Antes que el pop art se hiciera tan famoso que sus características fueran conocidas incluso por los no amantes del arte, el expresionismo abstracto dominó las galerías de Norteamérica. Fue el primer movimiento de vanguardia que coloca el epicentro cultural en New York, arrebatando la supremacía de París. Eso fue en la década de los cuarenta y cincuenta del siglo XX al tiempo que, en Europa, predominaba el surrealismo en toda su amplitud.  

Condiciones históricas que propiciaron el expresionismo abstracto

El pistoletazo de salida de esta nueva estética tiene una fecha y lugar fijas: tiempo, 1936, lugar, el Museo de Arte Moderno de Nueva York y su exposición sobre el cubismo. La situación al otro lado del Atlántico no era precisamente tranquila y la más propicia para la creación. España está envuelta en una cruenta guerra civil mientras los fascismos (Alemania e Italia) amenazan con invadir el Viejo Continente. Ante esta panorama, numerosos filósofos, artistas e, incluso, empresarios de éxito se mudan a la nueva urbe que miraba al océano desde el otro lado: New York. Allí se crean los grandes museos a la par que se ponen las condiciones de paz necesarias para el progreso desde todos los ámbitos (aunque Estados Unidos entró en la Segunda Gran Guerra allí no cayeron las bombas sobre la población civil). Hasta aquí llegaron Mondrian, Breton o Dalí (representantes del surrealismo), Marc Chagall o Leger.  

Para seguir entendiendo el expresionismo abstracto hay que tener en cuenta otra fecha: otoño de 1942 con la apertura de la galería Art of this Century promovida por Peggy Guggenheim. Aquí expusieron no solo las grandes glorias del arte surrealista europeo sino también las jóvenes promesas americanas. La galería, además, fue un punto de encuentro cultural, con tertulias y debates. Todo ello desembocó en un espíritu de grupo que se plasmó en la Federación de pintores y escultores modernos. 

Expresionismo abstracto y la Escuela de Nueva York 

Que así se llamó en un primer momento el movimiento artístico, conscientes de su importancia en el nuevo panorama del arte internacional. Y si algo los caracterizaba, los definía y los diferenciaba de las distintas escuelas europeas era su abrazo hacia la abstracción pura dejando de lado cualquier atisbo de figuración, aunque esto no se consiguió, del todo, en el 100% de las obras. 

Estos pintores, sobre todo, eran conscientes de su singularidad y de su poder como grupo. Por eso, no dudaron en exponer en las mismas galerías, cuando se cerró en 1947 la de de Peggy Guggenheim y de rodearse de críticos afines que los ensalzaban como la vanguardia artística. Aparte de su abrazo incondicional a la abstracción este nueva fórmula surgida del expresionismo “tradicional” tiene puntos en común.  

Características del expresionismo abstracto

1.- Para los artistas del movimiento la libertad absoluta era santo y seña renegando cualquier influencia de la tradición. Esto que puede parecer novedoso, no obstante era lo que venían haciendo todos los grupos de vanguardia desde el futurismo hasta el dadaísmo. 

2.- Como los creadores del expresionismo alemán se declaraban existencialistas y buscaban temas, inspiración y objetivos de creación en la posibilidades comunicativas del alma humana. 

3.- Fascinados por los avances del psicoanálisis muy pronto se ponen a estudiar las teorías de Jung sobre el inconsciente colectivo y, a través de sus trazos abstractos intentan llevarlo a la obra. 

4.- En este sentido, los artistas del expresionismo abstracto, a pesar de ser conscientes de su posición histórica en una fecha y un lugar concretos, se declaran abiertamente humanistas, sin cerrazón por motivos patrióticos o similares. Si a eso unimos que el grupo estaba formado por creadores de diversas procedencia, el afán cosmopolita estaba servido.

5.- Rechazan la forma en el sentido amplio del término tanto en la que se refiere a las normas establecidas como a la representación de la realidad. 

6.- Por eso, algunas obras, como las de Rothko y Pollock, basan toda su significación casi exclusivamente en el color. 

7.- A pesar de que dicen abrazar nuevos valores e idearios (como si de un final e inicio del mundo se tratara) no se entretienen en hacer manifiestos tal como había sucedido en las vanguardias europeas. En este sentido, solo recuerdo el gusto por estos panfletos de los artistas del futurismo que crearon más documentos de este tipo que obras propiamente dichas.  

8.- Hay críticos que ponen en relación la expansión del expresionismo abstracto con la filosofía de la Fenomenología (que busca la expresión directa de la conciencia) y el Existencialismo que se haría fuerte tras la guerra, especialmente en literatura.  

