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Nacido como Oscar Claude Monet en el París de 1840, a pesar de que en aquella época la capital de Francia, era literalmente el ombligo del mundo, su familia se mudó a Le Havre cuando el pequeño tenía pocos años. Es esta ciudad un puerto costero, puerta de entrada a Normandía y, de alguna manera u otra, este emplazamiento va a influir en la futura carrera de pintor de nuestro protagonista. Será determinante la ciudad, pero también una tía, aficionada a las artes pictóricas, que lo introdujo en los rudimentos del oficio. Aunque hoy por hoy la biografía de Claude Monet es de sobra conocida, sus obras son tan famosas y llenan las paredes de los mejores museos que nos adentramos en los avatares de su vida.  

De carácter rebelde e independiente, su espíritu bohemio comenzó a chocar pronto con las exigencias de su padre, un hombre curtido en el comercio. Sin embargo, el joven Monet siempre tuvo el contacto (económico, físico y anímico) de su tía Jeanne-Marie Lecadre convirtiéndose la mujer en el sostén que el muchacho necesitaba para ejercer su arte.  

La importancia de la caricatura en la biografía de Claude Monet

Aunque los primeros años de formación la familia se mudó unas cuantas veces, Le Havre, la entrada a Normandía, se convirtió en su hogar y lugar de formación. Asistió al colegió y a la escuela secundaria de la localidad sin pena ni gloria ya que no aceptaba la disciplina reglada. No obstante, logró recibir clases de pintura y formación humanística. El muchacho Claude Monet se las arreglaba para estar más tiempo en el malecón, entre el mar o el puerto que en las clases para disgusto de sus padres. Más tarde, toda esa información sobre el juego de sombras y luces cambiantes que es una de las principales características del impresionismo, le servirán para crear sus grandes obras, las mismas por las que ha entrado en las historia del arte internacional.  

Pero hasta llegar a ellas, en la biografía de Claude Monet hay un hito importante: su papel como caricaturista, género al que se dedicó hasta que había cumplido sus buenos 20 años. En Le Havre expone estas primeras obras que comparten protagonismo con los óleos de Boudin, otro de los artistas que adelantan el impresionismo. Si sus pequeños trabajos como caricaturista de personajes locales le reporta un pequeño beneficio económico, es fundamental las enseñanzas de Boudin. Fue este artista el que le introduce en el gusto por la naturaleza, le muestra los efectos de la pincelada suelta y le abre de par en par la belleza del arte pictórico. El rebelde Monet encuentra en Boudin un maestro adecuado que no se rige por los programas encorsetados del academicismo. 

París en la biografía de Claude Monet

Aunque viaja a París en 1860 donde toma contacto con el mundillo artístico del momento (el centro del mundo recordemos) no será hasta 1862 cuando se instala en la capital francesa. Entre una fecha y otra cumple su servicio militar para después instalarse en el estudio Gleyre. Cuando llega a la Ciudad del Sena Monet ya es un artista enamorado de las posibilidades expresivas de la pintura realizada al aire libre teniendo en cuenta todos los recovecos lumínicos y cambiantes de la naturaleza. Prácticamente no se apartará de esta corriente durante toda su vida.  

En París conoce a todos los artistas del impresionismo y a los integrantes de la escuela de Barbizon (instalados a las afueras de la capital y centrados en la pintura de paisajes). Se encuentra con Renoir, Bazille, Sisley, Manet (el precursor del movimiento impresionista), Jongkind… A pesar de que va progresando en su arte, como su familia no aprueba esta opción vital, se ve en graves apuros económicos al no encontrar, en estos primeros años, ningún apoyo financiero. Aunque las primeras obras siguen la estela paisajística de la Escuela de Barbizon, sus obras apenas tienen cabida en el conocido salón de los artistas (la galería más importante de París). Por tanto, su visibilidad de cara a posibles compradores es muy pequeña ahondando sus problemas monetarios hasta límites de indigencia.   

Claude Monet 044

El impresionismo en la biografía de Claude Monet

Viaja de vez en cuando a Honfleur, un pueblo marcado hoy en día por el paso de los impresionistas y a Grenouillère. En 1870 se casa con Camille Doncieux y a continuación se exilia primero en Londres y luego en Holanda. El objetivo es desertar de una forma encubierta del ejército ya que se niega a participar en la guerra franco prusiana que tantas vidas se llevó por delante. En cuanto tiene oportunidad regresa. Esta vez se instala en Argénteuil, población marcada por la presencia del Sena y muy cerca de París. De aquí saldrán parte de sus grandes obras paisajísticas que forman parte de la esencia del impresionismo. A pesar de que este movimiento artístico puede catalogarse como arte amable, no logran colocar las obras en el ansiado salón. Es más, casi todos los integrantes, y no solo Monet,  fueron objeto de burla y crítica feroz por parte de la crítica consagrada y establecida.  

Por eso, a partir de 1971 la mayoría de los pintores impresionistas barajan la posibilidad de unirse como un grupo o de realizar algún tipo de manifiesto, extremo que no se produce debido a la libertad que enarbolan todos y cada uno de ellos. Todo ello contrastará con lo que sucederá después, con las vanguardias históricas. Nacerán grupos, como el dadaísmo o el futurismo, que producirán una cantidad tan ingente de auto obra crítica que llega incluso a superar a la producción artística. Pero los impresionistas eran de otra pasta y, a pesar de sus apuros económicos y la crisis social a raíz de la derrota en la guerra franco-prusiana, logran crear obras con un espíritu tremendamente positivo sin pararse a justificarse en ningún momento.

Impresionismo en la obra de Monet 

Para Monet, como el resto de sus compañeros de movimiento artístico, el objeto de la obra era, nada más y nada menos, que captar la esencia del momento presente con su juego de luces y sombras. Es un arte del aquí y el ahora que no intenta ir más allá en lo que respecta al simbolismo que estaba tan presente en la época. Se abandonan los grandes temas, las composiciones de retratos institucionales o las historias mitológicas, bíblicas o históricas para centrarse en los elementos de la naturaleza más sencillas. En este sentido, en la obra de Monet, como la del resto de los impresionistas, un nenúfar es un nenúfar y una señora con un paraguas es eso y nada más. La belleza está en la cotidianidad y en la naturaleza y se descartan las grandes obras épicas tan a gusto de la clase dominante de la época. Eso no quita para que las obras de Claude Monet (sobre todo las de la última época) sea de una grandiosidad apabullante (en todos los aspectos).  

En 1874 expone en el Salón de los Independientes junto al resto de los impresionistas: el fotógrafo Nadar (que presta el espacio), Degás, Cézanne, Sisley, Pissarro, Berthe Morisot… Muy pronto encuentra un mecenas especial, el financiero Ernest Hoschedé, aliviando un poco el panorama económico de Monet. 

Jardín de Monet en Giverny 

La importancia de Giverny en la biografía de Claude Monet 

Desde ese año de la primera exposición, 1874 hasta 1886 Claude Monet participa no solo de las siguientes exposiciones del Salón de los Independientes sino también de muestras individuales. Poco a poco, el impresionismo va encontrando el favor del público. Eso conlleva ventas y también un ahondamiento en los temas, formas y técnicas del movimiento. Si bien otros artistas evolucionaron por otros derroteros, Monet fue fiel a su estilo hasta la última pincelada. A partir de 1881 su situación mejora tan notablemente que se instala en la conocida casa de Giverny, la cual compra en propiedad en 1890. Dos años antes, en 1879, muere Camille, su esposa. 

Allí vive rodeado de un primoroso jardín diseñado y cuidado por él mismo repleto de flores multicolores, sauces llorones, el archiconocido estanque donde planta nenúfares rematado por un puente de estilo japonés. Monet dedica los últimos años de su vida a disfrutar de esa mansión (de buenas proporciones pero decorada sin pretensiones). Allí pasa sus días al cuidado de las plantas y a realizar las grandes pinturas con el tema de los nenúfares tan conocidas (y de otros elementos de la naturaleza) y que son el eje central de la colección del impresionismo en el Museo de Orsay de París.  

En Giverny, tras varias idas y venidas, se instala con Alice Hoschedé, a la sazón esposa de quien fue su primer mecenas Ernest Hoschedé. Este, tras una serie de percances, se declara en bancarrota y no logra levantar cabeza. Mientras Ernest intenta abrirse camino en París, Alice acompaña a Claude Monet en sus distintas residencias de Normandía. La puerta del idilio, por tanto, se abre de par en par. Como el pintor ya tenía cierta fama, la relación fue la comidilla de las tertulias del París de entonces. Todo terminó en 1891 cuando Alice enviudó casándose un año después con nuestro protagonista. 

Los último años en la biografía de Claude Monet 

El pintor muere el 5 de diciembre de 1926 por un cáncer de pulmón en su casa de Giverny. Llevaba 15 años viudo de Alice, pero eso no le impidió realizar una obra vasta, magnífica y extraordinaria. La vivienda fue sucesivamente ampliada y redecorada mientras que el jardín crecía de forma exuberante. Casi toda su producción de estos años está realizada en este emplazamiento que Claude Monet amaba en extremo. Eso no quita para que se convirtiera en un ermitaño. Todo lo contrario, su espíritu positivo, rebelde y con ganas de conocer mundo lo lleva hasta Venecia, Londres, toda la costa de Normandía e, incluso, hasta Madrid donde llega conduciendo su propio coche cuando ya era un sexagenario. Recordemos que el estado de las carreteras y la comodidad de los vehículos de la época nada tiene que ver con los de la actualidad. En Madrid, visita el Museo del Prado y cae rendido ante el genio de Velázquez. 

En la biografía de Claude Monet se dan algunos puntos pasionales y a la par refleja un estilo brillante que le acompañó durante toda su vida artística. Nunca dejó de pintar con los principios del impresionismo, aunque con un lenguaje visual muy cercano a la abstracción y poniendo al límite las posibilidades del color a la hora de representar las formas de la naturaleza. Y todo ello cuando en París comienza a instalarse las primeras vanguardias históricas con el cubismo a la cabeza sin olvidar el fauvismo u otras expresiones artísticas más rompedoras. Claude Monet no se apuntó a ninguna de ellas. 

 

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

 

 

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Nacido como Oscar Claude Monet en el París de 1840, a pesar de que en aquella época la capital de Francia, era literalmente el ombligo del mundo, su familia se mudó a Le Havre cuando el pequeño tenía pocos años. Es esta ciudad un puerto costero, puerta de entrada a Normandía y, de alguna manera u otra, este emplazamiento va a influir en la futura carrera de pintor de nuestro protagonista. Será determinante la ciudad, pero también una tía, aficionada a las artes pictóricas, que lo introdujo en los rudimentos del oficio. Aunque hoy por hoy la biografía de Claude Monet es de sobra conocida, sus obras son tan famosas y llenan las paredes de los mejores museos que nos adentramos en los avatares de su vida.  

De carácter rebelde e independiente, su espíritu bohemio comenzó a chocar pronto con las exigencias de su padre, un hombre curtido en el comercio. Sin embargo, el joven Monet siempre tuvo el contacto (económico, físico y anímico) de su tía Jeanne-Marie Lecadre convirtiéndose la mujer en el sostén que el muchacho necesitaba para ejercer su arte.  

La importancia de la caricatura en la biografía de Claude Monet

Aunque los primeros años de formación la familia se mudó unas cuantas veces, Le Havre, la entrada a Normandía, se convirtió en su hogar y lugar de formación. Asistió al colegió y a la escuela secundaria de la localidad sin pena ni gloria ya que no aceptaba la disciplina reglada. No obstante, logró recibir clases de pintura y formación humanística. El muchacho Claude Monet se las arreglaba para estar más tiempo en el malecón, entre el mar o el puerto que en las clases para disgusto de sus padres. Más tarde, toda esa información sobre el juego de sombras y luces cambiantes que es una de las principales características del impresionismo, le servirán para crear sus grandes obras, las mismas por las que ha entrado en las historia del arte internacional.  

Pero hasta llegar a ellas, en la biografía de Claude Monet hay un hito importante: su papel como caricaturista, género al que se dedicó hasta que había cumplido sus buenos 20 años. En Le Havre expone estas primeras obras que comparten protagonismo con los óleos de Boudin, otro de los artistas que adelantan el impresionismo. Si sus pequeños trabajos como caricaturista de personajes locales le reporta un pequeño beneficio económico, es fundamental las enseñanzas de Boudin. Fue este artista el que le introduce en el gusto por la naturaleza, le muestra los efectos de la pincelada suelta y le abre de par en par la belleza del arte pictórico. El rebelde Monet encuentra en Boudin un maestro adecuado que no se rige por los programas encorsetados del academicismo. 

París en la biografía de Claude Monet

Aunque viaja a París en 1860 donde toma contacto con el mundillo artístico del momento (el centro del mundo recordemos) no será hasta 1862 cuando se instala en la capital francesa. Entre una fecha y otra cumple su servicio militar para después instalarse en el estudio Gleyre. Cuando llega a la Ciudad del Sena Monet ya es un artista enamorado de las posibilidades expresivas de la pintura realizada al aire libre teniendo en cuenta todos los recovecos lumínicos y cambiantes de la naturaleza. Prácticamente no se apartará de esta corriente durante toda su vida.  

En París conoce a todos los artistas del impresionismo y a los integrantes de la escuela de Barbizon (instalados a las afueras de la capital y centrados en la pintura de paisajes). Se encuentra con Renoir, Bazille, Sisley, Manet (el precursor del movimiento impresionista), Jongkind… A pesar de que va progresando en su arte, como su familia no aprueba esta opción vital, se ve en graves apuros económicos al no encontrar, en estos primeros años, ningún apoyo financiero. Aunque las primeras obras siguen la estela paisajística de la Escuela de Barbizon, sus obras apenas tienen cabida en el conocido salón de los artistas (la galería más importante de París). Por tanto, su visibilidad de cara a posibles compradores es muy pequeña ahondando sus problemas monetarios hasta límites de indigencia.   

Claude Monet 044

El impresionismo en la biografía de Claude Monet

Viaja de vez en cuando a Honfleur, un pueblo marcado hoy en día por el paso de los impresionistas y a Grenouillère. En 1870 se casa con Camille Doncieux y a continuación se exilia primero en Londres y luego en Holanda. El objetivo es desertar de una forma encubierta del ejército ya que se niega a participar en la guerra franco prusiana que tantas vidas se llevó por delante. En cuanto tiene oportunidad regresa. Esta vez se instala en Argénteuil, población marcada por la presencia del Sena y muy cerca de París. De aquí saldrán parte de sus grandes obras paisajísticas que forman parte de la esencia del impresionismo. A pesar de que este movimiento artístico puede catalogarse como arte amable, no logran colocar las obras en el ansiado salón. Es más, casi todos los integrantes, y no solo Monet,  fueron objeto de burla y crítica feroz por parte de la crítica consagrada y establecida.  

Por eso, a partir de 1971 la mayoría de los pintores impresionistas barajan la posibilidad de unirse como un grupo o de realizar algún tipo de manifiesto, extremo que no se produce debido a la libertad que enarbolan todos y cada uno de ellos. Todo ello contrastará con lo que sucederá después, con las vanguardias históricas. Nacerán grupos, como el dadaísmo o el futurismo, que producirán una cantidad tan ingente de auto obra crítica que llega incluso a superar a la producción artística. Pero los impresionistas eran de otra pasta y, a pesar de sus apuros económicos y la crisis social a raíz de la derrota en la guerra franco-prusiana, logran crear obras con un espíritu tremendamente positivo sin pararse a justificarse en ningún momento.

Impresionismo en la obra de Monet 

Para Monet, como el resto de sus compañeros de movimiento artístico, el objeto de la obra era, nada más y nada menos, que captar la esencia del momento presente con su juego de luces y sombras. Es un arte del aquí y el ahora que no intenta ir más allá en lo que respecta al simbolismo que estaba tan presente en la época. Se abandonan los grandes temas, las composiciones de retratos institucionales o las historias mitológicas, bíblicas o históricas para centrarse en los elementos de la naturaleza más sencillas. En este sentido, en la obra de Monet, como la del resto de los impresionistas, un nenúfar es un nenúfar y una señora con un paraguas es eso y nada más. La belleza está en la cotidianidad y en la naturaleza y se descartan las grandes obras épicas tan a gusto de la clase dominante de la época. Eso no quita para que las obras de Claude Monet (sobre todo las de la última época) sea de una grandiosidad apabullante (en todos los aspectos).  

En 1874 expone en el Salón de los Independientes junto al resto de los impresionistas: el fotógrafo Nadar (que presta el espacio), Degás, Cézanne, Sisley, Pissarro, Berthe Morisot… Muy pronto encuentra un mecenas especial, el financiero Ernest Hoschedé, aliviando un poco el panorama económico de Monet. 

Jardín de Monet en Giverny 

La importancia de Giverny en la biografía de Claude Monet 

Desde ese año de la primera exposición, 1874 hasta 1886 Claude Monet participa no solo de las siguientes exposiciones del Salón de los Independientes sino también de muestras individuales. Poco a poco, el impresionismo va encontrando el favor del público. Eso conlleva ventas y también un ahondamiento en los temas, formas y técnicas del movimiento. Si bien otros artistas evolucionaron por otros derroteros, Monet fue fiel a su estilo hasta la última pincelada. A partir de 1881 su situación mejora tan notablemente que se instala en la conocida casa de Giverny, la cual compra en propiedad en 1890. Dos años antes, en 1879, muere Camille, su esposa. 

Allí vive rodeado de un primoroso jardín diseñado y cuidado por él mismo repleto de flores multicolores, sauces llorones, el archiconocido estanque donde planta nenúfares rematado por un puente de estilo japonés. Monet dedica los últimos años de su vida a disfrutar de esa mansión (de buenas proporciones pero decorada sin pretensiones). Allí pasa sus días al cuidado de las plantas y a realizar las grandes pinturas con el tema de los nenúfares tan conocidas (y de otros elementos de la naturaleza) y que son el eje central de la colección del impresionismo en el Museo de Orsay de París.  

En Giverny, tras varias idas y venidas, se instala con Alice Hoschedé, a la sazón esposa de quien fue su primer mecenas Ernest Hoschedé. Este, tras una serie de percances, se declara en bancarrota y no logra levantar cabeza. Mientras Ernest intenta abrirse camino en París, Alice acompaña a Claude Monet en sus distintas residencias de Normandía. La puerta del idilio, por tanto, se abre de par en par. Como el pintor ya tenía cierta fama, la relación fue la comidilla de las tertulias del París de entonces. Todo terminó en 1891 cuando Alice enviudó casándose un año después con nuestro protagonista. 

Los último años en la biografía de Claude Monet 

El pintor muere el 5 de diciembre de 1926 por un cáncer de pulmón en su casa de Giverny. Llevaba 15 años viudo de Alice, pero eso no le impidió realizar una obra vasta, magnífica y extraordinaria. La vivienda fue sucesivamente ampliada y redecorada mientras que el jardín crecía de forma exuberante. Casi toda su producción de estos años está realizada en este emplazamiento que Claude Monet amaba en extremo. Eso no quita para que se convirtiera en un ermitaño. Todo lo contrario, su espíritu positivo, rebelde y con ganas de conocer mundo lo lleva hasta Venecia, Londres, toda la costa de Normandía e, incluso, hasta Madrid donde llega conduciendo su propio coche cuando ya era un sexagenario. Recordemos que el estado de las carreteras y la comodidad de los vehículos de la época nada tiene que ver con los de la actualidad. En Madrid, visita el Museo del Prado y cae rendido ante el genio de Velázquez. 

En la biografía de Claude Monet se dan algunos puntos pasionales y a la par refleja un estilo brillante que le acompañó durante toda su vida artística. Nunca dejó de pintar con los principios del impresionismo, aunque con un lenguaje visual muy cercano a la abstracción y poniendo al límite las posibilidades del color a la hora de representar las formas de la naturaleza. Y todo ello cuando en París comienza a instalarse las primeras vanguardias históricas con el cubismo a la cabeza sin olvidar el fauvismo u otras expresiones artísticas más rompedoras. Claude Monet no se apuntó a ninguna de ellas. 

 

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

 

 

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Antes que el pop art se hiciera tan famoso que sus características fueran conocidas incluso por los no amantes del arte, el expresionismo abstracto dominó las galerías de Norteamérica. Fue el primer movimiento de vanguardia que coloca el epicentro cultural en New York, arrebatando la supremacía de París. Eso fue en la década de los cuarenta y cincuenta del siglo XX al tiempo que, en Europa, predominaba el surrealismo en toda su amplitud.  

 

Condiciones históricas que propiciaron el expresionismo abstracto

El pistoletazo de salida de esta nueva estética tiene una fecha y lugar fijas: tiempo, 1936, lugar, el Museo de Arte Moderno de Nueva York y su exposición sobre el cubismo. La situación al otro lado del Atlántico no era precisamente tranquila y la más propicia para la creación. España está envuelta en una cruenta guerra civil mientras los fascismos (Alemania e Italia) amenazan con invadir el Viejo Continente. Ante esta panorama, numerosos filósofos, artistas e, incluso, empresarios de éxito se mudan a la nueva urbe que miraba al océano desde el otro lado: New York. Allí se crean los grandes museos a la par que se ponen las condiciones de paz necesarias para el progreso desde todos los ámbitos (aunque Estados Unidos entró en la Segunda Gran Guerra allí no cayeron las bombas sobre la población civil). Hasta aquí llegaron Mondrian, Breton o Dalí (representantes del surrealismo), Marc Chagall o Leger.  

Expresionismo abstracto 2

Para seguir entendiendo el expresionismo abstracto hay que tener en cuenta otra fecha: otoño de 1942 con la apertura de la galería Art of this Century promovida por Peggy Guggenheim. Aquí expusieron no solo las grandes glorias del arte surrealista europeo sino también las jóvenes promesas americanas. La galería, además, fue un punto de encuentro cultural, con tertulias y debates. Todo ello desembocó en un espíritu de grupo que se plasmó en la Federación de pintores y escultores modernos. 

 

Expresionismo abstracto y la Escuela de Nueva York 

Que así se llamó en un primer momento el movimiento artístico, conscientes de su importancia en el nuevo panorama del arte internacional. Y si algo los caracterizaba, los definía y los diferenciaba de las distintas escuelas europeas era su abrazo hacia la abstracción pura dejando de lado cualquier atisbo de figuración, aunque esto no se consiguió, del todo, en el 100% de las obras. 

Los esponsales de Arshile Gorky 1947

 

Estos pintores, sobre todo, eran conscientes de su singularidad y de su poder como grupo. Por eso, no dudaron en exponer en las mismas galerías, cuando se cerró en 1947 la de de Peggy Guggenheim y de rodearse de críticos afines que los ensalzaban como la vanguardia artística. Aparte de su abrazo incondicional a la abstracción este nueva fórmula surgida del expresionismo “tradicional” tiene puntos en común.  

 

Características del expresionismo abstracto

1.- Para los artistas del movimiento la libertad absoluta era santo y seña renegando cualquier influencia de la tradición. Esto que puede parecer novedoso, no obstante era lo que venían haciendo todos los grupos de vanguardia desde el futurismo hasta el dadaísmo

2.- Como los creadores del expresionismo alemán se declaraban existencialistas y buscaban temas, inspiración y objetivos de creación en la posibilidades comunicativas del alma humana. 

3.- Fascinados por los avances del psicoanálisis muy pronto se ponen a estudiar las teorías de Jung sobre el inconsciente colectivo y, a través de sus trazos abstractos intentan llevarlo a la obra. 

4.- En este sentido, los artistas del expresionismo abstracto, a pesar de ser conscientes de su posición histórica en una fecha y un lugar concretos, se declaran abiertamente humanistas, sin cerrazón por motivos patrióticos o similares. Si a eso unimos que el grupo estaba formado por creadores de diversas procedencia, el afán cosmopolita estaba servido.

5.- Rechazan la forma en el sentido amplio del término tanto en la que se refiere a las normas establecidas como a la representación de la realidad. 

 

6.- Por eso, algunas obras, como las de Rothko y Pollock, basan toda su significación casi exclusivamente en el color. 

7.- A pesar de que dicen abrazar nuevos valores e idearios (como si de un final e inicio del mundo se tratara) no se entretienen en hacer manifiestos tal como había sucedido en las vanguardias europeas. En este sentido, solo recuerdo el gusto por estos panfletos de los artistas del futurismo que crearon más documentos de este tipo que obras propiamente dichas.  

8.- Hay críticos que ponen en relación la expansión del expresionismo abstracto con la filosofía de la Fenomenología (que busca la expresión directa de la conciencia) y el Existencialismo que se haría fuerte tras la guerra, especialmente en literatura.  

9.- Por eso, la vida es concebida en su situación, en su emplazamiento, en sus circunstancias sin dejar ningún lado a la reflexión o a la maduración de las ideas. En esta línea se explican los cuadros que se ejecutan automáticamente sin filtros como si fueran el hilo comunicativo entre el inconsciente del autor y la percepción del espectador.  

 

Más características del expresionismo abstracto con respecto a la posición de los artistas y las obras 

10.- Es en el hacer donde la obra toma su singularidad y su sentido. 

11.- La materia y el gesto mismo de pintar se convierten en obras de arte como si de un exorcismo se tratara donde se trata de plasmar en la obra aquello que ocurre en el inconsciente de su creador.  

12.- Para conseguir ese estado que se conecte con el inconsciente estos autores no dudan en recurrir a sustancias como las drogas y el alcohol. El resultado, por tanto, de estas obras del expresionismo abstracto es el reflejo del interior de un espíritu atormentado cuando no de una patología.  

“Cuando estoy pintando no tengo conciencia de lo que hago. Solo después de una especie de periodo de toma de conciencia caigo en la cuenta de lo que estoy haciendo. Entonces me atemoriza hacer cambios, destruir imágenes, pues la pintura tiene una vida propia. Mi misión es hacer surgir esa vida…”

Pollock, 1952

13.- Tal cual es una de las características del Romanticismo, el artista se erige en una especie de chamán, de demiurgo o de hilo comunicativo entre el otro lado desconocido y este donde sucede la cotidianidad.  

14.- La crítica entiende que el expresionismo abstracto tiene dos tendencias. La primera, abanderada por Pollock y de Kooning, utiliza el dripping especialmente para crear obras que quieren seguir las bases de la escritura automática. Son enérgicas, con trazos gestuales y a veces repetitivos que pretender conectar directamente con el inconsciente. La segunda se basa en el color e intenta desentrañar los símbolos universales a la par que es más meditada. En esta última el rey indiscutible es Rothko.  

Mark Rothko

15.- El expresionismo abstracto entroniza la pintura como la primera de las artes y esta se hace una con el artista de tal manera que el acto de pintar (no la obra ya creada) se convierte en esencia y ser del artista transformándolo con cada nuevo título. En este sentido, el arte se convierte en objeto sagrado casi o con poderes tan fuertes que quien se adentra en él no podrá salir indemne.  

16.- Esta forma de abordar la creación artística por parte del expresionismo abstracto se granjeó las críticas negativas que tachó a estas artistas de caóticos cuando no de fraude al no entender las posibilidades expresivas del arte de crear desgajado de la obra creada. 

17.- Se ha conservado un pequeño documental en el que se ve a Pollock inmerso en una de sus creaciones en el que se entiende perfectamente ese principio de espontaneidad o de conexión con el inconsciente (como si de un chaman se tratara) que caracteriza al expresionismo abstracto.  

18.- Para 1956, con la muerte de Pollock en un accidente de coche totalmente ebrio, el movimiento se da por concluido dando paso a otras formas expresivas totalmente contrarias que se encargarían de entronizar los artistas del pop art.  

 

Artistas del expresionismo abstracto 

1.- Arshile Gorky, el creador atormentado 

Si bien buena parte de los artistas del expresionismo abstracto sufrían de un psiquismo tan frágil que llegaron a experimentar con drogas y sustancias alucinógenas, el caso de Arshile Gorky es extremo. Tanto que en 1948 acaba con su vida cuando tan solo contaba 44 años. Nacido en Armenia fue uno de los creadores que recalaron en New York huyendo de persecuciones o guerras. En un principio su obra se inspira en las de Cezanne y Picasso y también en las pinturas surrealistas. Más tarde, confiere un estilo propio a sus creaciones en las que se vislumbran un dramatismo extremo.  

2.- Jackson Pollock, el representante del expresionismo abstracto más conocido 

Nace en el interior de Estados Unidos, en Wyoming, en 1912 y sus primeros años están marcados por constantes mudanzas familiares. Comienza sus estudios de arte en 1930 y ya en 1935 su vida se encuentra marcada por el alcoholismo con todos sus demonios inherentes. Logra exponer en la galería Art of this Century, la misma que creó la afamada Peggy Guggenheim en 1943. Tras la muestra, llegaría un encargo de importancia: un mural de más de seis metros para el hall de su casa neoyorquina donde se manifiesta la influencia de los símbolos del inconsciente colectivo propuesto por Jung. 

 

Para 1947 ya se había introducido en la técnica del dripping y, algo muy importante, da a conocer sus trabajos (con su modus operandi tan característico) a través del crítico Clement Greenberg. Crea obras sin títulos totalmente abstractas formadas por una escritura automática en un estado casi en trance. A partir de aquí comienza a ser el niño mimado del arte contemporáneo con artículos en las revistas punteras del momento (y de hoy en día incluso). Y todo ello a pesar de que una parte de la crítica no dudaba en tacharlo incluso de fraude y de ser un alcohólico con una potente campaña de marketing detrás. Algo de razón no le faltaban a sus detractores ya que muere en 1956 (con 44 años) tras un accidente de coche en el que iba totalmente borracho. A partir de aquí comienza una leyenda que aún no ha terminado. 

3.- Robert Mortherwell, genuinamente americano

Fue el más longevo de los artistas del expresionismo abstracto. Nacido en 1915, en la misma década que el resto de los representantes del movimiento, en Washington, dejó este mundo en 1991. De sólida formación académica con estudios de Filosofía (licenciándose en Harvard) también tenía una amplia cultura humanística formada a través de sus viajes por Europa. Junto a Rothko funda la escuela Subjects of artists. Sus amplios conocimientos teóricos (junto con sus preocupaciones políticas) le lleva a hacer grandes obras pictóricas de un fuerte impacto. Gran parte de ellas, como la conocida Elegía para la República Española, están realizadas en blanco y negro o siguiendo esa gama de tonalidades.  

4.- Mark Rothko, el creador del expresionismo abstracto que ensalzó el color supremo

Nacido en Rusia en 1903, fue otro de los artistas del movimiento que recaló en New York huyendo de guerras y persecuciones.  Como Robert Mortherwell, también tiene una sólida formación académica, ya que logra ingresar y licenciarse en la elitista Universidad de Yale.  Se asienta en New York en 1925 donde desarrollará toda su carrera artística. Sus obras de gran formato en las que predomina el color y nada más que el color son únicas en la historia del arte. Son famosos sus lienzos en los que solo hay dos o tres rectángulos con tonos contrastados que no dicen (en las reproducciones en papel u online) del impacto en vivo. Como buena parte de los miembros del expresionismo abstracto mantuvo durante toda su vida un espíritu atormentado y un psiquismo frágil que acabó en 1970 con el suicido. 

5.- Willem de Kooning, entre la figuración y la abstracción

De origen holandés (nacido en 1904), su formación temprana se hizo en su país de origen.  En 1926 logra entrar en Estados Unidos y en 1927 está instalado en Manhattan. Sus primeras obras, como es frecuente en estas décadas, mantienen una clara influencia de Picasso, para pasar, alrededor de 1940 a la abstracción, aunque no abandona del todo la figuración. Aunque también fue longevo y murió de enfermedad, toda su vida también estuvo marcada por el alcoholismo. 

 

6.- Franz Kline de difícil clasificación como artista del expresionismo abstracto

Comienza su carrera en la figuración y, además, sus primeras obras están realizadas en Londres donde se traslada a vivir y a trabajar como profesor. No es hasta la década de los cincuenta, fecha en la que el movimiento está casi liquidado, cuando se adhiere al expresionismo abstracto volviendo a instalarse en New York donde fallece. 

7.- Adolph Gottlieb, el artista del expresionismo abstracto que busca la expresión del inconsciente colectivo

Nacido en New York en 1903, donde muere en 1974, comienza sus primeros estudios en la Ciudad de los Rascacielos. Eso no quita para que se traslade a París donde completa su formación. A partir de 1933 comienza una serie de obras en las que se aprecian símbolos complejos, caligrafías  o jeroglíficos que pretenden ser un lenguaje nuevo y directo con el inconsciente colectivo propuesto por Jung y que por esas décadas revolucionó la concepción de la humanidad. Esta obra tan particular se mantiene (con sus debidas modificaciones y evoluciones personales) a lo largo de toda su carrera creando un opus artístico novedoso y original. 

 

  • Elegía de la República Española nº 34
    Elegía de la República Española nº 34
  • Expresionismo abstracto
    Expresionismo abstracto
  • Expresionismo abstracto
    Expresionismo abstracto
  • Los esponsales -Arshile Gorky (1947)
    Los esponsales -Arshile Gorky (1947)
  • Mark Rothko
    Mark Rothko
  • Mujer - De Kooning
    Mujer - De Kooning
 

En definitiva, y resumiendo muchísimo, el expresionismo abstracto fue un movimiento radicado en Nueva York predominante durante las décadas de los cuarenta y cincuenta del siglo XX. Sus integrantes pretendían, con obras pictóricas de gran formato, crear un lenguaje nuevo alejado de la figuración que enlazara directamente con los mandatos del inconsciente colectivo. Buena parte de ellos estaban atrapados en el alcohol y/o con problemas psicológicos diversos que, de alguna manera u otra, trasladaron a sus obras. Ese dramatismo es inherente en la producción total de un movimiento que dio paso a uno radicalmente distinto: el pop art o arte pop. 

 

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla 

 

 

 
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El arte es lo que queda cuando todo ha pasado. Es lo inmutable dentro del cambio. Es la belleza en un mundo en caos. El arte es parte importante de este sitio. Intentamos comprenderlo. 

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Antes que el pop art se hiciera tan famoso que sus características fueran conocidas incluso por los no amantes del arte, el expresionismo abstracto dominó las galerías de Norteamérica. Fue el primer movimiento de vanguardia que coloca el epicentro cultural en New York, arrebatando la supremacía de París. Eso fue en la década de los cuarenta y cincuenta del siglo XX al tiempo que, en Europa, predominaba el surrealismo en toda su amplitud.  

