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Si por algo se definen las vanguardias históricas es por su rechazo a cualquier escena o acción que tuviera que ver con la tradición. Y una de las maneras más fáciles de crea en contra de lo establecido era utilizando el color de una forma extrema. Y aquí tenemos una de las más llamativas características del expresionismo, uno de los primeros movimientos del siglo XX cuyo precursor se encuentra en el fauvismo. Si en París, los artistas del cubismo están enfrascados con sus fórmulas y reglas casi y en Italia los del futurismo negaban incluso el arte mismo, el expresionismo nació en la primera década del siglo XX (alrededor del año 1905) en Centroeuropa. El movimiento no fue flor de un día y sus creadores trabajaron en la estética tanto o más que los artistas del surrealismo, el otro movimiento preponderante en el siglo XX, el cual aparecería más tarde.  

Calle con buscona en rojo

Definición del expresionismo

Expresionismo procede de la palabra expresión y, por tanto, se refiere a cualquier línea artística que en cualquier época histórica se centrara en reflejar (precisamente) la expresividad en las obras en detrimento de cualquier otra circunstancia. La primera y fundamental de las características del expresionismo es que su interés siempre será el ser humano y este puede estar circunscrito a cualquier paisaje, acción o motivación. Lo importante, lo que sería fundamental, es aquello que se transparenta en el cuerpo, acción, modales o situación del alma o de las circunstancias espirituales personales.  

Dicho esto, las obras del expresionismo están dotadas de una fuerza, a la par que belleza, muy difícil de encontrar en el arte contemporáneo. A poco que nos centremos a admirarlas, podemos “empatizar” (si esa palabra se puede utilizar para referirnos al poder de la cultura) con lo allí representado. El expresionismo además, no quería centrarse en una época (las primeras décadas del siglo XX) sino a toda la historia misma del arte. Los expresionistas, sin embargo, consideraban que pocos artistas habían logrado llevar al lienzo las luces y las sombras del interior humano. En este sentido, el único que consideraban válido como precedente fue Goya. 

 Tres desnudos en el bosque 

10 características del expresionismo

 

Los artistas del expresionismo (ante las sucesivas vueltas de tuerca de las primeras vanguardias) proponen un regreso a la artesanía, al lienzo, al óleo a la obra de arte como objeto diferente de cualquier otra manifestación cultural. Lo entendemos con la siguiente lista de características.  

1.- Hay un predominio del lienzo al óleo de cualquier otro género artístico 

Aunque también nos encontramos esculturas y el expresionismo se desarrolló en música y literatura, en arte hay un preponderancia de la pintura al óleo. No se produce ningún tipo de mezcla de géneros o materiales propio de otros movimientos. Y esta es una de las características del expresionismo que más llaman la atención: el retorno, a pesar de abominar de ella, a la tradición del lienzo al óleo. El resultado son obras de gran belleza que no dejan indiferente al espectador por lo que se refleja del espíritu humano.  

2.- Una de las características del expresionismo es el uso del color

Son radicales en la paleta y casi desconocidos en la naturaleza. Parecen puros, pero no lo son, ya que están mezclados y, a veces, degradados. Estos siempre aparecen con trazos amplios sin nada que ver con las técnicas de la tradición precedente. Los animales, figuras humanas, plantas u objetos aparecen con coloridos que no se dan de forma natural. En este sentido nos encontramos con caballos azules, desnudos naranjas o verdosos, caras rojas que nos remiten al maquillaje excesivo de personajes que están en los límites de la sociedad.  

3.- Las formas, aunque definidas, tienen líneas angulosas y trazos gruesos

Los colores y las imágenes se presentan sin delimitar, con brochazos amplios y firmes que, aún reconociendo objetos o figuras humanas, están desdibujadas. Todo ello sin llegar a la geometría tácita de otros movimientos de vanguardia pero, a la vez, participando de ellas. Las perspectiva queda eliminada del todo y el cuadro se reduce a una extraña doble dimensión, lo cual, a la vez, le confiere una salvaje y original belleza. Las obras se presentan como manchas unidas a otras con colores extremos que van conformando el relato del cuadro.  

4.- Una de las características del expresionismo es que hay una preponderancia de la figura humana

Y esto se entiende si los artistas del movimiento se centraban en eso de exterior que transparenta lo interior. Aunque hay figuras animales, estas siempre están presentes como la manifestación o la creación del espíritu humano. Así los caballos o el león de “El sueño” (obra que protagoniza este estudio) de Franz Marc aparecen en una representación onírica, lejos de lo natural. Son parte de la expresión interior de la figura femenina central del cuerpo. Esto es, son el mundo inconsciente (de los miedos en este caso por el simbolismo presente) de una persona. 

5.- Los artistas del expresionismo buscan las raíces populares del pueblo germánico 

Ya he indicado que el expresionismo se desarrolló en Centroeuropa, lejos del París de las vanguardias que en ese momento se consideraba el ombligo cultural del mundo. Por eso, hay un rechazo de la tradición clásica (la de Grecia y Roma) preponderante hasta ese momento. Aunque ese legado se retomaría un poco más tarde por los artistas italianos de la pintura metafísica, una de las características del expresionismo es ese gusto por la tradición popular germánica. Esta está presente en los paisajes, los tipos e, incluso, en el mundo animal que aparecen en estas obras. Paralelamente, a igual que se desarrolla en el cubismo, se mira hacia el arte puro y no contaminado de las máscaras africanas. De este tenor aparecen buena parte de los rostros en la mayoría de las obras del movimiento. La expresión ha sido reducida a lo mínimo y de aquí se infiere el talante interior del protagonista de la obra. 

6.- Otra de las características del expresionismo es su rechazo a la burguesía, clase social predominante

Aunque esto, más bien, parece un hilo conductor en cualquiera de las manifestaciones artísticas de las vanguardias históricas.  Se niega la actitud positiva de la burguesía y su creencia en un futuro siempre mejor. Por tanto, se busca en la sencillez de la cultura popular, de las personas que conforman las naciones desde la humildad. En este sentido, el expresionismo quería ser un puente (entre el arte y el poder de la cultura) y la sociedad en su conjunto con un claro afán de mejora. Y todo ello sin ocultar un bien intencionado proselitismo.  

7.- Otra característica del expresionismo es su gusto por los ambientes y personajes urbanos

A pesar de esa búsqueda de lo auténtico, de lo popular, de lo natural, el movimiento hace protagonistas a personajes eminentemente urbanos. Se presentan con sus ropajes en su mundo, con sus movimientos y con su cosmovisión. Lo vemos, por poner un solo caso, en “Calle con buscona de rojo” de Kirchner. Este pequeño óleo custodiado en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid es un claro ejemplo de las características del expresionismo principales. La figura central aparece, aunque rodeada por una sociedad desdibujada (de manera literal en el cuadro) en soledad, buscando… Su expresión es la de alguien que no puede soportar la soledad (tema contemporáneo) y esto se lleva a cabo por el artista con un uso extremo del color (el amarillo del pelo, las medias blancas, los ojos como máscaras) y de las formas distorsionadas. 

8.- Tampoco se deja de lado ni la naturaleza ni el mundo de los sueños

Compartiendo una de las principales características del surrealismo, el movimiento que llegaría después. Si hay un gusto por reflejar el interior en lo exterior, aquel debe hacerse en toda su extensión sin dejar de lado ni el consciente ni el inconsciente. Los sueños, las pesadillas, los traumas, los anhelos conocidos o no… se van a transparentar en la obra utilizando los elementos que el artista tenga al alcance. 

9.- Una de las características del expresionismo es su gusto por los desnudos femeninos

Estos están insertos en un paisaje casi imposible que parecen propios del mundo onírico más que del real. Los colores, a veces, son impropios de la carnalidad recurriendo a naranjas extremos, verdosos o azulados. En este sentido la tonalidad actúa como un símbolo de ese interior que se transparenta en el exterior despojada de vestimenta y atributos. La radicalidad del expresionismo se manifiesta en estos desnudos únicos en la historia del arte en el que se deja de lado cualquier crítica social o moral para centrarse, aunque pudiera parecer contradictorio, en el alma humana. 

10.- Todo en la obra tiene tintes desgarrados que no da pie al arte amable   

A pesar del color, de las formas, de la estructura, de no presentar, en principio, nada que pudiera parecer escatológico, se impregna con ese desgarro. Es el grito silencioso de la soledad, es el miedo de un sueño que nos pone nuestros límites, es el desnudo de una fémina en busca de su posición en el mundo (ya sea espiritual o meramente social). Todo ello forma parte del expresionismo más radical y auténtico.  

El expresionismo fue un movimiento transformador que creía en el papel redentor del arte. Para ello se valió de un colorido que no tenía paralelo en la naturaleza y en una reproducción del interior humano a través de un realismo distorsionado. Las principales características del expresionismo quedan expuestas en lienzos de una aterradora belleza que interrogan al espectador con su fuerza artística.

Por Candela Vizcaíno

 

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El arte es lo que queda cuando todo ha pasado. Es lo inmutable dentro del cambio. Es la belleza en un mundo en caos. El arte es parte importante de este sitio. Intentamos comprenderlo. 

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Si por algo se definen las vanguardias históricas es por su rechazo a cualquier escena o acción que tuviera que ver con la tradición. Y una de las maneras más fáciles de crea en contra de lo establecido era utilizando el color de una forma extrema. Y aquí tenemos una de las más llamativas características del expresionismo, uno de los primeros movimientos del siglo XX cuyo precursor se encuentra en el fauvismo. Si en París, los artistas del cubismo están enfrascados con sus fórmulas y reglas casi y en Italia los del futurismo negaban incluso el arte mismo, el expresionismo nació en la primera década del siglo XX (alrededor del año 1905) en Centroeuropa. El movimiento no fue flor de un día y sus creadores trabajaron en la estética tanto o más que los artistas del surrealismo, el otro movimiento preponderante en el siglo XX, el cual aparecería más tarde.  

Calle con buscona en rojo

Definición del expresionismo

Expresionismo procede de la palabra expresión y, por tanto, se refiere a cualquier línea artística que en cualquier época histórica se centrara en reflejar (precisamente) la expresividad en las obras en detrimento de cualquier otra circunstancia. La primera y fundamental de las características del expresionismo es que su interés siempre será el ser humano y este puede estar circunscrito a cualquier paisaje, acción o motivación. Lo importante, lo que sería fundamental, es aquello que se transparenta en el cuerpo, acción, modales o situación del alma o de las circunstancias espirituales personales.  

Dicho esto, las obras del expresionismo están dotadas de una fuerza, a la par que belleza, muy difícil de encontrar en el arte contemporáneo. A poco que nos centremos a admirarlas, podemos “empatizar” (si esa palabra se puede utilizar para referirnos al poder de la cultura) con lo allí representado. El expresionismo además, no quería centrarse en una época (las primeras décadas del siglo XX) sino a toda la historia misma del arte. Los expresionistas, sin embargo, consideraban que pocos artistas habían logrado llevar al lienzo las luces y las sombras del interior humano. En este sentido, el único que consideraban válido como precedente fue Goya. 

 Tres desnudos en el bosque 

10 características del expresionismo

 

Los artistas del expresionismo (ante las sucesivas vueltas de tuerca de las primeras vanguardias) proponen un regreso a la artesanía, al lienzo, al óleo a la obra de arte como objeto diferente de cualquier otra manifestación cultural. Lo entendemos con la siguiente lista de características.  

1.- Hay un predominio del lienzo al óleo de cualquier otro género artístico 

Aunque también nos encontramos esculturas y el expresionismo se desarrolló en música y literatura, en arte hay un preponderancia de la pintura al óleo. No se produce ningún tipo de mezcla de géneros o materiales propio de otros movimientos. Y esta es una de las características del expresionismo que más llaman la atención: el retorno, a pesar de abominar de ella, a la tradición del lienzo al óleo. El resultado son obras de gran belleza que no dejan indiferente al espectador por lo que se refleja del espíritu humano.  

2.- Una de las características del expresionismo es el uso del color

Son radicales en la paleta y casi desconocidos en la naturaleza. Parecen puros, pero no lo son, ya que están mezclados y, a veces, degradados. Estos siempre aparecen con trazos amplios sin nada que ver con las técnicas de la tradición precedente. Los animales, figuras humanas, plantas u objetos aparecen con coloridos que no se dan de forma natural. En este sentido nos encontramos con caballos azules, desnudos naranjas o verdosos, caras rojas que nos remiten al maquillaje excesivo de personajes que están en los límites de la sociedad.  

3.- Las formas, aunque definidas, tienen líneas angulosas y trazos gruesos

Los colores y las imágenes se presentan sin delimitar, con brochazos amplios y firmes que, aún reconociendo objetos o figuras humanas, están desdibujadas. Todo ello sin llegar a la geometría tácita de otros movimientos de vanguardia pero, a la vez, participando de ellas. Las perspectiva queda eliminada del todo y el cuadro se reduce a una extraña doble dimensión, lo cual, a la vez, le confiere una salvaje y original belleza. Las obras se presentan como manchas unidas a otras con colores extremos que van conformando el relato del cuadro.  

4.- Una de las características del expresionismo es que hay una preponderancia de la figura humana

Y esto se entiende si los artistas del movimiento se centraban en eso de exterior que transparenta lo interior. Aunque hay figuras animales, estas siempre están presentes como la manifestación o la creación del espíritu humano. Así los caballos o el león de “El sueño” (obra que protagoniza este estudio) de Franz Marc aparecen en una representación onírica, lejos de lo natural. Son parte de la expresión interior de la figura femenina central del cuerpo. Esto es, son el mundo inconsciente (de los miedos en este caso por el simbolismo presente) de una persona. 

5.- Los artistas del expresionismo buscan las raíces populares del pueblo germánico 

Ya he indicado que el expresionismo se desarrolló en Centroeuropa, lejos del París de las vanguardias que en ese momento se consideraba el ombligo cultural del mundo. Por eso, hay un rechazo de la tradición clásica (la de Grecia y Roma) preponderante hasta ese momento. Aunque ese legado se retomaría un poco más tarde por los artistas italianos de la pintura metafísica, una de las características del expresionismo es ese gusto por la tradición popular germánica. Esta está presente en los paisajes, los tipos e, incluso, en el mundo animal que aparecen en estas obras. Paralelamente, a igual que se desarrolla en el cubismo, se mira hacia el arte puro y no contaminado de las máscaras africanas. De este tenor aparecen buena parte de los rostros en la mayoría de las obras del movimiento. La expresión ha sido reducida a lo mínimo y de aquí se infiere el talante interior del protagonista de la obra. 

6.- Otra de las características del expresionismo es su rechazo a la burguesía, clase social predominante

Aunque esto, más bien, parece un hilo conductor en cualquiera de las manifestaciones artísticas de las vanguardias históricas.  Se niega la actitud positiva de la burguesía y su creencia en un futuro siempre mejor. Por tanto, se busca en la sencillez de la cultura popular, de las personas que conforman las naciones desde la humildad. En este sentido, el expresionismo quería ser un puente (entre el arte y el poder de la cultura) y la sociedad en su conjunto con un claro afán de mejora. Y todo ello sin ocultar un bien intencionado proselitismo.  

7.- Otra característica del expresionismo es su gusto por los ambientes y personajes urbanos

A pesar de esa búsqueda de lo auténtico, de lo popular, de lo natural, el movimiento hace protagonistas a personajes eminentemente urbanos. Se presentan con sus ropajes en su mundo, con sus movimientos y con su cosmovisión. Lo vemos, por poner un solo caso, en “Calle con buscona de rojo” de Kirchner. Este pequeño óleo custodiado en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid es un claro ejemplo de las características del expresionismo principales. La figura central aparece, aunque rodeada por una sociedad desdibujada (de manera literal en el cuadro) en soledad, buscando… Su expresión es la de alguien que no puede soportar la soledad (tema contemporáneo) y esto se lleva a cabo por el artista con un uso extremo del color (el amarillo del pelo, las medias blancas, los ojos como máscaras) y de las formas distorsionadas. 

8.- Tampoco se deja de lado ni la naturaleza ni el mundo de los sueños

Compartiendo una de las principales características del surrealismo, el movimiento que llegaría después. Si hay un gusto por reflejar el interior en lo exterior, aquel debe hacerse en toda su extensión sin dejar de lado ni el consciente ni el inconsciente. Los sueños, las pesadillas, los traumas, los anhelos conocidos o no… se van a transparentar en la obra utilizando los elementos que el artista tenga al alcance. 

9.- Una de las características del expresionismo es su gusto por los desnudos femeninos

Estos están insertos en un paisaje casi imposible que parecen propios del mundo onírico más que del real. Los colores, a veces, son impropios de la carnalidad recurriendo a naranjas extremos, verdosos o azulados. En este sentido la tonalidad actúa como un símbolo de ese interior que se transparenta en el exterior despojada de vestimenta y atributos. La radicalidad del expresionismo se manifiesta en estos desnudos únicos en la historia del arte en el que se deja de lado cualquier crítica social o moral para centrarse, aunque pudiera parecer contradictorio, en el alma humana. 

10.- Todo en la obra tiene tintes desgarrados que no da pie al arte amable   

A pesar del color, de las formas, de la estructura, de no presentar, en principio, nada que pudiera parecer escatológico, se impregna con ese desgarro. Es el grito silencioso de la soledad, es el miedo de un sueño que nos pone nuestros límites, es el desnudo de una fémina en busca de su posición en el mundo (ya sea espiritual o meramente social). Todo ello forma parte del expresionismo más radical y auténtico.  

El expresionismo fue un movimiento transformador que creía en el papel redentor del arte. Para ello se valió de un colorido que no tenía paralelo en la naturaleza y en una reproducción del interior humano a través de un realismo distorsionado. Las principales características del expresionismo quedan expuestas en lienzos de una aterradora belleza que interrogan al espectador con su fuerza artística.

Por Candela Vizcaíno

 

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El pop art fue el movimiento artístico predominante en la década de los años sesenta. Su epicentro estuvo en New York y las obras producidas tuvieron una acogida de público tan fantástica que incluso dejó descolocado a parte de la crítica. Dentro de las características del pop art principales nos encontramos su relación con el mundo publicitario, el enaltecimiento de la banalidad del incipiente consumismo, los colores brillantes y planos así como un gusto por las formas de reproducción propias de las artes gráficas. Los artistas del pop art que traigo hoy crearon obras tan reconocidas por el público en general que al día de hoy se han convertido en verdaderos iconos culturales. 