9.- Por eso, la vida es concebida en su situación, en su emplazamiento, en sus circunstancias sin dejar ningún lado a la reflexión o a la maduración de las ideas. En esta línea se explican los cuadros que se ejecutan automáticamente sin filtros como si fueran el hilo comunicativo entre el inconsciente del autor y la percepción del espectador.  

Más características del expresionismo abstracto con respecto a la posición de los artistas y las obras 

10.- Es en el hacer donde la obra toma su singularidad y su sentido. 

11.- La materia y el gesto mismo de pintar se convierten en obras de arte como si de un exorcismo se tratara donde se trata de plasmar en la obra aquello que ocurre en el inconsciente de su creador.  

12.- Para conseguir ese estado que se conecte con el inconsciente estos autores no dudan en recurrir a sustancias como las drogas y el alcohol. El resultado, por tanto, de estas obras del expresionismo abstracto es el reflejo del interior de un espíritu atormentado cuando no de una patología.  

“Cuando estoy pintando no tengo conciencia de lo que hago. Solo después de una especie de periodo de toma de conciencia caigo en la cuenta de lo que estoy haciendo. Entonces me atemoriza hacer cambios, destruir imágenes, pues la pintura tiene una vida propia. Mi misión es hacer surgir esa vida…”

Pollock, 1952

13.- Tal cual es una de las características del Romanticismo, el artista se erige en una especie de chamán, de demiurgo o de hilo comunicativo entre el otro lado desconocido y este donde sucede la cotidianidad.  

14.- La crítica entiende que el expresionismo abstracto tiene dos tendencias. La primera, abanderada por Pollock y de Kooning, utiliza el dripping especialmente para crear obras que quieren seguir las bases de la escritura automática. Son enérgicas, con trazos gestuales y a veces repetitivos que pretender conectar directamente con el inconsciente. La segunda se basa en el color e intenta desentrañar los símbolos universales a la par que es más meditada. En esta última el rey indiscutible es Rothko.  

15.- El expresionismo abstracto entroniza la pintura como la primera de las artes y esta se hace una con el artista de tal manera que el acto de pintar (no la obra ya creada) se convierte en esencia y ser del artista transformándolo con cada nuevo título. En este sentido, el arte se convierte en objeto sagrado casi o con poderes tan fuertes que quien se adentra en él no podrá salir indemne.  

16.- Esta forma de abordar la creación artística por parte del expresionismo abstracto se granjeó las críticas negativas que tachó a estas artistas de caóticos cuando no de fraude al no entender las posibilidades expresivas del arte de crear desgajado de la obra creada. 

17.- Se ha conservado un pequeño documental en el que se ve a Pollock inmerso en una de sus creaciones en el que se entiende perfectamente ese principio de espontaneidad o de conexión con el inconsciente (como si de un chaman se tratara) que caracteriza al expresionismo abstracto.  

18.- Para 1956, con la muerte de Pollock en un accidente de coche totalmente ebrio, el movimiento se da por concluido dando paso a otras formas expresivas totalmente contrarias que se encargarían de entronizar los artistas del pop art.  

Artistas del expresionismo abstracto 

1.- Arshile Gorky, el creador atormentado 

Si bien buena parte de los artistas del expresionismo abstracto sufrían de un psiquismo tan frágil que llegaron a experimentar con drogas y sustancias alucinógenas, el caso de Arshile Gorky es extremo. Tanto que en 1948 acaba con su vida cuando tan solo contaba 44 años. Nacido en Armenia fue uno de los creadores que recalaron en New York huyendo de persecuciones o guerras. En un principio su obra se inspira en las de Cezanne y Picasso y también en las pinturas surrealistas. Más tarde, confiere un estilo propio a sus creaciones en las que se vislumbran un dramatismo extremo.  

2.- Jackson Pollock, el representante del expresionismo abstracto más conocido 

Nace en el interior de Estados Unidos, en Wyoming, en 1912 y sus primeros años están marcados por constantes mudanzas familiares. Comienza sus estudios de arte en 1930 y ya en 1935 su vida se encuentra marcada por el alcoholismo con todos sus demonios inherentes. Logra exponer en la galería Art of this Century, la misma que creó la afamada Peggy Guggenheim en 1943. Tras la muestra, llegaría un encargo de importancia: un mural de más de seis metros para el hall de su casa neoyorquina donde se manifiesta la influencia de los símbolos del inconsciente colectivo propuesto por Jung. 

