscar la verdad a través de la liberación del inconsciente y del mundo onírico. Para ello se valen tanto de símbolos tradicionales como de imágenes que pertenecen al imaginario de terror particular del artista. En este último caso, quizás sea Salvador Dalí el maestro inigualable.

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En los albores del siglo XX, un grupo de autores impregnados por los modos y las formas del movimiento simbolista se enfrascaron en la creación de un modelo teatral que se adapta a los parámetros del surrealismo y que, de alguna manera u otra, han servido de germen para los experimentos dramáticos posteriores.

Antecedentes del teatro surrealista

La idea de que, en el escenario teatral, todo lo que en él hay actúa como símbolos se viene desarrollando desde la eclosión del movimiento literario simbolista, con Mallarmé a la cabeza. El deseo de representar el mundo interior del hombre, es decir, el de materializar las ideas más abstractas o el idealismo puro ha estado presente, de una manera u otra, en el teatro del siglo XX. Para ello se necesitaban de los símbolos. 


Estas nuevas corrientes expresivas no pueden entenderse sin la divulgación del método psicoanalista de Sigmund Freud o las teorías del inconsciente colectivo propuestas por C. G. Jung las cuales, a partir de la década de los años treinta, fueron utilizadas artísticamente por el círculo de los representantes del surrealismo. Aunque la pintura fue el modo de expresión favorita para los artistas del surrealismo, no podemos olvidar los experimentos con la escritura automática, las inquietantes puestas en escena de un buen puñado de obras de teatro y, en el campo de la cinematografía, las obras de Buñuel. Allardyce Nicoll, en su Historia del teatro mundial (1964), reconoce que el mundo propuesto por los surrealistas puede encontrar mayor acomodo en el cine que en el teatro, pero no por ello podemos obviar que los primeros experimentos se hicieron en el campo del teatro.

Las primeras obras del teatro surrealista

Antes del Manifiesto Surrealista (1924) de André Bretón, podemos rastrear dramas que se ajustan a ese deseo de búsqueda del mundo irracional, oculto y amordazado por la conciencia racional moldeada por la cultura y las imposiciones sociales. Los historiadores han señalado como antecedentes de la escritura dramática surrealista los títulos Ubu roi (1896) de Alfred Jarry o Les mamelles de Tiresias (Los pechos de Tiresias, 1917) de Guillaume Apollinaire. Justamente, para este último autor, el teatro debía evolucionar hacia un modo totalmente mental, sin decorados, sin actores incluso, hacia una forma perfecta de representación espiritual en el que, a ser posible, no interviniera ningún elemento material.

La importancia de este grupo artístico estriba en el afloramiento de un universo que, aunque inherente al ser humano, en raras ocasiones había sido puesto de manifiesto con anterioridad al surrealismo, aunque precedido por el movimiento simbolista. De hecho, los integrantes del grupo solo aceptaban como artistas válidos, es decir, afines a su pensamiento estético, a William Blake (1757-1827) y las enigmáticas tablas del pintor holandés Hieronymus Bosch (1450-1516).Posteriormente a estos primeros intentos de producción de un teatro surrealista en las primeras décadas del siglo XX y, también, tras las películas de Buñuel, el francés Jean Cocteau supo realizar obras de notable acierto estilístico como La machina infernale (La máquina infernal, 1934). Para ello, se valió del rico bagaje simbólico del mito clásico que, en esta ocasión, lo centró en la tragedia de Edipo. La parte onírica y, por tanto, irracional del hombre, que había sido amordazada en Occidente por el imperio de la razón y la filosofía cartesiana, es retomada, de nuevo, tras los estudios científicos de Freud y Jung. Todo ello contribuye a restaurar el símbolo y el mito en la vida del hombre.

A partir de la Primera Guerra Mundial, el positivismo y el cientifismo, imperante desde el Renacimiento, dan paso a un pensamiento y, por tanto, a expresiones artísticas, que no solo niegan sino que, además, exaltan los sueños, los símbolos y el mito. Los autores de teatro surrealistas no solo pusieron las bases del movimiento que descolocó la escena artística de mediados del siglo XX, sino que sus postulados en lo que a materia teatral se refiere siguen aún en vigor. Se trata de un teatro onírico, mitológico y claramente simbólico donde se remite al mundo primitivo del inconsciente colectivo. 

Por Candela Vizcaíno, Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla 

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En los albores del siglo XX, un grupo de autores impregnados por los modos y las formas del movimiento simbolista se enfrascaron en la creación de un modelo teatral que se adapta a los parámetros del surrealismo y que, de alguna manera u otra, han servido de germen para los experimentos dramáticos posteriores.

Antecedentes del teatro surrealista

La idea de que, en el escenario teatral, todo lo que en él hay actúa como símbolos se viene desarrollando desde la eclosión del movimiento literario simbolista, con Mallarmé a la cabeza. El deseo de representar el mundo interior del hombre, es decir, el de materializar las ideas más abstractas o el idealismo puro ha estado presente, de una manera u otra, en el teatro del siglo XX. Para ello se necesitaban de los símbolos. 


Estas nuevas corrientes expresivas no pueden entenderse sin la divulgación del método psicoanalista de Sigmund Freud o las teorías del inconsciente colectivo propuestas por C. G. Jung las cuales, a partir de la década de los años treinta, fueron utilizadas artísticamente por el círculo de los representantes del surrealismo. Aunque la pintura fue el modo de expresión favorita para los artistas del surrealismo, no podemos olvidar los experimentos con la escritura automática, las inquietantes puestas en escena de un buen puñado de obras de teatro y, en el campo de la cinematografía, las obras de Buñuel. Allardyce Nicoll, en su Historia del teatro mundial (1964), reconoce que el mundo propuesto por los surrealistas puede encontrar mayor acomodo en el cine que en el teatro, pero no por ello podemos obviar que los primeros experimentos se hicieron en el campo del teatro.

Las primeras obras del teatro surrealista

Antes del Manifiesto Surrealista (1924) de André Bretón, podemos rastrear dramas que se ajustan a ese deseo de búsqueda del mundo irracional, oculto y amordazado por la conciencia racional moldeada por la cultura y las imposiciones sociales. Los historiadores han señalado como antecedentes de la escritura dramática surrealista los títulos Ubu roi (1896) de Alfred Jarry o Les mamelles de Tiresias (Los pechos de Tiresias, 1917) de Guillaume Apollinaire. Justamente, para este último autor, el teatro debía evolucionar hacia un modo totalmente mental, sin decorados, sin actores incluso, hacia una forma perfecta de representación espiritual en el que, a ser posible, no interviniera ningún elemento material.

La importancia de este grupo artístico estriba en el afloramiento de un universo que, aunque inherente al ser humano, en raras ocasiones había sido puesto de manifiesto con anterioridad al surrealismo, aunque precedido por el movimiento simbolista. De hecho, los integrantes del grupo solo aceptaban como artistas válidos, es decir, afines a su pensamiento estético, a William Blake (1757-1827) y las enigmáticas tablas del pintor holandés Hieronymus Bosch (1450-1516).Posteriormente a estos primeros intentos de producción de un teatro surrealista en las primeras décadas del siglo XX y, también, tras las películas de Buñuel, el francés Jean Cocteau supo realizar obras de notable acierto estilístico como La machina infernale (La máquina infernal, 1934). Para ello, se valió del rico bagaje simbólico del mito clásico que, en esta ocasión, lo centró en la tragedia de Edipo. La parte onírica y, por tanto, irracional del hombre, que había sido amordazada en Occidente por el imperio de la razón y la filosofía cartesiana, es retomada, de nuevo, tras los estudios científicos de Freud y Jung. Todo ello contribuye a restaurar el símbolo y el mito en la vida del hombre.

A partir de la Primera Guerra Mundial, el positivismo y el cientifismo, imperante desde el Renacimiento, dan paso a un pensamiento y, por tanto, a expresiones artísticas, que no solo niegan sino que, además, exaltan los sueños, los símbolos y el mito. Los autores de teatro surrealistas no solo pusieron las bases del movimiento que descolocó la escena artística de mediados del siglo XX, sino que sus postulados en lo que a materia teatral se refiere siguen aún en vigor. Se trata de un teatro onírico, mitológico y claramente simbólico donde se remite al mundo primitivo del inconsciente colectivo. 

Por Candela Vizcaíno, Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla 

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Todo empezó con La interpretación de los sueños de Freud en 1901. Aunque, en un principio, la obra no tuvo repercusión alguna, las ideas allí plasmadas fueron calando en el imaginario filosófico y artístico del momento. Según el padre del psicoanálisis, el espíritu humano de ser una mole inmutable, pasaba a estar conformado por espacios de sombras desconocidas. Esas oscuridades eran tan reales (o más) que lo que acontecía en el mundo real.

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Todo ello fue calando en los artistas del momento que, una vez impregnados de la teoría, se apresuraron a describir, a dibujar, a pintar o a moldear ese mundo fuera del ámbito de la conciencia.

Características del surrealismo

  • El surrealismo nació en varios países como un movimiento literario, pero acabó invadiendo otras artes: la escultura, el incipiente cine y, sobre todo, la pintura.
  • Se admite todo lo que rebasa la lógica y el inconsciente. Se considera que la verdad está detrás del mundo real.
  • Los sueños (y su interpretación), los mitos, las visiones, lo maravilloso son admitidos. Por tanto, a través del onirismo y de la fantasía se podía acceder a aquello que permanecía oculto.
  • El automatismo, el psicoanálisis y la brujería adquieren un papel preponderante.
  • Al tiempo, se reniega de la moral, de las convecciones y de los protocolos sociales imperantes por considerarse que coartan la libertad que lleva a esa verdad oculta.
  • La obra de arte se convierte en el medio, en el demiurgo, para que afloren todo ese conocimiento desconocido y amordazado por las costumbres burguesas.
  • El surrealismo se presenta como revolucionario, como una estética que, al poner de manifiesto lo desconocido, pretende hacer saltar por los aires los cimientos establecidos de la sociedad.
  • Propugna, por tanto, el cambio radical. Por eso, varios de sus autores se declararon abiertamente marxistas, izquierdistas o anarquistas.

El Manifiesto Surrealista

Tendríamos que hablar, más bien, de manifiestos, ya que el grupo fue prolijo en escritos, proclamas y estudios sobre su obra y lo que debería ser el arte.


El Primer Manifiesto Surrealista fue publicado por André Breton en 1924. En él se propugna el automatismo psíquico y el dictado del pensamiento sin ataduras.  Este primer manifiesto se presentó casi como una declaración de principios. Había que adherirse como un acto de fe. El que no lo hiciera era, inmediatamente, expulsado del grupo.


Los manifiestos se sucedieron a lo largo de estos años. En 1925 nace una revista: El surrealismo al servicio de la Revolución. En 1929 aparece el Segundo Manifiesto Surrealista salido de la mano también de Breton.


Durante  estos años el grupo tiene sus desavenencias por motivos políticos, ya que la ortodoxia de André Breton dictaba la adscripción a la izquierda. Fruto de esa unión entre marxismo y surrealismo es la publicación en 1938 del Manifiesto por un Arte Revolucionario Independiente. En México firman el documento Breton, Trotski y Diego Rivera.

Artistas del Surrealismo


Aunque el movimiento exigía fe ciega en sus postulados y principios, hay una serie de artistas que, a pesar de las purgas, peleas y conflictos, tienen que catalogarse como surrealistas. Son:

Pintores surrealistas

El pintor más conocido de la corriente es Salvador Dalí, pero hay otros que también pertenecen al movimiento o hicieron obras claramente surrealistas: René Magritte, Arp, Miró, Picasso, Giorgio de Chirico, Francis Picabia, Klee, Roberto Matta, Yves Tanguy  y Leonora Carrington. No están todos los que son, pero sí son todos los que están. 

El surrealismo en literatura

Tristan Tzara, Paul Éluard y René Char son sus máximos exponentes. En las letras hispánicas hizo un primer esbozo Luis Cernuda, que pronto abandonó el movimiento y Vicente Aleixandre. El autor contemporáneo Fernando Arrabal puede inscribirse en la corriente, aunque, por edad, no pertenece a la vanguardia histórica.

Autores del surrealismo

Max Ernst (junto con Dalí) fue uno de los más influyentes. El director de cine Luis Buñuel, con Un perro andaluz y La edad de oro, ha servido de referente a cineastas actuales.


La estética, a pesar de las pullas y depuraciones inadmisibles para un movimiento que buscaba la verdad y la libertad, se extendió a lo largo de la década de los años treinta influenciando todas las artes y a gran parte de los autores más señeros del siglo XX.

Por Candela Vizcaíno

Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

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Todo empezó con La interpretación de los sueños de Freud en 1901. Aunque, en un principio, la obra no tuvo repercusión alguna, las ideas allí plasmadas fueron calando en el imaginario filosófico y artístico del momento. Según el padre del psicoanálisis, el espíritu humano de ser una mole inmutable, pasaba a estar conformado por espacios de sombras desconocidas. Esas oscuridades eran tan reales (o más) que lo que acontecía en el mundo real.

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Todo ello fue calando en los artistas del momento que, una vez impregnados de la teoría, se apresuraron a describir, a dibujar, a pintar o a moldear ese mundo fuera del ámbito de la conciencia.

Características del surrealismo

  • El surrealismo nació en varios países como un movimiento literario, pero acabó invadiendo otras artes: la escultura, el incipiente cine y, sobre todo, la pintura.
  • Se admite todo lo que rebasa la lógica y el inconsciente. Se considera que la verdad está detrás del mundo real.
  • Los sueños (y su interpretación), los mitos, las visiones, lo maravilloso son admitidos. Por tanto, a través del onirismo y de la fantasía se podía acceder a aquello que permanecía oculto.
  • El automatismo, el psicoanálisis y la brujería adquieren un papel preponderante.
  • Al tiempo, se reniega de la moral, de las convecciones y de los protocolos sociales imperantes por considerarse que coartan la libertad que lleva a esa verdad oculta.
  • La obra de arte se convierte en el medio, en el demiurgo, para que afloren todo ese conocimiento desconocido y amordazado por las costumbres burguesas.
  • El surrealismo se presenta como revolucionario, como una estética que, al poner de manifiesto lo desconocido, pretende hacer saltar por los aires los cimientos establecidos de la sociedad.
  • Propugna, por tanto, el cambio radical. Por eso, varios de sus autores se declararon abiertamente marxistas, izquierdistas o anarquistas.

El Manifiesto Surrealista

Tendríamos que hablar, más bien, de manifiestos, ya que el grupo fue prolijo en escritos, proclamas y estudios sobre su obra y lo que debería ser el arte.


El Primer Manifiesto Surrealista fue publicado por André Breton en 1924. En él se propugna el automatismo psíquico y el dictado del pensamiento sin ataduras.  Este primer manifiesto se presentó casi como una declaración de principios. Había que adherirse como un acto de fe. El que no lo hiciera era, inmediatamente, expulsado del grupo.


Los manifiestos se sucedieron a lo largo de estos años. En 1925 nace una revista: El surrealismo al servicio de la Revolución. En 1929 aparece el Segundo Manifiesto Surrealista salido de la mano también de Breton.


Durante  estos años el grupo tiene sus desavenencias por motivos políticos, ya que la ortodoxia de André Breton dictaba la adscripción a la izquierda. Fruto de esa unión entre marxismo y surrealismo es la publicación en 1938 del Manifiesto por un Arte Revolucionario Independiente. En México firman el documento Breton, Trotski y Diego Rivera.

Artistas del Surrealismo


Aunque el movimiento exigía fe ciega en sus postulados y principios, hay una serie de artistas que, a pesar de las purgas, peleas y conflictos, tienen que catalogarse como surrealistas. Son:

Pintores surrealistas

El pintor más conocido de la corriente es Salvador Dalí, pero hay otros que también pertenecen al movimiento o hicieron obras claramente surrealistas: René Magritte, Arp, Miró, Picasso, Giorgio de Chirico, Francis Picabia, Klee, Roberto Matta, Yves Tanguy  y Leonora Carrington. No están todos los que son, pero sí son todos los que están. 

El surrealismo en literatura

Tristan Tzara, Paul Éluard y René Char son sus máximos exponentes. En las letras hispánicas hizo un primer esbozo Luis Cernuda, que pronto abandonó el movimiento y Vicente Aleixandre. El autor contemporáneo Fernando Arrabal puede inscribirse en la corriente, aunque, por edad, no pertenece a la vanguardia histórica.

Autores del surrealismo

Max Ernst (junto con Dalí) fue uno de los más influyentes. El director de cine Luis Buñuel, con Un perro andaluz y La edad de oro, ha servido de referente a cineastas actuales.


La estética, a pesar de las pullas y depuraciones inadmisibles para un movimiento que buscaba la verdad y la libertad, se extendió a lo largo de la década de los años treinta influenciando todas las artes y a gran parte de los autores más señeros del siglo XX.

Por Candela Vizcaíno

Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

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