Los horrores de las dos grandes guerras quedaron atrás mientras que la población en general comienza a tener acceso a bienes y servicios nunca vistos en la historia de la humanidad. En el ambiente flota una deliciosa sensación de euforia y el mundo se intuye fácil. Los artistas no pueden ser ajenos a esta cosmovisión tan particular. Las vanguardias históricas (como el surrealismo o el cubismo) están ya amortizadas e, incluso, la estética que, de una manera u otra, entronca con el pop art, el dadaísmo. Con estos mimbres estos diez artistas del pop art levantan sus obras repletas de objetos de uso cotidiano, con guiños al cómic y a la iconografía de las revistas ligeras y con la mente abierta hacia otros modos de comunicación. Con ellos se abren las performances o las instalaciones y se da paso, también, a la poesía visual

Andy Warhol: Marilyn

1.- Andy Warhol, el más conocido de entre todos los artistas del pop art

Es el más famoso y reconocido llegando a ser algunas de sus obras (los lienzos con la representación de las botellas de Coca Cola, de las latas de sopa, de Marilyn…) reconocidas y admiradas por el gran público en general. Nacido en 1928 en Pittsburg procedente de una familia de origen polaca, en los años cincuenta ya estaba trabajando como artista publicitario en New York, el epicentro de la estética del pop art. Nunca abandonaría ese punto de propaganda, de banalidad incluso, de exaltación de objetos cotidianos o de personajes famosos que forman su particular universo artístico. Si bien Warhol es uno de los artistas del arte pop más conocido por una obra que pudiéramos calificar como amable, sí se adentró en algunos temas de denuncia social. En esta línea señalo, por poner solo un ejemplo, sus obras con la silla eléctrica como protagonista en la que, de alguna manera u otra, se posiciona contra la pena de muerte. 

La fama le llegó pronto (y el dinero también) creando alrededor de su persona (como de culto casi) un grupo de artistas conocido como The Factory. Aunque el pop art no realizó ningún manifiesto ni actuó en comandita como las vanguardias clásicas, sí genero Warhol este grupo heterogéneo formado por creadores de cualquier género, modelos, vividores y gentes del mundo de la noche. A final de sus días se dedicó a la producción de grupos musicales. Murió en 1987 en New York.  

2.- Jasper Johns, el precusor del pop art 

Nació en 1930 y comenzó sus estudios en la Universidad de Carolina del Sur. Con tal solo 19 años ya está en New York donde entra en contacto con los círculos vanguardistas de la época. Antes de que comenzara el pop art (dos o tres años antes de 1960) Jasper Johns se puso a pintar banderas, números y grandes letras en sus lienzos. Esas obras consideradas minimalistas, con colores planos, vibrantes y de una temática aparentemente banal inspiró al resto de los artistas del pop art o arte pop. Por eso, es considerado el abanderado del movimiento aunque muy pronto se cansó de esta línea estética y comenzó a generar obras en la línea de la instalación. 

3.- James Rosenquist

Nació en 1933 en Dakota del Norte y en la juventud se traslada a New York donde comenzó a pintar vallas publicitarias. Sin duda, este trabajo de artesano casi fue una potente influencia en su obra posterior. A mediados de la década de los sesenta va a generar obras que se caracterizan por ser como collages de imágenes siempre con las características del pop art. 

Roy Lichtenstein Drowning Girl

4.- Roy Lichtenstein y el comic del pop art

Es uno de los artistas del pop art que ha tenido más aceptación por la crítica y los galeristas entrando muy pronto a formar parte de la colección permanente de importantes museos internacionales. Eso lo disfrutó en vida. Sus obras se caracterizan por tener un sustrato evidente de la estética del cómic. En ella se asiste a escenas cotidianas, sin importancia y que forman parte de la cultura popular de la época. Gusta de los colores vibrantes y puros (amarillos, verdes y rojos) y no tiene empacho en reproducir todas las características de las revistas livianas de la época. Objetos o personajes (la mayoría anónimos) pueblan unas obras de líneas más que puras con un recurso a los puntos de las artes gráficas. Los bocadillos típicos del cómic forman parte de sus obras así como la tipografía en estado puro. Es uno de los artistas del pop art, junto con Warhol, más interesantes aunque, en principio, las temáticas de sus obras pudieran parecer frívolas.  

5.- Robert Morris, uno de los artistas del pop art interesado por los happening 

Es uno de los artistas del pop art que crea fuera del epicentro de New York ya que se formó y trabajó en San Francisco. Este movimiento, al contrario que las vanguardias artísticas, no se aglutinó a través de grupos que se reunían periódicamente para crear manifiestos y agitar conciencias. Cada autor trabajaba de manera independiente. Otra cosa es que New York fuera en ese momento uno de los ejes del mundo cultural y hasta aquí llegaran (desde distintos puntos de Estados Unidos) la mayoría de los artistas del pop art. Robert Morris se casó con una bailarina y asistía a los ensayos de su esposa. De aquí sacó la fuente de inspiración para levantar lo que el mismo denominó happening, antecedente de las performances que tanto abundaron en el panorama artístico de finales del siglo XX.  

6.- Robert Rauschenberg, uno de los más reconocidos artistas del pop art

Otro artista con orígenes y formación distinta al epicentro neoyorkino, ya que nació en Texas y se formó en París, urbe que empezaba a flaquear como ombligo cultural del mundo. Sin embargo, casi toda su producción se realiza en New York. Tuvo contactos con el inclasificable John Cage, cuya producción está a medio camino entre la filosofía y el arte siendo uno de los más influyentes creadores de la poesía visual de finales del siglo XX. Rauschenberg también trabajó en obras que participan de la condición de performance o instalación. 

7.- Claes Oldenburg

Originario de Estocolmo y tras estudiar en Yale y en Chicago, se afinca en New York. Su obra participa de las características del pop art más vanguardista al incorporar materiales de desecho o de origen diverso sin una definición clara. 

8.- Donald Judd

Nacido en Misouri en 1928, se formó y trabajó en New York. Sus orígenes como artista están en el expresionismo que por entonces también dominaba la estética internacional. Bien entrada la década de los 60 abandonó cualquier atisbo de abstracción para realizar una obra con las características del pop art más reconocidas como es la representación de objetos simples, en ambiente minimalista y colores definidos y vibrantes. Siempre se movió en la frontera de los géneros. Sus obras están entra la escultura, la pintura, la performance, la instalación abriendo el camino para el arte último del finales del siglo XX. 

9.- Allan Kaprow

Otro de los artistas del pop art que entró en contacto con John Cage y su particular estética ejerciendo casi toda su producción en el modelo happening. 

10.- Sol Levitt

Trabajó en publicidad y diseño de marketing así como en un estudio de arquitectura. Sin duda, todo ello le llevó a la estética del minimalismo. Esta está asociada con el pop art. Evolucionó hacia el arte conceptual.  

Estos diez artistas del pop art tuvieron un éxito en vida apabullante cosechando fama y riquezas a pesar de que algún que otro crítico, incluso hoy en día, abominara de la esencia de sus obras. Quizás no supieran ver ese entronque tan particular con la cultura popular de masas predominante en la época. Es la misma que retratan y dejan guardadas para siempre, como el mundo que fue en su momento y que quizás esté terminando movido por otros modos de estar, sentir y actuar.

 

Por Candela Vizcaíno

 

 

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El pop art fue el movimiento artístico predominante en la década de los años sesenta. Su epicentro estuvo en New York y las obras producidas tuvieron una acogida de público tan fantástica que incluso dejó descolocado a parte de la crítica. Dentro de las características del pop art principales nos encontramos su relación con el mundo publicitario, el enaltecimiento de la banalidad del incipiente consumismo, los colores brillantes y planos así como un gusto por las formas de reproducción propias de las artes gráficas. Los artistas del pop art que traigo hoy crearon obras tan reconocidas por el público en general que al día de hoy se han convertido en verdaderos iconos culturales. 

Los horrores de las dos grandes guerras quedaron atrás mientras que la población en general comienza a tener acceso a bienes y servicios nunca vistos en la historia de la humanidad. En el ambiente flota una deliciosa sensación de euforia y el mundo se intuye fácil. Los artistas no pueden ser ajenos a esta cosmovisión tan particular. Las vanguardias históricas (como el surrealismo o el cubismo) están ya amortizadas e, incluso, la estética que, de una manera u otra, entronca con el pop art, el dadaísmo. Con estos mimbres estos diez artistas del pop art levantan sus obras repletas de objetos de uso cotidiano, con guiños al cómic y a la iconografía de las revistas ligeras y con la mente abierta hacia otros modos de comunicación. Con ellos se abren las performances o las instalaciones y se da paso, también, a la poesía visual

Andy Warhol: Marilyn

1.- Andy Warhol, el más conocido de entre todos los artistas del pop art

Es el más famoso y reconocido llegando a ser algunas de sus obras (los lienzos con la representación de las botellas de Coca Cola, de las latas de sopa, de Marilyn…) reconocidas y admiradas por el gran público en general. Nacido en 1928 en Pittsburg procedente de una familia de origen polaca, en los años cincuenta ya estaba trabajando como artista publicitario en New York, el epicentro de la estética del pop art. Nunca abandonaría ese punto de propaganda, de banalidad incluso, de exaltación de objetos cotidianos o de personajes famosos que forman su particular universo artístico. Si bien Warhol es uno de los artistas del arte pop más conocido por una obra que pudiéramos calificar como amable, sí se adentró en algunos temas de denuncia social. En esta línea señalo, por poner solo un ejemplo, sus obras con la silla eléctrica como protagonista en la que, de alguna manera u otra, se posiciona contra la pena de muerte. 

La fama le llegó pronto (y el dinero también) creando alrededor de su persona (como de culto casi) un grupo de artistas conocido como The Factory. Aunque el pop art no realizó ningún manifiesto ni actuó en comandita como las vanguardias clásicas, sí genero Warhol este grupo heterogéneo formado por creadores de cualquier género, modelos, vividores y gentes del mundo de la noche. A final de sus días se dedicó a la producción de grupos musicales. Murió en 1987 en New York.  

2.- Jasper Johns, el precusor del pop art 

Nació en 1930 y comenzó sus estudios en la Universidad de Carolina del Sur. Con tal solo 19 años ya está en New York donde entra en contacto con los círculos vanguardistas de la época. Antes de que comenzara el pop art (dos o tres años antes de 1960) Jasper Johns se puso a pintar banderas, números y grandes letras en sus lienzos. Esas obras consideradas minimalistas, con colores planos, vibrantes y de una temática aparentemente banal inspiró al resto de los artistas del pop art o arte pop. Por eso, es considerado el abanderado del movimiento aunque muy pronto se cansó de esta línea estética y comenzó a generar obras en la línea de la instalación. 

3.- James Rosenquist

Nació en 1933 en Dakota del Norte y en la juventud se traslada a New York donde comenzó a pintar vallas publicitarias. Sin duda, este trabajo de artesano casi fue una potente influencia en su obra posterior. A mediados de la década de los sesenta va a generar obras que se caracterizan por ser como collages de imágenes siempre con las características del pop art. 

Roy Lichtenstein Drowning Girl

4.- Roy Lichtenstein y el comic del pop art

Es uno de los artistas del pop art que ha tenido más aceptación por la crítica y los galeristas entrando muy pronto a formar parte de la colección permanente de importantes museos internacionales. Eso lo disfrutó en vida. Sus obras se caracterizan por tener un sustrato evidente de la estética del cómic. En ella se asiste a escenas cotidianas, sin importancia y que forman parte de la cultura popular de la época. Gusta de los colores vibrantes y puros (amarillos, verdes y rojos) y no tiene empacho en reproducir todas las características de las revistas livianas de la época. Objetos o personajes (la mayoría anónimos) pueblan unas obras de líneas más que puras con un recurso a los puntos de las artes gráficas. Los bocadillos típicos del cómic forman parte de sus obras así como la tipografía en estado puro. Es uno de los artistas del pop art, junto con Warhol, más interesantes aunque, en principio, las temáticas de sus obras pudieran parecer frívolas.  

5.- Robert Morris, uno de los artistas del pop art interesado por los happening 

Es uno de los artistas del pop art que crea fuera del epicentro de New York ya que se formó y trabajó en San Francisco. Este movimiento, al contrario que las vanguardias artísticas, no se aglutinó a través de grupos que se reunían periódicamente para crear manifiestos y agitar conciencias. Cada autor trabajaba de manera independiente. Otra cosa es que New York fuera en ese momento uno de los ejes del mundo cultural y hasta aquí llegaran (desde distintos puntos de Estados Unidos) la mayoría de los artistas del pop art. Robert Morris se casó con una bailarina y asistía a los ensayos de su esposa. De aquí sacó la fuente de inspiración para levantar lo que el mismo denominó happening, antecedente de las performances que tanto abundaron en el panorama artístico de finales del siglo XX.  

6.- Robert Rauschenberg, uno de los más reconocidos artistas del pop art

Otro artista con orígenes y formación distinta al epicentro neoyorkino, ya que nació en Texas y se formó en París, urbe que empezaba a flaquear como ombligo cultural del mundo. Sin embargo, casi toda su producción se realiza en New York. Tuvo contactos con el inclasificable John Cage, cuya producción está a medio camino entre la filosofía y el arte siendo uno de los más influyentes creadores de la poesía visual de finales del siglo XX. Rauschenberg también trabajó en obras que participan de la condición de performance o instalación. 

7.- Claes Oldenburg

Originario de Estocolmo y tras estudiar en Yale y en Chicago, se afinca en New York. Su obra participa de las características del pop art más vanguardista al incorporar materiales de desecho o de origen diverso sin una definición clara. 

8.- Donald Judd

Nacido en Misouri en 1928, se formó y trabajó en New York. Sus orígenes como artista están en el expresionismo que por entonces también dominaba la estética internacional. Bien entrada la década de los 60 abandonó cualquier atisbo de abstracción para realizar una obra con las características del pop art más reconocidas como es la representación de objetos simples, en ambiente minimalista y colores definidos y vibrantes. Siempre se movió en la frontera de los géneros. Sus obras están entra la escultura, la pintura, la performance, la instalación abriendo el camino para el arte último del finales del siglo XX. 

9.- Allan Kaprow

Otro de los artistas del pop art que entró en contacto con John Cage y su particular estética ejerciendo casi toda su producción en el modelo happening. 

10.- Sol Levitt

Trabajó en publicidad y diseño de marketing así como en un estudio de arquitectura. Sin duda, todo ello le llevó a la estética del minimalismo. Esta está asociada con el pop art. Evolucionó hacia el arte conceptual.  

Estos diez artistas del pop art tuvieron un éxito en vida apabullante cosechando fama y riquezas a pesar de que algún que otro crítico, incluso hoy en día, abominara de la esencia de sus obras. Quizás no supieran ver ese entronque tan particular con la cultura popular de masas predominante en la época. Es la misma que retratan y dejan guardadas para siempre, como el mundo que fue en su momento y que quizás esté terminando movido por otros modos de estar, sentir y actuar.

 

Por Candela Vizcaíno

 

 

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Las vanguardias históricas habían estado, hasta la irrupción del pop art o arte pop como se conoce en español, centradas en los -ismos y en París. En la capital de Francia se daban cita artistas diversos, filósofos con ínfulas políticas, aventureros en busca de sí mismos y todo tipo de gentes del mundo de la cultura. Allí nacieron el surrealismo y trabajaron los artistas del cubismo, los dos movimientos que más influencia han ejercido en el siglo XX. Todo cambió a finales de la década de los cincuenta al tiempo que la población occidental se sacudía de todos los horrores de las dos grandes guerras y comenzaba un camino para el capitalismo de consumo que hoy conocemos. Esta transformación comenzó, en primera medida, en Estados Unidos extendiéndose a Europa una década después. En paralelo, el epicentro artístico también sufrió un traslado desde la capital francesa hasta New York.  

Pop Art: Latas de sopa de Andy Warhol

Definición de pop art o arte pop 

A finales de la década de los cincuenta aparecen las primeras obras. Aunque voy a explayarme en algunas características del pop art o arte pop, este nuevo movimiento puede ser definido como un cambio radical en la manera de hacer arte, ya que deja a un lado los modos tradicionales de la pintura (óleo, acuarela, lápices…) para centrarse en las formas creativas de las artes seriadas (litografías, grabados, producción de libros, serigrafías…) Fue el movimiento estético preponderante en Estados Unidos (donde miraba todo Occidente por entonces) durante la década de los sesenta. 

Además, el pop art echa mano de cualquier cosa que pudiera servirle para sus creaciones incorporando a la obra material de desecho e, incluso, basura. Dicho de esto modo pudiera parecer que esta estética se regodea en lo feo o en lo que nadie quiere. Pero nada está más lejos de la realidad, ya que si hay una definición del pop art que se ajuste a su realidad esta debe incluir las palabras publicidad y bienes de consumo de masas. La estética del pop art no entra en los grandes, medianos o pequeños dramas del ser humano y se centra en reproducir elementos que comenzaban a ser frecuentes en una sociedad cada vez más rica. También son frecuentes las celebridades y personajes de la época (hoy parte de la historia) como la estética del cómic. El pop art fue la respuesta alegre de una época despreocupada al máximo. 

 Andy Warhol: Marilyn

10 características del pop art o arte pop 

1.- Si hay un arte amable que no entra en los horrores de la humanidad este es el pop art 

La década de los cincuenta estaba pronto a terminar y los malos días habían pasado. La población en general podía disfrutar de bienes y servicios antes inimaginables. La economía crecía sin parar y todo alrededor daba la sensación de prosperidad (y así era efectivamente). En este contexto nace el pop art o arte pop en el círculo artístico de Nueva York. Nada en estas obras (en principio) nos recuerdan los grandes o pequeños problemas de la humanidad. Todo en ellas es cotidiano, frecuente, de supermercado casi. Y además está representado de una manera tan distendida que es difícil encontrar un paralelo semejante en la historia del arte. 

2.- No se entiende el pop art o arte pop sin el despegue de la sociedad de consumo

En estas obras aparecen parejas en el coche, muchachas que se bañan alegremente en casa, latas de sopa listas para consumir, botellas de Coca-Cola que acompañan al ocio de los jóvenes… El pop art es la primera representación de la sociedad de consumo, de la inicial, de la que se adentró con alegría (porque el precedente era la escasez) en los hábitos de compra de todo tipo de bienes y servicios. Y estos se representan de forma desenfada y sin hacer muchas preguntas. Eso llegaría después con otras estéticas que se alargan hasta el siglo XXI. 

3.- Una de las características del pop art más llamativa es su relación con la publicidad

Y si algo es inherente a la sociedad de consumo, esta es su acompañamiento de la publicidad. Tanto es así que casi no se puede entender una sin la otra. La mayoría de los artistas del pop art se habían iniciado en el mundo de la comunicación publicitaria desde distintos ámbitos. Unos pintaron vallas con anuncios, otros habían organizado campañas o habían diseñado etiquetas o el formato mismo de los productos a publicitar. El caso es que la publicidad y sus normas están presentes en estas obras. Es tan evidente que se nota hasta a simple vista con obras en las que son frecuentes las llamadas con tipografía, los colores planos y vibrantes, las líneas marcadas, la tendencia al minimalismo para que nada distraiga la atención del objeto protagonista. 

4.- Los personajes e iconos de la época suelen ser protagonistas de estas obras

Porque si hay un gusto por reproducir los objetos típicos de una época (desde ropa hasta menaje) también hay un amor por los personajes de la época. En este sentido, podemos encuadrar los míticos y reconocidos cuadros de Andy Warhol (uno de sus mayores representantes) en los que son protagonistas M. Monroe o Mao.  

5.- Otra de las características del pop art o arte pop es su relación con el cómic 

Otros artistas, como es el caso de Roy Lichtenstein, muestran una preferencia por la estética del cómic tan evidente que ni siquiera requiere más aclaración. Son obras en las que nos parece asistir a viñetas con sus colores planos, sus líneas marcadas e, incluso, los “bocadillos” con la verbalización en tipografía de los personajes. La cultura popular de los tebeos o de las revistas de entretenimiento entra en el “gran arte” difuminando para siempre las fronteras entre uno y otro. A la par, como ocurre siempre con cualquier manifestación cultural, esta no puede dejar de reflejar los modos de su tiempo. 

6.- El pop art se vale de las técnicas y métodos de las artes gráficas tradicionales

Aunque hay uso del lienzo o del óleo, este queda totalmente relegado a favor de técnicas que hasta entonces se habían utilizado para las artes gráficas y sus modos de reproducción. 

7.- No fue un grupo homogéneo y el epicentro artístico estuvo en New York

Hasta este momento, finales de la década de los cincuenta y hasta los primeros años setenta, cuando se desarrolla el pop art, los artistas habían estado agrupados. El epicentro normalmente era París donde se reunían en sus cafés o lugares de encuentro. Allí se hacían los manifiestos o se ponían en marcha las obras más diversas. El dadaísmo o el fauvismo, por poner solo dos nombres, trabajaron con estas premisas. Ahora todo eso salta por los aires. Cada artista produce en soledad, sin grupos y sin manifiestos, aunque se teorice con posterioridad. Y el epicentro artístico se pierde, para siempre, de París. Ya no será el lugar donde acudan artistas de toda índole. Éste se ha mudado a la Ciudad de los Rascacielos. 

8.- Una de las características del pop art más peculiares es que gustó antes al público general que a los supuestos profesionales

Y la crítica fue la última en apuntarse a la nueva ola. Quizás por primera vez en la historia, una forma novedosa de hacer arte llega antes (en el sentido amplio del término) a los coleccionistas e, incluso, a un público general que a los galeristas. Por si esto fuera poco, la crítica se quedó rezagada, como a trasmano con la nueva manera de crear. 

9.- Hay un gusto por la palabra escrita que se incorpora a la obra

Probablemente procede de la influencia del cómic o de las revistas ligeras de consumo y temática liviana. La palabra, los “bocadillos”, la tipografía, las expresiones escritas forman parte de la obra junto con las imágenes.Y es esta una de las características del pop art que entroncan o emparentan con la poesía visual que comienza a generarse a partir de la década de los sesenta y que pretenderá romper las fronteras y barreras existentes entre la literatura y las artes plásticas. 

10.- El color extremo y la repetición es otra de las características del pop art

Las series, la repetición, los puntos que forman las figuras, la eliminación de cualquier sombra y/o perspectiva, los colores planos o brillantes son características del pop art más conocido.  

Además, el pop art pone énfasis en el espectador, en ese recptor del mensaje que, con su mirada, modifica aquello que se quiere decir. Casi no tienen que hacer un esfuerzo por llegar al gran público. El gusto y el amor se produce casi de inmediato encumbrando a la fama y a la riqueza a buena parte de sus creadores.

Por Candela Vizcaíno

 

 pop art o arte pop

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Las vanguardias históricas habían estado, hasta la irrupción del pop art o arte pop como se conoce en español, centradas en los -ismos y en París. En la capital de Francia se daban cita artistas diversos, filósofos con ínfulas políticas, aventureros en busca de sí mismos y todo tipo de gentes del mundo de la cultura. Allí nacieron el surrealismo y trabajaron los artistas del cubismo, los dos movimientos que más influencia han ejercido en el siglo XX. Todo cambió a finales de la década de los cincuenta al tiempo que la población occidental se sacudía de todos los horrores de las dos grandes guerras y comenzaba un camino para el capitalismo de consumo que hoy conocemos. Esta transformación comenzó, en primera medida, en Estados Unidos extendiéndose a Europa una década después. En paralelo, el epicentro artístico también sufrió un traslado desde la capital francesa hasta New York.  

Pop Art: Latas de sopa de Andy Warhol

Definición de pop art o arte pop 

A finales de la década de los cincuenta aparecen las primeras obras. Aunque voy a explayarme en algunas características del pop art o arte pop, este nuevo movimiento puede ser definido como un cambio radical en la manera de hacer arte, ya que deja a un lado los modos tradicionales de la pintura (óleo, acuarela, lápices…) para centrarse en las formas creativas de las artes seriadas (litografías, grabados, producción de libros, serigrafías…) Fue el movimiento estético preponderante en Estados Unidos (donde miraba todo Occidente por entonces) durante la década de los sesenta. 

Además, el pop art echa mano de cualquier cosa que pudiera servirle para sus creaciones incorporando a la obra material de desecho e, incluso, basura. Dicho de esto modo pudiera parecer que esta estética se regodea en lo feo o en lo que nadie quiere. Pero nada está más lejos de la realidad, ya que si hay una definición del pop art que se ajuste a su realidad esta debe incluir las palabras publicidad y bienes de consumo de masas. La estética del pop art no entra en los grandes, medianos o pequeños dramas del ser humano y se centra en reproducir elementos que comenzaban a ser frecuentes en una sociedad cada vez más rica. También son frecuentes las celebridades y personajes de la época (hoy parte de la historia) como la estética del cómic. El pop art fue la respuesta alegre de una época despreocupada al máximo. 

 Andy Warhol: Marilyn

10 características del pop art o arte pop 

1.- Si hay un arte amable que no entra en los horrores de la humanidad este es el pop art 

La década de los cincuenta estaba pronto a terminar y los malos días habían pasado. La población en general podía disfrutar de bienes y servicios antes inimaginables. La economía crecía sin parar y todo alrededor daba la sensación de prosperidad (y así era efectivamente). En este contexto nace el pop art o arte pop en el círculo artístico de Nueva York. Nada en estas obras (en principio) nos recuerdan los grandes o pequeños problemas de la humanidad. Todo en ellas es cotidiano, frecuente, de supermercado casi. Y además está representado de una manera tan distendida que es difícil encontrar un paralelo semejante en la historia del arte. 

2.- No se entiende el pop art o arte pop sin el despegue de la sociedad de consumo

En estas obras aparecen parejas en el coche, muchachas que se bañan alegremente en casa, latas de sopa listas para consumir, botellas de Coca-Cola que acompañan al ocio de los jóvenes… El pop art es la primera representación de la sociedad de consumo, de la inicial, de la que se adentró con alegría (porque el precedente era la escasez) en los hábitos de compra de todo tipo de bienes y servicios. Y estos se representan de forma desenfada y sin hacer muchas preguntas. Eso llegaría después con otras estéticas que se alargan hasta el siglo XXI. 

3.- Una de las características del pop art más llamativa es su relación con la publicidad

Y si algo es inherente a la sociedad de consumo, esta es su acompañamiento de la publicidad. Tanto es así que casi no se puede entender una sin la otra. La mayoría de los artistas del pop art se habían iniciado en el mundo de la comunicación publicitaria desde distintos ámbitos. Unos pintaron vallas con anuncios, otros habían organizado campañas o habían diseñado etiquetas o el formato mismo de los productos a publicitar. El caso es que la publicidad y sus normas están presentes en estas obras. Es tan evidente que se nota hasta a simple vista con obras en las que son frecuentes las llamadas con tipografía, los colores planos y vibrantes, las líneas marcadas, la tendencia al minimalismo para que nada distraiga la atención del objeto protagonista. 

4.- Los personajes e iconos de la época suelen ser protagonistas de estas obras

Porque si hay un gusto por reproducir los objetos típicos de una época (desde ropa hasta menaje) también hay un amor por los personajes de la época. En este sentido, podemos encuadrar los míticos y reconocidos cuadros de Andy Warhol (uno de sus mayores representantes) en los que son protagonistas M. Monroe o Mao.  

5.- Otra de las características del pop art o arte pop es su relación con el cómic 

Otros artistas, como es el caso de Roy Lichtenstein, muestran una preferencia por la estética del cómic tan evidente que ni siquiera requiere más aclaración. Son obras en las que nos parece asistir a viñetas con sus colores planos, sus líneas marcadas e, incluso, los “bocadillos” con la verbalización en tipografía de los personajes. La cultura popular de los tebeos o de las revistas de entretenimiento entra en el “gran arte” difuminando para siempre las fronteras entre uno y otro. A la par, como ocurre siempre con cualquier manifestación cultural, esta no puede dejar de reflejar los modos de su tiempo. 

6.- El pop art se vale de las técnicas y métodos de las artes gráficas tradicionales

Aunque hay uso del lienzo o del óleo, este queda totalmente relegado a favor de técnicas que hasta entonces se habían utilizado para las artes gráficas y sus modos de reproducción. 

7.- No fue un grupo homogéneo y el epicentro artístico estuvo en New York

Hasta este momento, finales de la década de los cincuenta y hasta los primeros años setenta, cuando se desarrolla el pop art, los artistas habían estado agrupados. El epicentro normalmente era París donde se reunían en sus cafés o lugares de encuentro. Allí se hacían los manifiestos o se ponían en marcha las obras más diversas. El dadaísmo o el fauvismo, por poner solo dos nombres, trabajaron con estas premisas. Ahora todo eso salta por los aires. Cada artista produce en soledad, sin grupos y sin manifiestos, aunque se teorice con posterioridad. Y el epicentro artístico se pierde, para siempre, de París. Ya no será el lugar donde acudan artistas de toda índole. Éste se ha mudado a la Ciudad de los Rascacielos. 

8.- Una de las características del pop art más peculiares es que gustó antes al público general que a los supuestos profesionales

Y la crítica fue la última en apuntarse a la nueva ola. Quizás por primera vez en la historia, una forma novedosa de hacer arte llega antes (en el sentido amplio del término) a los coleccionistas e, incluso, a un público general que a los galeristas. Por si esto fuera poco, la crítica se quedó rezagada, como a trasmano con la nueva manera de crear. 

9.- Hay un gusto por la palabra escrita que se incorpora a la obra

Probablemente procede de la influencia del cómic o de las revistas ligeras de consumo y temática liviana. La palabra, los “bocadillos”, la tipografía, las expresiones escritas forman parte de la obra junto con las imágenes.Y es esta una de las características del pop art que entroncan o emparentan con la poesía visual que comienza a generarse a partir de la década de los sesenta y que pretenderá romper las fronteras y barreras existentes entre la literatura y las artes plásticas. 

10.- El color extremo y la repetición es otra de las características del pop art

Las series, la repetición, los puntos que forman las figuras, la eliminación de cualquier sombra y/o perspectiva, los colores planos o brillantes son características del pop art más conocido.  

Además, el pop art pone énfasis en el espectador, en ese recptor del mensaje que, con su mirada, modifica aquello que se quiere decir. Casi no tienen que hacer un esfuerzo por llegar al gran público. El gusto y el amor se produce casi de inmediato encumbrando a la fama y a la riqueza a buena parte de sus creadores.

Por Candela Vizcaíno

 

 pop art o arte pop

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Hasta la eclosión del pop art o arte pop en la década de los sesenta, las vanguardias habían tenido un origen europeo (el futurismo o la pintura metafísica en Italia por poner solo dos casos) y, especialmente francés. París fue hasta bien entrado los años sesenta sencillamente el ombligo del mundo. Hasta allí llegaban filósofos en busca de una idea entre café y café, artistas de todo pelo, jóvenes infectados con el virus de la política, vividores de cualquier plumaje y creadores de todos los -ismos posibles. En París nació el cubismo y el surrealismo, estéticas imperantes hasta la irrupción del pop art. 

Roy Lichtenstein: En el coche

Algunas claves para entender el pop art

Una vez Occidente se recuperó de la dos grandes guerras, bien avanzado los años cincuenta, la población en general se encuentra con otra perspectiva vital. El expresionismo en arte (pocos años antes el favorito de galeristas y coleccionistas) empieza a declinar. Hay un afán de libertad y una búsqueda constante por dotar a la vida de un juego sin fin. Los horrores pasados quedan enterrados y todos buscan otras reglas filosóficas que se adaptaran a la incipiente sociedad de consumo. Si el dadaísmo había propuesto una mofa de cualquier expresión artística, ahora se buscan obras que no devuelvan el dolor del pasado. Si hasta entonces París era el centro del mundo, en estos momentos la escena artística gravita alrededor de las grandes ciudades de Estados Unidos, siendo Nueva York el nuevo epicentro creativo. 

Al contrario de lo que venía sucediendo hasta entonces, los llamados artistas del pop art no formaron un grupo homogéneo que se reunían para compartir impresiones y para realizar manifiestos. Esa época ya pasó. Ahora todo vale: desde la recuperación de los materiales de desecho hasta la experimentación con los paraísos artificiales de cualquier tipo. Cada creador trabaja de forma individual y no hay conciencia de grupo. A la par,  las fronteras entre las artes se difuminan y el denominado arte culto salta por los aires. 

Además, quizás por primera vez en la historia del arte, estas obras y sus creadores fueron valorados antes por el público en general (y a ellos nos referimos a los coleccionistas) que por los profesionales (galeristas y críticos). La respuesta probablemente esté en su entronque con la cultura publicitaria y el nuevo consumo de masas. Y aquí tenemos la primera de las características del pop art. 

Roy Lichtenstein Drowning Girl

10 características del pop art

1.- No se puede entender el pop art sin conocer la producción gráfica de la cultura de masas de una incipiente sociedad de consumo. Y aquí metemos desde el comic, los productos publicitarios, las nuevas revistas o los iconos que se fueron formando en esta época.  

2.- El pop art se nutre de todos esos nuevos productos, actitudes y personajes que formaban parte del conocimiento de la población en general: desde la coca cola, las sopas enlatadas hasta una diva del cine como fue Marilyn Monroe. 

3.- Las técnicas y los modos de la comunicación comercial están presentes en estas obras desde  el nuevo realismo, los colores vibrantes puros hasta los modelos de reproducción. 

4.- Las temáticas son cotidianas, sin más sentido oculto que los objetos o los personajes que cualquiera pudiera reconocer. En este sentido, Andy Warhol afirmaría. 

[nosotros pintamos lo que] “cualquiera que fuese paseando por Broadway reconocería al instante: tebeos, mesas de picnic, pantalones de hombre, celebridades, cortinas de baño, neveras, botellas de Coca-Cola” 

5.- El pop art comienza a deshumanizar las figuras humanas que aparecen en sus obras en un proceso que aún al día de hoy, bien entrado el siglo XXI, no ha terminado. Los modelos se copian en una mimesis total pero, a la par, estos pierden cualquier atisbo de humanidad. Nada hay de drama, ensoñanción o espíritu crítico. La representación siempre se centra en escenas banales y sin importancia: una chica que se baña, una pareja en el coche, latas de sopa…

6.- Las obras del pop art son planas, con colores brillantes y tendentes al minimalismo. Algún crítico ha indicado que el pop art es un arte frío que no entra en lo profundo de los sentimientos humanos. Nada más lejos de la realidad, al presentar ese universo fácil, de consumo y de despreocupación, en el fondo, están también retratando una época con todos sus males dentro. 

7.- Hay un rechazo a cualquier técnica que implicara la tradición. Aunque esto se venía haciendo desde hacía tiempo, especialmente por los artistas del cubismo, ahora es cuando entra en su apoteosis, formando parte de la obra modos que hasta entonces solo eran aceptados en las artes gráficas cuando se trataba de reproducción (libros, panfletos, publicidad…) 

8.- En el pop art hay un gusto por las formas geométricas, por las líneas marcadas, por el puntillismo, por los objetos simples pero estos siempre son reconocidos y solo llegan a la abstracción en el último momento. Bien entrada la década de los sesenta, algunos artistas experimentan con formas geométricas ordenadas en una nueva vuelta de tuerca del dadaísmo. 

9.- El espectador se convierte en parte activa de la obra abriendo la puerta a las instalaciones y performances de las últimas décadas del siglo XX. También la poesía visual participa de esta idea. 

10.- Junto con las imágenes reconocibles de la publicidad y de los nuevos modos de consumo, en el pop art tienen una influencia tremenda todos los modos del cómic, desde la reproducción misma o los colores hasta la comunicación verbal de las tiras

 Andy Warhol Marilyn

5 artistas del pop art, los creadores más importantes del arte pop

Aunque no están todos los que son sí son todos los que están.  Si bien el movimiento tuvo buena acogida en Inglaterra, hoy voy a tratar solo los artistas del pop art más conocidos. Todos ellos, crean una obra alrededor de los postulados de la incipiente sociedad de consumo americana.  

1.- Andy Warhol, uno de los artistas del pop art más reconocidos 

Tanto que su nombre y su obra está en boca de quienes no manifiestan un mínimo interés por el arte. Convertido en icono del siglo XX, nació en 1928 de una familia de origen polaco. Murió en Nueva York en 1987. Se inició como artista publicitario y a partir de la década de los sesenta creó sus conocidas y reconocidas obras en las que se aprecia sin ambages los modos de la publicidad. De los objetos pasó a los grandes artistas del cine, a los políticos del momento (Mao, por ejemplo). A pesar de representar el arte “amable” de la época también se interesó por objetos más truculentos como una silla eléctrica en una clara crítica a la tortura de la pena de muerte. Logró amasar una considerable fortuna con sus obras y, al final de sus días, se dedicó a patrocinar artistas diversos tanto del mundo plástico como de la música. 

2.- Roy Lichtenstein, el genio entre los artistas del pop art

Nacido en Nueva York en 1923, hizo estudios de Bellas Artes y se inició primero en el expresionismo aunque muy pronto comenzó a abrazar los postulados del pop art. Su estilo es icónico con obras que han entrado en el canon claramente influenciadas por la estética del cómic. Murió en 1997 en la misma ciudad que le vio nacer. 

3.- Robert Rauschenberg y sus instalaciones

Oriundo de Texas donde nació en 1925, tuvo un primer contacto con la vanguardia parisina aunque muy pronto regresó a los Estados Unidos instalándose en Nueva York en 1945. Su originalidad radica en unas obras pictóricas que alcanzan la tercera dimensión al añadir objetos de diferente procedencia. Es considerado el precursor de las instalaciones que abundaron a finales del siglo XX. 

4.- James Rosenquist, el más político del movimiento

Se inició en la publicidad como tantos artistas del pop art. En este caso, llegó a pintar vallas publicitarias. La sociedad de consumo, el hedonismo, la crítica al vacío de las personas que solo buscan llenarse con cosas son una constante en todas sus obras. 

5.- Jasper Johns, el pionero del pop art

Aunque un poco más joven que todos los demás, ya que nació en 1930, sus banderas pintadas en la década de los cincuenta se consideran las obras precursoras del pop art o arte pop. 

El movimiento puede darse por inaugurado en 1956 con un collage de Richard Halmiton y en los primeros años de 1970  se considera liquidado. Entre una fecha y otra tuvo lugar no solo la llegada a la Luna o el magnicidio de Kennedy o el asesinato de Martin L.King. Fue la década de los derechos civiles de la población negra, de un incipiente feminismo, de las drogas, de la revolución hippy que culminaría en el mayo del 68 parisino. Con estos mimbres levantaron sus obras los artistas del pop art o arte pop como se traduce en español. 

Por Candela Vizcaíno

 Andy Warhol: Latas

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El arte es lo que queda cuando todo ha pasado. Es lo inmutable dentro del cambio. Es la belleza en un mundo en caos. El arte es parte importante de este sitio. Intentamos comprenderlo. 

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Hasta la eclosión del pop art o arte pop en la década de los sesenta, las vanguardias habían tenido un origen europeo (el futurismo o la pintura metafísica en Italia por poner solo dos casos) y, especialmente francés. París fue hasta bien entrado los años sesenta sencillamente el ombligo del mundo. Hasta allí llegaban filósofos en busca de una idea entre café y café, artistas de todo pelo, jóvenes infectados con el virus de la política, vividores de cualquier plumaje y creadores de todos los -ismos posibles. En París nació el cubismo y el surrealismo, estéticas imperantes hasta la irrupción del pop art. 

Roy Lichtenstein: En el coche

Algunas claves para entender el pop art

Una vez Occidente se recuperó de la dos grandes guerras, bien avanzado los años cincuenta, la población en general se encuentra con otra perspectiva vital. El expresionismo en arte (pocos años antes el favorito de galeristas y coleccionistas) empieza a declinar. Hay un afán de libertad y una búsqueda constante por dotar a la vida de un juego sin fin. Los horrores pasados quedan enterrados y todos buscan otras reglas filosóficas que se adaptaran a la incipiente sociedad de consumo. Si el dadaísmo había propuesto una mofa de cualquier expresión artística, ahora se buscan obras que no devuelvan el dolor del pasado. Si hasta entonces París era el centro del mundo, en estos momentos la escena artística gravita alrededor de las grandes ciudades de Estados Unidos, siendo Nueva York el nuevo epicentro creativo. 

Al contrario de lo que venía sucediendo hasta entonces, los llamados artistas del pop art no formaron un grupo homogéneo que se reunían para compartir impresiones y para realizar manifiestos. Esa época ya pasó. Ahora todo vale: desde la recuperación de los materiales de desecho hasta la experimentación con los paraísos artificiales de cualquier tipo. Cada creador trabaja de forma individual y no hay conciencia de grupo. A la par,  las fronteras entre las artes se difuminan y el denominado arte culto salta por los aires. 

Además, quizás por primera vez en la historia del arte, estas obras y sus creadores fueron valorados antes por el público en general (y a ellos nos referimos a los coleccionistas) que por los profesionales (galeristas y críticos). La respuesta probablemente esté en su entronque con la cultura publicitaria y el nuevo consumo de masas. Y aquí tenemos la primera de las características del pop art. 

Roy Lichtenstein Drowning Girl

10 características del pop art

1.- No se puede entender el pop art sin conocer la producción gráfica de la cultura de masas de una incipiente sociedad de consumo. Y aquí metemos desde el comic, los productos publicitarios, las nuevas revistas o los iconos que se fueron formando en esta época.  

2.- El pop art se nutre de todos esos nuevos productos, actitudes y personajes que formaban parte del conocimiento de la población en general: desde la coca cola, las sopas enlatadas hasta una diva del cine como fue Marilyn Monroe. 

3.- Las técnicas y los modos de la comunicación comercial están presentes en estas obras desde  el nuevo realismo, los colores vibrantes puros hasta los modelos de reproducción. 

4.- Las temáticas son cotidianas, sin más sentido oculto que los objetos o los personajes que cualquiera pudiera reconocer. En este sentido, Andy Warhol afirmaría. 

[nosotros pintamos lo que] “cualquiera que fuese paseando por Broadway reconocería al instante: tebeos, mesas de picnic, pantalones de hombre, celebridades, cortinas de baño, neveras, botellas de Coca-Cola” 

5.- El pop art comienza a deshumanizar las figuras humanas que aparecen en sus obras en un proceso que aún al día de hoy, bien entrado el siglo XXI, no ha terminado. Los modelos se copian en una mimesis total pero, a la par, estos pierden cualquier atisbo de humanidad. Nada hay de drama, ensoñanción o espíritu crítico. La representación siempre se centra en escenas banales y sin importancia: una chica que se baña, una pareja en el coche, latas de sopa…

6.- Las obras del pop art son planas, con colores brillantes y tendentes al minimalismo. Algún crítico ha indicado que el pop art es un arte frío que no entra en lo profundo de los sentimientos humanos. Nada más lejos de la realidad, al presentar ese universo fácil, de consumo y de despreocupación, en el fondo, están también retratando una época con todos sus males dentro. 

7.- Hay un rechazo a cualquier técnica que implicara la tradición. Aunque esto se venía haciendo desde hacía tiempo, especialmente por los artistas del cubismo, ahora es cuando entra en su apoteosis, formando parte de la obra modos que hasta entonces solo eran aceptados en las artes gráficas cuando se trataba de reproducción (libros, panfletos, publicidad…) 

8.- En el pop art hay un gusto por las formas geométricas, por las líneas marcadas, por el puntillismo, por los objetos simples pero estos siempre son reconocidos y solo llegan a la abstracción en el último momento. Bien entrada la década de los sesenta, algunos artistas experimentan con formas geométricas ordenadas en una nueva vuelta de tuerca del dadaísmo. 

9.- El espectador se convierte en parte activa de la obra abriendo la puerta a las instalaciones y performances de las últimas décadas del siglo XX. También la poesía visual participa de esta idea. 

10.- Junto con las imágenes reconocibles de la publicidad y de los nuevos modos de consumo, en el pop art tienen una influencia tremenda todos los modos del cómic, desde la reproducción misma o los colores hasta la comunicación verbal de las tiras

 Andy Warhol Marilyn

5 artistas del pop art, los creadores más importantes del arte pop

Aunque no están todos los que son sí son todos los que están.  Si bien el movimiento tuvo buena acogida en Inglaterra, hoy voy a tratar solo los artistas del pop art más conocidos. Todos ellos, crean una obra alrededor de los postulados de la incipiente sociedad de consumo americana.  

1.- Andy Warhol, uno de los artistas del pop art más reconocidos 

Tanto que su nombre y su obra está en boca de quienes no manifiestan un mínimo interés por el arte. Convertido en icono del siglo XX, nació en 1928 de una familia de origen polaco. Murió en Nueva York en 1987. Se inició como artista publicitario y a partir de la década de los sesenta creó sus conocidas y reconocidas obras en las que se aprecia sin ambages los modos de la publicidad. De los objetos pasó a los grandes artistas del cine, a los políticos del momento (Mao, por ejemplo). A pesar de representar el arte “amable” de la época también se interesó por objetos más truculentos como una silla eléctrica en una clara crítica a la tortura de la pena de muerte. Logró amasar una considerable fortuna con sus obras y, al final de sus días, se dedicó a patrocinar artistas diversos tanto del mundo plástico como de la música. 

2.- Roy Lichtenstein, el genio entre los artistas del pop art

Nacido en Nueva York en 1923, hizo estudios de Bellas Artes y se inició primero en el expresionismo aunque muy pronto comenzó a abrazar los postulados del pop art. Su estilo es icónico con obras que han entrado en el canon claramente influenciadas por la estética del cómic. Murió en 1997 en la misma ciudad que le vio nacer. 

3.- Robert Rauschenberg y sus instalaciones

Oriundo de Texas donde nació en 1925, tuvo un primer contacto con la vanguardia parisina aunque muy pronto regresó a los Estados Unidos instalándose en Nueva York en 1945. Su originalidad radica en unas obras pictóricas que alcanzan la tercera dimensión al añadir objetos de diferente procedencia. Es considerado el precursor de las instalaciones que abundaron a finales del siglo XX. 

4.- James Rosenquist, el más político del movimiento

Se inició en la publicidad como tantos artistas del pop art. En este caso, llegó a pintar vallas publicitarias. La sociedad de consumo, el hedonismo, la crítica al vacío de las personas que solo buscan llenarse con cosas son una constante en todas sus obras. 

5.- Jasper Johns, el pionero del pop art

Aunque un poco más joven que todos los demás, ya que nació en 1930, sus banderas pintadas en la década de los cincuenta se consideran las obras precursoras del pop art o arte pop. 

El movimiento puede darse por inaugurado en 1956 con un collage de Richard Halmiton y en los primeros años de 1970  se considera liquidado. Entre una fecha y otra tuvo lugar no solo la llegada a la Luna o el magnicidio de Kennedy o el asesinato de Martin L.King. Fue la década de los derechos civiles de la población negra, de un incipiente feminismo, de las drogas, de la revolución hippy que culminaría en el mayo del 68 parisino. Con estos mimbres levantaron sus obras los artistas del pop art o arte pop como se traduce en español. 

Por Candela Vizcaíno

 Andy Warhol: Latas

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Los horrores de la Primera Guerra Mundial acaban de comenzar dejando una estela de destrucción y de cambio. Tanto fue así (sin contar todas las víctimas del conflicto) que la confrontación se llevó por delante a casi todos los miembros del futurismo, ese movimiento de vanguardia que amaba, ante todo, la velocidad y el cambio por el cambio. Algunos artistas, tras esta debacle humana, dejan a un lado la experimentación de principios de siglo (como pudo ser el cubismo) para centrarse en una figuración de corte clásico. Este es el caso de Giorgio de Chirico y la pintura metafísica. No fue el único grupo estético que abandonó cualquier experimentación gratuita al entender de estos creadores. Se vuelve la mirada hacia la tradición francesa e, incluso, un vanguardista como Picasso retoma una forma más realista en algunas de las pinturas de la época. Este es el caso de Bañistas, ejecutado en 1918. 

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Dentro de esas nuevas figuraciones, el grupo estético que más ha aportado a la historia del arte es el abanderado por Giorgio de Chirico y denominado pintura metafísica. El regreso a los modos clásicos, en este caso, se realiza de lleno, con formas tomadas de la arquitectura y escultura greco-romana, con un gusto por los mitos paganos. Pero vamos por partes. 

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Características de la pintura metafísica

Las obras son plenamente reconocibles a simple vista por una compleja mezcla de sencillez, modos clásicos, colores planos y figuras bien delimitadas sin llegar al geometrismo. He reducido las características de la pintura metafísica a estas diez líneas generales para poder entender mejor el movimiento. 

1.- Rechazo a los modos de las vanguardias anteriores

La guerra, la muerte, la posición del hombre en el universo entendido en un sentido filosófico o religioso está detrás de esta transformación estética. Tras los horrores de las trincheras, el arte debe dotarse de un sentido (en el otro extremo de lo que propugnaba el dadaísmo, por recordar un grupo totalmente alejado de estos postulados). Con este bagaje nace la pintura metafísica que se desarrolla especialmente en el norte de Italia, aunque sus inicios se remontan al París que era, en aquella época, el centro del mundo. 

2.- La pintura metafísica supone una vuelta a los modos de la figuración  

Se abandona cualquier investigación con la abstracción, con las formas geométricas, con la experimentación de materiales que había sido característica del cubismo, movimiento del cual abominan los metafísicos. Se retoma la figuración, la presencia humana, los edificios bien definidos… Son frecuentes los elementos de la mitología clásica en un espacio dentro del cuadro tan ordenado que parece diseñado con escuadra y cartabón.  

3.- Colores y formas planas sin perspectiva 

La gran mayoría de las obras de la pintura metafísica se articula en torno a una imagen central y alrededor se articula el resto. No hay abigarramiento ni líneas curvas ni luces ni sombras. La perspectiva es extraña y onírica con un gusto por las formas (incluso cuando se tratan figuras humanas) muy planas con colores casi puros con mínimas veladuras.  

4.- En la pintura metafísica hay un gusto por la reproducción de elementos arquitectónicos de la antigüedad clásica

Edificios, columnas clásicas, elementos arquitectónicos que recuerdan las esculturas grecorromanas y su serenidad son recurrentes en estas obras creando una sensación de irrealidad que choca con ese diálogo con la tradición.  

5.- Las formas humanas quedan reducidas a meros maniquíes 

El ser humano ha perdido aquello que le acercaba a la divinidad (y aquí vemos el impacto de la guerra). Su presencia en la tierra es como la de un muñeco físico, un ser articulado que realiza movimientos pero que no logra encontrar su camino fuera del área profana. Estas imágenes adoptan las poses humanas de una forma tranquila sin dramatismo generando, a la par, un mensaje que inquieta al interlocutor. 

6.- En la pintura metafísica aparecen personajes de la literatura y los mitos clásicos

Son frecuentes las referencias a la literatura romana en una primera instancia y luego a la tradición bíblica. Así, para reconocer, el mensaje último de la obra, hay que estar versado en el sustrato literario o cultural que subyace dentro de estos cuadros.  

7.- La obra de arte pretende ser una obra de ingeniería casi 

No se deja nada al azar y lejos quedó la experimentación con la escritura automática o con la abstracción. Todo en el lienzo tiene que estar ordenado y medido. Aunque hay referencias a la geometría, vemos tanto figuras inanimadas como animadas reducidas a un trazo elemental que elimina cualquier claroscuro o concesión al adorno. 

8.- Utilizaron una revista para dar a conocer sus obras

Y esta fue Valori Plastici que estuvo activa desde 1918 hasta 1921. Nació en Roma y no ocultaba su gusto por los reductos del pasado, por las columnas y esculturas en mármol que pueblan la Ciudad Eterna. 

9.- Se convierten en inspiración para el surrealismo 

Sus paisajes planos y oníricos y ese gusto por las maniquíes humanizados fue todo un descubrimiento para el surrealismo, el grupo artístico preponderante en la segunda mitad del siglo XX. 

10.- La pintura metafísica se centra en el tema de la situación del ser humano con respecto al mundo

Por eso es frecuente en los lienzos asistir a la mirada de un maniquí hacia restos del pasado. La obra se convierte en un cuestionamiento, en un punto de partida para iniciar preguntas de índole filosófica abandonando cualquier atisbo de frivolidad de las primeras vanguardias.

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Giorgio de Chirico adalid de la pintura metafísica 

Formación y primeros años de Giorgio de Chirico

Nace en una pequeña isla griega en 1888 y pronto se traslada a estudiar a Atenas. Ni que decir tiene que allí tuvo modelos clásicos al alcance, lo cual condicionó cualquier aventura posterior. Con tan solo 20 años estudia en Munich para luego dirigirse a París, centro del arte por entonces. Aunque su mayor producción fue tras la Gran Guerra, las primeras pinturas metafísicas datan de 1910. 

En la capital francesa toma contacto con las vanguardias y con Alberto Savini. Sin embargo, los  modos experimentales no le satisfacen del todo. Por eso, regresan a Italia donde se empapan de la filosofía de Nietzsche y quedan fascinados por su particular división del mundo casi entre lo negro y lo blanco. Para el filósofo, el mundo está regido por dos vibraciones diferentes. Por un lado, tenemos lo apolíneo (perteneciente al dios Apolo), sereno, triunfante y sobrio. Y, por el otro lado, se contrapone lo dionisiáco (del dios Dionisio, el protector del vino, la fiesta y el desenfreno).  

En esta época pinta cuadros sin presencia habitada o animada. Son obras inquietantes con una perspectiva acusada, realizada con colores y formas planas. Las plazas o los foros se encuentran desiertos, como si una explosión nuclear hubiera acabado con cualquier atisbo de vida humana. 

Giorgio de Chirico y el grupo de Ferrara

Las obras del artista iban evolucionando hacia un complejo extrañamiento y onirismo, hacia una particular visión del mundo en el que cualquier atisbo de vida queda relegado al mínimo, aunque quedan las obras de un ser humano invisible presente en esos elementos arquitectónicos sacados de contexto como si estuvieran flotando en el aire. 

En 1915 se une al grupo Carlo Carrá el cual aporta la temática hebrea, el gusto por los interiores o por unas imágenes que se nos antoja como acertijos. 

1924 supuso un momento de inflexión ya que el surrealismo, con toda su explosión rebelde, lo mostró como un referente a tener en cuenta. Y con esto me refiero tanto a la obra de Giorgio de Chirico como a la totalidad de la producción de la pintura metafísica.  

Un poco antes, en 1918, entra a formar parte de la revista Valori Plastici hasta su último número en 1921. Aquí se hace una apología de la artesanía de la pintura obviando lo que, al parecer de estos artistas, eran excentricidades que no llegarían a colgarse en las paredes de un museo. Por otra parte, en la época era normal desacreditar el trabajo de quien no pertenecía a la misma estela artística. Y los integrantes de la pintura metafísica, con Giorgio de Chirico a la cabeza, no fueron menos. Aunque el grupo desaparece alrededor de 1923, se clasifica obras de esta línea hasta la década de los treinta. 

 Por Candela Vizcaíno

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El arte es lo que queda cuando todo ha pasado. Es lo inmutable dentro del cambio. Es la belleza en un mundo en caos. El arte es parte importante de este sitio. Intentamos comprenderlo. 

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Los horrores de la Primera Guerra Mundial acaban de comenzar dejando una estela de destrucción y de cambio. Tanto fue así (sin contar todas las víctimas del conflicto) que la confrontación se llevó por delante a casi todos los miembros del futurismo, ese movimiento de vanguardia que amaba, ante todo, la velocidad y el cambio por el cambio. Algunos artistas, tras esta debacle humana, dejan a un lado la experimentación de principios de siglo (como pudo ser el cubismo) para centrarse en una figuración de corte clásico. Este es el caso de Giorgio de Chirico y la pintura metafísica. No fue el único grupo estético que abandonó cualquier experimentación gratuita al entender de estos creadores. Se vuelve la mirada hacia la tradición francesa e, incluso, un vanguardista como Picasso retoma una forma más realista en algunas de las pinturas de la época. Este es el caso de Bañistas, ejecutado en 1918. 

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Dentro de esas nuevas figuraciones, el grupo estético que más ha aportado a la historia del arte es el abanderado por Giorgio de Chirico y denominado pintura metafísica. El regreso a los modos clásicos, en este caso, se realiza de lleno, con formas tomadas de la arquitectura y escultura greco-romana, con un gusto por los mitos paganos. Pero vamos por partes. 

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Características de la pintura metafísica

Las obras son plenamente reconocibles a simple vista por una compleja mezcla de sencillez, modos clásicos, colores planos y figuras bien delimitadas sin llegar al geometrismo. He reducido las características de la pintura metafísica a estas diez líneas generales para poder entender mejor el movimiento. 

1.- Rechazo a los modos de las vanguardias anteriores

La guerra, la muerte, la posición del hombre en el universo entendido en un sentido filosófico o religioso está detrás de esta transformación estética. Tras los horrores de las trincheras, el arte debe dotarse de un sentido (en el otro extremo de lo que propugnaba el dadaísmo, por recordar un grupo totalmente alejado de estos postulados). Con este bagaje nace la pintura metafísica que se desarrolla especialmente en el norte de Italia, aunque sus inicios se remontan al París que era, en aquella época, el centro del mundo. 

2.- La pintura metafísica supone una vuelta a los modos de la figuración  

Se abandona cualquier investigación con la abstracción, con las formas geométricas, con la experimentación de materiales que había sido característica del cubismo, movimiento del cual abominan los metafísicos. Se retoma la figuración, la presencia humana, los edificios bien definidos… Son frecuentes los elementos de la mitología clásica en un espacio dentro del cuadro tan ordenado que parece diseñado con escuadra y cartabón.  

3.- Colores y formas planas sin perspectiva 

La gran mayoría de las obras de la pintura metafísica se articula en torno a una imagen central y alrededor se articula el resto. No hay abigarramiento ni líneas curvas ni luces ni sombras. La perspectiva es extraña y onírica con un gusto por las formas (incluso cuando se tratan figuras humanas) muy planas con colores casi puros con mínimas veladuras.  

4.- En la pintura metafísica hay un gusto por la reproducción de elementos arquitectónicos de la antigüedad clásica

Edificios, columnas clásicas, elementos arquitectónicos que recuerdan las esculturas grecorromanas y su serenidad son recurrentes en estas obras creando una sensación de irrealidad que choca con ese diálogo con la tradición.  

5.- Las formas humanas quedan reducidas a meros maniquíes 

El ser humano ha perdido aquello que le acercaba a la divinidad (y aquí vemos el impacto de la guerra). Su presencia en la tierra es como la de un muñeco físico, un ser articulado que realiza movimientos pero que no logra encontrar su camino fuera del área profana. Estas imágenes adoptan las poses humanas de una forma tranquila sin dramatismo generando, a la par, un mensaje que inquieta al interlocutor. 

6.- En la pintura metafísica aparecen personajes de la literatura y los mitos clásicos

Son frecuentes las referencias a la literatura romana en una primera instancia y luego a la tradición bíblica. Así, para reconocer, el mensaje último de la obra, hay que estar versado en el sustrato literario o cultural que subyace dentro de estos cuadros.  

7.- La obra de arte pretende ser una obra de ingeniería casi 

No se deja nada al azar y lejos quedó la experimentación con la escritura automática o con la abstracción. Todo en el lienzo tiene que estar ordenado y medido. Aunque hay referencias a la geometría, vemos tanto figuras inanimadas como animadas reducidas a un trazo elemental que elimina cualquier claroscuro o concesión al adorno. 

8.- Utilizaron una revista para dar a conocer sus obras

Y esta fue Valori Plastici que estuvo activa desde 1918 hasta 1921. Nació en Roma y no ocultaba su gusto por los reductos del pasado, por las columnas y esculturas en mármol que pueblan la Ciudad Eterna. 

9.- Se convierten en inspiración para el surrealismo 

Sus paisajes planos y oníricos y ese gusto por las maniquíes humanizados fue todo un descubrimiento para el surrealismo, el grupo artístico preponderante en la segunda mitad del siglo XX. 

10.- La pintura metafísica se centra en el tema de la situación del ser humano con respecto al mundo

Por eso es frecuente en los lienzos asistir a la mirada de un maniquí hacia restos del pasado. La obra se convierte en un cuestionamiento, en un punto de partida para iniciar preguntas de índole filosófica abandonando cualquier atisbo de frivolidad de las primeras vanguardias.

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Giorgio de Chirico adalid de la pintura metafísica 

Formación y primeros años de Giorgio de Chirico

Nace en una pequeña isla griega en 1888 y pronto se traslada a estudiar a Atenas. Ni que decir tiene que allí tuvo modelos clásicos al alcance, lo cual condicionó cualquier aventura posterior. Con tan solo 20 años estudia en Munich para luego dirigirse a París, centro del arte por entonces. Aunque su mayor producción fue tras la Gran Guerra, las primeras pinturas metafísicas datan de 1910. 

En la capital francesa toma contacto con las vanguardias y con Alberto Savini. Sin embargo, los  modos experimentales no le satisfacen del todo. Por eso, regresan a Italia donde se empapan de la filosofía de Nietzsche y quedan fascinados por su particular división del mundo casi entre lo negro y lo blanco. Para el filósofo, el mundo está regido por dos vibraciones diferentes. Por un lado, tenemos lo apolíneo (perteneciente al dios Apolo), sereno, triunfante y sobrio. Y, por el otro lado, se contrapone lo dionisiáco (del dios Dionisio, el protector del vino, la fiesta y el desenfreno).  

En esta época pinta cuadros sin presencia habitada o animada. Son obras inquietantes con una perspectiva acusada, realizada con colores y formas planas. Las plazas o los foros se encuentran desiertos, como si una explosión nuclear hubiera acabado con cualquier atisbo de vida humana. 

Giorgio de Chirico y el grupo de Ferrara

Las obras del artista iban evolucionando hacia un complejo extrañamiento y onirismo, hacia una particular visión del mundo en el que cualquier atisbo de vida queda relegado al mínimo, aunque quedan las obras de un ser humano invisible presente en esos elementos arquitectónicos sacados de contexto como si estuvieran flotando en el aire. 

En 1915 se une al grupo Carlo Carrá el cual aporta la temática hebrea, el gusto por los interiores o por unas imágenes que se nos antoja como acertijos. 

1924 supuso un momento de inflexión ya que el surrealismo, con toda su explosión rebelde, lo mostró como un referente a tener en cuenta. Y con esto me refiero tanto a la obra de Giorgio de Chirico como a la totalidad de la producción de la pintura metafísica.  

Un poco antes, en 1918, entra a formar parte de la revista Valori Plastici hasta su último número en 1921. Aquí se hace una apología de la artesanía de la pintura obviando lo que, al parecer de estos artistas, eran excentricidades que no llegarían a colgarse en las paredes de un museo. Por otra parte, en la época era normal desacreditar el trabajo de quien no pertenecía a la misma estela artística. Y los integrantes de la pintura metafísica, con Giorgio de Chirico a la cabeza, no fueron menos. Aunque el grupo desaparece alrededor de 1923, se clasifica obras de esta línea hasta la década de los treinta. 

 Por Candela Vizcaíno

Por Candela VizcaWhatsApp Image 2019 09 12 at 16.21.54 4

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El surrealismo fue el movimiento artístico que quiso cambiar la visión vital del hombre. ¿Y cómo intentaron hacer eso? Las pinturas surrealistas, sobre todo, aunque también tenemos ejemplo en literatura o escultura muestran un mundo onírico (perteneciente a los sueños) fuertemente impregnado de los estudios sobre el inconsciente. Estos diez representantes del surrealismo que traigo hoy se afanaron por mostrar una realidad que se encuentra en el revés de la vida cotidiana consciente. Para ellos, el artista debía mostrar una realidad oculta a la razón, oscura, simbólica y difícil de desentrañar. Pero una vez estuviera plasmada en la obra de arte tendría el papel de liberar de cualquier atadura tanto al creador como al espectador. Damos un repaso a los grandes artistas del surrealismo, el movimiento artístico que más calado y profundidad tuvo en el siglo XX.

1.- Salvador Dalí, el gran artista del surrealismo

Nacido en Figueras en 1904, muere en el castillo de Púbol en 1989. Es, sin duda, el gran genio del movimiento. De fuerte y difícil personalidad, contradictorio, con graves problemas de adaptación y de aceptación, llevó todos sus tensiones emocionales a la grandeza del arte. Se inicia  como dibujante y sus primeras obras tienen un fuerte carácter realista. Educado en los modos clásicos, muy pronto comenzó a investigar nuevos lenguajes para reaccionar (incluso con virulencia y un paso teatral) contra las convecciones de la época. Por eso sus primeras obras tienen un tinte impresionista incluso.  En esta línea investigadora se encuentran sus pinturas que pudieran encuadrarse en el cubismo, pero donde llegó a generar sus grandes obras fue en la estética del surrealismo.  

Corría el año 1922 y Dalí se encuentra en la Residencia de Estudiantes de Madrid con un Lorca que lo introduce en el mundo de la noche de los cafés y tablaos flamencos. Buñuel forma parte de este círculo y juntos crean la primera película surrealista y una de las obras cumbres del cine universal: Un perro andaluz. Estudia a Freud, su teoría sobre el inconsciente reprimido y el papel sanador de los sueños. Todo ello se irá trasladando a una obra fecunda, rica en símbolos y en la que está presente todos y cada uno de sus disfunciones emocionales. Tanto fue así que su estética fue bautizada con el método paranoico-crítico. 

2.- Joan Miró, el pintor surrealista que se acerca a la abstracción

Un poco mayor que Salvador Dalí, ya que nace en 1893 y muere en Palma de Mallorca en 1983, fue uno de los abanderados de la estética surrealista introduciendo a buena parte de los representantes del surrealismo en los modos creativos del movimiento.  Se empeña en reflejar un rico mundo onírico lleno de color y de formas cercana a la abstracción muy reconocibles por su estilo personal. En algunas obras se aprecian incluso escenas alucinatorias. Iniciado en el dadaísmo, aunque buena parte de su obra se encuadra en el surrealismo, su estética es tan personal que su obra constituye un mundo aparte plagado de símbolos y de metamorfosis constantes. 

 

3.- Marcel Duchamp, el creador de los ready-made

Francés de nacimiento (1887), se refugia en Nueva York durante la Primera Gran Guerra Mundial y hasta allí lleva los postulados del dadaísmo. Es el creador de los ready-made, el sustrato de las instalaciones contemporáneas. Son obras de arte entresacadas de objetos cotidianos y puestas en interrogación que interpelan al espectador sobre el sentido del arte mismo, sobre su función social. Regresa a París donde muere en 1968 no sin antes encandilar al grupo surrealista con sus originales creaciones. 

4.- Mar Ernst, uno de los representantes del surrealismo más importantes

Formado en la filosofía y en los incipientes estudios de psiquiatría, con 20 años descubre su vocación artística. Se inicia, como tantos representantes del surrealismo, en el dadaísmo para adoptar la estética surrealista muy pronto. Su obra se caracteriza por un gusto por los collages y otras técnicas con el objetivo de ofrecerla como si de una alucinación se tratara. Para los artistas surrealistas, cualquier estado era válido si nos llevaba a otros mundos que nos ayudara a liberar la convecciones limitantes de éste. 

5.- Jean Arp, iniciado en los principios de Dadá

Nace en Estrasburgo en 1887 y muere en Suiza en 1966. También subyugado por las posibilidades comunicativas del dadaísmo, se adhiere al nuevo movimiento en la década de los treinta. Son famosos y representativas sus esculturas coloridas y móviles. 

6.- René Magritte, uno de los representantes del surrealismo más reconocido 

Su contacto con el grupo surrealista llega en 1924 (con 26 años). Es el más filosófico de todos los representantes del surrealismo, ya que centró toda su producción en las posibilidades comunicativas y de liberación (sin obviar la transgresión, la sorpresa o las interrogaciones incómodas) de la obra de arte. Sus piezas artísticas están basadas en preguntas. Y nada más tenemos que recordar La llave del campo donde el artista juega con la ilusión de la realidad tanto de lo que se aprecia a través de la ventana como la imagen reflejada en los cristales rotos. 

7.- André Masson, el artista surrealista torturado por la muerte

Nació en Balagny-sur-Thérain en 1896 y deja este mundo en París en 1887. Participa en la Primera Guerra Mundial y todos sus horrores le afectaron profundamente. Con una importante cultura literaria y filosófica, su obra está impregnada de una fuerte radicalidad, de un profundo erotismo y siempre contraponiendo las fuerzas de la vida luminosa con las de la muerte. En este sentido refleja las investigaciones más clásicas de Freud en su obra. Recurre a metamorfosis complejas para la expresión de su particular universo que podríamos calificar de atormentado. Abandona el grupo en 1943, aunque su impronta estará presente en toda su producción. 

8.- Man Ray, el fotógrafo de entre los representantes del surrealismo

Famoso por sus composiciones fotográficas que han superado los embates del tiempo, nace en Filadelfia en 1890 y acaba sus días en París en 1976. Es otro de los introductores del dadaísmo en Nueva York, aunque muy pronto se instala en la capital francesa donde entra en contacto con el grupo de los representantes surrealistas. Es un innovador de las posibilidades de la fotografía y un pionero de esta modalidad artística.  

9.- Yves Tanguy, inclasificable

Se incorpora al grupo en 1925 y se centra en las posibilidades de la escritura automática tanto como método liberador como artístico. En su obra hay un componente alucinatorio y abstracto bastante importante.  

10.- Francis Picabia, el artista que se inició en el cubismo 

Toda su vida (1879-1953)  transcurre en París donde se inicia primero en el cubismo y también en las posibilidades del futurismo. Pronto elige la senda nihilista de Dadá negando cualquier utilidad del arte incluso la meramente estética. Es el más libertario y contestario de todos los representantes del surrealismo, ya que continuamente está cuestionado los principios fundamentales del movimiento. 

En definitiva, el surrealismo fue uno de los movimientos artísticos con más calado en la historia del arte del siglo XX. No solo estuvo representado por estos artistas sino que creadores posteriores y con sustrato diverso, de algún modo u otro, propagaron sus principios. El psicoanálisis había supuesto un antes y un después en lo que a la concepción del espíritu humano se refiere. Los artistas y los representantes del surrealismo más importantes no fueron inmunes a esta revolución filosófica e intentaron llevar esa liberación del inconsciente a las obras utilizando los símbolos del mundo onírico, la mezcla e, incluso, los estados cercanos a la alucinación. 

 

Por Candela Vizcaíno

 

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El arte es lo que queda cuando todo ha pasado. Es lo inmutable dentro del cambio. Es la belleza en un mundo en caos. El arte es parte importante de este sitio. Intentamos comprenderlo. 

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El surrealismo fue el movimiento artístico que quiso cambiar la visión vital del hombre. ¿Y cómo intentaron hacer eso? Las pinturas surrealistas, sobre todo, aunque también tenemos ejemplo en literatura o escultura muestran un mundo onírico (perteneciente a los sueños) fuertemente impregnado de los estudios sobre el inconsciente. Estos diez representantes del surrealismo que traigo hoy se afanaron por mostrar una realidad que se encuentra en el revés de la vida cotidiana consciente. Para ellos, el artista debía mostrar una realidad oculta a la razón, oscura, simbólica y difícil de desentrañar. Pero una vez estuviera plasmada en la obra de arte tendría el papel de liberar de cualquier atadura tanto al creador como al espectador. Damos un repaso a los grandes artistas del surrealismo, el movimiento artístico que más calado y profundidad tuvo en el siglo XX.

1.- Salvador Dalí, el gran artista del surrealismo

Nacido en Figueras en 1904, muere en el castillo de Púbol en 1989. Es, sin duda, el gran genio del movimiento. De fuerte y difícil personalidad, contradictorio, con graves problemas de adaptación y de aceptación, llevó todos sus tensiones emocionales a la grandeza del arte. Se inicia  como dibujante y sus primeras obras tienen un fuerte carácter realista. Educado en los modos clásicos, muy pronto comenzó a investigar nuevos lenguajes para reaccionar (incluso con virulencia y un paso teatral) contra las convecciones de la época. Por eso sus primeras obras tienen un tinte impresionista incluso.  En esta línea investigadora se encuentran sus pinturas que pudieran encuadrarse en el cubismo, pero donde llegó a generar sus grandes obras fue en la estética del surrealismo.  

Corría el año 1922 y Dalí se encuentra en la Residencia de Estudiantes de Madrid con un Lorca que lo introduce en el mundo de la noche de los cafés y tablaos flamencos. Buñuel forma parte de este círculo y juntos crean la primera película surrealista y una de las obras cumbres del cine universal: Un perro andaluz. Estudia a Freud, su teoría sobre el inconsciente reprimido y el papel sanador de los sueños. Todo ello se irá trasladando a una obra fecunda, rica en símbolos y en la que está presente todos y cada uno de sus disfunciones emocionales. Tanto fue así que su estética fue bautizada con el método paranoico-crítico. 

2.- Joan Miró, el pintor surrealista que se acerca a la abstracción

Un poco mayor que Salvador Dalí, ya que nace en 1893 y muere en Palma de Mallorca en 1983, fue uno de los abanderados de la estética surrealista introduciendo a buena parte de los representantes del surrealismo en los modos creativos del movimiento.  Se empeña en reflejar un rico mundo onírico lleno de color y de formas cercana a la abstracción muy reconocibles por su estilo personal. En algunas obras se aprecian incluso escenas alucinatorias. Iniciado en el dadaísmo, aunque buena parte de su obra se encuadra en el surrealismo, su estética es tan personal que su obra constituye un mundo aparte plagado de símbolos y de metamorfosis constantes. 

 

3.- Marcel Duchamp, el creador de los ready-made

Francés de nacimiento (1887), se refugia en Nueva York durante la Primera Gran Guerra Mundial y hasta allí lleva los postulados del dadaísmo. Es el creador de los ready-made, el sustrato de las instalaciones contemporáneas. Son obras de arte entresacadas de objetos cotidianos y puestas en interrogación que interpelan al espectador sobre el sentido del arte mismo, sobre su función social. Regresa a París donde muere en 1968 no sin antes encandilar al grupo surrealista con sus originales creaciones. 

4.- Mar Ernst, uno de los representantes del surrealismo más importantes

Formado en la filosofía y en los incipientes estudios de psiquiatría, con 20 años descubre su vocación artística. Se inicia, como tantos representantes del surrealismo, en el dadaísmo para adoptar la estética surrealista muy pronto. Su obra se caracteriza por un gusto por los collages y otras técnicas con el objetivo de ofrecerla como si de una alucinación se tratara. Para los artistas surrealistas, cualquier estado era válido si nos llevaba a otros mundos que nos ayudara a liberar la convecciones limitantes de éste. 

5.- Jean Arp, iniciado en los principios de Dadá

Nace en Estrasburgo en 1887 y muere en Suiza en 1966. También subyugado por las posibilidades comunicativas del dadaísmo, se adhiere al nuevo movimiento en la década de los treinta. Son famosos y representativas sus esculturas coloridas y móviles. 

6.- René Magritte, uno de los representantes del surrealismo más reconocido 

Su contacto con el grupo surrealista llega en 1924 (con 26 años). Es el más filosófico de todos los representantes del surrealismo, ya que centró toda su producción en las posibilidades comunicativas y de liberación (sin obviar la transgresión, la sorpresa o las interrogaciones incómodas) de la obra de arte. Sus piezas artísticas están basadas en preguntas. Y nada más tenemos que recordar La llave del campo donde el artista juega con la ilusión de la realidad tanto de lo que se aprecia a través de la ventana como la imagen reflejada en los cristales rotos. 

7.- André Masson, el artista surrealista torturado por la muerte

Nació en Balagny-sur-Thérain en 1896 y deja este mundo en París en 1887. Participa en la Primera Guerra Mundial y todos sus horrores le afectaron profundamente. Con una importante cultura literaria y filosófica, su obra está impregnada de una fuerte radicalidad, de un profundo erotismo y siempre contraponiendo las fuerzas de la vida luminosa con las de la muerte. En este sentido refleja las investigaciones más clásicas de Freud en su obra. Recurre a metamorfosis complejas para la expresión de su particular universo que podríamos calificar de atormentado. Abandona el grupo en 1943, aunque su impronta estará presente en toda su producción. 

8.- Man Ray, el fotógrafo de entre los representantes del surrealismo

Famoso por sus composiciones fotográficas que han superado los embates del tiempo, nace en Filadelfia en 1890 y acaba sus días en París en 1976. Es otro de los introductores del dadaísmo en Nueva York, aunque muy pronto se instala en la capital francesa donde entra en contacto con el grupo de los representantes surrealistas. Es un innovador de las posibilidades de la fotografía y un pionero de esta modalidad artística.  

9.- Yves Tanguy, inclasificable

Se incorpora al grupo en 1925 y se centra en las posibilidades de la escritura automática tanto como método liberador como artístico. En su obra hay un componente alucinatorio y abstracto bastante importante.  

10.- Francis Picabia, el artista que se inició en el cubismo 

Toda su vida (1879-1953)  transcurre en París donde se inicia primero en el cubismo y también en las posibilidades del futurismo. Pronto elige la senda nihilista de Dadá negando cualquier utilidad del arte incluso la meramente estética. Es el más libertario y contestario de todos los representantes del surrealismo, ya que continuamente está cuestionado los principios fundamentales del movimiento. 

En definitiva, el surrealismo fue uno de los movimientos artísticos con más calado en la historia del arte del siglo XX. No solo estuvo representado por estos artistas sino que creadores posteriores y con sustrato diverso, de algún modo u otro, propagaron sus principios. El psicoanálisis había supuesto un antes y un después en lo que a la concepción del espíritu humano se refiere. Los artistas y los representantes del surrealismo más importantes no fueron inmunes a esta revolución filosófica e intentaron llevar esa liberación del inconsciente a las obras utilizando los símbolos del mundo onírico, la mezcla e, incluso, los estados cercanos a la alucinación. 

 

Por Candela Vizcaíno

 

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En la estela de todos los movimientos estéticos de vanguardia, tal cual el cubismo o el futurismo, el surrealismo quería romper con todas las convecciones instaladas. Los artistas en torno al movimiento se afanaron, no ya por presentar la realidad desde una perspectiva desconocida hasta entonces, sino que se encaminaron por liberar al hombre de sus ataduras. Así sin más. Las pinturas surrealistas (y cualquier manifestación artística que pueda etiquetarse como tal) muestran un mundo desconocido, onírico y oculto. Para entenderlo nos tenemos que remitir a Freud quien había revolucionado su concepción de la humanidad con la obra La interpretación de los sueños, germen de la psicología moderna y contemporánea. Las pinturas surrealistas que traigo a continuación se levantan sobre este sustrato filosófico. 

Que nos dicen las pinturas surrealistas 

Si hasta las teorías de  Freud el hombre era concebido como un todo inmutable, sin fisuras y sin cambios, con las investigaciones sobre el inconsciente todo esto cambia de una forma radical. Los sueños nos informaban de datos ocultos, liberadores y, a la vez, aterradores sobre la fuerza de la imposición  social. Con estas ideas en las manos, los artistas del surrealismo se afanaron por mostrar otro mundo, distinto a la realidad convencional, donde se mostraba otra verdad, inconsciente y necesaria para la humanidad. 

 

De la ingente cantidad de obras que pueden catalogarse como surrealistas, he escogido 8 pinturas surrealistas y una instalación (que algunos críticos clasifican dentro del dadaísmo). Todas ellas nos apuntan a la magnitud a la que se enfrentaban los artistas del surrealismo y su incursión a través de los símbolos del inconsciente. 

 La llave del campo

1.- La llave del campo (1936)  por René Magritte una de las pinturas surrealistas más conocidas

Custodiado en el Museo Thyssen-Bornemisza, este óleo de pequeño tamaño nos interroga sobre la realidad y sus posibilidades. Una ventana abierta al campo nos refleja un pequeño bosquete, el mismo que adivinamos en los cristales rotos. En este caso, la pregunta es la que sigue: ¿dónde está la realidad? ¿Detrás de la ventana? ¿O acaso esta es el reflejo de los cristales rotos? Es una de las pinturas surrealistas más conocidas por lo que tiene de juego entre la realidad consciente y la inconsciente. Nos viene a preguntar si aquello que está oculto o es desconocido quizás no sea la verdad absoluta tal cual abogan los postulados del psicoanálisis y sus deseos fervientes por traer aquello agazapado a la realidad consciente. 

La persistencia de la memoria 

2.- La persistencia de la memoria (1931) de Salvador Dalí y sus símbolos del tiempo y la muerte 

Es otra de las pinturas surrealistas más famosas con sus relojes derritiéndose y su paisaje lunar de fondo. De esta obra se han realizado bastantes análisis con interpretaciones distintas, algo común al arte surrealista, el cual siempre necesita ser explicado. En ella, Dalí (con graves problemas de autoestima e, incluso, mentales recordemos) nos presenta un fondo onírico a más no poder con relojes que se derriten y no pueden mantenerse en pie. Sin duda, es una metáfora de la inmaterialidad e inconsistencia del tiempo. Y decir tiempo es decir muerte, un tabú y una verdad aterradora para el genio de Dalí. 

El gran masturbador

3.- El gran masturbador (1929) de Salvador Dalí, la más reconocida de las pinturas surrealistas

En ella se aprecian sustratos de la pintura metafísica y está poblado de símbolos. Recordemos aquí que el inconsciente se manifiesta, especialmente a través del mundo del arte y también de los sueños. Su lenguaje es el de los símbolos, perdido para la humanidad contemporánea actual. Por eso es tan difícil descifrar el significado de los sueños y de algunos símbolos presentes en estas pinturas surrealistas. En esta obra Dalí usa casi todos los recursos y temas que le atormentaban. Por un lado, el sexo distendido y saludable que no pudo disfrutar por su confusión espiritual (y que permitió sus obras geniales dicho sea de paso), por el otro, la muerte y la corrupción presente en las larvas y los gusanos que se abren en un cuerpo femenino intrigante. En ella se representan todas la obsesiones del artista y se vomitan como en una pesadilla en la que la mujer (representación de la vida a través de la maternidad) ha perdido toda vocación luminosa para volverse de una manera casi pérfida. 

Bañista sentada 

4.-Bañista sentada (1930) por Pablo Picasso 

Aunque está clasificada como una de las pinturas surrealistas en ella se adivina aún los trazos y los modos de las obras del cubismo. Si Dalí nos interpela y nos solivianta con unas imágenes oníricas en las que los símbolos se alinean para presentar una realidad inquietante, este óleo es casi amable, una de los pocos del surrealismo. Nos presenta una mujer desnuda desestructurada con un cuerpo que se confunde con el paisaje, el mar y el cielo. 

El Carnaval del Alerquín  

5.- El carnaval del Alerquín (1924-1925) de Joan Miró 

Las obras de Miró tienen un sustrato en las pinturas de El Bosco (quizás el primer artista surrealista aunque sus temas no fueran los del inconsciente liberador sino los del Apocalipsis biblíco). Es una obra plana con gran colorido en el que se ha eliminado toda perspectiva y es difícil reconocer los objetos que se presentan e identificarlos con su correlato de la realidad cotidiana. Miró nos presenta símbolos deshilados, sin coherencia aparente, mezclados y coloridos. La obra nos remite a esa mezcla y confusión propias del carnaval, cuando, por unos momentos, las convecciones sociales quedan aparcadas con el fin de conocer la verdad de la que no se habla de una manera lúdica. 

 Todavía y siempre 

6.- Todavía y siempre (1942)  por Yves Tanguy, una de las pinturas surrealistas que retratan los sueños

Es una de las pinturas surrealistas en las que se aprecia con mayor claridad la referencia onírica, esto es, al mundo de los sueños. Asistimos al espacio de la inmensidad (el mismo que aparece cuando el inconsciente interpela a la mente consciente). En este océano verdoso y quieto aparecen objetos desconocidos como de otro mundo. No podemos adivinar ni su uso ni cómo han llegado hasta allí. Es una de las obras en la que la temática es la pregunta misma. En ella está representado ese “qué hago aquí” con el que todo ser humano se ha torturado alguna vez. 

 Interior holandés de Joan Miró

7.- Interior holandés (1928) por Joan Miró

Volvemos al sustrato de las pinturas de El Bosco en una obra dramática en lo que al colorido se  refiere y que, de alguna manera, toca los postulados de la abstracción. 

Nada de ello sabrán los hombres

8.-  Nada de ello sabrán los hombres (1923) por Max Ernst o la necesidad de interpretación como otras pinturas surrealistas

Son los símbolos religiosos que aparecen en la obra lo que la hacen tan inquietante a la par que el título también contribuye a ello. Nos remite al esoterismo del iniciado, a aquello que está oculto, ajeno a la mente consciente o ignorante de la magnitud del universo y su lenguaje. Es una de mis pinturas surrealistas favoritas porque nos interroga con una necesidad de conocimiento casi místico y con un intento de unidad entre la razón y los sueños, entre lo sacro y lo profano, entre lo individual y lo colectivo que es casi imposible. Las partes del cuerpo desunidas que aparecen en la obra vuelven sobre ese sentido: la imposibilidad de la unión y la realización completas. 

 Rueda de bicicleta de Marcel Duchamp

 

Del dadaísmo al surrealismo con Rueda de bicicleta (1913) de Marcel Duchamp

No es una escultura o una pintura. Su clasificación es más bien el de instalación. Esto es, una obra de arte realizada con elementos de desecho o de partes de objetos de la vida cotidiana con la finalidad de interpelar al espectador. Duchamp fue un maestro de este tipo de obras. Recordemos La fuente de 1917 en el que se utiliza un urinario masculino. En este tipo de obras se quiere generar a la par un malestar y una pregunta. Se recurre a los símbolos (la rueda es uno de los considerados primigenios o esenciales) para acceder al mensaje por la vía del inconsciente puro y duro. El que la rueda (de bicicleta) esté colocada sobre un taburete en la posición contraria a la lógica intelectual lo hace aún más inquietante al negar cualquier utilidad o servicio.  

El surrealismo, para ir terminando y como hemos visto en estas pinturas surrealistas más famosas, obvia la realidad cotidiana, la de la mente consciente, para buscar la verdad a través de la liberación del inconsciente y del mundo onírico. Para ello se valen tanto de símbolos tradicionales como de imágenes que pertenecen al imaginario de terror particular del artista. En este último caso, quizás sea Salvador Dalí el maestro inigualable.

Por Candela Vizcaíno

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En la estela de todos los movimientos estéticos de vanguardia, tal cual el cubismo o el futurismo, el surrealismo quería romper con todas las convecciones instaladas. Los artistas en torno al movimiento se afanaron, no ya por presentar la realidad desde una perspectiva desconocida hasta entonces, sino que se encaminaron por liberar al hombre de sus ataduras. Así sin más. Las pinturas surrealistas (y cualquier manifestación artística que pueda etiquetarse como tal) muestran un mundo desconocido, onírico y oculto. Para entenderlo nos tenemos que remitir a Freud quien había revolucionado su concepción de la humanidad con la obra La interpretación de los sueños, germen de la psicología moderna y contemporánea. Las pinturas surrealistas que traigo a continuación se levantan sobre este sustrato filosófico. 

Que nos dicen las pinturas surrealistas 

Si hasta las teorías de  Freud el hombre era concebido como un todo inmutable, sin fisuras y sin cambios, con las investigaciones sobre el inconsciente todo esto cambia de una forma radical. Los sueños nos informaban de datos ocultos, liberadores y, a la vez, aterradores sobre la fuerza de la imposición  social. Con estas ideas en las manos, los artistas del surrealismo se afanaron por mostrar otro mundo, distinto a la realidad convencional, donde se mostraba otra verdad, inconsciente y necesaria para la humanidad. 

 

De la ingente cantidad de obras que pueden catalogarse como surrealistas, he escogido 8 pinturas surrealistas y una instalación (que algunos críticos clasifican dentro del dadaísmo). Todas ellas nos apuntan a la magnitud a la que se enfrentaban los artistas del surrealismo y su incursión a través de los símbolos del inconsciente. 

 La llave del campo

1.- La llave del campo (1936)  por René Magritte una de las pinturas surrealistas más conocidas

Custodiado en el Museo Thyssen-Bornemisza, este óleo de pequeño tamaño nos interroga sobre la realidad y sus posibilidades. Una ventana abierta al campo nos refleja un pequeño bosquete, el mismo que adivinamos en los cristales rotos. En este caso, la pregunta es la que sigue: ¿dónde está la realidad? ¿Detrás de la ventana? ¿O acaso esta es el reflejo de los cristales rotos? Es una de las pinturas surrealistas más conocidas por lo que tiene de juego entre la realidad consciente y la inconsciente. Nos viene a preguntar si aquello que está oculto o es desconocido quizás no sea la verdad absoluta tal cual abogan los postulados del psicoanálisis y sus deseos fervientes por traer aquello agazapado a la realidad consciente. 

La persistencia de la memoria 

2.- La persistencia de la memoria (1931) de Salvador Dalí y sus símbolos del tiempo y la muerte 

Es otra de las pinturas surrealistas más famosas con sus relojes derritiéndose y su paisaje lunar de fondo. De esta obra se han realizado bastantes análisis con interpretaciones distintas, algo común al arte surrealista, el cual siempre necesita ser explicado. En ella, Dalí (con graves problemas de autoestima e, incluso, mentales recordemos) nos presenta un fondo onírico a más no poder con relojes que se derriten y no pueden mantenerse en pie. Sin duda, es una metáfora de la inmaterialidad e inconsistencia del tiempo. Y decir tiempo es decir muerte, un tabú y una verdad aterradora para el genio de Dalí. 

El gran masturbador

3.- El gran masturbador (1929) de Salvador Dalí, la más reconocida de las pinturas surrealistas

En ella se aprecian sustratos de la pintura metafísica y está poblado de símbolos. Recordemos aquí que el inconsciente se manifiesta, especialmente a través del mundo del arte y también de los sueños. Su lenguaje es el de los símbolos, perdido para la humanidad contemporánea actual. Por eso es tan difícil descifrar el significado de los sueños y de algunos símbolos presentes en estas pinturas surrealistas. En esta obra Dalí usa casi todos los recursos y temas que le atormentaban. Por un lado, el sexo distendido y saludable que no pudo disfrutar por su confusión espiritual (y que permitió sus obras geniales dicho sea de paso), por el otro, la muerte y la corrupción presente en las larvas y los gusanos que se abren en un cuerpo femenino intrigante. En ella se representan todas la obsesiones del artista y se vomitan como en una pesadilla en la que la mujer (representación de la vida a través de la maternidad) ha perdido toda vocación luminosa para volverse de una manera casi pérfida. 

Bañista sentada 

4.-Bañista sentada (1930) por Pablo Picasso 

Aunque está clasificada como una de las pinturas surrealistas en ella se adivina aún los trazos y los modos de las obras del cubismo. Si Dalí nos interpela y nos solivianta con unas imágenes oníricas en las que los símbolos se alinean para presentar una realidad inquietante, este óleo es casi amable, una de los pocos del surrealismo. Nos presenta una mujer desnuda desestructurada con un cuerpo que se confunde con el paisaje, el mar y el cielo. 

El Carnaval del Alerquín  

5.- El carnaval del Alerquín (1924-1925) de Joan Miró 

Las obras de Miró tienen un sustrato en las pinturas de El Bosco (quizás el primer artista surrealista aunque sus temas no fueran los del inconsciente liberador sino los del Apocalipsis biblíco). Es una obra plana con gran colorido en el que se ha eliminado toda perspectiva y es difícil reconocer los objetos que se presentan e identificarlos con su correlato de la realidad cotidiana. Miró nos presenta símbolos deshilados, sin coherencia aparente, mezclados y coloridos. La obra nos remite a esa mezcla y confusión propias del carnaval, cuando, por unos momentos, las convecciones sociales quedan aparcadas con el fin de conocer la verdad de la que no se habla de una manera lúdica. 

 Todavía y siempre 

6.- Todavía y siempre (1942)  por Yves Tanguy, una de las pinturas surrealistas que retratan los sueños

Es una de las pinturas surrealistas en las que se aprecia con mayor claridad la referencia onírica, esto es, al mundo de los sueños. Asistimos al espacio de la inmensidad (el mismo que aparece cuando el inconsciente interpela a la mente consciente). En este océano verdoso y quieto aparecen objetos desconocidos como de otro mundo. No podemos adivinar ni su uso ni cómo han llegado hasta allí. Es una de las obras en la que la temática es la pregunta misma. En ella está representado ese “qué hago aquí” con el que todo ser humano se ha torturado alguna vez. 

 Interior holandés de Joan Miró

7.- Interior holandés (1928) por Joan Miró

Volvemos al sustrato de las pinturas de El Bosco en una obra dramática en lo que al colorido se  refiere y que, de alguna manera, toca los postulados de la abstracción. 

Nada de ello sabrán los hombres

8.-  Nada de ello sabrán los hombres (1923) por Max Ernst o la necesidad de interpretación como otras pinturas surrealistas

Son los símbolos religiosos que aparecen en la obra lo que la hacen tan inquietante a la par que el título también contribuye a ello. Nos remite al esoterismo del iniciado, a aquello que está oculto, ajeno a la mente consciente o ignorante de la magnitud del universo y su lenguaje. Es una de mis pinturas surrealistas favoritas porque nos interroga con una necesidad de conocimiento casi místico y con un intento de unidad entre la razón y los sueños, entre lo sacro y lo profano, entre lo individual y lo colectivo que es casi imposible. Las partes del cuerpo desunidas que aparecen en la obra vuelven sobre ese sentido: la imposibilidad de la unión y la realización completas. 

 Rueda de bicicleta de Marcel Duchamp

 

Del dadaísmo al surrealismo con Rueda de bicicleta (1913) de Marcel Duchamp

No es una escultura o una pintura. Su clasificación es más bien el de instalación. Esto es, una obra de arte realizada con elementos de desecho o de partes de objetos de la vida cotidiana con la finalidad de interpelar al espectador. Duchamp fue un maestro de este tipo de obras. Recordemos La fuente de 1917 en el que se utiliza un urinario masculino. En este tipo de obras se quiere generar a la par un malestar y una pregunta. Se recurre a los símbolos (la rueda es uno de los considerados primigenios o esenciales) para acceder al mensaje por la vía del inconsciente puro y duro. El que la rueda (de bicicleta) esté colocada sobre un taburete en la posición contraria a la lógica intelectual lo hace aún más inquietante al negar cualquier utilidad o servicio.  

El surrealismo, para ir terminando y como hemos visto en estas pinturas surrealistas más famosas, obvia la realidad cotidiana, la de la mente consciente, para buscar la verdad a través de la liberación del inconsciente y del mundo onírico. Para ello se valen tanto de símbolos tradicionales como de imágenes que pertenecen al imaginario de terror particular del artista. En este último caso, quizás sea Salvador Dalí el maestro inigualable.

Por Candela Vizcaíno

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Prácticamente todos los movimientos de las denominadas vanguardias históricas querían hacer saltar por los aires cualquier tradición artística anterior. No fue esta una de las características del cubismo exclusiva de sus integrantes. Este anhelo por ser los primeros o los pioneros en una manera radical de enfrentarse al arte en todos sus ámbitos fue también común en el dadaísmo (especialmente en el ámbito literario), en el futurismo (aunque se quedaran en mera declaración de intenciones), en el expresionismo…  

La crítica se ha puesto de acuerdo en aceptar que una de las obras del cubismo más importantes, Las señoritas de Avignon, de Pablo Picasso y realizada en 1907, inaugura el movimiento. Este se extiende hasta bien entrado la década de los años veinte del siglo XX, aunque la mayoría de los artistas del cubismo evolucionan hacia otros modos representativos. A pesar de su corta duración, el cubismo, junto con el movimiento conocido como surrealismo, son los más señeros e importantes (por su sustrato en los creadores posteriores) del siglo XX. 

10 características del cubismo comunes a los  periodos analítico y sintético

El movimiento se divide en dos periodos, el analítico (el cual se extiende desde sus inicios hasta 1911-1912 aproximadamente) y el sintético (el cual retoma el relevo en esta fecha hasta al disolución del mismo). Ambos, por supuesto, tienen características comunes que detallo a continuación. 

Cinco primeras características del cubismo 

1.- Una de las características del cubismo, como he indicado, es su desprecio casi por la tradición. Ni que decir tiene que esto no se consiguió del todo, ya que nada hay en la creación de la humanidad que se haga de nuevo. No obstante, consiguieron revolucionar los cimientos del arte de una manera nunca vista hasta entonces.  

2.- El cubismo no puede entenderse sin un componente social. Los artistas del movimiento estaban imbuidos de la creencia de que el arte sirve para cambiar el mundo. El método sería simplemente una actitud rebelde ante los convencionalismo de la época. Estos siempre han existido, existen y seguirán existiendo, pero en los albores del siglo XX eran tantos que coartaban la creatividad casi. 

3.- Para poder entender las características del cubismo en toda su extensión y magnitud no podemos olvidar que en la época se desarrollan una serie de avances tecnológicos, de ingeniería o científicos que hacen saltar por los aires la concepción del mundo imperante hasta entonces. Si la fotografía como representación se hace común, el arte tiene que buscar su sentido en otros modelos y otros mundos. Esos universos inexplorados se abren con la Teoría de la relatividad de Einstein y los estudios sobre el inconsciente inaugurados por Freud.  

4.- Hay una fuerte inspiración en el arte africano con sus líneas marcadas, sus colores ocres, sus máscaras simbólicas y sus trazos rápidos.  A poco que nos detengamos en Las señoritas de Avignon, por poner un caso, encontramos rápidamente esos paralelismos en los rostros de las protagonistas. 

5.- Los materiales (el lienzo, la arena, los elementos metálicos) comienzan a tener sentido expresivo. Esto es, el significante (la forma) se reviste también de significado. Esta tendencia se extiende por todo el siglo XX superando incluso las fronteras de los modos expresivos del siglo XXI.  

Seguimos con más características del cubismo comunes al movimiento

6.- Hay un gusto por los interiores, por las composiciones de objetos, por los bodegones, por la representación de la figura humana que, por primera vez en la historia del arte, comienza a distorsionarse de manera significativa. 

7.- Se eligen temas que hasta la fecha se consideraban escabrosos o fuera del sistema convencional. En este sentido, recordemos que Las señoritas de Avignon, para seguir con el mismo ejemplo,  es la representación de las chicas en exhibición en un salón de un burdel cualquiera.  

8.- En definitiva, hay un cambio radical a la hora de elegir los personajes de las obras. Atrás quedarían para siempre los modelos aristocráticos, los temas mitológicos, la representación amable de la cotidianidad… Es una de las características del cubismo que más influencia ha generado en el arte posterior.  

“… esos personajes no son dioses, tampoco titanes ni héroes, ni siquiera figuras simbólicas ni alegóricas. Son problemas desnudos, números blancos sobre un fondo negro. Aquí aparece el principio de la pintura ecuación. El nuevo cuadro fue espontáneamente bautizado por un amigo del artista como Las prostitutas filosóficas. Pienso que fue el último chiste hecho en un estudio y todavía regocijó el mundo de los jóvenes pintores. A partir de entonces la pintura sería una ciencia y muy austera.”

 

André Salmon a propósito de Las señoritas de Avignon

9.- Otra de las características del cubismo que se fue afianzando a partir de la segunda década de vida del movimiento es el gusto por la geometría, por imponer un orden matemático (y, por tanto, científico) en la obra.  

10.- Hay un gusto por la escultura, la cual se realiza, en su mayoría, siguiendo la técnica del ensamblaje de distintos materiales (incluso de desecho) olvidando casi para siempre el orden puro de las técnicas clásicas. 

7 características del cubismo sintético 

1.- Las líneas se confunden entre sí dificultando el reconocimiento de figuras ya sean animadas o inanimadas.  

2.- Se abandona la idea de la representación de la realidad. El arte ya no tiene esa “función”. Por tanto, hay que generar obras que nos introduzcan en otros mundos. Este sería el de la razón. Y, a lo largo del siglo XX, cobra fuerza la descripción de un inconsciente oculto a través de los postulados del surrealismo.  

3.- El artista ofrece su visión del la realidad que no tiene por qué ser la convencional. El cubismo, por tanto, erige al creador como una especie de demiurgo, de creador de realidades que ya se dio en movimientos anteriores como el Romanticismo literario.  

4.-  Hay un gusto por la composición de objetos de la vida cotidiana: guitarras, jarrones, mesas periódicos…

5.-  Los colores adquieren una tonalidad ocre y/o apagado con preponderancia de trazos gruesos, lineales y de contorno en negro.  

6.- Se renuncia a la perspectiva. Por tanto, las composiciones aparecen como amontonadas, sobrepuesto un objeto tras otro. 

7.- Se recurre a las formas geométricas e, incluso, a las puras fácilmente reconocibles dentro del cuadro.

Características del cubismo analítico 

A partir de 1911 el movimiento evoluciona hacia otros modos expresivos a la par que se van incorporando nuevos artistas que habían entrado en contacto, sobre todo, con la obra de Picasso en París.  

1.- Los cuadros se llenan con colores vivos, radiantes  y luminosos abandonado la gama de los pardos y terrosos. 

2.- Se investiga con las posibilidades de la perspectiva pero siempre de manera diferente a cómo se había abordado la temática de manera tradicional. 

3.- Hay un gusto por el collage, por el ensamblaje, por la utilización de elementos de la vida cotidiana que se incorporan a la obra como parte de ella y, a la par, como representación. 

4.- Una de las características del cubismo se centra en el uso de la tipografía como elementos de significado. No es ajena a otros movimientos de vanguardia y el dadaísmo hizo uso de ellas de manera abundante.  

5.- Los artistas son conscientes de su originalidad e importancia y a la teoría sobre el movimiento se hace a la par que se crean las obras. En este sentido, Apollinaire (uno de los inspiradores de la poesía visual posterior) escribe y publica en 1913 Meditaciones estéticas. Los pintores cubistas. Aquí desgrana todas sus características y los retos a los que se enfrentarían todos los artistas (especialmente de París) que cayeron rendidos a la nueva manera artística.  

6.- El gusto por las matemáticas, la geometría o la ciencia hace que los artistas cubistas recuperen el número áureo o divino. Y eso a pesar de su choque con cualquier idea que pudiera considerarse tradición. Esta proporción se retoma en el Renacimiento (tras estudios de los textos de la Biblia) y es considerada la perfecta y la armónica. Tuvo bastante predicamento, especialmente, en la arquitectura de la época. 

7.-  Las investigaciones de las posibilidades de la obra llegan a una evolución que adelanta, incluso, la abstracción. 

Si bien el movimiento duró relativamente poco y hacia la mitad de la década de los años veinte puede darse por terminado, su influencia fue inmensa. La revolución que supuso en los cánones artísticos de la época fue tanta que constituyó un sustrato significativo para buena parte de los artistas del siglo XX.  

Por Candela Vizcaíno

 

 

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El arte es lo que queda cuando todo ha pasado. Es lo inmutable dentro del cambio. Es la belleza en un mundo en caos. El arte es parte importante de este sitio. Intentamos comprenderlo. 

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Prácticamente todos los movimientos de las denominadas vanguardias históricas querían hacer saltar por los aires cualquier tradición artística anterior. No fue esta una de las características del cubismo exclusiva de sus integrantes. Este anhelo por ser los primeros o los pioneros en una manera radical de enfrentarse al arte en todos sus ámbitos fue también común en el dadaísmo (especialmente en el ámbito literario), en el futurismo (aunque se quedaran en mera declaración de intenciones), en el expresionismo…  

La crítica se ha puesto de acuerdo en aceptar que una de las obras del cubismo más importantes, Las señoritas de Avignon, de Pablo Picasso y realizada en 1907, inaugura el movimiento. Este se extiende hasta bien entrado la década de los años veinte del siglo XX, aunque la mayoría de los artistas del cubismo evolucionan hacia otros modos representativos. A pesar de su corta duración, el cubismo, junto con el movimiento conocido como surrealismo, son los más señeros e importantes (por su sustrato en los creadores posteriores) del siglo XX. 

10 características del cubismo comunes a los  periodos analítico y sintético

El movimiento se divide en dos periodos, el analítico (el cual se extiende desde sus inicios hasta 1911-1912 aproximadamente) y el sintético (el cual retoma el relevo en esta fecha hasta al disolución del mismo). Ambos, por supuesto, tienen características comunes que detallo a continuación. 

Cinco primeras características del cubismo 

1.- Una de las características del cubismo, como he indicado, es su desprecio casi por la tradición. Ni que decir tiene que esto no se consiguió del todo, ya que nada hay en la creación de la humanidad que se haga de nuevo. No obstante, consiguieron revolucionar los cimientos del arte de una manera nunca vista hasta entonces.  

2.- El cubismo no puede entenderse sin un componente social. Los artistas del movimiento estaban imbuidos de la creencia de que el arte sirve para cambiar el mundo. El método sería simplemente una actitud rebelde ante los convencionalismo de la época. Estos siempre han existido, existen y seguirán existiendo, pero en los albores del siglo XX eran tantos que coartaban la creatividad casi. 

3.- Para poder entender las características del cubismo en toda su extensión y magnitud no podemos olvidar que en la época se desarrollan una serie de avances tecnológicos, de ingeniería o científicos que hacen saltar por los aires la concepción del mundo imperante hasta entonces. Si la fotografía como representación se hace común, el arte tiene que buscar su sentido en otros modelos y otros mundos. Esos universos inexplorados se abren con la Teoría de la relatividad de Einstein y los estudios sobre el inconsciente inaugurados por Freud.  

4.- Hay una fuerte inspiración en el arte africano con sus líneas marcadas, sus colores ocres, sus máscaras simbólicas y sus trazos rápidos.  A poco que nos detengamos en Las señoritas de Avignon, por poner un caso, encontramos rápidamente esos paralelismos en los rostros de las protagonistas. 

5.- Los materiales (el lienzo, la arena, los elementos metálicos) comienzan a tener sentido expresivo. Esto es, el significante (la forma) se reviste también de significado. Esta tendencia se extiende por todo el siglo XX superando incluso las fronteras de los modos expresivos del siglo XXI.  

Seguimos con más características del cubismo comunes al movimiento

6.- Hay un gusto por los interiores, por las composiciones de objetos, por los bodegones, por la representación de la figura humana que, por primera vez en la historia del arte, comienza a distorsionarse de manera significativa. 

7.- Se eligen temas que hasta la fecha se consideraban escabrosos o fuera del sistema convencional. En este sentido, recordemos que Las señoritas de Avignon, para seguir con el mismo ejemplo,  es la representación de las chicas en exhibición en un salón de un burdel cualquiera.  

8.- En definitiva, hay un cambio radical a la hora de elegir los personajes de las obras. Atrás quedarían para siempre los modelos aristocráticos, los temas mitológicos, la representación amable de la cotidianidad… Es una de las características del cubismo que más influencia ha generado en el arte posterior.  

“… esos personajes no son dioses, tampoco titanes ni héroes, ni siquiera figuras simbólicas ni alegóricas. Son problemas desnudos, números blancos sobre un fondo negro. Aquí aparece el principio de la pintura ecuación. El nuevo cuadro fue espontáneamente bautizado por un amigo del artista como Las prostitutas filosóficas. Pienso que fue el último chiste hecho en un estudio y todavía regocijó el mundo de los jóvenes pintores. A partir de entonces la pintura sería una ciencia y muy austera.”

 

André Salmon a propósito de Las señoritas de Avignon

9.- Otra de las características del cubismo que se fue afianzando a partir de la segunda década de vida del movimiento es el gusto por la geometría, por imponer un orden matemático (y, por tanto, científico) en la obra.  

10.- Hay un gusto por la escultura, la cual se realiza, en su mayoría, siguiendo la técnica del ensamblaje de distintos materiales (incluso de desecho) olvidando casi para siempre el orden puro de las técnicas clásicas. 

7 características del cubismo sintético 

1.- Las líneas se confunden entre sí dificultando el reconocimiento de figuras ya sean animadas o inanimadas.  

2.- Se abandona la idea de la representación de la realidad. El arte ya no tiene esa “función”. Por tanto, hay que generar obras que nos introduzcan en otros mundos. Este sería el de la razón. Y, a lo largo del siglo XX, cobra fuerza la descripción de un inconsciente oculto a través de los postulados del surrealismo.  

3.- El artista ofrece su visión del la realidad que no tiene por qué ser la convencional. El cubismo, por tanto, erige al creador como una especie de demiurgo, de creador de realidades que ya se dio en movimientos anteriores como el Romanticismo literario.  

4.-  Hay un gusto por la composición de objetos de la vida cotidiana: guitarras, jarrones, mesas periódicos…

5.-  Los colores adquieren una tonalidad ocre y/o apagado con preponderancia de trazos gruesos, lineales y de contorno en negro.  

6.- Se renuncia a la perspectiva. Por tanto, las composiciones aparecen como amontonadas, sobrepuesto un objeto tras otro. 

7.- Se recurre a las formas geométricas e, incluso, a las puras fácilmente reconocibles dentro del cuadro.

Características del cubismo analítico 

A partir de 1911 el movimiento evoluciona hacia otros modos expresivos a la par que se van incorporando nuevos artistas que habían entrado en contacto, sobre todo, con la obra de Picasso en París.  

1.- Los cuadros se llenan con colores vivos, radiantes  y luminosos abandonado la gama de los pardos y terrosos. 

2.- Se investiga con las posibilidades de la perspectiva pero siempre de manera diferente a cómo se había abordado la temática de manera tradicional. 

3.- Hay un gusto por el collage, por el ensamblaje, por la utilización de elementos de la vida cotidiana que se incorporan a la obra como parte de ella y, a la par, como representación. 

4.- Una de las características del cubismo se centra en el uso de la tipografía como elementos de significado. No es ajena a otros movimientos de vanguardia y el dadaísmo hizo uso de ellas de manera abundante.  

5.- Los artistas son conscientes de su originalidad e importancia y a la teoría sobre el movimiento se hace a la par que se crean las obras. En este sentido, Apollinaire (uno de los inspiradores de la poesía visual posterior) escribe y publica en 1913 Meditaciones estéticas. Los pintores cubistas. Aquí desgrana todas sus características y los retos a los que se enfrentarían todos los artistas (especialmente de París) que cayeron rendidos a la nueva manera artística.  

6.- El gusto por las matemáticas, la geometría o la ciencia hace que los artistas cubistas recuperen el número áureo o divino. Y eso a pesar de su choque con cualquier idea que pudiera considerarse tradición. Esta proporción se retoma en el Renacimiento (tras estudios de los textos de la Biblia) y es considerada la perfecta y la armónica. Tuvo bastante predicamento, especialmente, en la arquitectura de la época. 

7.-  Las investigaciones de las posibilidades de la obra llegan a una evolución que adelanta, incluso, la abstracción. 

Si bien el movimiento duró relativamente poco y hacia la mitad de la década de los años veinte puede darse por terminado, su influencia fue inmensa. La revolución que supuso en los cánones artísticos de la época fue tanta que constituyó un sustrato significativo para buena parte de los artistas del siglo XX.  

Por Candela Vizcaíno

 

 

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El cubismo fue el movimiento que inauguró las vanguardias históricas. Así sin más. Si el futurismo quiso ser el que rompiera con los moldes tradicionales, no lo consiguió del todo quedando ese honor para el cubismo. Aunque muy pronto abandonado por los mismos artistas que lo crearon, su pujanza fue sustituida por el surrealismo, línea estética que ahondaba en los terrenos vedados del inconsciente. Hoy traigo 25 obras del cubismo más importantes que nos ayudarán a comprender la importancia de este movimiento revolucionario en el plano plástico como lo fue el dadaísmo en el artístico en general. La lista a continuación, a excepción del primer ejemplo, es sencillamente aleatoria.  

Mis 10 obras del cubismo favoritas  

1.- Las señoritas de Avignon (1907) de Pablo Picasso primera obra del cubismo

Este lienzo de más de dos metros de lado que se custodia en el MOMA de Nueva York da el pistoletazo de salida al movimiento y fue ejecutado por uno de los mayores (si no el que más) representantes del cubismo. Todo en esta obra es original, vanguardista y rompedor empezando por la utilización de una paleta de ocres hasta terminar por la deformación de los modelos clásicos pasando por el tema mismo. Porque Las señoritas de Avignon representan la exposición de unas muchachas en el interior de un burdel. Si algunos artistas del impresionismo ya habían retratado a personajes considerados socialmente fuera del sistema, el arte clásico siempre rechazó esta representación. En esta obra del cubismo, además, se dan casi todas las características del movimiento. El cuerpo humano se deforma y se reduce, a posta, cualquier atisbo de perspectiva. Encontramos un sustrato de la pintura primitiva africana (un recuerdo de sus populares máscaras) a la par que el espacio se diluye y se hace plano. Es, sin duda, la primera y la obra cumbre del cubismo. 

2.- Autorretrato (1907) por Pablo Picasso 

Una de las obras del cubismo más conocidas (bien sea porque representa a su mayor exponente) es un pequeño óleo de menos de medio metro de lado en el que el artista se ha despojado de buena parte de su realismo para representarse con las formas cuadradas, angulosas, de trazos fuertes y con los colores ocres o  apagados característicos del movimiento. 

3.- Jarro, botella y limón (1909) de Georges Braque

El cubismo demuestra un gusto por las naturalezas muertas, bodegones o representaciones de interiores siguiendo el estilo de Cézanne. En esta obra el espacio se ha hecho plano y los objetos representados se ejecutan conforme a líneas marcadas. 

4.- Aria de Bach (1912-1913) de Georges Braque,  una de las obras del cubismo más geométricas

Y con geométrica me refiero a los objetos representados. Las líneas angulosas dan un paso más convirtiendo las cosas en figuras planas reducidas a rectángulos o cuadriláteros.

5.- En la misma línea es El estanque de Horta (1909) de Pablo Picasso

Donde los edificios se han reducido a meras figuras geométricas aunque conservan un halo de tridimensionalidad. 

6.- Violín y botella de vino de Juan Gris, una de las obras del cubismo características

En ella encontramos los colores apagados, el gusto por las composiciones de objetos, la pérdida de la tercera dimensión y una propensión a reducir la figura a meras formas geométricas. 

7.- Naturaleza muerta (1922) de María Blanchard

Es una de mis obras del cubismo favorita (si puedo hacer esa apreciación personal). En ella la artista, aún siguiendo los cánones del movimiento, evoluciona hacia una luz especial que no tiene otras obras representativas. El uso del color gris, el blanco y las formas curvas de lo que parecen unas uvas contribuyen a ello. María Blanchard fue una de las máximas representantes del cubismo, aunque su nombre (quizás por una perspectiva de género) no se nombra tanto como sus camaradas masculinos. Este lienzo es el utilizado como imagen de cabecera de este estudio. 

8.- La torre roja (1913) de Robert Delaunay una de las obras del cubismo con movimiento 

Si el futurismo fue la tendencia estética del movimiento, el cubismo, por su parte, aspirar a lo estático, a lo plano y a lo bidimensional. Sin embargo, esta obra presenta una cadencia distinta ya sea por las líneas cóncavas como por el uso acertado de colores contrastados. 

9.- Mujer haciendo punto (1919) de Jean Metzinger

Como en el caso de Las señoritas de Avignon intuimos la figura humana. Se ha hecho uso de los colores en gama azules que no eran de los favoritos de los artistas del cubismo. 

10.- Tres músicos (1921) de Pablo Picasso

Evolucionada en cuanto al uso del color aunque las formas se desarrollan de manera tan marcada que son puramente geométricas. 

Otras 15 obras del cubismo que hay que conocer y completamos las 25

11.- Violín “Joie Eva” (1912) por Pablo Picasso, favorita de los críticos por presentar todas las características del movimiento. 

12.- Desnudo (Gran bañista), realizada entre 1907-1908, por George Braque

13.- Bañista (1908-1909) de Pablo Picasso. 

14.- Retrato de Daniel-Henri Kahweilere por Pablo Picasso realizado en 1910 de una forma más desestructurada que el autorretrato comentado un poco más arriba. 

15.- También de Picasso es Naturaleza muerta con silla de rejilla realizado en 1912 y guardada en su museo de París. 

16.- Paisaje de L´ Estaque (1908) de Georges Braque. 

17.- Guitarra (1912) por Pablo Picasso que sigue la técnica del ensamblaje que tanta influencia generará posteriormente. 

18.- La guitarra (1913) por Juan Gris.

19.- Botella y vaso (1917) por Henri Laurens también utilizando una técnica mixta en la que se combina chapa con color y madera. 

20.- La mujer de azul (1912) de Fernad Léger.

21.- La mujer de la mandolina (1909) de Pablo Picasso. 

22.- Del mismo artista es Pan y frutero sobre una mesa

23.- Composición cubista (1916-1919) de María Blanchard.

24.- De la misma artista es también Mujer con guitarra custodiada en el Museo Reina Sofía de Madrid. 

25.- Y terminamos como empezamos, con Pablo PIcasso, y su Frutero y calabaza (1908-1909) que nos recuerda, a pesar de la genialidad y originalidad del artista, a las obras de Cézanne.  

El cubismo fue un movimiento rompedor con la tradición cuyo epicentro estuvo en París, por entonces, el ombligo del mundo. A partir de Las señoritas de Avignon, el arte no retomó ninguno de los moldes de los cánones clásicos. Fue, junto con el surrealismo, una de las líneas artísticas que más sustrato creó durante el siglo XX. 

 

Por Candela Vizcaíno

 

 

 

 

 

 

 

 

 

  

 

 

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El cubismo fue el movimiento que inauguró las vanguardias históricas. Así sin más. Si el futurismo quiso ser el que rompiera con los moldes tradicionales, no lo consiguió del todo quedando ese honor para el cubismo. Aunque muy pronto abandonado por los mismos artistas que lo crearon, su pujanza fue sustituida por el surrealismo, línea estética que ahondaba en los terrenos vedados del inconsciente. Hoy traigo 25 obras del cubismo más importantes que nos ayudarán a comprender la importancia de este movimiento revolucionario en el plano plástico como lo fue el dadaísmo en el artístico en general. La lista a continuación, a excepción del primer ejemplo, es sencillamente aleatoria.  

Mis 10 obras del cubismo favoritas  

1.- Las señoritas de Avignon (1907) de Pablo Picasso primera obra del cubismo

Este lienzo de más de dos metros de lado que se custodia en el MOMA de Nueva York da el pistoletazo de salida al movimiento y fue ejecutado por uno de los mayores (si no el que más) representantes del cubismo. Todo en esta obra es original, vanguardista y rompedor empezando por la utilización de una paleta de ocres hasta terminar por la deformación de los modelos clásicos pasando por el tema mismo. Porque Las señoritas de Avignon representan la exposición de unas muchachas en el interior de un burdel. Si algunos artistas del impresionismo ya habían retratado a personajes considerados socialmente fuera del sistema, el arte clásico siempre rechazó esta representación. En esta obra del cubismo, además, se dan casi todas las características del movimiento. El cuerpo humano se deforma y se reduce, a posta, cualquier atisbo de perspectiva. Encontramos un sustrato de la pintura primitiva africana (un recuerdo de sus populares máscaras) a la par que el espacio se diluye y se hace plano. Es, sin duda, la primera y la obra cumbre del cubismo. 

2.- Autorretrato (1907) por Pablo Picasso 

Una de las obras del cubismo más conocidas (bien sea porque representa a su mayor exponente) es un pequeño óleo de menos de medio metro de lado en el que el artista se ha despojado de buena parte de su realismo para representarse con las formas cuadradas, angulosas, de trazos fuertes y con los colores ocres o  apagados característicos del movimiento. 

3.- Jarro, botella y limón (1909) de Georges Braque

El cubismo demuestra un gusto por las naturalezas muertas, bodegones o representaciones de interiores siguiendo el estilo de Cézanne. En esta obra el espacio se ha hecho plano y los objetos representados se ejecutan conforme a líneas marcadas. 

4.- Aria de Bach (1912-1913) de Georges Braque,  una de las obras del cubismo más geométricas

Y con geométrica me refiero a los objetos representados. Las líneas angulosas dan un paso más convirtiendo las cosas en figuras planas reducidas a rectángulos o cuadriláteros.

5.- En la misma línea es El estanque de Horta (1909) de Pablo Picasso

Donde los edificios se han reducido a meras figuras geométricas aunque conservan un halo de tridimensionalidad. 

6.- Violín y botella de vino de Juan Gris, una de las obras del cubismo características

En ella encontramos los colores apagados, el gusto por las composiciones de objetos, la pérdida de la tercera dimensión y una propensión a reducir la figura a meras formas geométricas. 

7.- Naturaleza muerta (1922) de María Blanchard

Es una de mis obras del cubismo favorita (si puedo hacer esa apreciación personal). En ella la artista, aún siguiendo los cánones del movimiento, evoluciona hacia una luz especial que no tiene otras obras representativas. El uso del color gris, el blanco y las formas curvas de lo que parecen unas uvas contribuyen a ello. María Blanchard fue una de las máximas representantes del cubismo, aunque su nombre (quizás por una perspectiva de género) no se nombra tanto como sus camaradas masculinos. Este lienzo es el utilizado como imagen de cabecera de este estudio. 

8.- La torre roja (1913) de Robert Delaunay una de las obras del cubismo con movimiento 

Si el futurismo fue la tendencia estética del movimiento, el cubismo, por su parte, aspirar a lo estático, a lo plano y a lo bidimensional. Sin embargo, esta obra presenta una cadencia distinta ya sea por las líneas cóncavas como por el uso acertado de colores contrastados. 

9.- Mujer haciendo punto (1919) de Jean Metzinger

Como en el caso de Las señoritas de Avignon intuimos la figura humana. Se ha hecho uso de los colores en gama azules que no eran de los favoritos de los artistas del cubismo. 

10.- Tres músicos (1921) de Pablo Picasso

Evolucionada en cuanto al uso del color aunque las formas se desarrollan de manera tan marcada que son puramente geométricas. 

Otras 15 obras del cubismo que hay que conocer y completamos las 25

11.- Violín “Joie Eva” (1912) por Pablo Picasso, favorita de los críticos por presentar todas las características del movimiento. 

12.- Desnudo (Gran bañista), realizada entre 1907-1908, por George Braque

13.- Bañista (1908-1909) de Pablo Picasso. 

14.- Retrato de Daniel-Henri Kahweilere por Pablo Picasso realizado en 1910 de una forma más desestructurada que el autorretrato comentado un poco más arriba. 

15.- También de Picasso es Naturaleza muerta con silla de rejilla realizado en 1912 y guardada en su museo de París. 

16.- Paisaje de L´ Estaque (1908) de Georges Braque. 

17.- Guitarra (1912) por Pablo Picasso que sigue la técnica del ensamblaje que tanta influencia generará posteriormente. 

18.- La guitarra (1913) por Juan Gris.

19.- Botella y vaso (1917) por Henri Laurens también utilizando una técnica mixta en la que se combina chapa con color y madera. 

20.- La mujer de azul (1912) de Fernad Léger.

21.- La mujer de la mandolina (1909) de Pablo Picasso. 

22.- Del mismo artista es Pan y frutero sobre una mesa

23.- Composición cubista (1916-1919) de María Blanchard.

24.- De la misma artista es también Mujer con guitarra custodiada en el Museo Reina Sofía de Madrid. 

25.- Y terminamos como empezamos, con Pablo PIcasso, y su Frutero y calabaza (1908-1909) que nos recuerda, a pesar de la genialidad y originalidad del artista, a las obras de Cézanne.  

El cubismo fue un movimiento rompedor con la tradición cuyo epicentro estuvo en París, por entonces, el ombligo del mundo. A partir de Las señoritas de Avignon, el arte no retomó ninguno de los moldes de los cánones clásicos. Fue, junto con el surrealismo, una de las líneas artísticas que más sustrato creó durante el siglo XX. 

 

Por Candela Vizcaíno

 

 

 

 

 

 

 

 

 

  

 

 

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Visitar El Peine de los Vientos en la Bahía de la Concha de San Sebastián.

Si todo sobre la faz de la tierra desapareciera y, en un futuro remoto, una civilización extraña quisiera estudiar los restos “arqueológicos” de lo que es nuestro mundo, no dudaría en calificar El peine de los vientos como un santuario.

Porque esa es la sensación que nos invade cuando visitamos esta instalación realizada mano a mano entre el arquitecto Luis Peña Gantxegi  y el escultor Eduardo Chillida: la de adentrarnos en un lugar sagrado. Y eso a pesar de los cientos de visitantes que congrega a diario.

Donosti, la ciudad que alberga El Peine de los Vientos

El Peine del Viento, el nombre oficial del lugar, está situado en la bellísima ciudad de Donostia (San Sebastián o Donosti), en el norte de España. Se encuentra justo en un extremo de la Bahía de la Concha.

Recomendamos al viajero que realice esta visita con pausa y que la haga a primera hora de la mañana, cuando la soledad y la calma invitan al disfrute de esta obra que aúna naturaleza y la mano humana. El dato práctico es el asunto del aparcamiento que puede hacerse muy cerca: en el Club de Tenis, previo pago de su importe.

Después, el viajero puede pasear tranquilamente en dirección hacia el casco antiguo bordeando la Playa de Ondarreta y el aristocrático Paseo de la Concha con su fotogénica barandilla con farolas pintadas de blanco.

El viajero no quedará decepcionado.

  • Peine de los Vientos de Chillida en Donostia
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Dónde se encuentra El Peine de los Vientos

Para disfrutar de esta obra de ingeniería, de comunión y de arte hay que saber que en este lugar del planeta, el mar (el Cantábrico) golpea con fuerza las rocas. La región donde se encuentra (Donostia, Euskadi) está conformada por un entramado de montañas verdes que se precipitan hacia mar o los ríos. Sus gentes viven acorde con el paisaje y la tierra. Eso no quita para que la manufactura (sobre todo del hierro, el material predominante en esta obra) sea fuente de riqueza y recursos.

Por eso El Peine de los Vientos es capaz de hacer una simbiosis perfecta del pueblo que lo ha creado: mar, naturaleza, montaña, hierro y creación.

La obra no solo son las esculturas de Eduardo Chillida. Es todo el conjunto. Es la intervención del arquitecto realizando una plataforma espléndida en pizarra. Es el mar azotando la obra de hombre. Y es la montaña resguardando el conjunto.

Las obras y esculturas de Eduardo Chillida

Eduardo Chillida (1924-2002) es uno de los artistas más reconocidos internacionalmente del País Vasco. Casi toda su obra está realizada en hierro y realizó grandes instalaciones con este material.

Aunque también trabajó el dibujo e, incluso, la obra gráfica, se conoce especialmente por sus creaciones metálicas con formas abstractas que quieren insertarse en el paisaje. De este carácter es, también, Elogio del Horizonte, situado en Gijón y mirando, como El Peine de los Vientos al Cantábrico.

Al final de su vida quiso dejar su legado en el museo conocido como Chillida Leku. Allí, en el jardín y el interior del caserío, se podía disfrutar de estas esculturas que, a decir de un crítico, vacían el espacio en lugar de llenarlos. Afortunadamente el lugar está, en la actualidad, de nuevo, abierto al público. 

El Peine de los Vientos de Chillida

El peine del viento se terminó en 1976 y en la instalación hay unas ranuras, como unos salideros donde entra y sale el agua insertándose así al completo en el paisaje.

Los viajeros acostumbrados a ciertas medidas de seguridad como barandillas se van a asombrar con la fortaleza y, a la vez, fragilidad del emplazamiento. En algunos lugares las piedras se precipitan hacia el mar dando una extraña sensación de vértigo.

Por Candela Vizcaíno

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Visitar El Peine de los Vientos en la Bahía de la Concha de San Sebastián.

Si todo sobre la faz de la tierra desapareciera y, en un futuro remoto, una civilización extraña quisiera estudiar los restos “arqueológicos” de lo que es nuestro mundo, no dudaría en calificar El peine de los vientos como un santuario.

Porque esa es la sensación que nos invade cuando visitamos esta instalación realizada mano a mano entre el arquitecto Luis Peña Gantxegi  y el escultor Eduardo Chillida: la de adentrarnos en un lugar sagrado. Y eso a pesar de los cientos de visitantes que congrega a diario.

Donosti, la ciudad que alberga El Peine de los Vientos

El Peine del Viento, el nombre oficial del lugar, está situado en la bellísima ciudad de Donostia (San Sebastián o Donosti), en el norte de España. Se encuentra justo en un extremo de la Bahía de la Concha.

Recomendamos al viajero que realice esta visita con pausa y que la haga a primera hora de la mañana, cuando la soledad y la calma invitan al disfrute de esta obra que aúna naturaleza y la mano humana. El dato práctico es el asunto del aparcamiento que puede hacerse muy cerca: en el Club de Tenis, previo pago de su importe.

Después, el viajero puede pasear tranquilamente en dirección hacia el casco antiguo bordeando la Playa de Ondarreta y el aristocrático Paseo de la Concha con su fotogénica barandilla con farolas pintadas de blanco.

El viajero no quedará decepcionado.

  • Peine de los Vientos de Chillida en Donostia
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    Peine de los Vientos de Chillida en Donostia
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    Peine de los Vientos de Chillida en Donostia

Dónde se encuentra El Peine de los Vientos

Para disfrutar de esta obra de ingeniería, de comunión y de arte hay que saber que en este lugar del planeta, el mar (el Cantábrico) golpea con fuerza las rocas. La región donde se encuentra (Donostia, Euskadi) está conformada por un entramado de montañas verdes que se precipitan hacia mar o los ríos. Sus gentes viven acorde con el paisaje y la tierra. Eso no quita para que la manufactura (sobre todo del hierro, el material predominante en esta obra) sea fuente de riqueza y recursos.

Por eso El Peine de los Vientos es capaz de hacer una simbiosis perfecta del pueblo que lo ha creado: mar, naturaleza, montaña, hierro y creación.

La obra no solo son las esculturas de Eduardo Chillida. Es todo el conjunto. Es la intervención del arquitecto realizando una plataforma espléndida en pizarra. Es el mar azotando la obra de hombre. Y es la montaña resguardando el conjunto.

Las obras y esculturas de Eduardo Chillida

Eduardo Chillida (1924-2002) es uno de los artistas más reconocidos internacionalmente del País Vasco. Casi toda su obra está realizada en hierro y realizó grandes instalaciones con este material.

Aunque también trabajó el dibujo e, incluso, la obra gráfica, se conoce especialmente por sus creaciones metálicas con formas abstractas que quieren insertarse en el paisaje. De este carácter es, también, Elogio del Horizonte, situado en Gijón y mirando, como El Peine de los Vientos al Cantábrico.

Al final de su vida quiso dejar su legado en el museo conocido como Chillida Leku. Allí, en el jardín y el interior del caserío, se podía disfrutar de estas esculturas que, a decir de un crítico, vacían el espacio en lugar de llenarlos. Afortunadamente el lugar está, en la actualidad, de nuevo, abierto al público. 

El Peine de los Vientos de Chillida

El peine del viento se terminó en 1976 y en la instalación hay unas ranuras, como unos salideros donde entra y sale el agua insertándose así al completo en el paisaje.

Los viajeros acostumbrados a ciertas medidas de seguridad como barandillas se van a asombrar con la fortaleza y, a la vez, fragilidad del emplazamiento. En algunos lugares las piedras se precipitan hacia el mar dando una extraña sensación de vértigo.

Por Candela Vizcaíno

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