Para 1947 ya se había introducido en la técnica del dripping y, algo muy importante, da a conocer sus trabajos (con su modus operandi tan característico) a través del crítico Clement Greenberg. Crea obras sin títulos totalmente abstractas formadas por una escritura automática en un estado casi en trance. A partir de aquí comienza a ser el niño mimado del arte contemporáneo con artículos en las revistas punteras del momento (y de hoy en día incluso). Y todo ello a pesar de que una parte de la crítica no dudaba en tacharlo incluso de fraude y de ser un alcohólico con una potente campaña de marketing detrás. Algo de razón no le faltaban a sus detractores ya que muere en 1956 (con 44 años) tras un accidente de coche en el que iba totalmente borracho. A partir de aquí comienza una leyenda que aún no ha terminado. 

3.- Robert Mortherwell, genuinamente americano

Fue el más longevo de los artistas del expresionismo abstracto. Nacido en 1915, en la misma década que el resto de los representantes del movimiento, en Washington, dejó este mundo en 1991. De sólida formación académica con estudios de Filosofía (licenciándose en Harvard) también tenía una amplia cultura humanística formada a través de sus viajes por Europa. Junto a Rothko funda la escuela Subjects of artists. Sus amplios conocimientos teóricos (junto con sus preocupaciones políticas) le lleva a hacer grandes obras pictóricas de un fuerte impacto. Gran parte de ellas, como la conocida Elegía para la República Española, están realizadas en blanco y negro o siguiendo esa gama de tonalidades.  

4.- Mark Rothko, el creador del expresionismo abstracto que ensalzó el color supremo

Nacido en Rusia en 1903, fue otro de los artistas del movimiento que recaló en New York huyendo de guerras y persecuciones.  Como Robert Mortherwell, también tiene una sólida formación académica, ya que logra ingresar y licenciarse en la elitista Universidad de Yale.  Se asienta en New York en 1925 donde desarrollará toda su carrera artística. Sus obras de gran formato en las que predomina el color y nada más que el color son únicas en la historia del arte. Son famosos sus lienzos en los que solo hay dos o tres rectángulos con tonos contrastados que no dicen (en las reproducciones en papel u online) del impacto en vivo. Como buena parte de los miembros del expresionismo abstracto mantuvo durante toda su vida un espíritu atormentado y un psiquismo frágil que acabó en 1970 con el suicido. 

5.- Willem de Kooning, entre la figuración y la abstracción

De origen holandés (nacido en 1904), su formación temprana se hizo en su país de origen.  En 1926 logra entrar en Estados Unidos y en 1927 está instalado en Manhattan. Sus primeras obras, como es frecuente en estas décadas, mantienen una clara influencia de Picasso, para pasar, alrededor de 1940 a la abstracción, aunque no abandona del todo la figuración. Aunque también fue longevo y murió de enfermedad, toda su vida también estuvo marcada por el alcoholismo. 

6.- Franz Kline de difícil clasificación como artista del expresionismo abstracto

Comienza su carrera en la figuración y, además, sus primeras obras están realizadas en Londres donde se traslada a vivir y a trabajar como profesor. No es hasta la década de los cincuenta, fecha en la que el movimiento está casi liquidado, cuando se adhiere al expresionismo abstracto volviendo a instalarse en New York donde fallece. 

7.- Adolph Gottlieb, el artista del expresionismo abstracto que busca la expresión del inconsciente colectivo

Nacido en New York en 1903, donde muere en 1974, comienza sus primeros estudios en la Ciudad de los Rascacielos. Eso no quita para que se traslade a París donde completa su formación. A partir de 1933 comienza una serie de obras en las que se aprecian símbolos complejos, caligrafías  o jeroglíficos que pretenden ser un lenguaje nuevo y directo con el inconsciente colectivo propuesto por Jung y que por esas décadas revolucionó la concepción de la humanidad. Esta obra tan particular se mantiene (con sus debidas modificaciones y evoluciones personales) a lo largo de toda su carrera creando un opus artístico novedoso y original. 

En definitiva, y resumiendo muchísimo, el expresionismo abstracto fue un movimiento radicado en Nueva York predominante durante las décadas de los cuarenta y cincuenta del siglo XX. Sus integrantes pretendían, con obras pictóricas de gran formato, crear un lenguaje nuevo alejado de la figuración que enlazara directamente con los mandatos del inconsciente colectivo. Buena parte de ellos estaban atrapados en el alcohol y/o con problemas psicológicos diversos que, de alguna manera u otra, trasladaron a sus obras. Ese dramatismo es inherente en la producción total de un movimiento que dio paso a uno radicalmente distinto: el pop art o arte pop. 

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla