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Los horrores de la Primera Guerra Mundial acaban de comenzar dejando una estela de destrucción y de cambio. Tanto fue así (sin contar todas las víctimas del conflicto) que la confrontación se llevó por delante a casi todos los miembros del futurismo, ese movimiento de vanguardia que amaba, ante todo, la velocidad y el cambio por el cambio. Algunos artistas, tras esta debacle humana, dejan a un lado la experimentación de principios de siglo (como pudo ser el cubismo) para centrarse en una figuración de corte clásico. Este es el caso de Giorgio de Chirico y la pintura metafísica. No fue el único grupo estético que abandonó cualquier experimentación gratuita al entender de estos creadores. Se vuelve la mirada hacia la tradición francesa e, incluso, un vanguardista como Picasso retoma una forma más realista en algunas de las pinturas de la época. Este es el caso de Bañistas, ejecutado en 1918. 

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Dentro de esas nuevas figuraciones, el grupo estético que más ha aportado a la historia del arte es el abanderado por Giorgio de Chirico y denominado pintura metafísica. El regreso a los modos clásicos, en este caso, se realiza de lleno, con formas tomadas de la arquitectura y escultura greco-romana, con un gusto por los mitos paganos. Pero vamos por partes. 

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Características de la pintura metafísica

Las obras son plenamente reconocibles a simple vista por una compleja mezcla de sencillez, modos clásicos, colores planos y figuras bien delimitadas sin llegar al geometrismo. He reducido las características de la pintura metafísica a estas diez líneas generales para poder entender mejor el movimiento. 

1.- Rechazo a los modos de las vanguardias anteriores

La guerra, la muerte, la posición del hombre en el universo entendido en un sentido filosófico o religioso está detrás de esta transformación estética. Tras los horrores de las trincheras, el arte debe dotarse de un sentido (en el otro extremo de lo que propugnaba el dadaísmo, por recordar un grupo totalmente alejado de estos postulados). Con este bagaje nace la pintura metafísica que se desarrolla especialmente en el norte de Italia, aunque sus inicios se remontan al París que era, en aquella época, el centro del mundo. 

2.- La pintura metafísica supone una vuelta a los modos de la figuración  

Se abandona cualquier investigación con la abstracción, con las formas geométricas, con la experimentación de materiales que había sido característica del cubismo, movimiento del cual abominan los metafísicos. Se retoma la figuración, la presencia humana, los edificios bien definidos… Son frecuentes los elementos de la mitología clásica en un espacio dentro del cuadro tan ordenado que parece diseñado con escuadra y cartabón.  

3.- Colores y formas planas sin perspectiva 

La gran mayoría de las obras de la pintura metafísica se articula en torno a una imagen central y alrededor se articula el resto. No hay abigarramiento ni líneas curvas ni luces ni sombras. La perspectiva es extraña y onírica con un gusto por las formas (incluso cuando se tratan figuras humanas) muy planas con colores casi puros con mínimas veladuras.  

4.- En la pintura metafísica hay un gusto por la reproducción de elementos arquitectónicos de la antigüedad clásica

Edificios, columnas clásicas, elementos arquitectónicos que recuerdan las esculturas grecorromanas y su serenidad son recurrentes en estas obras creando una sensación de irrealidad que choca con ese diálogo con la tradición.  

5.- Las formas humanas quedan reducidas a meros maniquíes 

El ser humano ha perdido aquello que le acercaba a la divinidad (y aquí vemos el impacto de la guerra). Su presencia en la tierra es como la de un muñeco físico, un ser articulado que realiza movimientos pero que no logra encontrar su camino fuera del área profana. Estas imágenes adoptan las poses humanas de una forma tranquila sin dramatismo generando, a la par, un mensaje que inquieta al interlocutor. 

6.- En la pintura metafísica aparecen personajes de la literatura y los mitos clásicos

Son frecuentes las referencias a la literatura romana en una primera instancia y luego a la tradición bíblica. Así, para reconocer, el mensaje último de la obra, hay que estar versado en el sustrato literario o cultural que subyace dentro de estos cuadros.  

7.- La obra de arte pretende ser una obra de ingeniería casi 

No se deja nada al azar y lejos quedó la experimentación con la escritura automática o con la abstracción. Todo en el lienzo tiene que estar ordenado y medido. Aunque hay referencias a la geometría, vemos tanto figuras inanimadas como animadas reducidas a un trazo elemental que elimina cualquier claroscuro o concesión al adorno. 

8.- Utilizaron una revista para dar a conocer sus obras

Y esta fue Valori Plastici que estuvo activa desde 1918 hasta 1921. Nació en Roma y no ocultaba su gusto por los reductos del pasado, por las columnas y esculturas en mármol que pueblan la Ciudad Eterna. 

9.- Se convierten en inspiración para el surrealismo 

Sus paisajes planos y oníricos y ese gusto por las maniquíes humanizados fue todo un descubrimiento para el surrealismo, el grupo artístico preponderante en la segunda mitad del siglo XX. 

10.- La pintura metafísica se centra en el tema de la situación del ser humano con respecto al mundo

Por eso es frecuente en los lienzos asistir a la mirada de un maniquí hacia restos del pasado. La obra se convierte en un cuestionamiento, en un punto de partida para iniciar preguntas de índole filosófica abandonando cualquier atisbo de frivolidad de las primeras vanguardias.

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Giorgio de Chirico adalid de la pintura metafísica 

Formación y primeros años de Giorgio de Chirico

Nace en una pequeña isla griega en 1888 y pronto se traslada a estudiar a Atenas. Ni que decir tiene que allí tuvo modelos clásicos al alcance, lo cual condicionó cualquier aventura posterior. Con tan solo 20 años estudia en Munich para luego dirigirse a París, centro del arte por entonces. Aunque su mayor producción fue tras la Gran Guerra, las primeras pinturas metafísicas datan de 1910. 

En la capital francesa toma contacto con las vanguardias y con Alberto Savini. Sin embargo, los  modos experimentales no le satisfacen del todo. Por eso, regresan a Italia donde se empapan de la filosofía de Nietzsche y quedan fascinados por su particular división del mundo casi entre lo negro y lo blanco. Para el filósofo, el mundo está regido por dos vibraciones diferentes. Por un lado, tenemos lo apolíneo (perteneciente al dios Apolo), sereno, triunfante y sobrio. Y, por el otro lado, se contrapone lo dionisiáco (del dios Dionisio, el protector del vino, la fiesta y el desenfreno).  

En esta época pinta cuadros sin presencia habitada o animada. Son obras inquietantes con una perspectiva acusada, realizada con colores y formas planas. Las plazas o los foros se encuentran desiertos, como si una explosión nuclear hubiera acabado con cualquier atisbo de vida humana. 

Giorgio de Chirico y el grupo de Ferrara

Las obras del artista iban evolucionando hacia un complejo extrañamiento y onirismo, hacia una particular visión del mundo en el que cualquier atisbo de vida queda relegado al mínimo, aunque quedan las obras de un ser humano invisible presente en esos elementos arquitectónicos sacados de contexto como si estuvieran flotando en el aire. 

En 1915 se une al grupo Carlo Carrá el cual aporta la temática hebrea, el gusto por los interiores o por unas imágenes que se nos antoja como acertijos. 

1924 supuso un momento de inflexión ya que el surrealismo, con toda su explosión rebelde, lo mostró como un referente a tener en cuenta. Y con esto me refiero tanto a la obra de Giorgio de Chirico como a la totalidad de la producción de la pintura metafísica.  

Un poco antes, en 1918, entra a formar parte de la revista Valori Plastici hasta su último número en 1921. Aquí se hace una apología de la artesanía de la pintura obviando lo que, al parecer de estos artistas, eran excentricidades que no llegarían a colgarse en las paredes de un museo. Por otra parte, en la época era normal desacreditar el trabajo de quien no pertenecía a la misma estela artística. Y los integrantes de la pintura metafísica, con Giorgio de Chirico a la cabeza, no fueron menos. Aunque el grupo desaparece alrededor de 1923, se clasifica obras de esta línea hasta la década de los treinta. 

 Por Candela Vizcaíno

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El arte es lo que queda cuando todo ha pasado. Es lo inmutable dentro del cambio. Es la belleza en un mundo en caos. El arte es parte importante de este sitio. Intentamos comprenderlo. 

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Los horrores de la Primera Guerra Mundial acaban de comenzar dejando una estela de destrucción y de cambio. Tanto fue así (sin contar todas las víctimas del conflicto) que la confrontación se llevó por delante a casi todos los miembros del futurismo, ese movimiento de vanguardia que amaba, ante todo, la velocidad y el cambio por el cambio. Algunos artistas, tras esta debacle humana, dejan a un lado la experimentación de principios de siglo (como pudo ser el cubismo) para centrarse en una figuración de corte clásico. Este es el caso de Giorgio de Chirico y la pintura metafísica. No fue el único grupo estético que abandonó cualquier experimentación gratuita al entender de estos creadores. Se vuelve la mirada hacia la tradición francesa e, incluso, un vanguardista como Picasso retoma una forma más realista en algunas de las pinturas de la época. Este es el caso de Bañistas, ejecutado en 1918. 

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Dentro de esas nuevas figuraciones, el grupo estético que más ha aportado a la historia del arte es el abanderado por Giorgio de Chirico y denominado pintura metafísica. El regreso a los modos clásicos, en este caso, se realiza de lleno, con formas tomadas de la arquitectura y escultura greco-romana, con un gusto por los mitos paganos. Pero vamos por partes. 

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Características de la pintura metafísica

Las obras son plenamente reconocibles a simple vista por una compleja mezcla de sencillez, modos clásicos, colores planos y figuras bien delimitadas sin llegar al geometrismo. He reducido las características de la pintura metafísica a estas diez líneas generales para poder entender mejor el movimiento. 

1.- Rechazo a los modos de las vanguardias anteriores

La guerra, la muerte, la posición del hombre en el universo entendido en un sentido filosófico o religioso está detrás de esta transformación estética. Tras los horrores de las trincheras, el arte debe dotarse de un sentido (en el otro extremo de lo que propugnaba el dadaísmo, por recordar un grupo totalmente alejado de estos postulados). Con este bagaje nace la pintura metafísica que se desarrolla especialmente en el norte de Italia, aunque sus inicios se remontan al París que era, en aquella época, el centro del mundo. 

2.- La pintura metafísica supone una vuelta a los modos de la figuración  

Se abandona cualquier investigación con la abstracción, con las formas geométricas, con la experimentación de materiales que había sido característica del cubismo, movimiento del cual abominan los metafísicos. Se retoma la figuración, la presencia humana, los edificios bien definidos… Son frecuentes los elementos de la mitología clásica en un espacio dentro del cuadro tan ordenado que parece diseñado con escuadra y cartabón.  

3.- Colores y formas planas sin perspectiva 

La gran mayoría de las obras de la pintura metafísica se articula en torno a una imagen central y alrededor se articula el resto. No hay abigarramiento ni líneas curvas ni luces ni sombras. La perspectiva es extraña y onírica con un gusto por las formas (incluso cuando se tratan figuras humanas) muy planas con colores casi puros con mínimas veladuras.  

4.- En la pintura metafísica hay un gusto por la reproducción de elementos arquitectónicos de la antigüedad clásica

Edificios, columnas clásicas, elementos arquitectónicos que recuerdan las esculturas grecorromanas y su serenidad son recurrentes en estas obras creando una sensación de irrealidad que choca con ese diálogo con la tradición.  

5.- Las formas humanas quedan reducidas a meros maniquíes 

El ser humano ha perdido aquello que le acercaba a la divinidad (y aquí vemos el impacto de la guerra). Su presencia en la tierra es como la de un muñeco físico, un ser articulado que realiza movimientos pero que no logra encontrar su camino fuera del área profana. Estas imágenes adoptan las poses humanas de una forma tranquila sin dramatismo generando, a la par, un mensaje que inquieta al interlocutor. 

6.- En la pintura metafísica aparecen personajes de la literatura y los mitos clásicos

Son frecuentes las referencias a la literatura romana en una primera instancia y luego a la tradición bíblica. Así, para reconocer, el mensaje último de la obra, hay que estar versado en el sustrato literario o cultural que subyace dentro de estos cuadros.  

7.- La obra de arte pretende ser una obra de ingeniería casi 

No se deja nada al azar y lejos quedó la experimentación con la escritura automática o con la abstracción. Todo en el lienzo tiene que estar ordenado y medido. Aunque hay referencias a la geometría, vemos tanto figuras inanimadas como animadas reducidas a un trazo elemental que elimina cualquier claroscuro o concesión al adorno. 

8.- Utilizaron una revista para dar a conocer sus obras

Y esta fue Valori Plastici que estuvo activa desde 1918 hasta 1921. Nació en Roma y no ocultaba su gusto por los reductos del pasado, por las columnas y esculturas en mármol que pueblan la Ciudad Eterna. 

9.- Se convierten en inspiración para el surrealismo 

Sus paisajes planos y oníricos y ese gusto por las maniquíes humanizados fue todo un descubrimiento para el surrealismo, el grupo artístico preponderante en la segunda mitad del siglo XX. 

10.- La pintura metafísica se centra en el tema de la situación del ser humano con respecto al mundo

Por eso es frecuente en los lienzos asistir a la mirada de un maniquí hacia restos del pasado. La obra se convierte en un cuestionamiento, en un punto de partida para iniciar preguntas de índole filosófica abandonando cualquier atisbo de frivolidad de las primeras vanguardias.

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Giorgio de Chirico adalid de la pintura metafísica 

Formación y primeros años de Giorgio de Chirico

Nace en una pequeña isla griega en 1888 y pronto se traslada a estudiar a Atenas. Ni que decir tiene que allí tuvo modelos clásicos al alcance, lo cual condicionó cualquier aventura posterior. Con tan solo 20 años estudia en Munich para luego dirigirse a París, centro del arte por entonces. Aunque su mayor producción fue tras la Gran Guerra, las primeras pinturas metafísicas datan de 1910. 

En la capital francesa toma contacto con las vanguardias y con Alberto Savini. Sin embargo, los  modos experimentales no le satisfacen del todo. Por eso, regresan a Italia donde se empapan de la filosofía de Nietzsche y quedan fascinados por su particular división del mundo casi entre lo negro y lo blanco. Para el filósofo, el mundo está regido por dos vibraciones diferentes. Por un lado, tenemos lo apolíneo (perteneciente al dios Apolo), sereno, triunfante y sobrio. Y, por el otro lado, se contrapone lo dionisiáco (del dios Dionisio, el protector del vino, la fiesta y el desenfreno).  

En esta época pinta cuadros sin presencia habitada o animada. Son obras inquietantes con una perspectiva acusada, realizada con colores y formas planas. Las plazas o los foros se encuentran desiertos, como si una explosión nuclear hubiera acabado con cualquier atisbo de vida humana. 

Giorgio de Chirico y el grupo de Ferrara

Las obras del artista iban evolucionando hacia un complejo extrañamiento y onirismo, hacia una particular visión del mundo en el que cualquier atisbo de vida queda relegado al mínimo, aunque quedan las obras de un ser humano invisible presente en esos elementos arquitectónicos sacados de contexto como si estuvieran flotando en el aire. 

En 1915 se une al grupo Carlo Carrá el cual aporta la temática hebrea, el gusto por los interiores o por unas imágenes que se nos antoja como acertijos. 

1924 supuso un momento de inflexión ya que el surrealismo, con toda su explosión rebelde, lo mostró como un referente a tener en cuenta. Y con esto me refiero tanto a la obra de Giorgio de Chirico como a la totalidad de la producción de la pintura metafísica.  

Un poco antes, en 1918, entra a formar parte de la revista Valori Plastici hasta su último número en 1921. Aquí se hace una apología de la artesanía de la pintura obviando lo que, al parecer de estos artistas, eran excentricidades que no llegarían a colgarse en las paredes de un museo. Por otra parte, en la época era normal desacreditar el trabajo de quien no pertenecía a la misma estela artística. Y los integrantes de la pintura metafísica, con Giorgio de Chirico a la cabeza, no fueron menos. Aunque el grupo desaparece alrededor de 1923, se clasifica obras de esta línea hasta la década de los treinta. 

 Por Candela Vizcaíno

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El surrealismo fue el movimiento artístico que quiso cambiar la visión vital del hombre. ¿Y cómo intentaron hacer eso? Las pinturas surrealistas, sobre todo, aunque también tenemos ejemplo en literatura o escultura muestran un mundo onírico (perteneciente a los sueños) fuertemente impregnado de los estudios sobre el inconsciente. Estos diez representantes del surrealismo que traigo hoy se afanaron por mostrar una realidad que se encuentra en el revés de la vida cotidiana consciente. Para ellos, el artista debía mostrar una realidad oculta a la razón, oscura, simbólica y difícil de desentrañar. Pero una vez estuviera plasmada en la obra de arte tendría el papel de liberar de cualquier atadura tanto al creador como al espectador. Damos un repaso a los grandes artistas del surrealismo, el movimiento artístico que más calado y profundidad tuvo en el siglo XX.

1.- Salvador Dalí, el gran artista del surrealismo

Nacido en Figueras en 1904, muere en el castillo de Púbol en 1989. Es, sin duda, el gran genio del movimiento. De fuerte y difícil personalidad, contradictorio, con graves problemas de adaptación y de aceptación, llevó todos sus tensiones emocionales a la grandeza del arte. Se inicia  como dibujante y sus primeras obras tienen un fuerte carácter realista. Educado en los modos clásicos, muy pronto comenzó a investigar nuevos lenguajes para reaccionar (incluso con virulencia y un paso teatral) contra las convecciones de la época. Por eso sus primeras obras tienen un tinte impresionista incluso.  En esta línea investigadora se encuentran sus pinturas que pudieran encuadrarse en el cubismo, pero donde llegó a generar sus grandes obras fue en la estética del surrealismo.  

Corría el año 1922 y Dalí se encuentra en la Residencia de Estudiantes de Madrid con un Lorca que lo introduce en el mundo de la noche de los cafés y tablaos flamencos. Buñuel forma parte de este círculo y juntos crean la primera película surrealista y una de las obras cumbres del cine universal: Un perro andaluz. Estudia a Freud, su teoría sobre el inconsciente reprimido y el papel sanador de los sueños. Todo ello se irá trasladando a una obra fecunda, rica en símbolos y en la que está presente todos y cada uno de sus disfunciones emocionales. Tanto fue así que su estética fue bautizada con el método paranoico-crítico. 

2.- Joan Miró, el pintor surrealista que se acerca a la abstracción

Un poco mayor que Salvador Dalí, ya que nace en 1893 y muere en Palma de Mallorca en 1983, fue uno de los abanderados de la estética surrealista introduciendo a buena parte de los representantes del surrealismo en los modos creativos del movimiento.  Se empeña en reflejar un rico mundo onírico lleno de color y de formas cercana a la abstracción muy reconocibles por su estilo personal. En algunas obras se aprecian incluso escenas alucinatorias. Iniciado en el dadaísmo, aunque buena parte de su obra se encuadra en el surrealismo, su estética es tan personal que su obra constituye un mundo aparte plagado de símbolos y de metamorfosis constantes. 

 

3.- Marcel Duchamp, el creador de los ready-made

Francés de nacimiento (1887), se refugia en Nueva York durante la Primera Gran Guerra Mundial y hasta allí lleva los postulados del dadaísmo. Es el creador de los ready-made, el sustrato de las instalaciones contemporáneas. Son obras de arte entresacadas de objetos cotidianos y puestas en interrogación que interpelan al espectador sobre el sentido del arte mismo, sobre su función social. Regresa a París donde muere en 1968 no sin antes encandilar al grupo surrealista con sus originales creaciones. 

4.- Mar Ernst, uno de los representantes del surrealismo más importantes

Formado en la filosofía y en los incipientes estudios de psiquiatría, con 20 años descubre su vocación artística. Se inicia, como tantos representantes del surrealismo, en el dadaísmo para adoptar la estética surrealista muy pronto. Su obra se caracteriza por un gusto por los collages y otras técnicas con el objetivo de ofrecerla como si de una alucinación se tratara. Para los artistas surrealistas, cualquier estado era válido si nos llevaba a otros mundos que nos ayudara a liberar la convecciones limitantes de éste. 

5.- Jean Arp, iniciado en los principios de Dadá

Nace en Estrasburgo en 1887 y muere en Suiza en 1966. También subyugado por las posibilidades comunicativas del dadaísmo, se adhiere al nuevo movimiento en la década de los treinta. Son famosos y representativas sus esculturas coloridas y móviles. 

6.- René Magritte, uno de los representantes del surrealismo más reconocido 

Su contacto con el grupo surrealista llega en 1924 (con 26 años). Es el más filosófico de todos los representantes del surrealismo, ya que centró toda su producción en las posibilidades comunicativas y de liberación (sin obviar la transgresión, la sorpresa o las interrogaciones incómodas) de la obra de arte. Sus piezas artísticas están basadas en preguntas. Y nada más tenemos que recordar La llave del campo donde el artista juega con la ilusión de la realidad tanto de lo que se aprecia a través de la ventana como la imagen reflejada en los cristales rotos. 

7.- André Masson, el artista surrealista torturado por la muerte

Nació en Balagny-sur-Thérain en 1896 y deja este mundo en París en 1887. Participa en la Primera Guerra Mundial y todos sus horrores le afectaron profundamente. Con una importante cultura literaria y filosófica, su obra está impregnada de una fuerte radicalidad, de un profundo erotismo y siempre contraponiendo las fuerzas de la vida luminosa con las de la muerte. En este sentido refleja las investigaciones más clásicas de Freud en su obra. Recurre a metamorfosis complejas para la expresión de su particular universo que podríamos calificar de atormentado. Abandona el grupo en 1943, aunque su impronta estará presente en toda su producción. 

8.- Man Ray, el fotógrafo de entre los representantes del surrealismo

Famoso por sus composiciones fotográficas que han superado los embates del tiempo, nace en Filadelfia en 1890 y acaba sus días en París en 1976. Es otro de los introductores del dadaísmo en Nueva York, aunque muy pronto se instala en la capital francesa donde entra en contacto con el grupo de los representantes surrealistas. Es un innovador de las posibilidades de la fotografía y un pionero de esta modalidad artística.  

9.- Yves Tanguy, inclasificable

Se incorpora al grupo en 1925 y se centra en las posibilidades de la escritura automática tanto como método liberador como artístico. En su obra hay un componente alucinatorio y abstracto bastante importante.  

10.- Francis Picabia, el artista que se inició en el cubismo 

Toda su vida (1879-1953)  transcurre en París donde se inicia primero en el cubismo y también en las posibilidades del futurismo. Pronto elige la senda nihilista de Dadá negando cualquier utilidad del arte incluso la meramente estética. Es el más libertario y contestario de todos los representantes del surrealismo, ya que continuamente está cuestionado los principios fundamentales del movimiento. 

En definitiva, el surrealismo fue uno de los movimientos artísticos con más calado en la historia del arte del siglo XX. No solo estuvo representado por estos artistas sino que creadores posteriores y con sustrato diverso, de algún modo u otro, propagaron sus principios. El psicoanálisis había supuesto un antes y un después en lo que a la concepción del espíritu humano se refiere. Los artistas y los representantes del surrealismo más importantes no fueron inmunes a esta revolución filosófica e intentaron llevar esa liberación del inconsciente a las obras utilizando los símbolos del mundo onírico, la mezcla e, incluso, los estados cercanos a la alucinación. 

 

Por Candela Vizcaíno

 

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El surrealismo fue el movimiento artístico que quiso cambiar la visión vital del hombre. ¿Y cómo intentaron hacer eso? Las pinturas surrealistas, sobre todo, aunque también tenemos ejemplo en literatura o escultura muestran un mundo onírico (perteneciente a los sueños) fuertemente impregnado de los estudios sobre el inconsciente. Estos diez representantes del surrealismo que traigo hoy se afanaron por mostrar una realidad que se encuentra en el revés de la vida cotidiana consciente. Para ellos, el artista debía mostrar una realidad oculta a la razón, oscura, simbólica y difícil de desentrañar. Pero una vez estuviera plasmada en la obra de arte tendría el papel de liberar de cualquier atadura tanto al creador como al espectador. Damos un repaso a los grandes artistas del surrealismo, el movimiento artístico que más calado y profundidad tuvo en el siglo XX.

1.- Salvador Dalí, el gran artista del surrealismo

Nacido en Figueras en 1904, muere en el castillo de Púbol en 1989. Es, sin duda, el gran genio del movimiento. De fuerte y difícil personalidad, contradictorio, con graves problemas de adaptación y de aceptación, llevó todos sus tensiones emocionales a la grandeza del arte. Se inicia  como dibujante y sus primeras obras tienen un fuerte carácter realista. Educado en los modos clásicos, muy pronto comenzó a investigar nuevos lenguajes para reaccionar (incluso con virulencia y un paso teatral) contra las convecciones de la época. Por eso sus primeras obras tienen un tinte impresionista incluso.  En esta línea investigadora se encuentran sus pinturas que pudieran encuadrarse en el cubismo, pero donde llegó a generar sus grandes obras fue en la estética del surrealismo.  

Corría el año 1922 y Dalí se encuentra en la Residencia de Estudiantes de Madrid con un Lorca que lo introduce en el mundo de la noche de los cafés y tablaos flamencos. Buñuel forma parte de este círculo y juntos crean la primera película surrealista y una de las obras cumbres del cine universal: Un perro andaluz. Estudia a Freud, su teoría sobre el inconsciente reprimido y el papel sanador de los sueños. Todo ello se irá trasladando a una obra fecunda, rica en símbolos y en la que está presente todos y cada uno de sus disfunciones emocionales. Tanto fue así que su estética fue bautizada con el método paranoico-crítico. 

2.- Joan Miró, el pintor surrealista que se acerca a la abstracción

Un poco mayor que Salvador Dalí, ya que nace en 1893 y muere en Palma de Mallorca en 1983, fue uno de los abanderados de la estética surrealista introduciendo a buena parte de los representantes del surrealismo en los modos creativos del movimiento.  Se empeña en reflejar un rico mundo onírico lleno de color y de formas cercana a la abstracción muy reconocibles por su estilo personal. En algunas obras se aprecian incluso escenas alucinatorias. Iniciado en el dadaísmo, aunque buena parte de su obra se encuadra en el surrealismo, su estética es tan personal que su obra constituye un mundo aparte plagado de símbolos y de metamorfosis constantes. 

 

3.- Marcel Duchamp, el creador de los ready-made

Francés de nacimiento (1887), se refugia en Nueva York durante la Primera Gran Guerra Mundial y hasta allí lleva los postulados del dadaísmo. Es el creador de los ready-made, el sustrato de las instalaciones contemporáneas. Son obras de arte entresacadas de objetos cotidianos y puestas en interrogación que interpelan al espectador sobre el sentido del arte mismo, sobre su función social. Regresa a París donde muere en 1968 no sin antes encandilar al grupo surrealista con sus originales creaciones. 

4.- Mar Ernst, uno de los representantes del surrealismo más importantes

Formado en la filosofía y en los incipientes estudios de psiquiatría, con 20 años descubre su vocación artística. Se inicia, como tantos representantes del surrealismo, en el dadaísmo para adoptar la estética surrealista muy pronto. Su obra se caracteriza por un gusto por los collages y otras técnicas con el objetivo de ofrecerla como si de una alucinación se tratara. Para los artistas surrealistas, cualquier estado era válido si nos llevaba a otros mundos que nos ayudara a liberar la convecciones limitantes de éste. 

5.- Jean Arp, iniciado en los principios de Dadá

Nace en Estrasburgo en 1887 y muere en Suiza en 1966. También subyugado por las posibilidades comunicativas del dadaísmo, se adhiere al nuevo movimiento en la década de los treinta. Son famosos y representativas sus esculturas coloridas y móviles. 

6.- René Magritte, uno de los representantes del surrealismo más reconocido 

Su contacto con el grupo surrealista llega en 1924 (con 26 años). Es el más filosófico de todos los representantes del surrealismo, ya que centró toda su producción en las posibilidades comunicativas y de liberación (sin obviar la transgresión, la sorpresa o las interrogaciones incómodas) de la obra de arte. Sus piezas artísticas están basadas en preguntas. Y nada más tenemos que recordar La llave del campo donde el artista juega con la ilusión de la realidad tanto de lo que se aprecia a través de la ventana como la imagen reflejada en los cristales rotos. 

7.- André Masson, el artista surrealista torturado por la muerte

Nació en Balagny-sur-Thérain en 1896 y deja este mundo en París en 1887. Participa en la Primera Guerra Mundial y todos sus horrores le afectaron profundamente. Con una importante cultura literaria y filosófica, su obra está impregnada de una fuerte radicalidad, de un profundo erotismo y siempre contraponiendo las fuerzas de la vida luminosa con las de la muerte. En este sentido refleja las investigaciones más clásicas de Freud en su obra. Recurre a metamorfosis complejas para la expresión de su particular universo que podríamos calificar de atormentado. Abandona el grupo en 1943, aunque su impronta estará presente en toda su producción. 

8.- Man Ray, el fotógrafo de entre los representantes del surrealismo

Famoso por sus composiciones fotográficas que han superado los embates del tiempo, nace en Filadelfia en 1890 y acaba sus días en París en 1976. Es otro de los introductores del dadaísmo en Nueva York, aunque muy pronto se instala en la capital francesa donde entra en contacto con el grupo de los representantes surrealistas. Es un innovador de las posibilidades de la fotografía y un pionero de esta modalidad artística.  

9.- Yves Tanguy, inclasificable

Se incorpora al grupo en 1925 y se centra en las posibilidades de la escritura automática tanto como método liberador como artístico. En su obra hay un componente alucinatorio y abstracto bastante importante.  

10.- Francis Picabia, el artista que se inició en el cubismo 

Toda su vida (1879-1953)  transcurre en París donde se inicia primero en el cubismo y también en las posibilidades del futurismo. Pronto elige la senda nihilista de Dadá negando cualquier utilidad del arte incluso la meramente estética. Es el más libertario y contestario de todos los representantes del surrealismo, ya que continuamente está cuestionado los principios fundamentales del movimiento. 

En definitiva, el surrealismo fue uno de los movimientos artísticos con más calado en la historia del arte del siglo XX. No solo estuvo representado por estos artistas sino que creadores posteriores y con sustrato diverso, de algún modo u otro, propagaron sus principios. El psicoanálisis había supuesto un antes y un después en lo que a la concepción del espíritu humano se refiere. Los artistas y los representantes del surrealismo más importantes no fueron inmunes a esta revolución filosófica e intentaron llevar esa liberación del inconsciente a las obras utilizando los símbolos del mundo onírico, la mezcla e, incluso, los estados cercanos a la alucinación. 

 

Por Candela Vizcaíno

 

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En la estela de todos los movimientos estéticos de vanguardia, tal cual el cubismo o el futurismo, el surrealismo quería romper con todas las convecciones instaladas. Los artistas en torno al movimiento se afanaron, no ya por presentar la realidad desde una perspectiva desconocida hasta entonces, sino que se encaminaron por liberar al hombre de sus ataduras. Así sin más. Las pinturas surrealistas (y cualquier manifestación artística que pueda etiquetarse como tal) muestran un mundo desconocido, onírico y oculto. Para entenderlo nos tenemos que remitir a Freud quien había revolucionado su concepción de la humanidad con la obra La interpretación de los sueños, germen de la psicología moderna y contemporánea. Las pinturas surrealistas que traigo a continuación se levantan sobre este sustrato filosófico. 

Que nos dicen las pinturas surrealistas 

Si hasta las teorías de  Freud el hombre era concebido como un todo inmutable, sin fisuras y sin cambios, con las investigaciones sobre el inconsciente todo esto cambia de una forma radical. Los sueños nos informaban de datos ocultos, liberadores y, a la vez, aterradores sobre la fuerza de la imposición  social. Con estas ideas en las manos, los artistas del surrealismo se afanaron por mostrar otro mundo, distinto a la realidad convencional, donde se mostraba otra verdad, inconsciente y necesaria para la humanidad. 

 

De la ingente cantidad de obras que pueden catalogarse como surrealistas, he escogido 8 pinturas surrealistas y una instalación (que algunos críticos clasifican dentro del dadaísmo). Todas ellas nos apuntan a la magnitud a la que se enfrentaban los artistas del surrealismo y su incursión a través de los símbolos del inconsciente. 

 La llave del campo

1.- La llave del campo (1936)  por René Magritte una de las pinturas surrealistas más conocidas

Custodiado en el Museo Thyssen-Bornemisza, este óleo de pequeño tamaño nos interroga sobre la realidad y sus posibilidades. Una ventana abierta al campo nos refleja un pequeño bosquete, el mismo que adivinamos en los cristales rotos. En este caso, la pregunta es la que sigue: ¿dónde está la realidad? ¿Detrás de la ventana? ¿O acaso esta es el reflejo de los cristales rotos? Es una de las pinturas surrealistas más conocidas por lo que tiene de juego entre la realidad consciente y la inconsciente. Nos viene a preguntar si aquello que está oculto o es desconocido quizás no sea la verdad absoluta tal cual abogan los postulados del psicoanálisis y sus deseos fervientes por traer aquello agazapado a la realidad consciente. 

La persistencia de la memoria 

2.- La persistencia de la memoria (1931) de Salvador Dalí y sus símbolos del tiempo y la muerte 

Es otra de las pinturas surrealistas más famosas con sus relojes derritiéndose y su paisaje lunar de fondo. De esta obra se han realizado bastantes análisis con interpretaciones distintas, algo común al arte surrealista, el cual siempre necesita ser explicado. En ella, Dalí (con graves problemas de autoestima e, incluso, mentales recordemos) nos presenta un fondo onírico a más no poder con relojes que se derriten y no pueden mantenerse en pie. Sin duda, es una metáfora de la inmaterialidad e inconsistencia del tiempo. Y decir tiempo es decir muerte, un tabú y una verdad aterradora para el genio de Dalí. 

El gran masturbador

3.- El gran masturbador (1929) de Salvador Dalí, la más reconocida de las pinturas surrealistas

En ella se aprecian sustratos de la pintura metafísica y está poblado de símbolos. Recordemos aquí que el inconsciente se manifiesta, especialmente a través del mundo del arte y también de los sueños. Su lenguaje es el de los símbolos, perdido para la humanidad contemporánea actual. Por eso es tan difícil descifrar el significado de los sueños y de algunos símbolos presentes en estas pinturas surrealistas. En esta obra Dalí usa casi todos los recursos y temas que le atormentaban. Por un lado, el sexo distendido y saludable que no pudo disfrutar por su confusión espiritual (y que permitió sus obras geniales dicho sea de paso), por el otro, la muerte y la corrupción presente en las larvas y los gusanos que se abren en un cuerpo femenino intrigante. En ella se representan todas la obsesiones del artista y se vomitan como en una pesadilla en la que la mujer (representación de la vida a través de la maternidad) ha perdido toda vocación luminosa para volverse de una manera casi pérfida. 

Bañista sentada 

4.-Bañista sentada (1930) por Pablo Picasso 

Aunque está clasificada como una de las pinturas surrealistas en ella se adivina aún los trazos y los modos de las obras del cubismo. Si Dalí nos interpela y nos solivianta con unas imágenes oníricas en las que los símbolos se alinean para presentar una realidad inquietante, este óleo es casi amable, una de los pocos del surrealismo. Nos presenta una mujer desnuda desestructurada con un cuerpo que se confunde con el paisaje, el mar y el cielo. 

El Carnaval del Alerquín  

5.- El carnaval del Alerquín (1924-1925) de Joan Miró 

Las obras de Miró tienen un sustrato en las pinturas de El Bosco (quizás el primer artista surrealista aunque sus temas no fueran los del inconsciente liberador sino los del Apocalipsis biblíco). Es una obra plana con gran colorido en el que se ha eliminado toda perspectiva y es difícil reconocer los objetos que se presentan e identificarlos con su correlato de la realidad cotidiana. Miró nos presenta símbolos deshilados, sin coherencia aparente, mezclados y coloridos. La obra nos remite a esa mezcla y confusión propias del carnaval, cuando, por unos momentos, las convecciones sociales quedan aparcadas con el fin de conocer la verdad de la que no se habla de una manera lúdica. 

 Todavía y siempre 

6.- Todavía y siempre (1942)  por Yves Tanguy, una de las pinturas surrealistas que retratan los sueños

Es una de las pinturas surrealistas en las que se aprecia con mayor claridad la referencia onírica, esto es, al mundo de los sueños. Asistimos al espacio de la inmensidad (el mismo que aparece cuando el inconsciente interpela a la mente consciente). En este océano verdoso y quieto aparecen objetos desconocidos como de otro mundo. No podemos adivinar ni su uso ni cómo han llegado hasta allí. Es una de las obras en la que la temática es la pregunta misma. En ella está representado ese “qué hago aquí” con el que todo ser humano se ha torturado alguna vez. 

 Interior holandés de Joan Miró

7.- Interior holandés (1928) por Joan Miró

Volvemos al sustrato de las pinturas de El Bosco en una obra dramática en lo que al colorido se  refiere y que, de alguna manera, toca los postulados de la abstracción. 

Nada de ello sabrán los hombres

8.-  Nada de ello sabrán los hombres (1923) por Max Ernst o la necesidad de interpretación como otras pinturas surrealistas

Son los símbolos religiosos que aparecen en la obra lo que la hacen tan inquietante a la par que el título también contribuye a ello. Nos remite al esoterismo del iniciado, a aquello que está oculto, ajeno a la mente consciente o ignorante de la magnitud del universo y su lenguaje. Es una de mis pinturas surrealistas favoritas porque nos interroga con una necesidad de conocimiento casi místico y con un intento de unidad entre la razón y los sueños, entre lo sacro y lo profano, entre lo individual y lo colectivo que es casi imposible. Las partes del cuerpo desunidas que aparecen en la obra vuelven sobre ese sentido: la imposibilidad de la unión y la realización completas. 

 Rueda de bicicleta de Marcel Duchamp

 

Del dadaísmo al surrealismo con Rueda de bicicleta (1913) de Marcel Duchamp

No es una escultura o una pintura. Su clasificación es más bien el de instalación. Esto es, una obra de arte realizada con elementos de desecho o de partes de objetos de la vida cotidiana con la finalidad de interpelar al espectador. Duchamp fue un maestro de este tipo de obras. Recordemos La fuente de 1917 en el que se utiliza un urinario masculino. En este tipo de obras se quiere generar a la par un malestar y una pregunta. Se recurre a los símbolos (la rueda es uno de los considerados primigenios o esenciales) para acceder al mensaje por la vía del inconsciente puro y duro. El que la rueda (de bicicleta) esté colocada sobre un taburete en la posición contraria a la lógica intelectual lo hace aún más inquietante al negar cualquier utilidad o servicio.  

El surrealismo, para ir terminando y como hemos visto en estas pinturas surrealistas más famosas, obvia la realidad cotidiana, la de la mente consciente, para buscar la verdad a través de la liberación del inconsciente y del mundo onírico. Para ello se valen tanto de símbolos tradicionales como de imágenes que pertenecen al imaginario de terror particular del artista. En este último caso, quizás sea Salvador Dalí el maestro inigualable.

Por Candela Vizcaíno

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En la estela de todos los movimientos estéticos de vanguardia, tal cual el cubismo o el futurismo, el surrealismo quería romper con todas las convecciones instaladas. Los artistas en torno al movimiento se afanaron, no ya por presentar la realidad desde una perspectiva desconocida hasta entonces, sino que se encaminaron por liberar al hombre de sus ataduras. Así sin más. Las pinturas surrealistas (y cualquier manifestación artística que pueda etiquetarse como tal) muestran un mundo desconocido, onírico y oculto. Para entenderlo nos tenemos que remitir a Freud quien había revolucionado su concepción de la humanidad con la obra La interpretación de los sueños, germen de la psicología moderna y contemporánea. Las pinturas surrealistas que traigo a continuación se levantan sobre este sustrato filosófico. 

Que nos dicen las pinturas surrealistas 

Si hasta las teorías de  Freud el hombre era concebido como un todo inmutable, sin fisuras y sin cambios, con las investigaciones sobre el inconsciente todo esto cambia de una forma radical. Los sueños nos informaban de datos ocultos, liberadores y, a la vez, aterradores sobre la fuerza de la imposición  social. Con estas ideas en las manos, los artistas del surrealismo se afanaron por mostrar otro mundo, distinto a la realidad convencional, donde se mostraba otra verdad, inconsciente y necesaria para la humanidad. 

 

De la ingente cantidad de obras que pueden catalogarse como surrealistas, he escogido 8 pinturas surrealistas y una instalación (que algunos críticos clasifican dentro del dadaísmo). Todas ellas nos apuntan a la magnitud a la que se enfrentaban los artistas del surrealismo y su incursión a través de los símbolos del inconsciente. 

 La llave del campo

1.- La llave del campo (1936)  por René Magritte una de las pinturas surrealistas más conocidas

Custodiado en el Museo Thyssen-Bornemisza, este óleo de pequeño tamaño nos interroga sobre la realidad y sus posibilidades. Una ventana abierta al campo nos refleja un pequeño bosquete, el mismo que adivinamos en los cristales rotos. En este caso, la pregunta es la que sigue: ¿dónde está la realidad? ¿Detrás de la ventana? ¿O acaso esta es el reflejo de los cristales rotos? Es una de las pinturas surrealistas más conocidas por lo que tiene de juego entre la realidad consciente y la inconsciente. Nos viene a preguntar si aquello que está oculto o es desconocido quizás no sea la verdad absoluta tal cual abogan los postulados del psicoanálisis y sus deseos fervientes por traer aquello agazapado a la realidad consciente. 

La persistencia de la memoria 

2.- La persistencia de la memoria (1931) de Salvador Dalí y sus símbolos del tiempo y la muerte 

Es otra de las pinturas surrealistas más famosas con sus relojes derritiéndose y su paisaje lunar de fondo. De esta obra se han realizado bastantes análisis con interpretaciones distintas, algo común al arte surrealista, el cual siempre necesita ser explicado. En ella, Dalí (con graves problemas de autoestima e, incluso, mentales recordemos) nos presenta un fondo onírico a más no poder con relojes que se derriten y no pueden mantenerse en pie. Sin duda, es una metáfora de la inmaterialidad e inconsistencia del tiempo. Y decir tiempo es decir muerte, un tabú y una verdad aterradora para el genio de Dalí. 

El gran masturbador

3.- El gran masturbador (1929) de Salvador Dalí, la más reconocida de las pinturas surrealistas

En ella se aprecian sustratos de la pintura metafísica y está poblado de símbolos. Recordemos aquí que el inconsciente se manifiesta, especialmente a través del mundo del arte y también de los sueños. Su lenguaje es el de los símbolos, perdido para la humanidad contemporánea actual. Por eso es tan difícil descifrar el significado de los sueños y de algunos símbolos presentes en estas pinturas surrealistas. En esta obra Dalí usa casi todos los recursos y temas que le atormentaban. Por un lado, el sexo distendido y saludable que no pudo disfrutar por su confusión espiritual (y que permitió sus obras geniales dicho sea de paso), por el otro, la muerte y la corrupción presente en las larvas y los gusanos que se abren en un cuerpo femenino intrigante. En ella se representan todas la obsesiones del artista y se vomitan como en una pesadilla en la que la mujer (representación de la vida a través de la maternidad) ha perdido toda vocación luminosa para volverse de una manera casi pérfida. 

Bañista sentada 

4.-Bañista sentada (1930) por Pablo Picasso 

Aunque está clasificada como una de las pinturas surrealistas en ella se adivina aún los trazos y los modos de las obras del cubismo. Si Dalí nos interpela y nos solivianta con unas imágenes oníricas en las que los símbolos se alinean para presentar una realidad inquietante, este óleo es casi amable, una de los pocos del surrealismo. Nos presenta una mujer desnuda desestructurada con un cuerpo que se confunde con el paisaje, el mar y el cielo. 

El Carnaval del Alerquín  

5.- El carnaval del Alerquín (1924-1925) de Joan Miró 

Las obras de Miró tienen un sustrato en las pinturas de El Bosco (quizás el primer artista surrealista aunque sus temas no fueran los del inconsciente liberador sino los del Apocalipsis biblíco). Es una obra plana con gran colorido en el que se ha eliminado toda perspectiva y es difícil reconocer los objetos que se presentan e identificarlos con su correlato de la realidad cotidiana. Miró nos presenta símbolos deshilados, sin coherencia aparente, mezclados y coloridos. La obra nos remite a esa mezcla y confusión propias del carnaval, cuando, por unos momentos, las convecciones sociales quedan aparcadas con el fin de conocer la verdad de la que no se habla de una manera lúdica. 

 Todavía y siempre 

6.- Todavía y siempre (1942)  por Yves Tanguy, una de las pinturas surrealistas que retratan los sueños

Es una de las pinturas surrealistas en las que se aprecia con mayor claridad la referencia onírica, esto es, al mundo de los sueños. Asistimos al espacio de la inmensidad (el mismo que aparece cuando el inconsciente interpela a la mente consciente). En este océano verdoso y quieto aparecen objetos desconocidos como de otro mundo. No podemos adivinar ni su uso ni cómo han llegado hasta allí. Es una de las obras en la que la temática es la pregunta misma. En ella está representado ese “qué hago aquí” con el que todo ser humano se ha torturado alguna vez. 

 Interior holandés de Joan Miró

7.- Interior holandés (1928) por Joan Miró

Volvemos al sustrato de las pinturas de El Bosco en una obra dramática en lo que al colorido se  refiere y que, de alguna manera, toca los postulados de la abstracción. 

Nada de ello sabrán los hombres

8.-  Nada de ello sabrán los hombres (1923) por Max Ernst o la necesidad de interpretación como otras pinturas surrealistas

Son los símbolos religiosos que aparecen en la obra lo que la hacen tan inquietante a la par que el título también contribuye a ello. Nos remite al esoterismo del iniciado, a aquello que está oculto, ajeno a la mente consciente o ignorante de la magnitud del universo y su lenguaje. Es una de mis pinturas surrealistas favoritas porque nos interroga con una necesidad de conocimiento casi místico y con un intento de unidad entre la razón y los sueños, entre lo sacro y lo profano, entre lo individual y lo colectivo que es casi imposible. Las partes del cuerpo desunidas que aparecen en la obra vuelven sobre ese sentido: la imposibilidad de la unión y la realización completas. 

 Rueda de bicicleta de Marcel Duchamp

 

Del dadaísmo al surrealismo con Rueda de bicicleta (1913) de Marcel Duchamp

No es una escultura o una pintura. Su clasificación es más bien el de instalación. Esto es, una obra de arte realizada con elementos de desecho o de partes de objetos de la vida cotidiana con la finalidad de interpelar al espectador. Duchamp fue un maestro de este tipo de obras. Recordemos La fuente de 1917 en el que se utiliza un urinario masculino. En este tipo de obras se quiere generar a la par un malestar y una pregunta. Se recurre a los símbolos (la rueda es uno de los considerados primigenios o esenciales) para acceder al mensaje por la vía del inconsciente puro y duro. El que la rueda (de bicicleta) esté colocada sobre un taburete en la posición contraria a la lógica intelectual lo hace aún más inquietante al negar cualquier utilidad o servicio.  

El surrealismo, para ir terminando y como hemos visto en estas pinturas surrealistas más famosas, obvia la realidad cotidiana, la de la mente consciente, para buscar la verdad a través de la liberación del inconsciente y del mundo onírico. Para ello se valen tanto de símbolos tradicionales como de imágenes que pertenecen al imaginario de terror particular del artista. En este último caso, quizás sea Salvador Dalí el maestro inigualable.

Por Candela Vizcaíno

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Prácticamente todos los movimientos de las denominadas vanguardias históricas querían hacer saltar por los aires cualquier tradición artística anterior. No fue esta una de las características del cubismo exclusiva de sus integrantes. Este anhelo por ser los primeros o los pioneros en una manera radical de enfrentarse al arte en todos sus ámbitos fue también común en el dadaísmo (especialmente en el ámbito literario), en el futurismo (aunque se quedaran en mera declaración de intenciones), en el expresionismo…  

La crítica se ha puesto de acuerdo en aceptar que una de las obras del cubismo más importantes, Las señoritas de Avignon, de Pablo Picasso y realizada en 1907, inaugura el movimiento. Este se extiende hasta bien entrado la década de los años veinte del siglo XX, aunque la mayoría de los artistas del cubismo evolucionan hacia otros modos representativos. A pesar de su corta duración, el cubismo, junto con el movimiento conocido como surrealismo, son los más señeros e importantes (por su sustrato en los creadores posteriores) del siglo XX. 

10 características del cubismo comunes a los  periodos analítico y sintético

El movimiento se divide en dos periodos, el analítico (el cual se extiende desde sus inicios hasta 1911-1912 aproximadamente) y el sintético (el cual retoma el relevo en esta fecha hasta al disolución del mismo). Ambos, por supuesto, tienen características comunes que detallo a continuación. 

Cinco primeras características del cubismo 

1.- Una de las características del cubismo, como he indicado, es su desprecio casi por la tradición. Ni que decir tiene que esto no se consiguió del todo, ya que nada hay en la creación de la humanidad que se haga de nuevo. No obstante, consiguieron revolucionar los cimientos del arte de una manera nunca vista hasta entonces.  

2.- El cubismo no puede entenderse sin un componente social. Los artistas del movimiento estaban imbuidos de la creencia de que el arte sirve para cambiar el mundo. El método sería simplemente una actitud rebelde ante los convencionalismo de la época. Estos siempre han existido, existen y seguirán existiendo, pero en los albores del siglo XX eran tantos que coartaban la creatividad casi. 

3.- Para poder entender las características del cubismo en toda su extensión y magnitud no podemos olvidar que en la época se desarrollan una serie de avances tecnológicos, de ingeniería o científicos que hacen saltar por los aires la concepción del mundo imperante hasta entonces. Si la fotografía como representación se hace común, el arte tiene que buscar su sentido en otros modelos y otros mundos. Esos universos inexplorados se abren con la Teoría de la relatividad de Einstein y los estudios sobre el inconsciente inaugurados por Freud.  

4.- Hay una fuerte inspiración en el arte africano con sus líneas marcadas, sus colores ocres, sus máscaras simbólicas y sus trazos rápidos.  A poco que nos detengamos en Las señoritas de Avignon, por poner un caso, encontramos rápidamente esos paralelismos en los rostros de las protagonistas. 

5.- Los materiales (el lienzo, la arena, los elementos metálicos) comienzan a tener sentido expresivo. Esto es, el significante (la forma) se reviste también de significado. Esta tendencia se extiende por todo el siglo XX superando incluso las fronteras de los modos expresivos del siglo XXI.  

Seguimos con más características del cubismo comunes al movimiento

6.- Hay un gusto por los interiores, por las composiciones de objetos, por los bodegones, por la representación de la figura humana que, por primera vez en la historia del arte, comienza a distorsionarse de manera significativa. 

7.- Se eligen temas que hasta la fecha se consideraban escabrosos o fuera del sistema convencional. En este sentido, recordemos que Las señoritas de Avignon, para seguir con el mismo ejemplo,  es la representación de las chicas en exhibición en un salón de un burdel cualquiera.  

8.- En definitiva, hay un cambio radical a la hora de elegir los personajes de las obras. Atrás quedarían para siempre los modelos aristocráticos, los temas mitológicos, la representación amable de la cotidianidad… Es una de las características del cubismo que más influencia ha generado en el arte posterior.  

“… esos personajes no son dioses, tampoco titanes ni héroes, ni siquiera figuras simbólicas ni alegóricas. Son problemas desnudos, números blancos sobre un fondo negro. Aquí aparece el principio de la pintura ecuación. El nuevo cuadro fue espontáneamente bautizado por un amigo del artista como Las prostitutas filosóficas. Pienso que fue el último chiste hecho en un estudio y todavía regocijó el mundo de los jóvenes pintores. A partir de entonces la pintura sería una ciencia y muy austera.”

 

André Salmon a propósito de Las señoritas de Avignon

9.- Otra de las características del cubismo que se fue afianzando a partir de la segunda década de vida del movimiento es el gusto por la geometría, por imponer un orden matemático (y, por tanto, científico) en la obra.  

10.- Hay un gusto por la escultura, la cual se realiza, en su mayoría, siguiendo la técnica del ensamblaje de distintos materiales (incluso de desecho) olvidando casi para siempre el orden puro de las técnicas clásicas. 

7 características del cubismo sintético 

1.- Las líneas se confunden entre sí dificultando el reconocimiento de figuras ya sean animadas o inanimadas.  

2.- Se abandona la idea de la representación de la realidad. El arte ya no tiene esa “función”. Por tanto, hay que generar obras que nos introduzcan en otros mundos. Este sería el de la razón. Y, a lo largo del siglo XX, cobra fuerza la descripción de un inconsciente oculto a través de los postulados del surrealismo.  

3.- El artista ofrece su visión del la realidad que no tiene por qué ser la convencional. El cubismo, por tanto, erige al creador como una especie de demiurgo, de creador de realidades que ya se dio en movimientos anteriores como el Romanticismo literario.  

4.-  Hay un gusto por la composición de objetos de la vida cotidiana: guitarras, jarrones, mesas periódicos…

5.-  Los colores adquieren una tonalidad ocre y/o apagado con preponderancia de trazos gruesos, lineales y de contorno en negro.  

6.- Se renuncia a la perspectiva. Por tanto, las composiciones aparecen como amontonadas, sobrepuesto un objeto tras otro. 

7.- Se recurre a las formas geométricas e, incluso, a las puras fácilmente reconocibles dentro del cuadro.

Características del cubismo analítico 

A partir de 1911 el movimiento evoluciona hacia otros modos expresivos a la par que se van incorporando nuevos artistas que habían entrado en contacto, sobre todo, con la obra de Picasso en París.  

1.- Los cuadros se llenan con colores vivos, radiantes  y luminosos abandonado la gama de los pardos y terrosos. 

2.- Se investiga con las posibilidades de la perspectiva pero siempre de manera diferente a cómo se había abordado la temática de manera tradicional. 

3.- Hay un gusto por el collage, por el ensamblaje, por la utilización de elementos de la vida cotidiana que se incorporan a la obra como parte de ella y, a la par, como representación. 

4.- Una de las características del cubismo se centra en el uso de la tipografía como elementos de significado. No es ajena a otros movimientos de vanguardia y el dadaísmo hizo uso de ellas de manera abundante.  

5.- Los artistas son conscientes de su originalidad e importancia y a la teoría sobre el movimiento se hace a la par que se crean las obras. En este sentido, Apollinaire (uno de los inspiradores de la poesía visual posterior) escribe y publica en 1913 Meditaciones estéticas. Los pintores cubistas. Aquí desgrana todas sus características y los retos a los que se enfrentarían todos los artistas (especialmente de París) que cayeron rendidos a la nueva manera artística.  

6.- El gusto por las matemáticas, la geometría o la ciencia hace que los artistas cubistas recuperen el número áureo o divino. Y eso a pesar de su choque con cualquier idea que pudiera considerarse tradición. Esta proporción se retoma en el Renacimiento (tras estudios de los textos de la Biblia) y es considerada la perfecta y la armónica. Tuvo bastante predicamento, especialmente, en la arquitectura de la época. 

7.-  Las investigaciones de las posibilidades de la obra llegan a una evolución que adelanta, incluso, la abstracción. 

Si bien el movimiento duró relativamente poco y hacia la mitad de la década de los años veinte puede darse por terminado, su influencia fue inmensa. La revolución que supuso en los cánones artísticos de la época fue tanta que constituyó un sustrato significativo para buena parte de los artistas del siglo XX.  

Por Candela Vizcaíno

 

 

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El arte es lo que queda cuando todo ha pasado. Es lo inmutable dentro del cambio. Es la belleza en un mundo en caos. El arte es parte importante de este sitio. Intentamos comprenderlo. 

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Prácticamente todos los movimientos de las denominadas vanguardias históricas querían hacer saltar por los aires cualquier tradición artística anterior. No fue esta una de las características del cubismo exclusiva de sus integrantes. Este anhelo por ser los primeros o los pioneros en una manera radical de enfrentarse al arte en todos sus ámbitos fue también común en el dadaísmo (especialmente en el ámbito literario), en el futurismo (aunque se quedaran en mera declaración de intenciones), en el expresionismo…  

La crítica se ha puesto de acuerdo en aceptar que una de las obras del cubismo más importantes, Las señoritas de Avignon, de Pablo Picasso y realizada en 1907, inaugura el movimiento. Este se extiende hasta bien entrado la década de los años veinte del siglo XX, aunque la mayoría de los artistas del cubismo evolucionan hacia otros modos representativos. A pesar de su corta duración, el cubismo, junto con el movimiento conocido como surrealismo, son los más señeros e importantes (por su sustrato en los creadores posteriores) del siglo XX. 

10 características del cubismo comunes a los  periodos analítico y sintético

El movimiento se divide en dos periodos, el analítico (el cual se extiende desde sus inicios hasta 1911-1912 aproximadamente) y el sintético (el cual retoma el relevo en esta fecha hasta al disolución del mismo). Ambos, por supuesto, tienen características comunes que detallo a continuación. 

Cinco primeras características del cubismo 

1.- Una de las características del cubismo, como he indicado, es su desprecio casi por la tradición. Ni que decir tiene que esto no se consiguió del todo, ya que nada hay en la creación de la humanidad que se haga de nuevo. No obstante, consiguieron revolucionar los cimientos del arte de una manera nunca vista hasta entonces.  

2.- El cubismo no puede entenderse sin un componente social. Los artistas del movimiento estaban imbuidos de la creencia de que el arte sirve para cambiar el mundo. El método sería simplemente una actitud rebelde ante los convencionalismo de la época. Estos siempre han existido, existen y seguirán existiendo, pero en los albores del siglo XX eran tantos que coartaban la creatividad casi. 

3.- Para poder entender las características del cubismo en toda su extensión y magnitud no podemos olvidar que en la época se desarrollan una serie de avances tecnológicos, de ingeniería o científicos que hacen saltar por los aires la concepción del mundo imperante hasta entonces. Si la fotografía como representación se hace común, el arte tiene que buscar su sentido en otros modelos y otros mundos. Esos universos inexplorados se abren con la Teoría de la relatividad de Einstein y los estudios sobre el inconsciente inaugurados por Freud.  

4.- Hay una fuerte inspiración en el arte africano con sus líneas marcadas, sus colores ocres, sus máscaras simbólicas y sus trazos rápidos.  A poco que nos detengamos en Las señoritas de Avignon, por poner un caso, encontramos rápidamente esos paralelismos en los rostros de las protagonistas. 

5.- Los materiales (el lienzo, la arena, los elementos metálicos) comienzan a tener sentido expresivo. Esto es, el significante (la forma) se reviste también de significado. Esta tendencia se extiende por todo el siglo XX superando incluso las fronteras de los modos expresivos del siglo XXI.  

Seguimos con más características del cubismo comunes al movimiento

6.- Hay un gusto por los interiores, por las composiciones de objetos, por los bodegones, por la representación de la figura humana que, por primera vez en la historia del arte, comienza a distorsionarse de manera significativa. 

7.- Se eligen temas que hasta la fecha se consideraban escabrosos o fuera del sistema convencional. En este sentido, recordemos que Las señoritas de Avignon, para seguir con el mismo ejemplo,  es la representación de las chicas en exhibición en un salón de un burdel cualquiera.  

8.- En definitiva, hay un cambio radical a la hora de elegir los personajes de las obras. Atrás quedarían para siempre los modelos aristocráticos, los temas mitológicos, la representación amable de la cotidianidad… Es una de las características del cubismo que más influencia ha generado en el arte posterior.  

“… esos personajes no son dioses, tampoco titanes ni héroes, ni siquiera figuras simbólicas ni alegóricas. Son problemas desnudos, números blancos sobre un fondo negro. Aquí aparece el principio de la pintura ecuación. El nuevo cuadro fue espontáneamente bautizado por un amigo del artista como Las prostitutas filosóficas. Pienso que fue el último chiste hecho en un estudio y todavía regocijó el mundo de los jóvenes pintores. A partir de entonces la pintura sería una ciencia y muy austera.”

 

André Salmon a propósito de Las señoritas de Avignon

9.- Otra de las características del cubismo que se fue afianzando a partir de la segunda década de vida del movimiento es el gusto por la geometría, por imponer un orden matemático (y, por tanto, científico) en la obra.  

10.- Hay un gusto por la escultura, la cual se realiza, en su mayoría, siguiendo la técnica del ensamblaje de distintos materiales (incluso de desecho) olvidando casi para siempre el orden puro de las técnicas clásicas. 

7 características del cubismo sintético 

1.- Las líneas se confunden entre sí dificultando el reconocimiento de figuras ya sean animadas o inanimadas.  

2.- Se abandona la idea de la representación de la realidad. El arte ya no tiene esa “función”. Por tanto, hay que generar obras que nos introduzcan en otros mundos. Este sería el de la razón. Y, a lo largo del siglo XX, cobra fuerza la descripción de un inconsciente oculto a través de los postulados del surrealismo.  

3.- El artista ofrece su visión del la realidad que no tiene por qué ser la convencional. El cubismo, por tanto, erige al creador como una especie de demiurgo, de creador de realidades que ya se dio en movimientos anteriores como el Romanticismo literario.  

4.-  Hay un gusto por la composición de objetos de la vida cotidiana: guitarras, jarrones, mesas periódicos…

5.-  Los colores adquieren una tonalidad ocre y/o apagado con preponderancia de trazos gruesos, lineales y de contorno en negro.  

6.- Se renuncia a la perspectiva. Por tanto, las composiciones aparecen como amontonadas, sobrepuesto un objeto tras otro. 

7.- Se recurre a las formas geométricas e, incluso, a las puras fácilmente reconocibles dentro del cuadro.

Características del cubismo analítico 

A partir de 1911 el movimiento evoluciona hacia otros modos expresivos a la par que se van incorporando nuevos artistas que habían entrado en contacto, sobre todo, con la obra de Picasso en París.  

1.- Los cuadros se llenan con colores vivos, radiantes  y luminosos abandonado la gama de los pardos y terrosos. 

2.- Se investiga con las posibilidades de la perspectiva pero siempre de manera diferente a cómo se había abordado la temática de manera tradicional. 

3.- Hay un gusto por el collage, por el ensamblaje, por la utilización de elementos de la vida cotidiana que se incorporan a la obra como parte de ella y, a la par, como representación. 

4.- Una de las características del cubismo se centra en el uso de la tipografía como elementos de significado. No es ajena a otros movimientos de vanguardia y el dadaísmo hizo uso de ellas de manera abundante.  

5.- Los artistas son conscientes de su originalidad e importancia y a la teoría sobre el movimiento se hace a la par que se crean las obras. En este sentido, Apollinaire (uno de los inspiradores de la poesía visual posterior) escribe y publica en 1913 Meditaciones estéticas. Los pintores cubistas. Aquí desgrana todas sus características y los retos a los que se enfrentarían todos los artistas (especialmente de París) que cayeron rendidos a la nueva manera artística.  

6.- El gusto por las matemáticas, la geometría o la ciencia hace que los artistas cubistas recuperen el número áureo o divino. Y eso a pesar de su choque con cualquier idea que pudiera considerarse tradición. Esta proporción se retoma en el Renacimiento (tras estudios de los textos de la Biblia) y es considerada la perfecta y la armónica. Tuvo bastante predicamento, especialmente, en la arquitectura de la época. 

7.-  Las investigaciones de las posibilidades de la obra llegan a una evolución que adelanta, incluso, la abstracción. 

Si bien el movimiento duró relativamente poco y hacia la mitad de la década de los años veinte puede darse por terminado, su influencia fue inmensa. La revolución que supuso en los cánones artísticos de la época fue tanta que constituyó un sustrato significativo para buena parte de los artistas del siglo XX.  

Por Candela Vizcaíno

 

 

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El Dadaísmo o Dadá fue uno de los movimientos artísticos de las vanguardias históricas que quiso hacer saltar por los aires la sociedad imperante a través de lo que denominaron antiarte.  

¿Qué fue el Dadaísmo o Dadá en arte?  

Estamos en los años duros de la Primera Guerra Mundial. En las trincheras se dirimía una nueva partición del mundo con su reguero de sangre inocente (siempre lo es).  Un año antes Einstein había publicado su Teoría de la Relatividad. La interpretación de los sueños de Freud estaba en apogeo afianzando el psicoanálisis. La percepción de los artistas era poco, más o menos, que el mundo (conocido) se terminaría de una mañana a otra. Con ese sustrato, nace el Dadaísmo o Dadá. Fue un movimiento rupturista al máximo (mucho más que el violento Futurismo) y entre sus “objetivos” finales estaba acabar con la cultura impuesta por la burguesía en el Romanticismo. Pero vamos por partes y poco a poco. 

Podemos considerar que el Dadaísmo surge en 1913 con los ready mades de Duchamp. El primero fue la rueda de bicicleta. Hacia el año 1924 el movimiento quedó finiquitado y sus miembros se adhirieron al pujante Surrealismo.  Este -ismo fue algo más que un movimiento artístico o literario y surgió con una finalidad política o subversiva casi, ya que pretendían liberar al ser humano de todas las ataduras de la tradición. Para ello utilizaron recursos de los sueños, el psicoanálisis, los símbolos…  Aunque puede considerarse finiquitado en esa fecha, podemos encontrar sustrato de este movimiento en propuestas artísticas contemporáneas como la poesía visual, la instalación o el land art. Joan Brossa, posterior y desligado de este movimiento de vanguardia histórica, no niega su filiación y adhesión al Dadaísmo. 

10 características del Dadaísmo

Es absolutamente necesario meterse en la cabeza que el arte es para los burgueses y yo entiendo por burgués un señor sin imaginación”

Con estas palabras justificaba Arthur Cravan, uno de los representantes del Dadaísmo, por qué había que romper con la tradición. Si esta es la primera característica del Dadaísmo, tenemos más. 

1.- Movimiento rebelde que pretende echar por los aires la sociedad burguesa

Y las palabras de Arthur Cravan al respecto son fuertemente descriptivas. Para los artistas del Dadaísmo el sistema imperante era considerado la fuente de todos los males. Recordemos que estamos inmersos en, hasta entonces, la más cruel guerra de la historia de Europa. Los cimientos del mundo conocido se tambalean y los creadores tienen la tentación de empezar de cero de una manera totalmente distinta de lo que se había hecho hasta entonces. Tampoco podemos obviar que todos ellos están aquejados de un fuerte sentimiento nihilista, natural si se evidencia tanta destrucción, sangre y muerte. 

2.- Realizaron un reforma radical de las formas artísticas imperantes

Para ello no pueden servir las fórmulas y los modos anteriores. Para el Dadaísmo es esencial utilizar unos materiales, géneros y montajes antes no visto. Se explica con el ejemplo “La Fuente” de Duchamp, un urinario masculino elevado a la categoría del arte simplemente porque hay una “intención” creadora (rompedora y de diálogo) y una firma en el mismo. 

3.- Se plantearon la utilidad y finalidad del arte mismo

Si un urinario puede ser elevado a la categoría de arte (con todo lo que tiene de escatológico y objeto de la vida cotidiana) es normal que se pregunten por los objetivos del mismo. ¿Para qué sirve? ¿Para generar belleza? ¿Acaso para remover conciencias? ¿O más bien el arte abre las puertas para la rebelión y los cambios sociales? El Dadaísmo se sitúa en la pregunta y esta va desde la inutilidad o nihilismo hasta el motor del progreso humano. 

4.- Dinamitaron las fronteras entre los géneros

Y lo hicieron para siempre. Los lienzos se realizan con objetos que forman un collage. Pero no se quedan aquí ya que evolucionan hacia el ensamble introduciendo objetos tridimensionales (cables de acero o arena). Algunas obras son de difícil clasificación y no pueden calificarse con los modos tradicionales de pintura, poesía, escultura u teatro.  

5.- En el Dadaísmo se utilizaron todo tipo de materiales incluido el reciclaje u objetos que no formaban parte tradicionalmente del arte

Y eso fue por primera vez en la historia, aunque posteriormente sería una práctica frecuente que se ha llevado hasta el extremo a finales del siglo XX (animales disecados, objetos biológicos, obras que se destruyen…) El movimiento utilizó vidrios en los lienzos, maderas coloreadas, hierro, acero… 

6.- Gusto por el collage en la línea del Cubismo hasta llegar al ensamblaje

No hay una obra del Dadaísmo que pueda considerarse pura. Cualquier título está elaborado siguiendo técnicas diversas y rompiendo la categoría de los géneros.  Otra innovación fue el fotomontaje realizado por Man Ray, el cual adelanta los modos y lirismo buscado por los surrealistas. 

7.- El Dadaísmo es un movimiento irónico, crítico y que recurre a un particular sentido del humor

Son dados a la payasada, a la parodia, al teatro loco, a buscar el revés más profundo de las cosas, de las relaciones humanas y del orden social. Nada se había hecho entonces en este sentido. Las obras de teatro estaban perfectamente estructuradas aunque fueran cómicas o sencillas. 

8.- Movimiento surgido en Zurich alrededor de Cabaret Voltaire

Desde finales del siglo XIX hasta casi finalizar el siglo XX, París era, sencillamente, el ombligo del mundo. En sus cafés y talleres se producía toda obra de arte que aspirara a ser internacional. En las mesas agolpadas en las aceras parisinas se hablaba de política, filosofía, religión o literatura. En los cabarets se encontraba inspiración para las obras de arte y Saint Germain y Montmatre se agolpaban los talleres de los artistas plásticos y escultores. Sin embargo, el Dadaísmo surgió en Zurich (Suiza), un lugar en el extrarradio, pero que se había declarado neutral en la guerra. Los dadaístas se congregaban en el Cabaret Voltaire. 

Paralelamente el movimiento toma cuerpo en Nueva York abanderado por Duchamp y Picabia, erigiéndose la Ciudad de los Rascacielos en centro artístico por primera vez en la historia del arte.  Por la parte europea se propaga hacia Berlín, el resto de Alemanía y Europa. 

9.- Más que el resultado de la obra prima la actitud y la intención

El Dadaísmo surgió como un movimiento "anti-arte". Para los artistas que lo conformaban era más importante la provocación, la ironía, el hacer mofa de una manera agresiva incluso que la propia producción. Por eso, se afanaron en realizar montajes teatrales, poéticos o instalaciones que hicieran saltar la concepción del arte y de la vida burguesa.  

10.- En literatura crearon los llamados poemas simultáneos

En el Cabaret Voltaire se daba rienda suelta a las propuestas del Dadaísmo literario y allí se hacían los recitales de poemas con un carácter provocador, revolucionario y transgresor. Tampoco podemos obviar un punto de “efant terrible” presente en las obras plásticas o escritas. Los poemas simultáneos fueron los que más éxito obtuvieron. Eran textos recitados a la vez en varias lenguas (inglés, francés y alemán). Ni que decir tiene que era imposible entender nada y que lo que se buscaba era, precisamente, el efecto de confusión como una moderna Babel que imposibilitaba cualquier atisbo de comunicación. 

El Dadaísmo literario también creó los poemas estáticos. Estos eran unos cartelones con la particular tipografía del movimiento y una palabra. Cada uno de ellos se colocaba en una silla. Se subía y bajaba el telón. Cada vez que había un cambio el escenario se trastocaba. En cada visión el mensaje era totalmente distinto. Con ello también se conseguía hacer pensar al espectador sobre las posibilidades polisémicas de la palabra literaria. 

10 representantes del Dadaísmo

1.- Marcel Duchamp (1887-1968), uno de los principales representantes del Dadaísmo 

Sitúa su centro de producción en Nueva York y es uno de los más combativos representantes del Dadaísmo contra lo que consideraban la corrupción del arte. Su estética manifiesta un hastío de las fórmulas comunicativos que se vuelven totalmente revolucionarias. Es el “inventor” de los denominados ready mades. Son objetos con una fuerte impronta onírica e irreal realizados utilizando la técnica del ensamblaje de otros existentes en la vida cotidiana. Si el carácter chocante de las obras puede invitar a la confusión en la interpretación, el título ayuda a ver el mensaje de la misma desde otra perspectiva.  

2.-Francis Picabia, el negador del arte

Nacido y muerto en París (1879-1953), pasó por todos los -ismos posibles desde el Cubismo hasta el Futurismo e, incluso, el orfismo. Mezcla objetos de tipo industrial con textos irónicos u jocosos en los que quiere hacer saltar por los aires la concepción burguesa del orden establecido.  

3.- Salvador Dalí, el surrealista que primero militó en el Dadaísmo

Uno de los representantes más significativos de este movimiento que, incluso, llevó su estática a la vivienda regalada a su esposa Gala en el Castillo de Púbol, militó en primera instancia siguiendo la línea de Dadá.

4.- Man Ray (1870-1970) el fotógrafo del Dadaísmo 

Sus fotografías son famosas aunque en la línea del Surrealismo. En 1915 se encuentra con Marcel Duchamp y emprende el camino de la innovación en fotografía utilizando el aerógrafo. También crea objetos imaginativos de difícil clasificación. 

5.- Jeans Arp, uno de los representantes del Dadaísmo más polifacético

Francés (1887-1966), lo mismo realiza esculturas que poemas. Pronto evolucionó hacia la abstracción y hacia el Surrealismo. 

7.- Max Ernst (1891-1976) otro de los representantes del Dadaísmo fundamentales

Durante toda su carrera experimentó con técnicas, formas y materiales. Llevó una vida azarosa con varios matrimonios (uno de ellos con Peggy Guggenheim y otro con Leonora Carrington) es también uno de los principales artistas del Surrealismo. 

8.- André Breton (1896 -1966), interesado por la escritura automática

Comenzó trabajando como enfermero en hospitales psiquiátricos. En aquella época, estos lugares eran lúgubres centros de reclusión de personas alejadas de cualquier curación (esquizofrenias, trastornos bipolares, alucinaciones y psicosis eran el día a día). Las teorías de Freud estaban ya publicadas y personal psiquiátrico y artistas se lanzaron a explorar los recovecos del inconsciente. André Breton fue uno de ellos interesándose, especialmente, por la escritura automática como médium casi de comunicación entre el espíritu inconsciente y la mente consciente. 

9.- Tristan Tzara (1896-1963) el máximo exponente del dadaísmo literario

Fue el quien organizó por todo París espectáculos callejeros en los que, en la línea del movimiento, su finalidad era hacer la función de anti-arte. Esto es, sería alejarse de la belleza para escandalizar. Fue también el creador de los distintos manifiestos (en total seis) del movimiento.  

10.- Beatriz Wood (1893-1998) o Mama Dada

Norteamericana de clase alta y tras un paso por París donde aprendió a hablar francés. Fue la fundadora de la revista The blind man, una de las publicaciones del movimiento.  

  • La Fuente de Duchamp
    La Fuente de Duchamp
  • LHOOQ
    LHOOQ
  • Cartel de encuentro  Dadá
    Cartel de encuentro Dadá

5 obras del Dadaísmo  

1.- La Fuente de Marcel Duchamp (1917).

2.- La novia puesta al desnudo por sus solteros, incluso (El gran Cristal) de Marcel Duchamp realizada entre 1915 y 1923.

3.- Nada de ello sabrán los hombres de Max Ernst de 1923.

4.- Retrato de Tristan Tzara (1916) de Jeans Arp.

5.- La conquista del filósofo por Giorgio Chirico  (1914) y luego sería abanderado de la pintura metafísica

Para mediados de los años veinte el movimiento quedó totalmente finiquitado y sus principales representantes se adhirieron a los modos del Surrealismo, el que predominó la escena artística del mediados del siglo XX por completo. 

Por Candela Vicaíno 

 

 

 

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El arte es lo que queda cuando todo ha pasado. Es lo inmutable dentro del cambio. Es la belleza en un mundo en caos. El arte es parte importante de este sitio. Intentamos comprenderlo. 

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El Dadaísmo o Dadá fue uno de los movimientos artísticos de las vanguardias históricas que quiso hacer saltar por los aires la sociedad imperante a través de lo que denominaron antiarte.  

¿Qué fue el Dadaísmo o Dadá en arte?  

Estamos en los años duros de la Primera Guerra Mundial. En las trincheras se dirimía una nueva partición del mundo con su reguero de sangre inocente (siempre lo es).  Un año antes Einstein había publicado su Teoría de la Relatividad. La interpretación de los sueños de Freud estaba en apogeo afianzando el psicoanálisis. La percepción de los artistas era poco, más o menos, que el mundo (conocido) se terminaría de una mañana a otra. Con ese sustrato, nace el Dadaísmo o Dadá. Fue un movimiento rupturista al máximo (mucho más que el violento Futurismo) y entre sus “objetivos” finales estaba acabar con la cultura impuesta por la burguesía en el Romanticismo. Pero vamos por partes y poco a poco. 

Podemos considerar que el Dadaísmo surge en 1913 con los ready mades de Duchamp. El primero fue la rueda de bicicleta. Hacia el año 1924 el movimiento quedó finiquitado y sus miembros se adhirieron al pujante Surrealismo.  Este -ismo fue algo más que un movimiento artístico o literario y surgió con una finalidad política o subversiva casi, ya que pretendían liberar al ser humano de todas las ataduras de la tradición. Para ello utilizaron recursos de los sueños, el psicoanálisis, los símbolos…  Aunque puede considerarse finiquitado en esa fecha, podemos encontrar sustrato de este movimiento en propuestas artísticas contemporáneas como la poesía visual, la instalación o el land art. Joan Brossa, posterior y desligado de este movimiento de vanguardia histórica, no niega su filiación y adhesión al Dadaísmo. 

10 características del Dadaísmo

Es absolutamente necesario meterse en la cabeza que el arte es para los burgueses y yo entiendo por burgués un señor sin imaginación”

Con estas palabras justificaba Arthur Cravan, uno de los representantes del Dadaísmo, por qué había que romper con la tradición. Si esta es la primera característica del Dadaísmo, tenemos más. 

1.- Movimiento rebelde que pretende echar por los aires la sociedad burguesa

Y las palabras de Arthur Cravan al respecto son fuertemente descriptivas. Para los artistas del Dadaísmo el sistema imperante era considerado la fuente de todos los males. Recordemos que estamos inmersos en, hasta entonces, la más cruel guerra de la historia de Europa. Los cimientos del mundo conocido se tambalean y los creadores tienen la tentación de empezar de cero de una manera totalmente distinta de lo que se había hecho hasta entonces. Tampoco podemos obviar que todos ellos están aquejados de un fuerte sentimiento nihilista, natural si se evidencia tanta destrucción, sangre y muerte. 

2.- Realizaron un reforma radical de las formas artísticas imperantes

Para ello no pueden servir las fórmulas y los modos anteriores. Para el Dadaísmo es esencial utilizar unos materiales, géneros y montajes antes no visto. Se explica con el ejemplo “La Fuente” de Duchamp, un urinario masculino elevado a la categoría del arte simplemente porque hay una “intención” creadora (rompedora y de diálogo) y una firma en el mismo. 

3.- Se plantearon la utilidad y finalidad del arte mismo

Si un urinario puede ser elevado a la categoría de arte (con todo lo que tiene de escatológico y objeto de la vida cotidiana) es normal que se pregunten por los objetivos del mismo. ¿Para qué sirve? ¿Para generar belleza? ¿Acaso para remover conciencias? ¿O más bien el arte abre las puertas para la rebelión y los cambios sociales? El Dadaísmo se sitúa en la pregunta y esta va desde la inutilidad o nihilismo hasta el motor del progreso humano. 

4.- Dinamitaron las fronteras entre los géneros

Y lo hicieron para siempre. Los lienzos se realizan con objetos que forman un collage. Pero no se quedan aquí ya que evolucionan hacia el ensamble introduciendo objetos tridimensionales (cables de acero o arena). Algunas obras son de difícil clasificación y no pueden calificarse con los modos tradicionales de pintura, poesía, escultura u teatro.  

5.- En el Dadaísmo se utilizaron todo tipo de materiales incluido el reciclaje u objetos que no formaban parte tradicionalmente del arte

Y eso fue por primera vez en la historia, aunque posteriormente sería una práctica frecuente que se ha llevado hasta el extremo a finales del siglo XX (animales disecados, objetos biológicos, obras que se destruyen…) El movimiento utilizó vidrios en los lienzos, maderas coloreadas, hierro, acero… 

6.- Gusto por el collage en la línea del Cubismo hasta llegar al ensamblaje

No hay una obra del Dadaísmo que pueda considerarse pura. Cualquier título está elaborado siguiendo técnicas diversas y rompiendo la categoría de los géneros.  Otra innovación fue el fotomontaje realizado por Man Ray, el cual adelanta los modos y lirismo buscado por los surrealistas. 

7.- El Dadaísmo es un movimiento irónico, crítico y que recurre a un particular sentido del humor

Son dados a la payasada, a la parodia, al teatro loco, a buscar el revés más profundo de las cosas, de las relaciones humanas y del orden social. Nada se había hecho entonces en este sentido. Las obras de teatro estaban perfectamente estructuradas aunque fueran cómicas o sencillas. 

8.- Movimiento surgido en Zurich alrededor de Cabaret Voltaire

Desde finales del siglo XIX hasta casi finalizar el siglo XX, París era, sencillamente, el ombligo del mundo. En sus cafés y talleres se producía toda obra de arte que aspirara a ser internacional. En las mesas agolpadas en las aceras parisinas se hablaba de política, filosofía, religión o literatura. En los cabarets se encontraba inspiración para las obras de arte y Saint Germain y Montmatre se agolpaban los talleres de los artistas plásticos y escultores. Sin embargo, el Dadaísmo surgió en Zurich (Suiza), un lugar en el extrarradio, pero que se había declarado neutral en la guerra. Los dadaístas se congregaban en el Cabaret Voltaire. 

Paralelamente el movimiento toma cuerpo en Nueva York abanderado por Duchamp y Picabia, erigiéndose la Ciudad de los Rascacielos en centro artístico por primera vez en la historia del arte.  Por la parte europea se propaga hacia Berlín, el resto de Alemanía y Europa. 

9.- Más que el resultado de la obra prima la actitud y la intención

El Dadaísmo surgió como un movimiento "anti-arte". Para los artistas que lo conformaban era más importante la provocación, la ironía, el hacer mofa de una manera agresiva incluso que la propia producción. Por eso, se afanaron en realizar montajes teatrales, poéticos o instalaciones que hicieran saltar la concepción del arte y de la vida burguesa.  

10.- En literatura crearon los llamados poemas simultáneos

En el Cabaret Voltaire se daba rienda suelta a las propuestas del Dadaísmo literario y allí se hacían los recitales de poemas con un carácter provocador, revolucionario y transgresor. Tampoco podemos obviar un punto de “efant terrible” presente en las obras plásticas o escritas. Los poemas simultáneos fueron los que más éxito obtuvieron. Eran textos recitados a la vez en varias lenguas (inglés, francés y alemán). Ni que decir tiene que era imposible entender nada y que lo que se buscaba era, precisamente, el efecto de confusión como una moderna Babel que imposibilitaba cualquier atisbo de comunicación. 

El Dadaísmo literario también creó los poemas estáticos. Estos eran unos cartelones con la particular tipografía del movimiento y una palabra. Cada uno de ellos se colocaba en una silla. Se subía y bajaba el telón. Cada vez que había un cambio el escenario se trastocaba. En cada visión el mensaje era totalmente distinto. Con ello también se conseguía hacer pensar al espectador sobre las posibilidades polisémicas de la palabra literaria. 

10 representantes del Dadaísmo

1.- Marcel Duchamp (1887-1968), uno de los principales representantes del Dadaísmo 

Sitúa su centro de producción en Nueva York y es uno de los más combativos representantes del Dadaísmo contra lo que consideraban la corrupción del arte. Su estética manifiesta un hastío de las fórmulas comunicativos que se vuelven totalmente revolucionarias. Es el “inventor” de los denominados ready mades. Son objetos con una fuerte impronta onírica e irreal realizados utilizando la técnica del ensamblaje de otros existentes en la vida cotidiana. Si el carácter chocante de las obras puede invitar a la confusión en la interpretación, el título ayuda a ver el mensaje de la misma desde otra perspectiva.  

2.-Francis Picabia, el negador del arte

Nacido y muerto en París (1879-1953), pasó por todos los -ismos posibles desde el Cubismo hasta el Futurismo e, incluso, el orfismo. Mezcla objetos de tipo industrial con textos irónicos u jocosos en los que quiere hacer saltar por los aires la concepción burguesa del orden establecido.  

3.- Salvador Dalí, el surrealista que primero militó en el Dadaísmo

Uno de los representantes más significativos de este movimiento que, incluso, llevó su estática a la vivienda regalada a su esposa Gala en el Castillo de Púbol, militó en primera instancia siguiendo la línea de Dadá.

4.- Man Ray (1870-1970) el fotógrafo del Dadaísmo 

Sus fotografías son famosas aunque en la línea del Surrealismo. En 1915 se encuentra con Marcel Duchamp y emprende el camino de la innovación en fotografía utilizando el aerógrafo. También crea objetos imaginativos de difícil clasificación. 

5.- Jeans Arp, uno de los representantes del Dadaísmo más polifacético

Francés (1887-1966), lo mismo realiza esculturas que poemas. Pronto evolucionó hacia la abstracción y hacia el Surrealismo. 

7.- Max Ernst (1891-1976) otro de los representantes del Dadaísmo fundamentales

Durante toda su carrera experimentó con técnicas, formas y materiales. Llevó una vida azarosa con varios matrimonios (uno de ellos con Peggy Guggenheim y otro con Leonora Carrington) es también uno de los principales artistas del Surrealismo. 

8.- André Breton (1896 -1966), interesado por la escritura automática

Comenzó trabajando como enfermero en hospitales psiquiátricos. En aquella época, estos lugares eran lúgubres centros de reclusión de personas alejadas de cualquier curación (esquizofrenias, trastornos bipolares, alucinaciones y psicosis eran el día a día). Las teorías de Freud estaban ya publicadas y personal psiquiátrico y artistas se lanzaron a explorar los recovecos del inconsciente. André Breton fue uno de ellos interesándose, especialmente, por la escritura automática como médium casi de comunicación entre el espíritu inconsciente y la mente consciente. 

9.- Tristan Tzara (1896-1963) el máximo exponente del dadaísmo literario

Fue el quien organizó por todo París espectáculos callejeros en los que, en la línea del movimiento, su finalidad era hacer la función de anti-arte. Esto es, sería alejarse de la belleza para escandalizar. Fue también el creador de los distintos manifiestos (en total seis) del movimiento.  

10.- Beatriz Wood (1893-1998) o Mama Dada

Norteamericana de clase alta y tras un paso por París donde aprendió a hablar francés. Fue la fundadora de la revista The blind man, una de las publicaciones del movimiento.  

  • La Fuente de Duchamp
    La Fuente de Duchamp
  • LHOOQ
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  • Cartel de encuentro  Dadá
    Cartel de encuentro Dadá

5 obras del Dadaísmo  

1.- La Fuente de Marcel Duchamp (1917).

2.- La novia puesta al desnudo por sus solteros, incluso (El gran Cristal) de Marcel Duchamp realizada entre 1915 y 1923.

3.- Nada de ello sabrán los hombres de Max Ernst de 1923.

4.- Retrato de Tristan Tzara (1916) de Jeans Arp.

5.- La conquista del filósofo por Giorgio Chirico  (1914) y luego sería abanderado de la pintura metafísica

Para mediados de los años veinte el movimiento quedó totalmente finiquitado y sus principales representantes se adhirieron a los modos del Surrealismo, el que predominó la escena artística del mediados del siglo XX por completo. 

Por Candela Vicaíno 

 

 

 

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El Futurismo fue un movimiento artístico y literario encuadrado en las vanguardias históricas. Analizamos sus características, autores y obras. 

El Futurismo fue un movimiento nacido de la cabeza de un poeta con dotes publicitarias y a la inversa. Esto es, si hasta ese momento los artistas de cualquier movimiento se ponían a crear y luego la crítica ponía un nombre a ese estilo en concreto que se diferenciaba de los demás, con ellos pasó al contrario. Con anterioridad, ese bautismo de una época o de una generación se hacía en vistas de las características y los principios comunes de los integrantes de cualquier grupo. Sin embargo, con el Futurismo no fue así. Primero surgió un manifiesto con una declaración de intenciones de lo que debería ser el arte contemporáneo (para la época) y, con posterioridad, los jóvenes creadores que gustaron de la estética se pusieron a crear. En este sentido el Futurismo es un movimiento “forzado”.  

Nació en París el 20 de febrero de 1909 con la publicación el Primer Manifiesto Futurista en el periódico Le Figaro el cual fue redactado por  Filippo Tommaso Marinetti. Para la década de los años 20 el movimiento (que tampoco había tenido muchos adeptos a pesar del ruido) estaba totalmente agotado. Nos adentramos en sus principio y singularidades comenzando con las características del Futurismo.  

10 características del Futurismo

1.- Abonados a los manifiestos 

Su gusto por los manifiestos, los panfletos y las declaraciones de intenciones de lo que el arte debería ser no ha tenido parangón en la Historia del Arte. De hecho se publicaron manifiestos hasta el año 1932 cuando el Futurismo estaba totalmente liquidado y otras formas creativas, como el Cubismo, habían tomado la delantera. 

2.- Ruptura de la tradición 

Sus integrantes querían hacer saltar por los aires todo lo que supusiera tradición, incluso proponiendo quemas de museos e instituciones similares. Se describían como creadores tan nuevos que no reflejaban sustrato de ningún otro movimiento. Sin embargo, sí tenían influencias de otros autores como los pertenecientes al Simbolismo e, incluso, algunas obras se pueden confundir con el Expresionismo

3.- Misoginia e incitación al odio

¡Sin más comentarios! 

4.- Movimiento creado a las afueras del epicentro artístico

A pesar de que el primer manifiesto se publicó en Le Figaro, surgió en Italia, en la periferia de la época. Y la mayoría de los autores del Futurismo eran de esta nacionalidad.  

5.- El Futurismo tenía un gusto especial por la violencia

En esa línea de ruptura con la tradición y el odio al diferente se justificaba “el puñetazo en la mesa”, un gesto de violencia que podía ser llevado al máximo. 

6.- Gusto por las máquinas y la velocidad

Acababan de salir los primeros coches y estamos en los inicios de la aviación. No es de extrañar esta fascinación por el hierro, las rapidez y el movimiento con estos avances mecánicos y/o tecnológicos. 

7.- El Futurismo no fue, en sus inicios, un movimiento plástico

Recordemos que se inició en la mente de un poeta: Marinetti. 

8.- Es un movimiento que abala la rebelión porque sí

9.- Los autores del Futurismo estuvieron relacionados con el Fascismo

Su afán por romper con la tradición, la violencia y la misoginia lo llevaron a adherirse a esta fórmula política e implicarse de una manera personal incluso. 

10.- Falta de originalidad del Futurismo 

Quería ser un movimiento ajeno, nuevo y que no bebiera de la tradición. Pero no lo consiguieron. De hecho algunas obras se confunden con el Simbolismo, Expresionismo o Cubismo. Y, además, de todos los movimientos de las llamadas vanguardias históricas ha sido el que menos huella ha dejado en los artistas posteriores. Ya sabemos que una cosa es la intención (con tanto manifiesto)y otra el resultado con el implacable Tiempo poniendo a todo el mundo en su sitio. 

10 autores o representantes del Futurismo

Reseño aquí los nombres y anoto que los autores del Futurismo fueron pocos y apenas contribuyeron (excepto excepciones y siempre con obras englobadas en otros movimientos) a la historia del arte. 

1.- Giacomo Balla (1871-1968)

2.- Umberto Boccioni (1882-1916)

3.- Carlo Carrá (1881-1966) 

4.- Fortunato Depero (1892-1960)

5.- Filippo Tommaso Marinetti (1876-1944)

6.-Bruno Murani (1907-1998)

7.- Luigi Russolo (1885-1947)

8.- Gino Severini (1883-1966)

9.- Mario Sironi (1885-1965)

10.- Ardengo Soffici (1879-1964)

A diferencia del resto de los movimientos de las vanguardias históricas (Expresionismo, Dadaísmo, Fauvismo…), el Futurismo se gesta en Italia, un país que se encontraba en la periferia cultural por aquellos años. De hecho, en la época (y bien entrado el siglo XX) cualquier artista que quisiera darse a conocer tenía que frecuentar París, el ombligo del mundo en la época.  Era allí donde se citaban, en cafés y locales de ocio, pintores con escritores, escultores con políiticos, filosófos con agitadores. El París del siglo XIX y bien entrado el XX era el centro del mundo mientras que en el resto de Europa se vivía de una forma atrasada (culturalmente hablando) y a otro ritmo. Ni que decir tiene que, al día de hoy, nada tiene que ver con esta realidad del pasado. 

Obras del Futurismo que nos gustan

A pesar de toda la teorización que tanto caracterizó al movimiento, las obras del Futurismo que han aportado algo a la historia del arte son bastante interesantes. Reseño prácticamente todas las que existen. Recordamos que el Futurismo fue un movimiento corto en el tiempo, con pocos adeptos y, además, con una discreta incidencia en los artistas posteriores. 

1.- Muchacha corriendo en el balcón  (1912) de Balla, quizás la más conocida y la que mejor capta ese deseo de atrapar el movimiento. 

2.- Lámpara. Estudio de luz (1909) también de Balla. Es un óleo de gran tamaño en el que se pretende representar el brillo de una bombilla moderna con elementos geométricos. 

3.-Las nadadoras (1910-19129 por Carlo Carrá, con un claro simbolismo y con características que adelanta la pintura metafísica, donde, por cierto, daría sus mejores obras este artista. 

4.- Retrato de Marinetti (1910-11) de Carlo Carrá y con claro sustrato del Cubismo. 

5.- Estados de ánimo I. Los adioses de Umberto Boccioni en un claro estilo abstracto. 

6.- La mano del violinista (1912) de Giacomo Balla.

7.- La ciudad se levanta (1910-11) de Umberto Boccioni y otra de las obras del Futurismo más señeras. Aquí se ha intentado plasmar todo el bullir de las ciudades y la técnica imperante (de la época) que tanto gustaba al movimiento. A pesar de ser una obra abstracta o deconstruída, encontramos elementos simbólicos tan potentes que forman parte, incluso, del imaginario popular. 

8.-Visiones simultáneas (1911) de Umberto Boccioni. 

9.- Estado de ánimo I: Los que se van, del mismo autor y de 1911.

10.- La revuelta (1911) de Luigi Russolo. 

11.- Los funerales del anarquista Galli (1911) de Carlo Carrá. 

12.- Desarrollo de una botella en el espacio (1912) de Boccioni. Es una escultura realizada en madera que anticipa algunos elementos del Surrealismo

13.- Compenetración iridiscente de Giacomo Balla y de 1913 realizado con colores complementarios y elementos geométricos. 

14.- Estados de ánimo II. Los adioses de Umberto Boccioni y de 1911. Es una de las obras más representativas del Futurismo donde destacan figuras que se nos antojan metálicas y el sempiterno color ocre que tanto gustaba al movimiento. 

15.- La risa (1911) por Umberto Boccioni y custodiado en el The Museum of Modern Art de Nueva York. 

16.- Tren blindado (1915) de Gino Severini

17.- La ciudad nueva (1914) de Antonio Sant’ Elia. 

18.- Estación aérea y de trenes (1914) y del mismo autor. 

19.- Velocidad elegante (1918) de Marinetti, un dibujo que se encuentra a medio camino del Naïf y la Poesía Visual

20.- Síntesis plástica de la idea “Guerra” (1915) de Gino Severini. 

21.- Mercurio pasa ante el sol (1916) de Giacomo Balla. 

Aunque puedan parecer muchas obras así todas reseñadas, bien es verdad que el Futurismo no creó muchas más. No fue un movimiento tan prolífico como los que llegaron detrás o les precedieron (Puntillismo, Impresionismo...) 

 

Por Candela Vizcaíno

 

 

 

 

 

 

 

 

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El arte es lo que queda cuando todo ha pasado. Es lo inmutable dentro del cambio. Es la belleza en un mundo en caos. El arte es parte importante de este sitio. Intentamos comprenderlo. 

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El Futurismo fue un movimiento artístico y literario encuadrado en las vanguardias históricas. Analizamos sus características, autores y obras. 

El Futurismo fue un movimiento nacido de la cabeza de un poeta con dotes publicitarias y a la inversa. Esto es, si hasta ese momento los artistas de cualquier movimiento se ponían a crear y luego la crítica ponía un nombre a ese estilo en concreto que se diferenciaba de los demás, con ellos pasó al contrario. Con anterioridad, ese bautismo de una época o de una generación se hacía en vistas de las características y los principios comunes de los integrantes de cualquier grupo. Sin embargo, con el Futurismo no fue así. Primero surgió un manifiesto con una declaración de intenciones de lo que debería ser el arte contemporáneo (para la época) y, con posterioridad, los jóvenes creadores que gustaron de la estética se pusieron a crear. En este sentido el Futurismo es un movimiento “forzado”.  

Nació en París el 20 de febrero de 1909 con la publicación el Primer Manifiesto Futurista en el periódico Le Figaro el cual fue redactado por  Filippo Tommaso Marinetti. Para la década de los años 20 el movimiento (que tampoco había tenido muchos adeptos a pesar del ruido) estaba totalmente agotado. Nos adentramos en sus principio y singularidades comenzando con las características del Futurismo.  

10 características del Futurismo

1.- Abonados a los manifiestos 

Su gusto por los manifiestos, los panfletos y las declaraciones de intenciones de lo que el arte debería ser no ha tenido parangón en la Historia del Arte. De hecho se publicaron manifiestos hasta el año 1932 cuando el Futurismo estaba totalmente liquidado y otras formas creativas, como el Cubismo, habían tomado la delantera. 

2.- Ruptura de la tradición 

Sus integrantes querían hacer saltar por los aires todo lo que supusiera tradición, incluso proponiendo quemas de museos e instituciones similares. Se describían como creadores tan nuevos que no reflejaban sustrato de ningún otro movimiento. Sin embargo, sí tenían influencias de otros autores como los pertenecientes al Simbolismo e, incluso, algunas obras se pueden confundir con el Expresionismo

3.- Misoginia e incitación al odio

¡Sin más comentarios! 

4.- Movimiento creado a las afueras del epicentro artístico

A pesar de que el primer manifiesto se publicó en Le Figaro, surgió en Italia, en la periferia de la época. Y la mayoría de los autores del Futurismo eran de esta nacionalidad.  

5.- El Futurismo tenía un gusto especial por la violencia

En esa línea de ruptura con la tradición y el odio al diferente se justificaba “el puñetazo en la mesa”, un gesto de violencia que podía ser llevado al máximo. 

6.- Gusto por las máquinas y la velocidad

Acababan de salir los primeros coches y estamos en los inicios de la aviación. No es de extrañar esta fascinación por el hierro, las rapidez y el movimiento con estos avances mecánicos y/o tecnológicos. 

7.- El Futurismo no fue, en sus inicios, un movimiento plástico

Recordemos que se inició en la mente de un poeta: Marinetti. 

8.- Es un movimiento que abala la rebelión porque sí

9.- Los autores del Futurismo estuvieron relacionados con el Fascismo

Su afán por romper con la tradición, la violencia y la misoginia lo llevaron a adherirse a esta fórmula política e implicarse de una manera personal incluso. 

10.- Falta de originalidad del Futurismo 

Quería ser un movimiento ajeno, nuevo y que no bebiera de la tradición. Pero no lo consiguieron. De hecho algunas obras se confunden con el Simbolismo, Expresionismo o Cubismo. Y, además, de todos los movimientos de las llamadas vanguardias históricas ha sido el que menos huella ha dejado en los artistas posteriores. Ya sabemos que una cosa es la intención (con tanto manifiesto)y otra el resultado con el implacable Tiempo poniendo a todo el mundo en su sitio. 

10 autores o representantes del Futurismo

Reseño aquí los nombres y anoto que los autores del Futurismo fueron pocos y apenas contribuyeron (excepto excepciones y siempre con obras englobadas en otros movimientos) a la historia del arte. 

1.- Giacomo Balla (1871-1968)

2.- Umberto Boccioni (1882-1916)

3.- Carlo Carrá (1881-1966) 

4.- Fortunato Depero (1892-1960)

5.- Filippo Tommaso Marinetti (1876-1944)

6.-Bruno Murani (1907-1998)

7.- Luigi Russolo (1885-1947)

8.- Gino Severini (1883-1966)

9.- Mario Sironi (1885-1965)

10.- Ardengo Soffici (1879-1964)

A diferencia del resto de los movimientos de las vanguardias históricas (Expresionismo, Dadaísmo, Fauvismo…), el Futurismo se gesta en Italia, un país que se encontraba en la periferia cultural por aquellos años. De hecho, en la época (y bien entrado el siglo XX) cualquier artista que quisiera darse a conocer tenía que frecuentar París, el ombligo del mundo en la época.  Era allí donde se citaban, en cafés y locales de ocio, pintores con escritores, escultores con políiticos, filosófos con agitadores. El París del siglo XIX y bien entrado el XX era el centro del mundo mientras que en el resto de Europa se vivía de una forma atrasada (culturalmente hablando) y a otro ritmo. Ni que decir tiene que, al día de hoy, nada tiene que ver con esta realidad del pasado. 

Obras del Futurismo que nos gustan

A pesar de toda la teorización que tanto caracterizó al movimiento, las obras del Futurismo que han aportado algo a la historia del arte son bastante interesantes. Reseño prácticamente todas las que existen. Recordamos que el Futurismo fue un movimiento corto en el tiempo, con pocos adeptos y, además, con una discreta incidencia en los artistas posteriores. 

1.- Muchacha corriendo en el balcón  (1912) de Balla, quizás la más conocida y la que mejor capta ese deseo de atrapar el movimiento. 

2.- Lámpara. Estudio de luz (1909) también de Balla. Es un óleo de gran tamaño en el que se pretende representar el brillo de una bombilla moderna con elementos geométricos. 

3.-Las nadadoras (1910-19129 por Carlo Carrá, con un claro simbolismo y con características que adelanta la pintura metafísica, donde, por cierto, daría sus mejores obras este artista. 

4.- Retrato de Marinetti (1910-11) de Carlo Carrá y con claro sustrato del Cubismo. 

5.- Estados de ánimo I. Los adioses de Umberto Boccioni en un claro estilo abstracto. 

6.- La mano del violinista (1912) de Giacomo Balla.

7.- La ciudad se levanta (1910-11) de Umberto Boccioni y otra de las obras del Futurismo más señeras. Aquí se ha intentado plasmar todo el bullir de las ciudades y la técnica imperante (de la época) que tanto gustaba al movimiento. A pesar de ser una obra abstracta o deconstruída, encontramos elementos simbólicos tan potentes que forman parte, incluso, del imaginario popular. 

8.-Visiones simultáneas (1911) de Umberto Boccioni. 

9.- Estado de ánimo I: Los que se van, del mismo autor y de 1911.

10.- La revuelta (1911) de Luigi Russolo. 

11.- Los funerales del anarquista Galli (1911) de Carlo Carrá. 

12.- Desarrollo de una botella en el espacio (1912) de Boccioni. Es una escultura realizada en madera que anticipa algunos elementos del Surrealismo

13.- Compenetración iridiscente de Giacomo Balla y de 1913 realizado con colores complementarios y elementos geométricos. 

14.- Estados de ánimo II. Los adioses de Umberto Boccioni y de 1911. Es una de las obras más representativas del Futurismo donde destacan figuras que se nos antojan metálicas y el sempiterno color ocre que tanto gustaba al movimiento. 

15.- La risa (1911) por Umberto Boccioni y custodiado en el The Museum of Modern Art de Nueva York. 

16.- Tren blindado (1915) de Gino Severini

17.- La ciudad nueva (1914) de Antonio Sant’ Elia. 

18.- Estación aérea y de trenes (1914) y del mismo autor. 

19.- Velocidad elegante (1918) de Marinetti, un dibujo que se encuentra a medio camino del Naïf y la Poesía Visual

20.- Síntesis plástica de la idea “Guerra” (1915) de Gino Severini. 

21.- Mercurio pasa ante el sol (1916) de Giacomo Balla. 

Aunque puedan parecer muchas obras así todas reseñadas, bien es verdad que el Futurismo no creó muchas más. No fue un movimiento tan prolífico como los que llegaron detrás o les precedieron (Puntillismo, Impresionismo...) 

 

Por Candela Vizcaíno

 

 

 

 

 

 

 

 

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Listado con las 10 obras del Futurismo más importantes

Fue el movimiento que surgió en la mente de un poeta y que se adelantó a las fórmulas del marketing actual por todo lo que supuso de ideas chocantes más que de hacer y presentar. Y esto es así porque las características del Futurismo que se enarbolaban en los distintos manifiestos, en un porcentaje muy alto, eran difíciles de llevar a la práctica. Esto es, se quedaba en un mero vocerío de intenciones más que en una realización propiamente dicha. Por eso, las obras del Futurismo son difíciles de encasillar y, a veces, se resisten muchísimo. Recordamos hoy que sus integrantes primero se anexionaron a los principios del Manifiesto Futurista publicado en Le Figaro el 20 de febrero de 1909 y luego se pusieron a crear, forzando esas obras al máximo para adaptarlas a esa declaración de intenciones. 

1.- La risa por Umberto Boccioni una de las obras del Futurismo más señeras

De entre todos los autores del Futurismo, Umberto Boccioni fue uno de los más prolíficos. En este cuadro al óleo de gran tamaño se nos presenta una imagen femenina distorsionada y sacada de todo contexto en los colores favoritos del movimiento: los rojizos, amarillentos contrastados con los azules. El movimiento se ha presentado con una especie de horror vacui en el que las figuras se amontonan con estas tonalidades que quieren representar el fuego, la fuerza y la viveza. 

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2.- Muchacha bajando la escalera de Giacomo Balla, la obra del Futurismo más representativa 

Es quizás la obra que mejor represente ese ansiado movimiento que tanto buscaban todos los representantes del Futurismo. En ella encontramos el sustrato de las composiciones de fotografía de Marey. Estas, a su vez, nos recuerdan a las primeras cintas de cine que, en aquella época, hacían furor en el París bohemio y artístico. El dinamismo, el movimiento, la velocidad se representan a través de la superposición de la misma figura repitiéndola incesantemente de tal manera que parece continuar fuera del cuadro. 

Los futuristas renegaban de cualquier tradición de una forma tan vehemente que proponían quemar los museos y otras obras patrimoniales. Afortunadamente no lo hicieron. Y es más, esta obra, a poco que se analice, encontramos la influencia (así sin más) del Puntillismo de Seurat. 

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3.- Retrato de Marinetti por Carlo Carrá (1910-11)

Filippo Tommaso Marinetti (1876-1944) fue el instigador y cabeza pensante del Futurismo. Y Carlo Carrá (1881-1966) uno de los artistas del movimiento que ha superado los avatares del tiempo, aunque sus mejores obras se encuadren en la denominada pintura metafísica.  

En el retrato se representa al poeta con una paleta de tonos ocres y en actitud de escribir (algo que sí hizo para lanzar sucesivos manifiestos), actitud pensante o concentrada. El Futurismo, recordemos, abogaba por una intelectualidad elitista muy cercana a los postulados fascistas con el que Marinetti se sentía muy cómodo. 

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4.- La ciudad se levanta por Umberto Boccioni una de las obras del Futurismo que entronan la velocidad 

Es una de mis favoritas y esta realizada entre 1910-1911. El movimiento y la velocidad de la vida moderna, por la que todos estos artistas sentían verdadera fascinación, se ha representada de una manera bastante abstracta superponiendo figuras irreconocibles casi.  

Vemos formas aerodinámicas que nos remiten al simbolismo del vuelo. Con ello se pretendía reflejar el despegue de la realidad, el cambio, la transformación y la anulación de la tradición. 

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5.- Estados de ánimo II. Los adioses (1911) de Umberto Boccini

En este pequeño óleo custodiado en el Museum of Modern Art de New York nos encontramos buena parte de las características del Futurismo. Al gusto por los colores ocres que nos dan una idea asfixiante y a la par remite al hierro que, en aquella época, se alababa como fuente de progreso se une líneas abstractas o geométricas.  

Nos encontramos, además, formas mecánicas que nos remiten a la estética industrial que tanto gustaban a los artistas del movimiento. Sin embargo, no pueden evadirse a las curvas que nos recuerdan el Art Noueveau y también a una fuerte importa del Expresionismo. Aunque los artistas futuristas abjuraban del Cubismo, en esta obra algo nos recuerda a los modos inaugurados por Pablo Picasso con sus Señoritas de Avignon y son esos números representados de forma plana y que quiere ser un llamamiento a la razón en detrimento de la emoción. 

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6.- Mercurio pasa ante el sol por Giacomo Balla una de las obras del Futurismo que parece cubista

Este pequeño cuadro perteneciente a un coleccionista privado adelanta los modos de la abstracción y deja atrás el Cubismo. Realizados en los tonos complementarios de amarillos y azules nos introduce en una especie de espiral que va a simbolizar ese movimiento constante y gusto por la velocidad que tanto gustaban a todos los integrantes del movimiento.  

7.- Los funerales del anarquista Galli (1911) por Carlo Carrá

Aunque el Futurismo está vinculado ideológicamente a la violencia del fascismo (y así lo manifiestan sus representantes), en esta obra se rinde tributo a un anarquista. ¡Será por eso de que los extremos se tocan! Realizado en los sempiternos tonos ocres y negros que llegan a producir ansiedad incluso, el movimiento, la violencia, el puñetazo, el cambio se representa con unas líneas paralelas y con la vuelta a la repetición de los motivos de la tela. 

8.- La revuelta (1911) por Luigi Russolo una de las obras del Futurismo que anticipa la abstracción

Tanto es así que en ella solo distinguimos figuras geométricas. Este movimiento tuvo una fuerte impronta mental, cerebral y de negación de la zona sentimental de la persona. Por eso, se recurría con frecuencia a la superposición de figuras geométricas representadas en los colores complementarios o primarios. En este caso se ha optado por el rojo, azul y el amarillo. 

9.- Las nadadoras por Carlo Carrá, otra de las obras del Futurismo que quiere captar el movimiento

Una figura de color naranja se adentra en un fondo que se nos antoja agua en movimiento. La personalidad ha desaparecido. El rostro es invisible. Solo podemos atisbar parte del cuerpo y la acción. Volvemos a ese gusto por el movimiento, por la fuerza brusca, por el cambio por el mismo cambio, por la violencia que caracteriza al Futurismo

10.- Síntesis plástica de la idea “Guerra”  (1915) de Gino Severini

Movimiento de ideas, racional en su ideología e irracional en su desarrollo (violento, misógino, brutal, chocante…) quiso plasmar sus fórmulas artísticas de una manera casi dogmática. La guerra (la I Mundial) truncó el destino de buena parte de sus integrantes con sus trincheras y cañonazos. En esa situación, ante la muerte, la destrucción real y la barbarie, muchos de los artistas del Futurismo evolucionaron hacia otros modos. Que una cosa era postular una serie de ideas o principios como necesarias y otra muy distinta vivirlas.  

Al finalizar la contienda, buena parte de sus integrantes (si no sucumbieron en el campo de batalla) evolucionaron a otros modos expresivos alejados del dogmatismo que tan ajeno es al arte.  

Por Candela Vizcaíno

 

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Listado con las 10 obras del Futurismo más importantes

Fue el movimiento que surgió en la mente de un poeta y que se adelantó a las fórmulas del marketing actual por todo lo que supuso de ideas chocantes más que de hacer y presentar. Y esto es así porque las características del Futurismo que se enarbolaban en los distintos manifiestos, en un porcentaje muy alto, eran difíciles de llevar a la práctica. Esto es, se quedaba en un mero vocerío de intenciones más que en una realización propiamente dicha. Por eso, las obras del Futurismo son difíciles de encasillar y, a veces, se resisten muchísimo. Recordamos hoy que sus integrantes primero se anexionaron a los principios del Manifiesto Futurista publicado en Le Figaro el 20 de febrero de 1909 y luego se pusieron a crear, forzando esas obras al máximo para adaptarlas a esa declaración de intenciones. 

1.- La risa por Umberto Boccioni una de las obras del Futurismo más señeras

De entre todos los autores del Futurismo, Umberto Boccioni fue uno de los más prolíficos. En este cuadro al óleo de gran tamaño se nos presenta una imagen femenina distorsionada y sacada de todo contexto en los colores favoritos del movimiento: los rojizos, amarillentos contrastados con los azules. El movimiento se ha presentado con una especie de horror vacui en el que las figuras se amontonan con estas tonalidades que quieren representar el fuego, la fuerza y la viveza. 

Imagenes artculos 5

2.- Muchacha bajando la escalera de Giacomo Balla, la obra del Futurismo más representativa 

Es quizás la obra que mejor represente ese ansiado movimiento que tanto buscaban todos los representantes del Futurismo. En ella encontramos el sustrato de las composiciones de fotografía de Marey. Estas, a su vez, nos recuerdan a las primeras cintas de cine que, en aquella época, hacían furor en el París bohemio y artístico. El dinamismo, el movimiento, la velocidad se representan a través de la superposición de la misma figura repitiéndola incesantemente de tal manera que parece continuar fuera del cuadro. 

Los futuristas renegaban de cualquier tradición de una forma tan vehemente que proponían quemar los museos y otras obras patrimoniales. Afortunadamente no lo hicieron. Y es más, esta obra, a poco que se analice, encontramos la influencia (así sin más) del Puntillismo de Seurat. 

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3.- Retrato de Marinetti por Carlo Carrá (1910-11)

Filippo Tommaso Marinetti (1876-1944) fue el instigador y cabeza pensante del Futurismo. Y Carlo Carrá (1881-1966) uno de los artistas del movimiento que ha superado los avatares del tiempo, aunque sus mejores obras se encuadren en la denominada pintura metafísica.  

En el retrato se representa al poeta con una paleta de tonos ocres y en actitud de escribir (algo que sí hizo para lanzar sucesivos manifiestos), actitud pensante o concentrada. El Futurismo, recordemos, abogaba por una intelectualidad elitista muy cercana a los postulados fascistas con el que Marinetti se sentía muy cómodo. 

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4.- La ciudad se levanta por Umberto Boccioni una de las obras del Futurismo que entronan la velocidad 

Es una de mis favoritas y esta realizada entre 1910-1911. El movimiento y la velocidad de la vida moderna, por la que todos estos artistas sentían verdadera fascinación, se ha representada de una manera bastante abstracta superponiendo figuras irreconocibles casi.  

Vemos formas aerodinámicas que nos remiten al simbolismo del vuelo. Con ello se pretendía reflejar el despegue de la realidad, el cambio, la transformación y la anulación de la tradición. 

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5.- Estados de ánimo II. Los adioses (1911) de Umberto Boccini

En este pequeño óleo custodiado en el Museum of Modern Art de New York nos encontramos buena parte de las características del Futurismo. Al gusto por los colores ocres que nos dan una idea asfixiante y a la par remite al hierro que, en aquella época, se alababa como fuente de progreso se une líneas abstractas o geométricas.  

Nos encontramos, además, formas mecánicas que nos remiten a la estética industrial que tanto gustaban a los artistas del movimiento. Sin embargo, no pueden evadirse a las curvas que nos recuerdan el Art Noueveau y también a una fuerte importa del Expresionismo. Aunque los artistas futuristas abjuraban del Cubismo, en esta obra algo nos recuerda a los modos inaugurados por Pablo Picasso con sus Señoritas de Avignon y son esos números representados de forma plana y que quiere ser un llamamiento a la razón en detrimento de la emoción. 

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6.- Mercurio pasa ante el sol por Giacomo Balla una de las obras del Futurismo que parece cubista

Este pequeño cuadro perteneciente a un coleccionista privado adelanta los modos de la abstracción y deja atrás el Cubismo. Realizados en los tonos complementarios de amarillos y azules nos introduce en una especie de espiral que va a simbolizar ese movimiento constante y gusto por la velocidad que tanto gustaban a todos los integrantes del movimiento.  

7.- Los funerales del anarquista Galli (1911) por Carlo Carrá

Aunque el Futurismo está vinculado ideológicamente a la violencia del fascismo (y así lo manifiestan sus representantes), en esta obra se rinde tributo a un anarquista. ¡Será por eso de que los extremos se tocan! Realizado en los sempiternos tonos ocres y negros que llegan a producir ansiedad incluso, el movimiento, la violencia, el puñetazo, el cambio se representa con unas líneas paralelas y con la vuelta a la repetición de los motivos de la tela. 

8.- La revuelta (1911) por Luigi Russolo una de las obras del Futurismo que anticipa la abstracción

Tanto es así que en ella solo distinguimos figuras geométricas. Este movimiento tuvo una fuerte impronta mental, cerebral y de negación de la zona sentimental de la persona. Por eso, se recurría con frecuencia a la superposición de figuras geométricas representadas en los colores complementarios o primarios. En este caso se ha optado por el rojo, azul y el amarillo. 

9.- Las nadadoras por Carlo Carrá, otra de las obras del Futurismo que quiere captar el movimiento

Una figura de color naranja se adentra en un fondo que se nos antoja agua en movimiento. La personalidad ha desaparecido. El rostro es invisible. Solo podemos atisbar parte del cuerpo y la acción. Volvemos a ese gusto por el movimiento, por la fuerza brusca, por el cambio por el mismo cambio, por la violencia que caracteriza al Futurismo

10.- Síntesis plástica de la idea “Guerra”  (1915) de Gino Severini

Movimiento de ideas, racional en su ideología e irracional en su desarrollo (violento, misógino, brutal, chocante…) quiso plasmar sus fórmulas artísticas de una manera casi dogmática. La guerra (la I Mundial) truncó el destino de buena parte de sus integrantes con sus trincheras y cañonazos. En esa situación, ante la muerte, la destrucción real y la barbarie, muchos de los artistas del Futurismo evolucionaron hacia otros modos. Que una cosa era postular una serie de ideas o principios como necesarias y otra muy distinta vivirlas.  

Al finalizar la contienda, buena parte de sus integrantes (si no sucumbieron en el campo de batalla) evolucionaron a otros modos expresivos alejados del dogmatismo que tan ajeno es al arte.  

Por Candela Vizcaíno

 

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El movimiento artístico conocido como Futurismo se inauguró oficialmente en 1909 con la publicación de su primer manifiesto. Al contrario que el Cubismo o el Surrealismo, apenas tuvo adhesión más allá de la teorización y la propaganda de los miembros más activos. De entre las características del Futurismo señalo hoy su amor por la velocidad, el afán por plasmar el movimiento en las obras de arte, la violencia contra la tradición y su adhesión al Fascismo. Pocos fueron los autores del Futurismo y quizás el movimiento esté agotado con los diez nombres de la siguiente lista. 

1.- Filippo Tommaso Marinetti, el poeta fundador del Futurismo

A él se debe ese primer Manifiesto publicado en Le Figaro el 20 de febrero de 1909. Nace en Alejandría en 1876 y muere en Bellagio en 1944. Poeta con formación en derecho, fue un agitador nato que dominaba las técnicas de publicidad y marketing. De hecho más que uno de los autores del Futurismo (con una obra concreta) es un teórico, un agitador que se dedicó a dar conferencias y a escribir casi todos los manifiestos futuristas donde plasma como debería ser ese nuevo arte. 

Violento, enérgico y polemista no oculta en ningún momento su simpatía por el fascismo. Tanto es así que se postula para ser el movimiento artístico oficial de esta ideología política que tantos males traería  a Europa. Al “perder” la opción frente al grupo Novecento, entra en un declive emocional que no le permite remontar. Con él se acaba el Futurismo que había durado apenas una década, ya que en 1922 se puede dar por liquidado.   

2.- Umberto Boccini se pasa muy pronto al Cubismo

Fue uno de los autores del Futurismo que mueren en la guerra (fueron muchos debido más a sus ideología belicistas a que fueron enrolados a la fuerza). Se adhiere al Futurismo desde el primer momento pero apenas un año más tarde se pasa al Cubismo. Sus obras se realizan utilizando el collage de distintos elementos y estaba interesado, especialmente, en estudiar los efectos de la luz sobre los objetos tridimensionales. 

3.- Giacommo Balla uno de los principales representantes del Futurismo

Nace en Turín en 1871 y muere en Roma en 1958.  Vive en París en la década de 1900 donde se gana la vida con la pintura y la fotografía. Por entonces la capital de Francia era el ombligo del mundo y hasta allí se iba cualquiera que quisiera ser alguien en el mundo del arte. Va pasando de una ideología a otra con una tranquilidad pasmosa. Si se declara, en sus inicios, como socialista, no tiene ningún reparo en abrazar el Futurismo que no oculta su fascinación por la violencia del Fascismo. Es uno de los principales teorizadores del movimiento ya que escribe el Manifiesto de los pintores futuristas y La prenda masculina futurista. Este habría que leerlo un día con tranquilidad. 

 4.- Carlo Carrá, uno de los autores del Futurismo que se pasó a la pintura metafísica

Nacido en 1881 y fallecido en Milán en 1966, fue uno de los mayores exponentes del movimiento conocido como pintura metafísica. Pero eso fue después de dejar los postulados del Futurismo al que se adhirió en sus inicios. Para 1914 su obra ya tenía otros visos que lo acercaban al naïf para ir acabando en las interesante pintura metafísica cuyas bases son simbólicas y míticas. 

5.- Fortunato Depero (1892-1960), el fundador de la Casa d’ Arte Futurista 

Poeta como Marinetti, realiza unos interesantes vestuarios para ballet y diseña carteles. Fue el creador de la Casa d’Arte Futurista, cuyo fin es ayudar a los creadores a que lleven a cabo sus obras.

6.- Bruno Munari, uno de los autores del Futurismo que se interesó por la  fotografía

Nacido y muerto en el Siglo XX (1907-1998) se adhiere al movimiento en 1927, cuando el Futurismo ya estaba totalmente agotado. Se interesa por la pintura abstracta y fotometraje.  

7.- Luigi Russolo, el músico de entre los autores del Futurismo

No llegó a abrazar el movimiento del todo ya que, iniciado en el simbolismo, siempre compaginó y conjugó ambos estilos. Se interesa por el sentido simbólico de la música de la que tenía formación académica. Deja el movimiento en 1927 para introducirse en el realismo. 

8.- Ardengo Soffici, el teórico del Futurismo

Vivió el París de inicio de siglo impregnado del éxito de los impresionistas que ya empezaban a colmar las galerías y las colecciones privadas. Aunque dice ser futurista, de forma teórica, los críticos ven en su obra más caracteres del Cubismo, el movimiento que inició el arte contemporáneo. 

9.- Mario Sironi, el científico de los autores del Futurismo

Aunque abraza el Futurismo en 1918, muy pronto crea un grupo nuevo, Novecento totalmente alejado de los postulados mecanicistas y violentos propuesto por Marinetti en su Manifiesto. Eso sí, se alía con la propaganda de los fascistas creando y promoviendo obras en las que se exalta el espíritu mítico y casi mágico del pueblo italiano. 

10.- Gino Severini, otro de los autores del Futurismo que se pasó a otro movimiento

Nacido en Cortona en 1883, muy pronto viaja a París donde realiza toda su obra artística y muere en 1966. En 1916 ya había abandonado el movimiento para realizar una obra totalmente alejada de las características del Futurismo. Aboga por un retorno a los clásicos  y el orden en la arquitectura.

Como vemos los autores y las obras del Futurismo fueron pocos y, además, trabajaron unos años solo. La gran mayoría abandonó los postulados de este movimiento artístico incluso de malas maneras. No fue una evolución natural o personal sino más bien un agotamiento de las fórmulas agresivas y excluyentes propuestas en el primer Manifiesto Futurista de 1909. Pocos de ellos, a excepción de Carlo Carrá pero con obra de otro estilo artístico, ha pasado con gloria por la Historia del Arte. El Futurismo fue eso: un movimiento de un momento que no dejó la huella del Surrealismo, del Expresionismo o del Cubismo. 

Por Candela Vizcaíno

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El arte es lo que queda cuando todo ha pasado. Es lo inmutable dentro del cambio. Es la belleza en un mundo en caos. El arte es parte importante de este sitio. Intentamos comprenderlo. 

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El movimiento artístico conocido como Futurismo se inauguró oficialmente en 1909 con la publicación de su primer manifiesto. Al contrario que el Cubismo o el Surrealismo, apenas tuvo adhesión más allá de la teorización y la propaganda de los miembros más activos. De entre las características del Futurismo señalo hoy su amor por la velocidad, el afán por plasmar el movimiento en las obras de arte, la violencia contra la tradición y su adhesión al Fascismo. Pocos fueron los autores del Futurismo y quizás el movimiento esté agotado con los diez nombres de la siguiente lista. 

1.- Filippo Tommaso Marinetti, el poeta fundador del Futurismo

A él se debe ese primer Manifiesto publicado en Le Figaro el 20 de febrero de 1909. Nace en Alejandría en 1876 y muere en Bellagio en 1944. Poeta con formación en derecho, fue un agitador nato que dominaba las técnicas de publicidad y marketing. De hecho más que uno de los autores del Futurismo (con una obra concreta) es un teórico, un agitador que se dedicó a dar conferencias y a escribir casi todos los manifiestos futuristas donde plasma como debería ser ese nuevo arte. 

Violento, enérgico y polemista no oculta en ningún momento su simpatía por el fascismo. Tanto es así que se postula para ser el movimiento artístico oficial de esta ideología política que tantos males traería  a Europa. Al “perder” la opción frente al grupo Novecento, entra en un declive emocional que no le permite remontar. Con él se acaba el Futurismo que había durado apenas una década, ya que en 1922 se puede dar por liquidado.   

2.- Umberto Boccini se pasa muy pronto al Cubismo

Fue uno de los autores del Futurismo que mueren en la guerra (fueron muchos debido más a sus ideología belicistas a que fueron enrolados a la fuerza). Se adhiere al Futurismo desde el primer momento pero apenas un año más tarde se pasa al Cubismo. Sus obras se realizan utilizando el collage de distintos elementos y estaba interesado, especialmente, en estudiar los efectos de la luz sobre los objetos tridimensionales. 

3.- Giacommo Balla uno de los principales representantes del Futurismo

Nace en Turín en 1871 y muere en Roma en 1958.  Vive en París en la década de 1900 donde se gana la vida con la pintura y la fotografía. Por entonces la capital de Francia era el ombligo del mundo y hasta allí se iba cualquiera que quisiera ser alguien en el mundo del arte. Va pasando de una ideología a otra con una tranquilidad pasmosa. Si se declara, en sus inicios, como socialista, no tiene ningún reparo en abrazar el Futurismo que no oculta su fascinación por la violencia del Fascismo. Es uno de los principales teorizadores del movimiento ya que escribe el Manifiesto de los pintores futuristas y La prenda masculina futurista. Este habría que leerlo un día con tranquilidad. 

 4.- Carlo Carrá, uno de los autores del Futurismo que se pasó a la pintura metafísica

Nacido en 1881 y fallecido en Milán en 1966, fue uno de los mayores exponentes del movimiento conocido como pintura metafísica. Pero eso fue después de dejar los postulados del Futurismo al que se adhirió en sus inicios. Para 1914 su obra ya tenía otros visos que lo acercaban al naïf para ir acabando en las interesante pintura metafísica cuyas bases son simbólicas y míticas. 

5.- Fortunato Depero (1892-1960), el fundador de la Casa d’ Arte Futurista 

Poeta como Marinetti, realiza unos interesantes vestuarios para ballet y diseña carteles. Fue el creador de la Casa d’Arte Futurista, cuyo fin es ayudar a los creadores a que lleven a cabo sus obras.

6.- Bruno Munari, uno de los autores del Futurismo que se interesó por la  fotografía

Nacido y muerto en el Siglo XX (1907-1998) se adhiere al movimiento en 1927, cuando el Futurismo ya estaba totalmente agotado. Se interesa por la pintura abstracta y fotometraje.  

7.- Luigi Russolo, el músico de entre los autores del Futurismo

No llegó a abrazar el movimiento del todo ya que, iniciado en el simbolismo, siempre compaginó y conjugó ambos estilos. Se interesa por el sentido simbólico de la música de la que tenía formación académica. Deja el movimiento en 1927 para introducirse en el realismo. 

8.- Ardengo Soffici, el teórico del Futurismo

Vivió el París de inicio de siglo impregnado del éxito de los impresionistas que ya empezaban a colmar las galerías y las colecciones privadas. Aunque dice ser futurista, de forma teórica, los críticos ven en su obra más caracteres del Cubismo, el movimiento que inició el arte contemporáneo. 

9.- Mario Sironi, el científico de los autores del Futurismo

Aunque abraza el Futurismo en 1918, muy pronto crea un grupo nuevo, Novecento totalmente alejado de los postulados mecanicistas y violentos propuesto por Marinetti en su Manifiesto. Eso sí, se alía con la propaganda de los fascistas creando y promoviendo obras en las que se exalta el espíritu mítico y casi mágico del pueblo italiano. 

10.- Gino Severini, otro de los autores del Futurismo que se pasó a otro movimiento

Nacido en Cortona en 1883, muy pronto viaja a París donde realiza toda su obra artística y muere en 1966. En 1916 ya había abandonado el movimiento para realizar una obra totalmente alejada de las características del Futurismo. Aboga por un retorno a los clásicos  y el orden en la arquitectura.

Como vemos los autores y las obras del Futurismo fueron pocos y, además, trabajaron unos años solo. La gran mayoría abandonó los postulados de este movimiento artístico incluso de malas maneras. No fue una evolución natural o personal sino más bien un agotamiento de las fórmulas agresivas y excluyentes propuestas en el primer Manifiesto Futurista de 1909. Pocos de ellos, a excepción de Carlo Carrá pero con obra de otro estilo artístico, ha pasado con gloria por la Historia del Arte. El Futurismo fue eso: un movimiento de un momento que no dejó la huella del Surrealismo, del Expresionismo o del Cubismo. 

Por Candela Vizcaíno

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Giacometti, algo parecido a una biografía

Nacido en el seno de una familia de artistas suizos, desde muy joven se manifestó su vena creadora fomentada, en este caso, por todos los miembros del clan. Como era costumbre en la época, con tan solo veintiún años, nada más terminada su formación académica convencional, se traslada a París, centro de la vanguardia artística e intelectual de la época.

Y es allí, en los cafés bohemios de Montparnasse, en París, donde entra en contacto con los que luego han ocupado páginas enteras en los libros de historia: desde Pablo Picasso a Max Ernest, pasando por Jean-Paul Sartre y todos los artistas, abanderados por André Bretón, adscritos al surrealismo

Tras la Segunda Guerra Mundial y un breve paso por Suiza, se instala en París donde se casa. Su mejor fue su musa. Tuvo la infinita paciencia de servir de modelo para el artista propiciando un aumento exponencial de las obras.

Obras de Giacometti

Aunque Alberto Giacometti trabajó diferentes formatos (por ejemplo, el dibujo o la escritura), ha entrado en los libros de arte por sus particulares esculturas y, sobre todo, por aquellas en las que se representa la figura humana en actitud de caminar.

En estas obras se realza sobremanera las extremidades inferiores de tal modo que se muestran desproporcionadas con respecto al resto del cuerpo, en una clara alegoría de la capacidad del ser humano para avanzar y, por tanto, para superar adversidades y complejos. 

Hay críticos que relacionan El hombre que camina con la muerte, la atracción del abismo y la conciencia certera del fin, pero el acto de moverse, de poner un pie tras otro, según la simbología universal, se refiere a esa capacidad innata del ser humano por superar adversidades, penalidades y contratiempos.

El acto mismo de la creación es un caminar, un andar, un avanzar y un trasladarse a otros mundos desconocidos. 

Como todos los artistas de esta época, Giacometti estaba vinculado a los movimientos del surrealismo. A partir de Freud, con la definición del subconsciente e inconsciente y la apertura de los mundos posibles devenidos con los sueños, los artistas se vuelcan hacia esa realidad que está en el revés de las cosas.

La percepción ya no es lo tangible y cotidiano. Siempre hay algo más allá desconocido y oculto. El arte actúa como vasos comunicantes entre un mundo y otro. Así se expresaba Giacometti en 1931 en la revista El surrealismo al servicio de la Revolución.

Deseaba actuar como un demiurgo, como un mago que abriera ese camino desconocido y llegó a decir, incluso, que la ejecución misma de la obra de arte era casi molesta. A toda costa quería trasladar lo que bullía en su cabeza al objeto.

Caminar, moverse, andar, trasladarse, abrir puertas, ir hacia al otro lado… lo que el arte hace en todo momento y Giacometti nos mostró con sus grandes esculturas. El hombre que camina.

Por Candela Vizcaíno

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Giacometti, algo parecido a una biografía

Nacido en el seno de una familia de artistas suizos, desde muy joven se manifestó su vena creadora fomentada, en este caso, por todos los miembros del clan. Como era costumbre en la época, con tan solo veintiún años, nada más terminada su formación académica convencional, se traslada a París, centro de la vanguardia artística e intelectual de la época.

Y es allí, en los cafés bohemios de Montparnasse, en París, donde entra en contacto con los que luego han ocupado páginas enteras en los libros de historia: desde Pablo Picasso a Max Ernest, pasando por Jean-Paul Sartre y todos los artistas, abanderados por André Bretón, adscritos al surrealismo

Tras la Segunda Guerra Mundial y un breve paso por Suiza, se instala en París donde se casa. Su mejor fue su musa. Tuvo la infinita paciencia de servir de modelo para el artista propiciando un aumento exponencial de las obras.

Obras de Giacometti

Aunque Alberto Giacometti trabajó diferentes formatos (por ejemplo, el dibujo o la escritura), ha entrado en los libros de arte por sus particulares esculturas y, sobre todo, por aquellas en las que se representa la figura humana en actitud de caminar.

En estas obras se realza sobremanera las extremidades inferiores de tal modo que se muestran desproporcionadas con respecto al resto del cuerpo, en una clara alegoría de la capacidad del ser humano para avanzar y, por tanto, para superar adversidades y complejos. 

Hay críticos que relacionan El hombre que camina con la muerte, la atracción del abismo y la conciencia certera del fin, pero el acto de moverse, de poner un pie tras otro, según la simbología universal, se refiere a esa capacidad innata del ser humano por superar adversidades, penalidades y contratiempos.

El acto mismo de la creación es un caminar, un andar, un avanzar y un trasladarse a otros mundos desconocidos. 

Como todos los artistas de esta época, Giacometti estaba vinculado a los movimientos del surrealismo. A partir de Freud, con la definición del subconsciente e inconsciente y la apertura de los mundos posibles devenidos con los sueños, los artistas se vuelcan hacia esa realidad que está en el revés de las cosas.

La percepción ya no es lo tangible y cotidiano. Siempre hay algo más allá desconocido y oculto. El arte actúa como vasos comunicantes entre un mundo y otro. Así se expresaba Giacometti en 1931 en la revista El surrealismo al servicio de la Revolución.

Deseaba actuar como un demiurgo, como un mago que abriera ese camino desconocido y llegó a decir, incluso, que la ejecución misma de la obra de arte era casi molesta. A toda costa quería trasladar lo que bullía en su cabeza al objeto.

Caminar, moverse, andar, trasladarse, abrir puertas, ir hacia al otro lado… lo que el arte hace en todo momento y Giacometti nos mostró con sus grandes esculturas. El hombre que camina.

Por Candela Vizcaíno

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Conocido y reconocido por sus grandes murales de corte realista y temática social, los primeros esbozos del artista mexicano Diego Rivera (1886-1957) en las vanguardias históricas quizás pasen desapercibidos para los amantes del arte. El artista, como era común en la época, realiza un viaje de estudios por Europa y en París entra en contacto con los círculos más rompedores del arte. Picasso había inaugurado el Cubismo y a la nueva forma de crear pintura se anotaron todos los creadores que querían estar en primera fila. Diego Rivera fue uno de ellos.

Biografía mínima de los primeros años en el arte de Diego Rivera

Gracias al apoyo económico del entonces gobernador de la provincia mexicana de Veracruz, un jovencísimo Diego Rivera consigue financiación para viajar y completar sus estudios de pintura por diversos emplazamientos europeos. Recae, en una primera etapa, en Madrid donde pasa dos años completando sus estudios académicos a la par que entra en contacto con la obra de El Greco. 

Pero muy pronto, el ambicioso Riviera siente que la capital de España comienza a quedarse pequeña y, tras concluir este periodo de aprendizaje y consolidación en las técnicas pictóricas, emprende un largo viaje por otras capitales europeas: Brujas, Gante, Londres y, por último, París.

 

El encuentro de Diego Rivera con el cubismo y Picasso en París

Y fue en París, tras sucumbir a la efervescencia cultural que, por entonces, se respiraba en sus barrios más artísticos (Montmartre y Montparnasse), donde Rivera se empapa de todas los movimientos de vanguardia que se iban gestando uno tras otro en la capital francesa.

El París de las primeras décadas del siglo XX era el de los cubistas Braque y, especialmente, Picasso, era el lugar por excelencia de la bohemia donde intentaba abrirse camino un, por entonces, desconocido Modigliani y  era la ciudad de las nuevas ideas filosóficas y políticas que dominarían todo el siglo XX. 

Por si esto fuera poco, comenzaban a afianzarse entre la élite cultural los movimientos de las décadas anteriores. Los malditos de finales del siglo XIX empiezan a tener, por estos años, su particular parcela de reconocimiento público. El impresionismo de un Renoir o el postimpresionismo de Cézanne se convierten en clásicos contemporáneos abriéndose, para ellos, las puertas de los museos. Sin descartar ninguna opción, Diego Rivera estudia todos estos movimientos (incluso el clasicismo de Ingres) y los va paulatinamente adaptando a su particular quehacer artístico.  

La estética de las pinturas murales de Diego Rivera

El periplo europeo de Diego Rivera termina hacia el año 1922, tras un viaje por tierras italianas donde entra en contacto con los grandes muralistas antiguos del Cuatrocento. Es aquí donde Rivera encuentra lo que necesita para construir una obra personal y propia.

Aunque vuelve al caballete al final de su vida, Rivera se dedicará casi de pleno –y por ello es conocido- a los murales de grandes espacios públicos donde plasma su particular percepción del color, a la par que ensalza el trabajo en equipo o el pasado glorioso del antiguo México. Mientras que la intervención, contratado por Henry Ford, el gran magnate de la automoción, en el Detroit Institute of Art (en la línea de los postulados del Manifiesto Futurista) tiene como leitmotiv los avances de la ingeniería, el realizado en el Teatro de los Insurgentes, por el contrario, se centra en ensalzar las grandes gestas de la historia de México.

Sin duda, Diego Rivera fue un artista polifacético, de personalidad poliédrica, capaz de beber e impregnarse de diversas fuentes e incorporarlas con éxito a sus obras. Fascinado por las posibilidades de expresión de los murales, sus convicciones izquierdistas no le impidió ser crítico con el régimen soviético y sus atrocidades. Pero eso para otro día.

Por Candela Vizcaíno

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El arte es lo que queda cuando todo ha pasado. Es lo inmutable dentro del cambio. Es la belleza en un mundo en caos. El arte es parte importante de este sitio. Intentamos comprenderlo. 

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Conocido y reconocido por sus grandes murales de corte realista y temática social, los primeros esbozos del artista mexicano Diego Rivera (1886-1957) en las vanguardias históricas quizás pasen desapercibidos para los amantes del arte. El artista, como era común en la época, realiza un viaje de estudios por Europa y en París entra en contacto con los círculos más rompedores del arte. Picasso había inaugurado el Cubismo y a la nueva forma de crear pintura se anotaron todos los creadores que querían estar en primera fila. Diego Rivera fue uno de ellos.

Biografía mínima de los primeros años en el arte de Diego Rivera

Gracias al apoyo económico del entonces gobernador de la provincia mexicana de Veracruz, un jovencísimo Diego Rivera consigue financiación para viajar y completar sus estudios de pintura por diversos emplazamientos europeos. Recae, en una primera etapa, en Madrid donde pasa dos años completando sus estudios académicos a la par que entra en contacto con la obra de El Greco. 

Pero muy pronto, el ambicioso Riviera siente que la capital de España comienza a quedarse pequeña y, tras concluir este periodo de aprendizaje y consolidación en las técnicas pictóricas, emprende un largo viaje por otras capitales europeas: Brujas, Gante, Londres y, por último, París.

 

El encuentro de Diego Rivera con el cubismo y Picasso en París

Y fue en París, tras sucumbir a la efervescencia cultural que, por entonces, se respiraba en sus barrios más artísticos (Montmartre y Montparnasse), donde Rivera se empapa de todas los movimientos de vanguardia que se iban gestando uno tras otro en la capital francesa.

El París de las primeras décadas del siglo XX era el de los cubistas Braque y, especialmente, Picasso, era el lugar por excelencia de la bohemia donde intentaba abrirse camino un, por entonces, desconocido Modigliani y  era la ciudad de las nuevas ideas filosóficas y políticas que dominarían todo el siglo XX. 

Por si esto fuera poco, comenzaban a afianzarse entre la élite cultural los movimientos de las décadas anteriores. Los malditos de finales del siglo XIX empiezan a tener, por estos años, su particular parcela de reconocimiento público. El impresionismo de un Renoir o el postimpresionismo de Cézanne se convierten en clásicos contemporáneos abriéndose, para ellos, las puertas de los museos. Sin descartar ninguna opción, Diego Rivera estudia todos estos movimientos (incluso el clasicismo de Ingres) y los va paulatinamente adaptando a su particular quehacer artístico.  

La estética de las pinturas murales de Diego Rivera

El periplo europeo de Diego Rivera termina hacia el año 1922, tras un viaje por tierras italianas donde entra en contacto con los grandes muralistas antiguos del Cuatrocento. Es aquí donde Rivera encuentra lo que necesita para construir una obra personal y propia.

Aunque vuelve al caballete al final de su vida, Rivera se dedicará casi de pleno –y por ello es conocido- a los murales de grandes espacios públicos donde plasma su particular percepción del color, a la par que ensalza el trabajo en equipo o el pasado glorioso del antiguo México. Mientras que la intervención, contratado por Henry Ford, el gran magnate de la automoción, en el Detroit Institute of Art (en la línea de los postulados del Manifiesto Futurista) tiene como leitmotiv los avances de la ingeniería, el realizado en el Teatro de los Insurgentes, por el contrario, se centra en ensalzar las grandes gestas de la historia de México.

Sin duda, Diego Rivera fue un artista polifacético, de personalidad poliédrica, capaz de beber e impregnarse de diversas fuentes e incorporarlas con éxito a sus obras. Fascinado por las posibilidades de expresión de los murales, sus convicciones izquierdistas no le impidió ser crítico con el régimen soviético y sus atrocidades. Pero eso para otro día.

Por Candela Vizcaíno

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