Lucian Freud | obras más allá del retrato de Isabel II y biografía mínima
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Reseña de algunas obras de Lucian Freud, el pintor que realizó el retrato más controvertido de Isabel II.
Aunque en vida, como cualquier artista de talla, ocupó las portadas de noticias culturales por algún que otro escándalo, Lucian Freud (Berlín, 1922- Londres, 2011), ha sido uno de los pintores más reconocidos dentro del panorama del arte contemporáneo. Sus obras, además, han alcanzado récord en las subastas internacionales y ya cuelgan en prestigiosos museos. El artista, aunque bebe del surrealismo y del hiperrealismo es de difícil encuadre en un estilo artístico concreto. Por lo demás, este es tan personal que es claramente reconocible e identificable para los amantes del arte. Se inició en los procesos de las pinturas surrealistas y en las posibilidades de expresión del inconsciente según Freud. Hay que anotar que el concepto fue descubierto precisamente por su abuelo paterno y, con toda probabilidad, la fama (ligada a la trascendencia de los trabajos del psicoanalista) influyó en la personalidad del artista.
Mínima biografía Lucian Freud
Nacido en Berlín en 1922, en el seno de una familia judía de prestigio intelectual, ya que su padre era un reconocido arquitecto, nieto del creador del psicoanálisis, Sigmund Freud, como ya se ha apuntado. El padre del creador del psicoanálisis ya llevaba la semilla del arte en su interior y, en vida, barajó la posibilidad de iniciarse como pintor, siguiendo la estela de Otto Dix. Esta semilla la hizo germinar (con un éxito sobresaliente) uno de sus hijos: Lucien Freud. Con el avance del nazismo en Alemania y en previsión de los terribles acontecimientos que sucedieron posteriormente, la familia al completo emigra a Reino Unido en 1932. A los Freud se les concede la nacionalidad en 1939. Por tanto, aunque sus orígenes son germánicos, y así se plasma, a veces, en su obra, Lucian Freud es considerado y catalogado como un pintor británico.
Educado en las instituciones inglesas de Bryanston School y Dartington Hall School, completó sus estudios en la Central School of Art de Londres. Como todos los artistas, tuvo su periodo aventurero (en este caso, como marino mercante). Además, estuvo un tiempo viviendo en París y recorrió Italia al completo estudiando los clásicos. Allí se empapó tanto de las características de la pintura renacentista como del arte barroco. Parece que se sentía a gusto en Inglaterra, ya que, a finales de la década de los cuarenta fijó su estudio en Londres para, prácticamente, no abandonarlo durante toda su vida. Del estilo barroco tomó una subyugante fuerza a la hora de plasmar en las líneas de su pintura todo tipo de claroscuros, tanto los del alma como los físicos. Y de los clásicos antiguos encontramos el gusto por la figura humana, el retrato, el desnudo… No podemos perder de vista que, si por algo se caracteriza la obra de Lucian Freud, es por que refleja todos los choques espirituales internos a través del semblante del rostro. Este siempre aparece reconcentrado, ensimismado y ajeno tanto al espectador como a la realidad circundante.
Características y estilo de las obras de Lucian Freud
1.- Aunque sus primeros cuadros, realizados en la década de los cuarenta, acusa un fuerte contenido heredado de los principales representantes del surrealismo, Lucien Freud pronto generó un estilo propio. Así, casi desde de sus inicios se decantó por los retratos y por unos inquietantes desnudos de estudio en el que se presentaban los modelos dotados de una fuerte carnalidad. A este respecto, el pintor reconocería lo siguiente:
Quiero que mi pintura funcione como carne. Para mí, la pintura es la persona. Que ejerce sobre mí mismo un idéntico efecto que la carne.
2.- Quizás por esto (y no solo por sus declaraciones) , era considerado como el mejor representante del movimiento hiperrealista inglés. Aún así, tampoco se puede encuadrar en el movimiento ya que su obra está tan impregnada de choques espirituales tan brutales que, en ningún momento, puede encasillarse en esta corriente artística que, en ocasiones, deja de lado los paisajes espirituales internos.
3.- Comparte con otros pintores británicos contemporáneos, como Frank Auerbach y Francis Bacon un sustrato del expresionismo y su búsqueda del fondo anímico a través de lo físico. Aún así, sus cuadros no pueden circunscribirse a corriente alguna.
4.- Una pincela gruesa sirve para presentar los modelos bajo una fuerte luz. Los retratos y los desnudos describen unos personajes ajenos al hecho de ser pintados, inmersos en su propio interior, en sus cuitas y problemas. Y esto subyuga al espectador en un movimiento de ida y vuelta que se inicia con un acercamiento y, a la vez, fija una frontera emocional entre la obra y el receptor.
5.- Junto a los retratos es frecuente que aparezcan las mascotas de los protagonistas de las obras que cumplen esa función de completar la personalidad reflejada.
Obras de Lucian Freud
1.- Retrato del barón Thyssen-Bronemisza resguardado en su museo madrileño y es el que se utiliza cuando se habla de la labor como mecenas del aristócrata.
2.- Muchacho y Speck (1980-81).
3.- Eli y David (2005-2006).
4.- Grey Gelding (2003).
5.- La yegua Skewbald (2004).
6.- Retrato de Kate Moss (2002) embarazada de siete meses. Sobre esta obra hay que anotar que el mismo artista ha confesado que no le satisface del todo. Es una de las pinturas controvertidas de Lucian Freud
7.- Mujer con perro blanco (1952) que abre este artículo.
8.- Yegua comiendo heno (2006).
9.- Múltiples autorretratos (solo de rostro) a lo largo de su vida.
10.- Retrato de la Reina Isabel II realizado en 2001 que, por su importancia, merece trato aparte.
El retrato de Isabel II por Lucian Freud, más allá de la crítica
La obra es un pequeño retrato de apenas 15,2 x 23,5 cms en el que aparece la actual monarca británica retratada solo con la zona del rostro. Ni siquiera se refleja parte de los hombros o el cuello. Todo el acento se deja al semblante. Sin embargo, la reina lleva joyas y una de sus coronas que, en la pintura, se nos antoja demasiado grande para su cabeza e, incluso, ajenas a la composición. Comienzo anotando que nada más darse a conocer esta obra de Lucian Freud en 2001 comenzó la polémica. Esta vino de sectores que poco o nada tienen que ver con la crítica artística y llegó por el tratamiento poco ortodoxo realizado a la reina, venerada en Reino Unido.
Para la obra, Lucian Freud abandonó su estudio y cumplió las exigencias de palacio. Con la reina como modelo, realizó esta pequeña pintura en la que Isabel II aparece ensimismada en sus pensamientos, ajena a la labor del artista y representada con un aspecto envejecido. Las joyas de gran tamaño, pompa y ceremoniales en extremo contrastan con el rostro de la monarca. El aspecto de la corona parece aplastar a una anciana a la que, a duras penas, parece mantener el equilibrio hacia tanto poder. Hay que anotar que, a pesar de las críticas vertidas por el público en general, a Isabel II no le disgustó el retrato y le dio su visto bueno. Parece que su sentir fue más allá de la cortesía debida y que, en verdad, percibió la belleza de la pintura.
Sea como fuere la obra de Lucian Freud no ha estado (ni lo está) ajena a la polémica (la mayoría de las veces fuera del circuito de los entendidos del arte) por cualquier razón. Ya sea porque hace un retrato poco favorecedor de una monarca o porque sus desnudos (en la era de la pornografía obscena) parecen inquietantes. Sin embargo, hay que concederle a todos ellos un hilo en común: el afán por sacar lo interior hacia lo exterior siempre en una pose ensimismada y concentrada ajena, en ocasiones, al espectador.
Por Candela Vizcaíno| Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla
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Reseña de algunas obras de Lucian Freud, el pintor que realizó el retrato más controvertido de Isabel II.
Aunque en vida, como cualquier artista de talla, ocupó las portadas de noticias culturales por algún que otro escándalo, Lucian Freud (Berlín, 1922- Londres, 2011), ha sido uno de los pintores más reconocidos dentro del panorama del arte contemporáneo. Sus obras, además, han alcanzado récord en las subastas internacionales y ya cuelgan en prestigiosos museos. El artista, aunque bebe del surrealismo y del hiperrealismo es de difícil encuadre en un estilo artístico concreto. Por lo demás, este es tan personal que es claramente reconocible e identificable para los amantes del arte. Se inició en los procesos de las pinturas surrealistas y en las posibilidades de expresión del inconsciente según Freud. Hay que anotar que el concepto fue descubierto precisamente por su abuelo paterno y, con toda probabilidad, la fama (ligada a la trascendencia de los trabajos del psicoanalista) influyó en la personalidad del artista.
Mínima biografía Lucian Freud
Nacido en Berlín en 1922, en el seno de una familia judía de prestigio intelectual, ya que su padre era un reconocido arquitecto, nieto del creador del psicoanálisis, Sigmund Freud, como ya se ha apuntado. El padre del creador del psicoanálisis ya llevaba la semilla del arte en su interior y, en vida, barajó la posibilidad de iniciarse como pintor, siguiendo la estela de Otto Dix. Esta semilla la hizo germinar (con un éxito sobresaliente) uno de sus hijos: Lucien Freud. Con el avance del nazismo en Alemania y en previsión de los terribles acontecimientos que sucedieron posteriormente, la familia al completo emigra a Reino Unido en 1932. A los Freud se les concede la nacionalidad en 1939. Por tanto, aunque sus orígenes son germánicos, y así se plasma, a veces, en su obra, Lucian Freud es considerado y catalogado como un pintor británico.
Educado en las instituciones inglesas de Bryanston School y Dartington Hall School, completó sus estudios en la Central School of Art de Londres. Como todos los artistas, tuvo su periodo aventurero (en este caso, como marino mercante). Además, estuvo un tiempo viviendo en París y recorrió Italia al completo estudiando los clásicos. Allí se empapó tanto de las características de la pintura renacentista como del arte barroco. Parece que se sentía a gusto en Inglaterra, ya que, a finales de la década de los cuarenta fijó su estudio en Londres para, prácticamente, no abandonarlo durante toda su vida. Del estilo barroco tomó una subyugante fuerza a la hora de plasmar en las líneas de su pintura todo tipo de claroscuros, tanto los del alma como los físicos. Y de los clásicos antiguos encontramos el gusto por la figura humana, el retrato, el desnudo… No podemos perder de vista que, si por algo se caracteriza la obra de Lucian Freud, es por que refleja todos los choques espirituales internos a través del semblante del rostro. Este siempre aparece reconcentrado, ensimismado y ajeno tanto al espectador como a la realidad circundante.
Características y estilo de las obras de Lucian Freud
1.- Aunque sus primeros cuadros, realizados en la década de los cuarenta, acusa un fuerte contenido heredado de los principales representantes del surrealismo, Lucien Freud pronto generó un estilo propio. Así, casi desde de sus inicios se decantó por los retratos y por unos inquietantes desnudos de estudio en el que se presentaban los modelos dotados de una fuerte carnalidad. A este respecto, el pintor reconocería lo siguiente:
Quiero que mi pintura funcione como carne. Para mí, la pintura es la persona. Que ejerce sobre mí mismo un idéntico efecto que la carne.
2.- Quizás por esto (y no solo por sus declaraciones) , era considerado como el mejor representante del movimiento hiperrealista inglés. Aún así, tampoco se puede encuadrar en el movimiento ya que su obra está tan impregnada de choques espirituales tan brutales que, en ningún momento, puede encasillarse en esta corriente artística que, en ocasiones, deja de lado los paisajes espirituales internos.
3.- Comparte con otros pintores británicos contemporáneos, como Frank Auerbach y Francis Bacon un sustrato del expresionismo y su búsqueda del fondo anímico a través de lo físico. Aún así, sus cuadros no pueden circunscribirse a corriente alguna.
4.- Una pincela gruesa sirve para presentar los modelos bajo una fuerte luz. Los retratos y los desnudos describen unos personajes ajenos al hecho de ser pintados, inmersos en su propio interior, en sus cuitas y problemas. Y esto subyuga al espectador en un movimiento de ida y vuelta que se inicia con un acercamiento y, a la vez, fija una frontera emocional entre la obra y el receptor.
5.- Junto a los retratos es frecuente que aparezcan las mascotas de los protagonistas de las obras que cumplen esa función de completar la personalidad reflejada.
Obras de Lucian Freud
1.- Retrato del barón Thyssen-Bronemisza resguardado en su museo madrileño y es el que se utiliza cuando se habla de la labor como mecenas del aristócrata.
2.- Muchacho y Speck (1980-81).
3.- Eli y David (2005-2006).
4.- Grey Gelding (2003).
5.- La yegua Skewbald (2004).
6.- Retrato de Kate Moss (2002) embarazada de siete meses. Sobre esta obra hay que anotar que el mismo artista ha confesado que no le satisface del todo. Es una de las pinturas controvertidas de Lucian Freud
7.- Mujer con perro blanco (1952) que abre este artículo.
8.- Yegua comiendo heno (2006).
9.- Múltiples autorretratos (solo de rostro) a lo largo de su vida.
10.- Retrato de la Reina Isabel II realizado en 2001 que, por su importancia, merece trato aparte.
El retrato de Isabel II por Lucian Freud, más allá de la crítica
La obra es un pequeño retrato de apenas 15,2 x 23,5 cms en el que aparece la actual monarca británica retratada solo con la zona del rostro. Ni siquiera se refleja parte de los hombros o el cuello. Todo el acento se deja al semblante. Sin embargo, la reina lleva joyas y una de sus coronas que, en la pintura, se nos antoja demasiado grande para su cabeza e, incluso, ajenas a la composición. Comienzo anotando que nada más darse a conocer esta obra de Lucian Freud en 2001 comenzó la polémica. Esta vino de sectores que poco o nada tienen que ver con la crítica artística y llegó por el tratamiento poco ortodoxo realizado a la reina, venerada en Reino Unido.
Para la obra, Lucian Freud abandonó su estudio y cumplió las exigencias de palacio. Con la reina como modelo, realizó esta pequeña pintura en la que Isabel II aparece ensimismada en sus pensamientos, ajena a la labor del artista y representada con un aspecto envejecido. Las joyas de gran tamaño, pompa y ceremoniales en extremo contrastan con el rostro de la monarca. El aspecto de la corona parece aplastar a una anciana a la que, a duras penas, parece mantener el equilibrio hacia tanto poder. Hay que anotar que, a pesar de las críticas vertidas por el público en general, a Isabel II no le disgustó el retrato y le dio su visto bueno. Parece que su sentir fue más allá de la cortesía debida y que, en verdad, percibió la belleza de la pintura.
Sea como fuere la obra de Lucian Freud no ha estado (ni lo está) ajena a la polémica (la mayoría de las veces fuera del circuito de los entendidos del arte) por cualquier razón. Ya sea porque hace un retrato poco favorecedor de una monarca o porque sus desnudos (en la era de la pornografía obscena) parecen inquietantes. Sin embargo, hay que concederle a todos ellos un hilo en común: el afán por sacar lo interior hacia lo exterior siempre en una pose ensimismada y concentrada ajena, en ocasiones, al espectador.
Por Candela Vizcaíno| Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla
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[introtext] => Aproximación al movimiento pictórico del siglo XX conocido como informalismo con especial interés en sus artistas, obras y características.
El informalismo está considerado el último movimiento artístico de las vanguardias históricas aunque se desarrolla a la par que el expresionismo abstracto. Dentro del mismo confluyen una serie de artistas con obras caracterizadas por un manejo de la abstracción radical y por el uso de nuevos materiales mezclados con las pinturas tradicionales. Se desarrolla después de la Segunda Guerra Mundial en Europa (también en Japón) y sus coletazos continúan hasta la década de los setenta e, incluso, los ochenta en algunos países, tal es el caso de España.
Una aproximación y definición del informalismo
El término informalismo fue propuesto por primera vez por el pintor Georges Mathieu en su obra Esbozo para una embriología de los signos publicada en 1951. Con esta denominación pretendía englobar aquellas obras que iban más allá de abstracción para mostrar un extremismo en el arte al utilizar nuevos materiales y al llevar al máximo expresivo la percepción de las texturas. En ellas, además, no se pretendía ofrecer un mensaje al espectador y este tendrá que producirse de manera ajena a la obra. A pesar de lo que pudiera interpretarse en una primera lectura, estas creaciones tuvieron el favor de la crítica especializada y de los amantes del arte casi desde el momento mismo de su creación. En ese mismo año, el crítico Michel Tapié aclaraba los conceptos y ampliaba la definición de informalismo a todas aquellas obras abstractas en las que la visión de la materia (por medio de texturas) mantenían un significado único.
Así podemos definir el informalismo como la corriente estética surgida en Europa a partir de la Segunda Guerra Mundial basada en pintura abstracta y en la que la cualidad material (ya sea por texturas, añadidos o estructuras ajenas) mantienen un significado. Normalmente este se presenta siempre como una interrogación al espectador.
“El punto de partida es la superficie que ha de animarse -lienzo u hoja de papel- y la primera mancha de color o de tinta que se proyecta sobre la misma: el efecto resultante, la aventura que de ello resulta. Esa mancha, a medida que se enriquece y orienta, es la que debe guiar el trabajo, un cuadro no se edifica como una casa, partiendo de las cotas de los arquitectos, sino de espaldas al resultado -¡Tanteado! ¡A reculones! ¡Alquimista no hallará la manera de fabricar oro contemplándolo, pero acude a tus retortas, haz hervir la orina, mira, mira ávidamente el plomo: ahí está tu tarea!- Y tú, pintor, unas manchas de color, manchas y trazos, mira tus paletas y tus trapos: las claves que andas buscando en ellos están.”
Michel Tapié: Notas para los eruditos (1945)
Características del informalismo
1.- Es un movimiento europeo centrado en pintura. Esta siempre es abstracta aunque pueda adivinarse algunos elementos entresacados del mundo real.
2.- Lo matérico ya sea por acumulación de pintura, texturas o fragmentos añadidos son parte esencial de estas obras.
3.- En las mismas se apela a lo instintivo, sensorial o a la compulsión. Carecen, en apariencia, de cualquier orden racional.
4.- Aunque algunos artistas utilizan los colores vivos, predominan los terrosos, los negros, los ocres y los apagados siempre plasmados en gamas del mismo tono.
5.- El movimiento, aunque tuvo algunos críticos afines, careció de cohesión y de manifiestos, quedando atrás las proclamas del futurismo o del surrealismo por poner solo dos ejemplos de otros movimientos de las vanguardias históricas.
Las manifestaciones del informalismo en algunos países occidentales y orientales
6.- En España tuvo bastante adhesión aunque se formalizó más tarde, justo cuando el movimiento daba sus últimos coletazos en Europa. Pertenecen al informalismo artistas de la talla de Manolo Millares, Antonio Saura, Antoni Tapiès o el Grupo El Paso (Zóbel, Rueda, Gustavo Torner…) que merecen estudio aparte. Estos creadores gozaron de reputación y de éxito en vida, punto este (que todo hay que decirlo) es ajeno a la historia del arte española.
7.- Estas obras se dieron a conocer dentro y fuera de las fronteras españolas con los escritos críticos de Juan Eduardo Cirlot.
8.- Todos estos artistas encontraron un hipotexto perfecto en la obra última de Francisco de Goya, principalmente en la etapa de las pinturas negras. Anotamos que el aragonés está considerado el primer artista moderno occidental.
9.- Por su parte, los artistas franceses, más que en el español se miran hacia en el último Monet, el que se empeña en levantar esa magna obra que son los Nenúfares y el mismo que deshace la figuración con trazos gruesos y golpes de color.
10.- En Japón, el desgarro por los horrores de la guerra, la pérdida de los valores tradicionales y la liquidación casi de una forma de vida única quedó reflejado en el colectivo Gutai (puede traducirse como concreción). A igual que ocurre en España, los hipotextos locales se transparentan en estas obras con un gusto por las formas geométricas tradicionales.
El informalismo y la filosofía
11.- El objetivo del informalismo era eliminar de raíz cualquier pretensión de significado y de comunicación, en línea con los choques emocionales de la época.
12.- Llevaron las características del surrealismo al extremo al postular un código visual nuevo y ajeno a la razón consciente basado en manchas colocadas de manera arbitraria.
13.- Como todos los movimientos de las vanguardias históricas (empezando por el fauvismo y terminando por las características del arte abstracto) niegan cualquier interferencia con la tradición. Aún así, hemos visto que en arte esto no es posible y siempre hay precedentes que sirven de hipotexto a los nuevos creadores.
14.- La materia se erige en la protagonista de la obra. Por eso se recurre a elementos ajenos a la pintura, como la arena, trapos, maderas, cuerdas, elementos metálicos, lienzos desgarrados… Cualquier elemento es aceptado en las obras del informalismo. Esto está empezando a dar más que un quebradero de cabeza a los restauradores ya que este tipo de inserciones están envejeciendo demasiado rápido dando paso a fragmentaciones y roturas.
15.- Y, por último, no podemos entender el informalismo sin los movimientos filosóficos de la época acuciados por el miedo a un Apocalipsis debido al desarrollo de bombas nucleares destructivas y al recuerdo de la barbarie de las últimas guerras. La soledad contemporánea, la alineación industrial y el desarrollo científico para la destrucción calaron en el ánimo de los artistas que, con estas obras oscuras, pretendían poner de manifiesto el sentir de una época.
Artistas del informalismo
1.- Lucio Muñoz (1929-1998) es el mayor representante del informalismo en España. Formado en la Academia de Bellas Artes de San Fernando y discípulo de Eduardo Chicharro, sus obras hoy en día siguen cotización en alza y son buscadas por coleccionistas internacionales.
2.- Manolo Millares (1926-1972) influenciado tanto por el arte prehistórico como por los representantes del surrealismo, es uno de los fundadores del Grupo El Paso.
3.- Antoni Tapiès (1923-2012) es el artista español del siglo XX con mayor proyección y reconocimiento internacional. Sus obras son plenamente reconocibles por su tratamiento de la materia y por las especiales grafías (como las cruces rojas) que va dejando en ellas.
4.- Antonio Saura (1930-1998) también se dedicó a la escritura y en sus últimos años realizó intervenciones en libros ilustrados.
5.- Jean Dubuffet (1901-1985) es uno de los artistas del informalismo interesado por lo marginal y evolucionó hacia el Brut Art. Gran parte de su obra se encuentra organizada a través de series.
6.- Georges Mathieu ( 1921- 2012), de amplia cultura y formación, es el creador en París de la estética denominada “no figuración psíquica”. Su interés por la escritura automática y la poesía visual lo hizo evolucionar hacia el tachismo.
7.- Henri Michaud (1899-1984), influenciado por las primeras pinturas surrealistas y por la cultura oriental, también estuvo interesado por creación sin mediar los fundamentos de la razón.
8.- Karel Appel (1921-2006) fue uno de los fundadores del grupo CoBrA y su obra está muy cercana al expresionismo en arte.
9.- Wols (1913-1951). Nacido en Alemania como Otto Wolfgang Shulze, sus comienzos están vinculados a la Bauhaus. Emigra a París y allí comienza a interesarse por las posibilidades expresivas del inconscientes a través de las manchas y de los jeroglíficos.
10.- Pierre Soulages (1919) es uno de los pocos artistas del informalismo que aún están en este mundo. Su obra está protagonizado por el color y llega a abandonar (por épocas) la gama de los ocres y negros propios del movimiento.
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Informalismo: Antoni Tàpies
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Informalismo: Lucio Muñoz Sequeros
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Informalismo: Antonio Saura
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Informalismo: Vidriera de Karel Applel
Algunas obras del informalismo
Ni que decir tiene que la lista ni está completa ni están reproducidas las mismas. Aún así, no puedo dejar de colocar los títulos.
1.- Sequeros (1961) de Lucio Muñoz. Forma parte de la colección permanente del Reina Sofía de Madrid
2.- Lo incierto (Cuerpo de dama) de Jean Dubuffet de 1950.
3.- Sull por James Brooks.
4.- Composición (1953) de Alberto Zurrí.
5.- Pájaro y hombre (1952) de Karel Appel.
6.- Concepto espacial (1958) de Lucio Fontana.
7.- Desnudo (1943) de Jean Fautrier.
8.- Clea (1957) de Antonio Saura.
9.- Tierra ardiente (1958) de José Guerrero.
10.- Mujer y avestruz (1957) de Karel Appel.
11.- Cuadro 190B (1962) de Manolo Millares.
12.- Cuadro 12 (1957) de Manolo Millares.
13.- Superposición de materia gris (1961) de Antoni Tapiès.
14.- Pintura 10 Enero (1964) de Pierre Soulages.
15.- Sin título (1965) de Jiro Yoshihara.
16.- La Nierendorffm (1946) de Wols.
17.- Ciclo’62 (1962) del italiano Emilio Vedova.
18.- Gris con señal roja (1958) por Antoni Tapiès.
19.- El viajero de Munich (1958) de Asger Jorn.
20.- Verano (1948) de Corneille.
El informalismo, en definitiva, es el último movimiento de vanguardia y algunos de sus artistas llegan incluso a alcanzar el siglo XXI. Las obras se caracterizan por una negación de la comunicación y se deja su sentido último a los instintivo y sensorial. Los colores oscuros y la materia en textura son protagonistas en lienzos en los que se han incorporado elementos ajenos a la pintura tradicional.
Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla
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El informalismo está considerado el último movimiento artístico de las vanguardias históricas aunque se desarrolla a la par que el expresionismo abstracto. Dentro del mismo confluyen una serie de artistas con obras caracterizadas por un manejo de la abstracción radical y por el uso de nuevos materiales mezclados con las pinturas tradicionales. Se desarrolla después de la Segunda Guerra Mundial en Europa (también en Japón) y sus coletazos continúan hasta la década de los setenta e, incluso, los ochenta en algunos países, tal es el caso de España.
Una aproximación y definición del informalismo
El término informalismo fue propuesto por primera vez por el pintor Georges Mathieu en su obra Esbozo para una embriología de los signos publicada en 1951. Con esta denominación pretendía englobar aquellas obras que iban más allá de abstracción para mostrar un extremismo en el arte al utilizar nuevos materiales y al llevar al máximo expresivo la percepción de las texturas. En ellas, además, no se pretendía ofrecer un mensaje al espectador y este tendrá que producirse de manera ajena a la obra. A pesar de lo que pudiera interpretarse en una primera lectura, estas creaciones tuvieron el favor de la crítica especializada y de los amantes del arte casi desde el momento mismo de su creación. En ese mismo año, el crítico Michel Tapié aclaraba los conceptos y ampliaba la definición de informalismo a todas aquellas obras abstractas en las que la visión de la materia (por medio de texturas) mantenían un significado único.
Así podemos definir el informalismo como la corriente estética surgida en Europa a partir de la Segunda Guerra Mundial basada en pintura abstracta y en la que la cualidad material (ya sea por texturas, añadidos o estructuras ajenas) mantienen un significado. Normalmente este se presenta siempre como una interrogación al espectador.
“El punto de partida es la superficie que ha de animarse -lienzo u hoja de papel- y la primera mancha de color o de tinta que se proyecta sobre la misma: el efecto resultante, la aventura que de ello resulta. Esa mancha, a medida que se enriquece y orienta, es la que debe guiar el trabajo, un cuadro no se edifica como una casa, partiendo de las cotas de los arquitectos, sino de espaldas al resultado -¡Tanteado! ¡A reculones! ¡Alquimista no hallará la manera de fabricar oro contemplándolo, pero acude a tus retortas, haz hervir la orina, mira, mira ávidamente el plomo: ahí está tu tarea!- Y tú, pintor, unas manchas de color, manchas y trazos, mira tus paletas y tus trapos: las claves que andas buscando en ellos están.”
Michel Tapié: Notas para los eruditos (1945)
Características del informalismo
1.- Es un movimiento europeo centrado en pintura. Esta siempre es abstracta aunque pueda adivinarse algunos elementos entresacados del mundo real.
2.- Lo matérico ya sea por acumulación de pintura, texturas o fragmentos añadidos son parte esencial de estas obras.
3.- En las mismas se apela a lo instintivo, sensorial o a la compulsión. Carecen, en apariencia, de cualquier orden racional.
4.- Aunque algunos artistas utilizan los colores vivos, predominan los terrosos, los negros, los ocres y los apagados siempre plasmados en gamas del mismo tono.
5.- El movimiento, aunque tuvo algunos críticos afines, careció de cohesión y de manifiestos, quedando atrás las proclamas del futurismo o del surrealismo por poner solo dos ejemplos de otros movimientos de las vanguardias históricas.
Las manifestaciones del informalismo en algunos países occidentales y orientales
6.- En España tuvo bastante adhesión aunque se formalizó más tarde, justo cuando el movimiento daba sus últimos coletazos en Europa. Pertenecen al informalismo artistas de la talla de Manolo Millares, Antonio Saura, Antoni Tapiès o el Grupo El Paso (Zóbel, Rueda, Gustavo Torner…) que merecen estudio aparte. Estos creadores gozaron de reputación y de éxito en vida, punto este (que todo hay que decirlo) es ajeno a la historia del arte española.
7.- Estas obras se dieron a conocer dentro y fuera de las fronteras españolas con los escritos críticos de Juan Eduardo Cirlot.
8.- Todos estos artistas encontraron un hipotexto perfecto en la obra última de Francisco de Goya, principalmente en la etapa de las pinturas negras. Anotamos que el aragonés está considerado el primer artista moderno occidental.
9.- Por su parte, los artistas franceses, más que en el español se miran hacia en el último Monet, el que se empeña en levantar esa magna obra que son los Nenúfares y el mismo que deshace la figuración con trazos gruesos y golpes de color.
10.- En Japón, el desgarro por los horrores de la guerra, la pérdida de los valores tradicionales y la liquidación casi de una forma de vida única quedó reflejado en el colectivo Gutai (puede traducirse como concreción). A igual que ocurre en España, los hipotextos locales se transparentan en estas obras con un gusto por las formas geométricas tradicionales.
El informalismo y la filosofía
11.- El objetivo del informalismo era eliminar de raíz cualquier pretensión de significado y de comunicación, en línea con los choques emocionales de la época.
12.- Llevaron las características del surrealismo al extremo al postular un código visual nuevo y ajeno a la razón consciente basado en manchas colocadas de manera arbitraria.
13.- Como todos los movimientos de las vanguardias históricas (empezando por el fauvismo y terminando por las características del arte abstracto) niegan cualquier interferencia con la tradición. Aún así, hemos visto que en arte esto no es posible y siempre hay precedentes que sirven de hipotexto a los nuevos creadores.
14.- La materia se erige en la protagonista de la obra. Por eso se recurre a elementos ajenos a la pintura, como la arena, trapos, maderas, cuerdas, elementos metálicos, lienzos desgarrados… Cualquier elemento es aceptado en las obras del informalismo. Esto está empezando a dar más que un quebradero de cabeza a los restauradores ya que este tipo de inserciones están envejeciendo demasiado rápido dando paso a fragmentaciones y roturas.
15.- Y, por último, no podemos entender el informalismo sin los movimientos filosóficos de la época acuciados por el miedo a un Apocalipsis debido al desarrollo de bombas nucleares destructivas y al recuerdo de la barbarie de las últimas guerras. La soledad contemporánea, la alineación industrial y el desarrollo científico para la destrucción calaron en el ánimo de los artistas que, con estas obras oscuras, pretendían poner de manifiesto el sentir de una época.
Artistas del informalismo
1.- Lucio Muñoz (1929-1998) es el mayor representante del informalismo en España. Formado en la Academia de Bellas Artes de San Fernando y discípulo de Eduardo Chicharro, sus obras hoy en día siguen cotización en alza y son buscadas por coleccionistas internacionales.
2.- Manolo Millares (1926-1972) influenciado tanto por el arte prehistórico como por los representantes del surrealismo, es uno de los fundadores del Grupo El Paso.
3.- Antoni Tapiès (1923-2012) es el artista español del siglo XX con mayor proyección y reconocimiento internacional. Sus obras son plenamente reconocibles por su tratamiento de la materia y por las especiales grafías (como las cruces rojas) que va dejando en ellas.
4.- Antonio Saura (1930-1998) también se dedicó a la escritura y en sus últimos años realizó intervenciones en libros ilustrados.
5.- Jean Dubuffet (1901-1985) es uno de los artistas del informalismo interesado por lo marginal y evolucionó hacia el Brut Art. Gran parte de su obra se encuentra organizada a través de series.
6.- Georges Mathieu ( 1921- 2012), de amplia cultura y formación, es el creador en París de la estética denominada “no figuración psíquica”. Su interés por la escritura automática y la poesía visual lo hizo evolucionar hacia el tachismo.
7.- Henri Michaud (1899-1984), influenciado por las primeras pinturas surrealistas y por la cultura oriental, también estuvo interesado por creación sin mediar los fundamentos de la razón.
8.- Karel Appel (1921-2006) fue uno de los fundadores del grupo CoBrA y su obra está muy cercana al expresionismo en arte.
9.- Wols (1913-1951). Nacido en Alemania como Otto Wolfgang Shulze, sus comienzos están vinculados a la Bauhaus. Emigra a París y allí comienza a interesarse por las posibilidades expresivas del inconscientes a través de las manchas y de los jeroglíficos.
10.- Pierre Soulages (1919) es uno de los pocos artistas del informalismo que aún están en este mundo. Su obra está protagonizado por el color y llega a abandonar (por épocas) la gama de los ocres y negros propios del movimiento.
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Informalismo: Antoni Tàpies
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Informalismo: Lucio Muñoz Sequeros
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Informalismo: Antonio Saura
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Informalismo: Vidriera de Karel Applel
Algunas obras del informalismo
Ni que decir tiene que la lista ni está completa ni están reproducidas las mismas. Aún así, no puedo dejar de colocar los títulos.
1.- Sequeros (1961) de Lucio Muñoz. Forma parte de la colección permanente del Reina Sofía de Madrid
2.- Lo incierto (Cuerpo de dama) de Jean Dubuffet de 1950.
3.- Sull por James Brooks.
4.- Composición (1953) de Alberto Zurrí.
5.- Pájaro y hombre (1952) de Karel Appel.
6.- Concepto espacial (1958) de Lucio Fontana.
7.- Desnudo (1943) de Jean Fautrier.
8.- Clea (1957) de Antonio Saura.
9.- Tierra ardiente (1958) de José Guerrero.
10.- Mujer y avestruz (1957) de Karel Appel.
11.- Cuadro 190B (1962) de Manolo Millares.
12.- Cuadro 12 (1957) de Manolo Millares.
13.- Superposición de materia gris (1961) de Antoni Tapiès.
14.- Pintura 10 Enero (1964) de Pierre Soulages.
15.- Sin título (1965) de Jiro Yoshihara.
16.- La Nierendorffm (1946) de Wols.
17.- Ciclo’62 (1962) del italiano Emilio Vedova.
18.- Gris con señal roja (1958) por Antoni Tapiès.
19.- El viajero de Munich (1958) de Asger Jorn.
20.- Verano (1948) de Corneille.
El informalismo, en definitiva, es el último movimiento de vanguardia y algunos de sus artistas llegan incluso a alcanzar el siglo XXI. Las obras se caracterizan por una negación de la comunicación y se deja su sentido último a los instintivo y sensorial. Los colores oscuros y la materia en textura son protagonistas en lienzos en los que se han incorporado elementos ajenos a la pintura tradicional.
Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla
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Informalismo | obras, artistas y características
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Acceder por el Arco de la Estrella desde la Plaza Mayor de Cáceres es poner un pie en otro mundo, uno olvidado y pasado. De golpe, nos introducimos en uno de los recintos medievales mejor conservados de Europa (rivalizando con Tallín y Praga) y reconocido como Patrimonio de la Humanidad por la Unesco. Aunque está permitido el paso a ciertos vehículos de abastecimiento, el silencio es humano (especialmente al caer la tarde). Las calles empedradas albergan palacios (como el de los Golfines), iglesias, la catedral, museos y hoteles o restaurantes que conservan lo mejor de este pasado. Quizás por eso, cuando ya terminamos de recorrernos este laberinto de callejuelas sorprenda con toda su luminosidad y radical modernismo (aunque perfectamente integrado en el entorno) el Museo Helga de Alvear y las colecciones de arte contemporáneo que alberga.
¿Quién es Helga de Alvear?
Nacida en 1936 en Kirn/Nahe (Alemania) con el apellido Müller, recibe una exquisita educación en Constanza, Lausana, Ginebra y Londres. En 1957 recala en España para estudiar el idioma. Aquí conoce al que será su marido (Álvaro de Alvear) y de quien adopta el apellido. Se casa en 1959 y tiene tres hijas. En 1967 conoce a la galerista Juana Mordó y comienza su colección de arte centrada en artistas contemporáneos españoles, sobre todo, del grupo de Cuenca (Gustavo Torner, Fernando Zóbel y Gerardo Rueda) y Del Paso (Canogar, Feito, Juana Francés, Saura, Millares, Serrano, Chirino…) En 1980, en plena ebullición cultural española, entra a trabajar en la galería de Juana Mordó formándose en los entresijos de la gestión artística a la par que visita las ferias internacionales más importantes.
Es en 1982 cuando funda ARCO, que andando el tiempo se ha convertido en un referente no solo en España sino en el plano internacional. A la muerte de Mordó, en 1984, continúa gestionando este espacio artístico el cual continúa abierto (sin apenas cambios) hasta 1994. Un año más tarde, inaugura la que, con toda probabilidad, es la galería más emblemática de la España contemporánea: la Helga de Alvear, situada junto al Centro de Arte Reina de Sofía, uno de los museos de Madrid perteneciente al llamado triángulo del arte.
Su siguiente hito ha sido, precisamente, esta fundación y museo situado en el casco histórico de Cáceres tras descartar otros emplazamientos. El edificio con leves recuerdos del brutalismo arquitectónico y minimalista, está diseñado por el estudio de Emilio Tuñón y Álvarez para albergar expresamente una selección de la colección de más de 3000 obras de la galerista. En la actualidad, están implicados económicamente, además, la Junta de Extremadura, el ayuntamiento de la ciudad y la diputación provincial.
¿Qué esperar en el Museo Helga de Alvear?
1.- La entrada es gratuita aunque se solicita una reserva online para controlar el aforo.
2.- En cada una de las salas hay apostado personal entendido que realiza una explicación somera sin acosar y siempre dispuesto a resolver dudas.
3.- La colección es de rabiosa actualidad con artistas internacionales vivos.
4.- La gran mayoría de las obras interrogan al espectador sobre su emplazamiento y forma de estar en el mundo coqueteando alguna de ellas con el concepto de no-lugar de Marc Augé.
5.- Aunque hay pintura o escultura siguiendo los modelos tradicionales, sorprende la cantidad y calidad de obras que se acercan al Land-art (aunque estén en el interior), la instalación e, incluso, la performance (conseguida a través de audiovisuales).
6.- No puede haber arte sin preguntas ni crítica y nos encontramos obras que ponen en evidencia las máscaras emocionales o la superficialidad contemporánea.
7.- Casi todas las obras disponen de un QR que te lleva a una pequeña explicación en español e inglés haciendo las veces de audioguía tradicional.
8.- El Museo organiza exposiciones temporales, talleres escolares, charlas y encuentros que reflexionan sobre el papel del arte en el mundo actual.
9.- Ni que decir tiene que no se expone toda la colección de Helga de Alvear. Ha habido una selección de 145 obras donadas a la institución y las salas se han diseñado expresamente para la contemplación y diálogo de las de mayor entidad y/o tamaño.
10.- Y, por último, es precisamente el espacio el hilo conductor temático de la exposición permanente.
Aproximación a las obras del Museo Helga de Alvear
1.- Nada más entrar te encuentras con la llamativa Descending Light (2007) del artista y activista chino Ai Weiwei (1957). En el suelo se despliega una llamativa y gigantesca lámpara de cuentas de cristal rojo engarzada en latón dorado. Este tipo de luminaria es la elegida por el gobierno comunista para los edificios oficiales. El artista ha multiplicado los tamaños originales y la ha colocado en el suelo en una clara alusión a ese gigante con los pies de barro (fabril y poderoso pero, a la vez, encerrado en la falta de libertad) que hoy es China.
2.- Aunque la obra de Ai Weiwei se encuentra nada más entrar (y no puede dejar indiferente a nadie), se invita a comenzar el recorrido por una edición de Los Caprichos de Goya, considerado el primer artista moderno, el que no siguió condicionantes estéticos y se propuso con parte de su obra poner de manifiesto las contradicciones y lacras de un tiempo oscuro. A través de los grabados (realizados mezclando aguafuerte, aguatinta y punta seca) asistimos a la crueldad institucional, al maltrato familiar, a la hipocresía social, a la desfachatez de los sectores educativos anclados en la superstición, a la renuncia al avance a través de la ciencia… Reduciendo mucho, muestran el fracaso del sueño ilustrado del Siglo de las Luces en España.
3.- Volviendo al espacio contemporáneo, las salas se suceden unas a otras con obras creadas a finales del siglo XX e, incluso, entrado el XXI. En la instalación Echo Activity (2017) de Olafur Eliasson, por poner un ejemplo, los espejos y elementos metálicos de sus partes obligan a entrar al espectador en un juego de reflejos que multiplican el espacio, obligándonos a cuestionarnos la realidad tangible. En la misma línea temática se encuentra la instalación (realizada con monitores de TV) de Zhang Peili.
4.- Impactante es la instalación de Thomas Hirschhorn de nombre Power Tools (2007) realizada con materiales poco convencionales como cartón, clavos, maniquíes, herramientas y cintas de embalar de difícil reproducción fotográfica. En ella, se reflexiona sobre el trabajo manual y capacidad de sometimiento a todos los niveles.
5.- Sin ánimo de conformar una lista exhaustiva, tampoco deja indiferente la obra de Katharina Grosse Faux Rocks de 2006, en el que unas enormes estructuras en forma de huevo coloreado parecen reproducirse entre sí amenazando con inundar el espacio.
6.- Aunque la mayoría de las obras del Museo Helga de Alvear de Cáceres están realizadas en las últimas décadas y sus creadores aún siguen vivos, tampoco faltan muestras de artistas de las vanguardias históricas. Pablo Picasso, Kandinsky o Paul Klee (entre los más importantes representantes del expresionismo y del arte abstracto), está presentes. También están representados los nombres más conocidos del arte español de las últimas décadas como Antonio Saura, Antoni Tàpies o Luis Gordillo.
En definitiva, el novedoso Museo Helga de Alvear de arte contemporáneo es una parada obligatoria si estás por Cáceres y, con toda probabilidad, se va a convertir en una referencia en los espacios expositivos actuales más allá de las entidades que resuenan en los oídos de todos.
Fotos, vídeo y texto por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla
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Acceder por el Arco de la Estrella desde la Plaza Mayor de Cáceres es poner un pie en otro mundo, uno olvidado y pasado. De golpe, nos introducimos en uno de los recintos medievales mejor conservados de Europa (rivalizando con Tallín y Praga) y reconocido como Patrimonio de la Humanidad por la Unesco. Aunque está permitido el paso a ciertos vehículos de abastecimiento, el silencio es humano (especialmente al caer la tarde). Las calles empedradas albergan palacios (como el de los Golfines), iglesias, la catedral, museos y hoteles o restaurantes que conservan lo mejor de este pasado. Quizás por eso, cuando ya terminamos de recorrernos este laberinto de callejuelas sorprenda con toda su luminosidad y radical modernismo (aunque perfectamente integrado en el entorno) el Museo Helga de Alvear y las colecciones de arte contemporáneo que alberga.
¿Quién es Helga de Alvear?
Nacida en 1936 en Kirn/Nahe (Alemania) con el apellido Müller, recibe una exquisita educación en Constanza, Lausana, Ginebra y Londres. En 1957 recala en España para estudiar el idioma. Aquí conoce al que será su marido (Álvaro de Alvear) y de quien adopta el apellido. Se casa en 1959 y tiene tres hijas. En 1967 conoce a la galerista Juana Mordó y comienza su colección de arte centrada en artistas contemporáneos españoles, sobre todo, del grupo de Cuenca (Gustavo Torner, Fernando Zóbel y Gerardo Rueda) y Del Paso (Canogar, Feito, Juana Francés, Saura, Millares, Serrano, Chirino…) En 1980, en plena ebullición cultural española, entra a trabajar en la galería de Juana Mordó formándose en los entresijos de la gestión artística a la par que visita las ferias internacionales más importantes.
Es en 1982 cuando funda ARCO, que andando el tiempo se ha convertido en un referente no solo en España sino en el plano internacional. A la muerte de Mordó, en 1984, continúa gestionando este espacio artístico el cual continúa abierto (sin apenas cambios) hasta 1994. Un año más tarde, inaugura la que, con toda probabilidad, es la galería más emblemática de la España contemporánea: la Helga de Alvear, situada junto al Centro de Arte Reina de Sofía, uno de los museos de Madrid perteneciente al llamado triángulo del arte.
Su siguiente hito ha sido, precisamente, esta fundación y museo situado en el casco histórico de Cáceres tras descartar otros emplazamientos. El edificio con leves recuerdos del brutalismo arquitectónico y minimalista, está diseñado por el estudio de Emilio Tuñón y Álvarez para albergar expresamente una selección de la colección de más de 3000 obras de la galerista. En la actualidad, están implicados económicamente, además, la Junta de Extremadura, el ayuntamiento de la ciudad y la diputación provincial.
¿Qué esperar en el Museo Helga de Alvear?
1.- La entrada es gratuita aunque se solicita una reserva online para controlar el aforo.
2.- En cada una de las salas hay apostado personal entendido que realiza una explicación somera sin acosar y siempre dispuesto a resolver dudas.
3.- La colección es de rabiosa actualidad con artistas internacionales vivos.
4.- La gran mayoría de las obras interrogan al espectador sobre su emplazamiento y forma de estar en el mundo coqueteando alguna de ellas con el concepto de no-lugar de Marc Augé.
5.- Aunque hay pintura o escultura siguiendo los modelos tradicionales, sorprende la cantidad y calidad de obras que se acercan al Land-art (aunque estén en el interior), la instalación e, incluso, la performance (conseguida a través de audiovisuales).
6.- No puede haber arte sin preguntas ni crítica y nos encontramos obras que ponen en evidencia las máscaras emocionales o la superficialidad contemporánea.
7.- Casi todas las obras disponen de un QR que te lleva a una pequeña explicación en español e inglés haciendo las veces de audioguía tradicional.
8.- El Museo organiza exposiciones temporales, talleres escolares, charlas y encuentros que reflexionan sobre el papel del arte en el mundo actual.
9.- Ni que decir tiene que no se expone toda la colección de Helga de Alvear. Ha habido una selección de 145 obras donadas a la institución y las salas se han diseñado expresamente para la contemplación y diálogo de las de mayor entidad y/o tamaño.
10.- Y, por último, es precisamente el espacio el hilo conductor temático de la exposición permanente.
Aproximación a las obras del Museo Helga de Alvear
1.- Nada más entrar te encuentras con la llamativa Descending Light (2007) del artista y activista chino Ai Weiwei (1957). En el suelo se despliega una llamativa y gigantesca lámpara de cuentas de cristal rojo engarzada en latón dorado. Este tipo de luminaria es la elegida por el gobierno comunista para los edificios oficiales. El artista ha multiplicado los tamaños originales y la ha colocado en el suelo en una clara alusión a ese gigante con los pies de barro (fabril y poderoso pero, a la vez, encerrado en la falta de libertad) que hoy es China.
2.- Aunque la obra de Ai Weiwei se encuentra nada más entrar (y no puede dejar indiferente a nadie), se invita a comenzar el recorrido por una edición de Los Caprichos de Goya, considerado el primer artista moderno, el que no siguió condicionantes estéticos y se propuso con parte de su obra poner de manifiesto las contradicciones y lacras de un tiempo oscuro. A través de los grabados (realizados mezclando aguafuerte, aguatinta y punta seca) asistimos a la crueldad institucional, al maltrato familiar, a la hipocresía social, a la desfachatez de los sectores educativos anclados en la superstición, a la renuncia al avance a través de la ciencia… Reduciendo mucho, muestran el fracaso del sueño ilustrado del Siglo de las Luces en España.
3.- Volviendo al espacio contemporáneo, las salas se suceden unas a otras con obras creadas a finales del siglo XX e, incluso, entrado el XXI. En la instalación Echo Activity (2017) de Olafur Eliasson, por poner un ejemplo, los espejos y elementos metálicos de sus partes obligan a entrar al espectador en un juego de reflejos que multiplican el espacio, obligándonos a cuestionarnos la realidad tangible. En la misma línea temática se encuentra la instalación (realizada con monitores de TV) de Zhang Peili.
4.- Impactante es la instalación de Thomas Hirschhorn de nombre Power Tools (2007) realizada con materiales poco convencionales como cartón, clavos, maniquíes, herramientas y cintas de embalar de difícil reproducción fotográfica. En ella, se reflexiona sobre el trabajo manual y capacidad de sometimiento a todos los niveles.
5.- Sin ánimo de conformar una lista exhaustiva, tampoco deja indiferente la obra de Katharina Grosse Faux Rocks de 2006, en el que unas enormes estructuras en forma de huevo coloreado parecen reproducirse entre sí amenazando con inundar el espacio.
6.- Aunque la mayoría de las obras del Museo Helga de Alvear de Cáceres están realizadas en las últimas décadas y sus creadores aún siguen vivos, tampoco faltan muestras de artistas de las vanguardias históricas. Pablo Picasso, Kandinsky o Paul Klee (entre los más importantes representantes del expresionismo y del arte abstracto), está presentes. También están representados los nombres más conocidos del arte español de las últimas décadas como Antonio Saura, Antoni Tàpies o Luis Gordillo.
En definitiva, el novedoso Museo Helga de Alvear de arte contemporáneo es una parada obligatoria si estás por Cáceres y, con toda probabilidad, se va a convertir en una referencia en los espacios expositivos actuales más allá de las entidades que resuenan en los oídos de todos.
Fotos, vídeo y texto por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla
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Visitar el Museo Helga de Alvear de Cáceres
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¿Quién es Kaarina Kaikkonen, una artista cada día más reconocida?
Es la finlandesa Kaarina Kaikkonen una de las artistas más sugerentes del panorama internacional. Aunque se califica como escultora, sus obras responden, más bien, al concepto de instalación moderna. En ellas son protagonistas los restos de papel y sobre todo la ropa, mucha ropa, ropa de todos los tipos y colores, de hombre y de mujer, de niño y de bebé, ropa en desuso que nadie quiere y que Kaarina Kaikkonen rescata para darle una nueva oportunidad en sus grandes instalaciones públicas.
Allí, en la calle, en el espacio natural, montones de ropa, kilómetros y kilómetros de prendas engarzadas unas con otras, adquieren un nuevo sentido simbólico. Llevan la huella de lo que fuimos y lo que dejamos de ser o lo que no quisimos ser, pero al unirse, al incorporarse a un nuevo proyecto, eso que no pudimos ser adquiere un nuevo valor.
Las obras de Kaarina Kaikkonen en espacios públicos
Escoge emplazamientos diversos para sus obras. Se extienden por el foso de la Fortaleza de Soumenlinna como si de un puente se tratara, por los árboles desnudos de un paisaje nevado como si quisiera abrigar el frío ambiente, por las escalinatas de la blanca catedral luterana de Helsinki como si fueran fieles arrodillados ante Dios, uniendo como tendederos gigantes una calle de Finlandia o al viento en un anodino edificio de oficinas.
La ropa que ya nadie usa interroga al que contempla, al viajero, al inquilino del lugar y le pregunta por sus vidas pasadas, por lo que pudo ser y no fue (porque acabó en la basura). Las instalaciones de Kaarina Kaikkonen van más allá de los manidos tópicos de la transmodernidad sin fronteras y nos hablan del pasado, del futuro, del diálogo, de la comunicación, de la interrelación del arte con su entorno, de la obligación de preservar los espacios dotándolos de nueva vida, de la obligatoriedad de evolucionar sin destruir.
Towards Tomorrow de Kaarina Kaikkonen
En esta ocasión, la creadora ha seleccionado prendas de bebé previamente solicitadas a las familias. Estos particulares objetos que, a pesar de la corta edad de los pequeños, ya guardan una historia conforman una narración de apenas meses o unos cuantos años que se proyecta hacia el futuro. Los colores pastel o los tonos en blanco se recortan contra el paisaje para preguntar al visitante, al viajero, al mero curioso, por la simbólica inherente de la ropa que no solo nos abriga sino que, también, dice quiénes somos y esto que es unánime cuando se trata de un adulto, también es extensible a los pequeños.
Es difícil encontrar la obra de Kaarina Kaikkonen en una galería de arte al uso. Por eso, si tienes la oportunidad, no te debes perder sus instalaciones. No tengo que decir que es muy difícil que deje indiferente a nadie.
Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación
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Kaarina Kaikkonen y sus obras e instalaciones con ropa
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¿Quién es Kaarina Kaikkonen, una artista cada día más reconocida?
Es la finlandesa Kaarina Kaikkonen una de las artistas más sugerentes del panorama internacional. Aunque se califica como escultora, sus obras responden, más bien, al concepto de instalación moderna. En ellas son protagonistas los restos de papel y sobre todo la ropa, mucha ropa, ropa de todos los tipos y colores, de hombre y de mujer, de niño y de bebé, ropa en desuso que nadie quiere y que Kaarina Kaikkonen rescata para darle una nueva oportunidad en sus grandes instalaciones públicas.
Allí, en la calle, en el espacio natural, montones de ropa, kilómetros y kilómetros de prendas engarzadas unas con otras, adquieren un nuevo sentido simbólico. Llevan la huella de lo que fuimos y lo que dejamos de ser o lo que no quisimos ser, pero al unirse, al incorporarse a un nuevo proyecto, eso que no pudimos ser adquiere un nuevo valor.
Las obras de Kaarina Kaikkonen en espacios públicos
Escoge emplazamientos diversos para sus obras. Se extienden por el foso de la Fortaleza de Soumenlinna como si de un puente se tratara, por los árboles desnudos de un paisaje nevado como si quisiera abrigar el frío ambiente, por las escalinatas de la blanca catedral luterana de Helsinki como si fueran fieles arrodillados ante Dios, uniendo como tendederos gigantes una calle de Finlandia o al viento en un anodino edificio de oficinas.
La ropa que ya nadie usa interroga al que contempla, al viajero, al inquilino del lugar y le pregunta por sus vidas pasadas, por lo que pudo ser y no fue (porque acabó en la basura). Las instalaciones de Kaarina Kaikkonen van más allá de los manidos tópicos de la transmodernidad sin fronteras y nos hablan del pasado, del futuro, del diálogo, de la comunicación, de la interrelación del arte con su entorno, de la obligación de preservar los espacios dotándolos de nueva vida, de la obligatoriedad de evolucionar sin destruir.
Towards Tomorrow de Kaarina Kaikkonen
En esta ocasión, la creadora ha seleccionado prendas de bebé previamente solicitadas a las familias. Estos particulares objetos que, a pesar de la corta edad de los pequeños, ya guardan una historia conforman una narración de apenas meses o unos cuantos años que se proyecta hacia el futuro. Los colores pastel o los tonos en blanco se recortan contra el paisaje para preguntar al visitante, al viajero, al mero curioso, por la simbólica inherente de la ropa que no solo nos abriga sino que, también, dice quiénes somos y esto que es unánime cuando se trata de un adulto, también es extensible a los pequeños.
Es difícil encontrar la obra de Kaarina Kaikkonen en una galería de arte al uso. Por eso, si tienes la oportunidad, no te debes perder sus instalaciones. No tengo que decir que es muy difícil que deje indiferente a nadie.
Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación
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Kaarina Kaikkonen y sus obras e instalaciones con ropa
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Kaarina Kaikkonen y sus obras e instalaciones con ropa
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Kaarina Kaikkonen y sus obras e instalaciones con ropa
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Cómo llegar y qué ver en el Bosque de Oma, creación del artista vasco Agustín Ibarrola y situado en la Reserva de Urdaibai.
Es arte. Es naturaleza. Es mágico. Es simbólico. Es (casi) inaccesible. Es un emplazamiento situado en el corazón boscoso de una montaña intervenido por el pintor y escultor Agustín Ibarrola. Es el Bosque Pintado de Oma, un lugar especial que aúna lo mejor del ser humano cuando es capaz de actuar en sinergia con las criaturas naturales. Si en españa hay espectaculares bosques en otoño (cuando la naturaleza estalla con un haz de colores ocres), el de Oma es para vivirlo en cualquier época del año.
El Bosque de Oma, cómo es y dónde está
Está situado en el centro de la Reserva de Urdaibai, allí donde descansan aves del norte de Europa en su viaje hacia la Curva del Níger o donde nuestros antepasados ensayaron una galería de arte muy especial hoy resguardada bajo siete llaves: las Cuevas de Santimamiñe. Pero que el viajero entusiasta de los espacios naturales no se llame a engaño. La ascensión (y posterior bajada) hacia este emplazamiento singular no es apta para todas las piernas y todas las edades.
Gernika-Lumo es la población de importancia más cercana al Bosque de Oma. Desde aquí se puede llegar en coche hasta el aparcamiento que se encuentra al borde del sendero. Al lado están, además, el Centro de Recuperación de Animales de Basondo y las citadas Cuevas de Santimamiñe.
Lo que viene después (una vez te has bajado del coche y te has calzado adecuadamente) es una empinada ascensión (como corresponde a los lugares de importancia o sagrados) de, al menos, una hora, a no ser que seas un consumado deportista. ¡Cuidado con las aventuras con niños! Aunque mi princesa (¡con tan solo 4 años!) alcanzó el lugar con ilusión, los papás (la mamá, en este caso) deben estar preparados para el camino de vuelta. Se hace necesario una botella de agua y, si acaso, algo de picoteo.Los árboles pintados de Oma de Agustín Ibarrola: características y estilo
Una vez se ha conseguido llegar al corazón del bosque, para acceder al lugar donde están los árboles pintados de Ibarrola hay que bajar unas rústicas y empinadas escaleras. Sin más estructura que la que da la naturaleza, unos troncos hacen las veces de mamperlán que sujeta unos escalones de alturas imposibles. Lo bueno es que hay una barandilla del mismo material para no desbocarse.
Una vez has llegado al lugar, la vista de este primer espacio compensa todo el esfuerzo. Ante tus ojos se muestran los distintos árboles con símbolos y dibujos coloridos que una cuadrilla de voluntarios se afanan por conservar de los embates de la intemperie.
Hay que seguir el esquema mostrado y deleitarse con las raíces que sobresalen del terreno y sujetan esta peculiar obra natural y, a la vez, artística. Unos dibujos parecen arañazos de un monstruo sobrenatural, otros delimitan una silueta humana en disposición de huída, al inicio nos esperan unos labios y un beso, un árbol muestra la imagen de un “personaje que no quiere ser mitológico”…
El recorrido continúa por entre los árboles pareciendo que nos miran o interrogan como corresponde a cualquier obra de arte que se precie de llamarse así.
Agustín Ibarrola, entre el Art Land y el Expresionismo
El autor de esta peculiar obra, a medio camino entre el expresionismo abstracto o esa corriente surgida de la poesía visual que se denomina Art Land, nació bajo el signo de Leo en 1930 en el corazón de Vizcaya.
Formado en los circuitos artísticos del Madrid de los años 50, pudo conectar con otros pintores nacionales en su viaje de estudios a París. Sin obviar otras de sus obras, es conocido sobre todo por sus intervenciones en espacios naturales o públicos. El Bosque de Oma fue creado a inicios de los años 80, los Cubos de la Memoria (en la escollera de hormigón del pueblo asturiano de Llanes) en los primeros años del siglo XXI y, en la actualidad, remata su particular Stonehenge en Garoza de Bracamonte, en Ávila. En este último emplazamiento son las enormes piedras las que sirven de soporte para la intervención del artista.
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Bosque de Oma de Agustín Ibarrola
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Bosque pintado de Oma de Agustín Ibarrola
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Bosque pintado
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Bosque de Agustín Ibarrola
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Bosque de Oma
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Bosque pintado de Oma de Agustín Ibarrola en Euskadi
Datos de carácter práctico para llegar al Bosque de Oma
Árbol, piedra, hormigón o metal sirve a este artista vasco para realizar sus originales obras que a muy pocos van a dejar indiferente. Para llegar hasta allí, como he apuntado antes, hay que tener una buena forma física y, también, muchas ganas. Puedes acceder desde Gernika o bien intentar buscar algún apartamento de vacaciones en la zona, que los hay muy buenos. Esto es imprescindible, ya que, al final del día, vas a necesitar descansar o echarte una larga siesta.
Se llega en coche hasta el aparcamiento del Restaurante Lezika (con buenas carnes a la brasa) al que se accede por la BI-2238. A partir de aquí comienza la ascensión, la cual es mejor realizarla por la mañana. Y, por último, recuerda que los 20 minutos que se reseñan en algunos sitios online solo son para deportistas consumados. Además, la pista de senderismo que conecta el lugar con la carretera no es apta para carritos de bebés o sillas de ruedas.
A veces sueño con el Bosque de Oma y me digo que tengo que volver.
Por Candela Vizcaíno
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Cómo llegar y qué ver en el Bosque de Oma, creación del artista vasco Agustín Ibarrola y situado en la Reserva de Urdaibai.
Es arte. Es naturaleza. Es mágico. Es simbólico. Es (casi) inaccesible. Es un emplazamiento situado en el corazón boscoso de una montaña intervenido por el pintor y escultor Agustín Ibarrola. Es el Bosque Pintado de Oma, un lugar especial que aúna lo mejor del ser humano cuando es capaz de actuar en sinergia con las criaturas naturales. Si en españa hay espectaculares bosques en otoño (cuando la naturaleza estalla con un haz de colores ocres), el de Oma es para vivirlo en cualquier época del año.
El Bosque de Oma, cómo es y dónde está
Está situado en el centro de la Reserva de Urdaibai, allí donde descansan aves del norte de Europa en su viaje hacia la Curva del Níger o donde nuestros antepasados ensayaron una galería de arte muy especial hoy resguardada bajo siete llaves: las Cuevas de Santimamiñe. Pero que el viajero entusiasta de los espacios naturales no se llame a engaño. La ascensión (y posterior bajada) hacia este emplazamiento singular no es apta para todas las piernas y todas las edades.
Gernika-Lumo es la población de importancia más cercana al Bosque de Oma. Desde aquí se puede llegar en coche hasta el aparcamiento que se encuentra al borde del sendero. Al lado están, además, el Centro de Recuperación de Animales de Basondo y las citadas Cuevas de Santimamiñe.
Lo que viene después (una vez te has bajado del coche y te has calzado adecuadamente) es una empinada ascensión (como corresponde a los lugares de importancia o sagrados) de, al menos, una hora, a no ser que seas un consumado deportista. ¡Cuidado con las aventuras con niños! Aunque mi princesa (¡con tan solo 4 años!) alcanzó el lugar con ilusión, los papás (la mamá, en este caso) deben estar preparados para el camino de vuelta. Se hace necesario una botella de agua y, si acaso, algo de picoteo.Los árboles pintados de Oma de Agustín Ibarrola: características y estilo
Una vez se ha conseguido llegar al corazón del bosque, para acceder al lugar donde están los árboles pintados de Ibarrola hay que bajar unas rústicas y empinadas escaleras. Sin más estructura que la que da la naturaleza, unos troncos hacen las veces de mamperlán que sujeta unos escalones de alturas imposibles. Lo bueno es que hay una barandilla del mismo material para no desbocarse.
Una vez has llegado al lugar, la vista de este primer espacio compensa todo el esfuerzo. Ante tus ojos se muestran los distintos árboles con símbolos y dibujos coloridos que una cuadrilla de voluntarios se afanan por conservar de los embates de la intemperie.
Hay que seguir el esquema mostrado y deleitarse con las raíces que sobresalen del terreno y sujetan esta peculiar obra natural y, a la vez, artística. Unos dibujos parecen arañazos de un monstruo sobrenatural, otros delimitan una silueta humana en disposición de huída, al inicio nos esperan unos labios y un beso, un árbol muestra la imagen de un “personaje que no quiere ser mitológico”…
El recorrido continúa por entre los árboles pareciendo que nos miran o interrogan como corresponde a cualquier obra de arte que se precie de llamarse así.
Agustín Ibarrola, entre el Art Land y el Expresionismo
El autor de esta peculiar obra, a medio camino entre el expresionismo abstracto o esa corriente surgida de la poesía visual que se denomina Art Land, nació bajo el signo de Leo en 1930 en el corazón de Vizcaya.
Formado en los circuitos artísticos del Madrid de los años 50, pudo conectar con otros pintores nacionales en su viaje de estudios a París. Sin obviar otras de sus obras, es conocido sobre todo por sus intervenciones en espacios naturales o públicos. El Bosque de Oma fue creado a inicios de los años 80, los Cubos de la Memoria (en la escollera de hormigón del pueblo asturiano de Llanes) en los primeros años del siglo XXI y, en la actualidad, remata su particular Stonehenge en Garoza de Bracamonte, en Ávila. En este último emplazamiento son las enormes piedras las que sirven de soporte para la intervención del artista.
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Bosque de Oma de Agustín Ibarrola
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Bosque pintado de Oma de Agustín Ibarrola
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Bosque pintado
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Bosque de Agustín Ibarrola
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Bosque de Oma
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Bosque pintado de Oma de Agustín Ibarrola en Euskadi
Datos de carácter práctico para llegar al Bosque de Oma
Árbol, piedra, hormigón o metal sirve a este artista vasco para realizar sus originales obras que a muy pocos van a dejar indiferente. Para llegar hasta allí, como he apuntado antes, hay que tener una buena forma física y, también, muchas ganas. Puedes acceder desde Gernika o bien intentar buscar algún apartamento de vacaciones en la zona, que los hay muy buenos. Esto es imprescindible, ya que, al final del día, vas a necesitar descansar o echarte una larga siesta.
Se llega en coche hasta el aparcamiento del Restaurante Lezika (con buenas carnes a la brasa) al que se accede por la BI-2238. A partir de aquí comienza la ascensión, la cual es mejor realizarla por la mañana. Y, por último, recuerda que los 20 minutos que se reseñan en algunos sitios online solo son para deportistas consumados. Además, la pista de senderismo que conecta el lugar con la carretera no es apta para carritos de bebés o sillas de ruedas.
A veces sueño con el Bosque de Oma y me digo que tengo que volver.
Por Candela Vizcaíno
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El pintor andaluz Guillermo Pérez Villalta (1948) es uno de los máximos exponentes actuales de la permanencia del denominado estilo figurativo en las artes plásticas.
Abanderado de la filosofía de la deconstrucción, uno de los más conocidos integrantes del movimiento underground la década de los ochenta conocida como Movida Madrileña, en sus cuadros –muchos de ellos autorretratos- abundan los personajes míticos y bíblicos.
Guillermo Pérez Villalta
Hay quienes desde muy jóvenes tienen clara su vocación creadora aún sin saber muy bien por el camino que deben dirigirse. Algo parecido debió suceder con Guillermo Pérez Villalta al iniciar sus estudios de Arquitectura, carrera que concluyó y que le ha servido para firmar varios proyectos ubicados, sobre todo, en Andalucía (el edificio denominado El Kursaal de Algeciras – en la provincia de Cádiz- es uno de ellos), pero su vocación artística aparcó, en sus inicios, estos asuntos de la construcción para dedicarse casi de lleno a la pintura.
Esto no ha impedido que, a lo largo de su carrera, se pudiera permitir pequeñas o medianas incursiones en campos tan dispares como la escultura, el diseño de mobiliario o la colaboración en grandes obras de bibliofilia. En esta última faceta, el de la ilustración de títulos literarios clásicos, destacan sus intervenciones plásticas editadas por firmas tan señeras como Turner (La Odisea homérica o El Faetón del Conde Villamediana) y Galaxia Gutenberg/Círculo de Lectores (Los viajes de Gulliver de Jonathan Swift).
La movida madrileña y Guillermo Pérez Villalta
El artista gaditano empezó a ser conocido por su plena implicación en el movimiento socio-cultural conocido en la década de los ochenta como Movida Madrileña, la primera manifestación underground reconocida como tal en España.
Las ansias de apertura, de libertad y de democracia de la juventud de entonces encontró un cauce de expresión en la capital española donde la estética punk se mezclaba con un afán aperturista y los nuevos modelos de creación tanto musicales (Los secretos sería el grupo emblemático), cinematográficos (abanderado por Pedro Almodóvar), televisivos (La bola de cristal y la artista Alaska), comunicativos en todas las áreas y, por supuesto, artísticos. Es aquí donde encontró acomodo, junto a los también pintores Luis Gordillo, Carlos Franco y Manolo Quejido, el entonces joven Guillermo Pérez Villalta.
Obras de Guillermo Pérez Villalta
Es el suyo un arte totalmente original en el que se transparentan influencias de los maniquíes silenciosos de Giorgio de Chirino, del surrealismo de Dalí, de las primeras performances de Marcel Duchamp o la estética kirsch de la factoría Disney.
Catalogado como barroco e, incluso, manierista, en sus cuadros predomina la figura humana, la cual es tratada con redondeces, con excesivas curvas y prestancias mientras que el paisaje (en el que predominan los elementos arquitectónicos clásicos) es representado con tintes evocadores y oníricos.
Muy imbuido por los mitos de la Antigüedad Clásica y por las parábolas bíblicas, en sus cuadros aparecen los grandes personajes que han conformado la civilización occidental tratados, en ocasiones, de forma irreverente, pero siempre con un punto audaz y personal. Los títulos de sus últimas creaciones lo dicen todo: Ninfa y sátiro, La venganza de Letona, Salomé con la cabeza del bautista y Hombre luchando contra un dragón.
Reconocido por la crítica, favorito de los coleccionistas privados, sus obras forman parte del fondo permanente de las grandes pinacotecas de España comenzando por el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y el Museo de Bellas Artes de Bilbao para terminar por el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo de Sevilla o la Fundación Juan March de Palma de Mallorca, por solo citar algunos.
Premio Nacional de Artes Plásticas (galardón que recibe en 1985), Guillermo Pérez Villalta es, hoy por hoy, uno de los mejores exponentes en el campo de la expresión plástica de la posmodernidad española.
Por Candela Vizcaíno
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El pintor andaluz Guillermo Pérez Villalta (1948) es uno de los máximos exponentes actuales de la permanencia del denominado estilo figurativo en las artes plásticas.
Abanderado de la filosofía de la deconstrucción, uno de los más conocidos integrantes del movimiento underground la década de los ochenta conocida como Movida Madrileña, en sus cuadros –muchos de ellos autorretratos- abundan los personajes míticos y bíblicos.
Guillermo Pérez Villalta
Hay quienes desde muy jóvenes tienen clara su vocación creadora aún sin saber muy bien por el camino que deben dirigirse. Algo parecido debió suceder con Guillermo Pérez Villalta al iniciar sus estudios de Arquitectura, carrera que concluyó y que le ha servido para firmar varios proyectos ubicados, sobre todo, en Andalucía (el edificio denominado El Kursaal de Algeciras – en la provincia de Cádiz- es uno de ellos), pero su vocación artística aparcó, en sus inicios, estos asuntos de la construcción para dedicarse casi de lleno a la pintura.
Esto no ha impedido que, a lo largo de su carrera, se pudiera permitir pequeñas o medianas incursiones en campos tan dispares como la escultura, el diseño de mobiliario o la colaboración en grandes obras de bibliofilia. En esta última faceta, el de la ilustración de títulos literarios clásicos, destacan sus intervenciones plásticas editadas por firmas tan señeras como Turner (La Odisea homérica o El Faetón del Conde Villamediana) y Galaxia Gutenberg/Círculo de Lectores (Los viajes de Gulliver de Jonathan Swift).
La movida madrileña y Guillermo Pérez Villalta
El artista gaditano empezó a ser conocido por su plena implicación en el movimiento socio-cultural conocido en la década de los ochenta como Movida Madrileña, la primera manifestación underground reconocida como tal en España.
Las ansias de apertura, de libertad y de democracia de la juventud de entonces encontró un cauce de expresión en la capital española donde la estética punk se mezclaba con un afán aperturista y los nuevos modelos de creación tanto musicales (Los secretos sería el grupo emblemático), cinematográficos (abanderado por Pedro Almodóvar), televisivos (La bola de cristal y la artista Alaska), comunicativos en todas las áreas y, por supuesto, artísticos. Es aquí donde encontró acomodo, junto a los también pintores Luis Gordillo, Carlos Franco y Manolo Quejido, el entonces joven Guillermo Pérez Villalta.
Obras de Guillermo Pérez Villalta
Es el suyo un arte totalmente original en el que se transparentan influencias de los maniquíes silenciosos de Giorgio de Chirino, del surrealismo de Dalí, de las primeras performances de Marcel Duchamp o la estética kirsch de la factoría Disney.
Catalogado como barroco e, incluso, manierista, en sus cuadros predomina la figura humana, la cual es tratada con redondeces, con excesivas curvas y prestancias mientras que el paisaje (en el que predominan los elementos arquitectónicos clásicos) es representado con tintes evocadores y oníricos.
Muy imbuido por los mitos de la Antigüedad Clásica y por las parábolas bíblicas, en sus cuadros aparecen los grandes personajes que han conformado la civilización occidental tratados, en ocasiones, de forma irreverente, pero siempre con un punto audaz y personal. Los títulos de sus últimas creaciones lo dicen todo: Ninfa y sátiro, La venganza de Letona, Salomé con la cabeza del bautista y Hombre luchando contra un dragón.
Reconocido por la crítica, favorito de los coleccionistas privados, sus obras forman parte del fondo permanente de las grandes pinacotecas de España comenzando por el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y el Museo de Bellas Artes de Bilbao para terminar por el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo de Sevilla o la Fundación Juan March de Palma de Mallorca, por solo citar algunos.
Premio Nacional de Artes Plásticas (galardón que recibe en 1985), Guillermo Pérez Villalta es, hoy por hoy, uno de los mejores exponentes en el campo de la expresión plástica de la posmodernidad española.
Por Candela Vizcaíno
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El estilo figurativo de las obras de Guillermo Pérez Villalta
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