 

Condiciones históricas que propiciaron el expresionismo abstracto

El pistoletazo de salida de esta nueva estética tiene una fecha y lugar fijas: tiempo, 1936, lugar, el Museo de Arte Moderno de Nueva York y su exposición sobre el cubismo. La situación al otro lado del Atlántico no era precisamente tranquila y la más propicia para la creación. España está envuelta en una cruenta guerra civil mientras los fascismos (Alemania e Italia) amenazan con invadir el Viejo Continente. Ante esta panorama, numerosos filósofos, artistas e, incluso, empresarios de éxito se mudan a la nueva urbe que miraba al océano desde el otro lado: New York. Allí se crean los grandes museos a la par que se ponen las condiciones de paz necesarias para el progreso desde todos los ámbitos (aunque Estados Unidos entró en la Segunda Gran Guerra allí no cayeron las bombas sobre la población civil). Hasta aquí llegaron Mondrian, Breton o Dalí (representantes del surrealismo), Marc Chagall o Leger.  

Expresionismo abstracto 2

Para seguir entendiendo el expresionismo abstracto hay que tener en cuenta otra fecha: otoño de 1942 con la apertura de la galería Art of this Century promovida por Peggy Guggenheim. Aquí expusieron no solo las grandes glorias del arte surrealista europeo sino también las jóvenes promesas americanas. La galería, además, fue un punto de encuentro cultural, con tertulias y debates. Todo ello desembocó en un espíritu de grupo que se plasmó en la Federación de pintores y escultores modernos. 

 

Expresionismo abstracto y la Escuela de Nueva York 

Que así se llamó en un primer momento el movimiento artístico, conscientes de su importancia en el nuevo panorama del arte internacional. Y si algo los caracterizaba, los definía y los diferenciaba de las distintas escuelas europeas era su abrazo hacia la abstracción pura dejando de lado cualquier atisbo de figuración, aunque esto no se consiguió, del todo, en el 100% de las obras. 

Los esponsales de Arshile Gorky 1947

 

Estos pintores, sobre todo, eran conscientes de su singularidad y de su poder como grupo. Por eso, no dudaron en exponer en las mismas galerías, cuando se cerró en 1947 la de de Peggy Guggenheim y de rodearse de críticos afines que los ensalzaban como la vanguardia artística. Aparte de su abrazo incondicional a la abstracción este nueva fórmula surgida del expresionismo “tradicional” tiene puntos en común.  

 

Características del expresionismo abstracto

1.- Para los artistas del movimiento la libertad absoluta era santo y seña renegando cualquier influencia de la tradición. Esto que puede parecer novedoso, no obstante era lo que venían haciendo todos los grupos de vanguardia desde el futurismo hasta el dadaísmo

2.- Como los creadores del expresionismo alemán se declaraban existencialistas y buscaban temas, inspiración y objetivos de creación en la posibilidades comunicativas del alma humana. 

3.- Fascinados por los avances del psicoanálisis muy pronto se ponen a estudiar las teorías de Jung sobre el inconsciente colectivo y, a través de sus trazos abstractos intentan llevarlo a la obra. 

4.- En este sentido, los artistas del expresionismo abstracto, a pesar de ser conscientes de su posición histórica en una fecha y un lugar concretos, se declaran abiertamente humanistas, sin cerrazón por motivos patrióticos o similares. Si a eso unimos que el grupo estaba formado por creadores de diversas procedencia, el afán cosmopolita estaba servido.

5.- Rechazan la forma en el sentido amplio del término tanto en la que se refiere a las normas establecidas como a la representación de la realidad. 

 

6.- Por eso, algunas obras, como las de Rothko y Pollock, basan toda su significación casi exclusivamente en el color. 

7.- A pesar de que dicen abrazar nuevos valores e idearios (como si de un final e inicio del mundo se tratara) no se entretienen en hacer manifiestos tal como había sucedido en las vanguardias europeas. En este sentido, solo recuerdo el gusto por estos panfletos de los artistas del futurismo que crearon más documentos de este tipo que obras propiamente dichas.  

8.- Hay críticos que ponen en relación la expansión del expresionismo abstracto con la filosofía de la Fenomenología (que busca la expresión directa de la conciencia) y el Existencialismo que se haría fuerte tras la guerra, especialmente en literatura.  

9.- Por eso, la vida es concebida en su situación, en su emplazamiento, en sus circunstancias sin dejar ningún lado a la reflexión o a la maduración de las ideas. En esta línea se explican los cuadros que se ejecutan automáticamente sin filtros como si fueran el hilo comunicativo entre el inconsciente del autor y la percepción del espectador.  

 

Más características del expresionismo abstracto con respecto a la posición de los artistas y las obras 

10.- Es en el hacer donde la obra toma su singularidad y su sentido. 

11.- La materia y el gesto mismo de pintar se convierten en obras de arte como si de un exorcismo se tratara donde se trata de plasmar en la obra aquello que ocurre en el inconsciente de su creador.  

12.- Para conseguir ese estado que se conecte con el inconsciente estos autores no dudan en recurrir a sustancias como las drogas y el alcohol. El resultado, por tanto, de estas obras del expresionismo abstracto es el reflejo del interior de un espíritu atormentado cuando no de una patología.  

“Cuando estoy pintando no tengo conciencia de lo que hago. Solo después de una especie de periodo de toma de conciencia caigo en la cuenta de lo que estoy haciendo. Entonces me atemoriza hacer cambios, destruir imágenes, pues la pintura tiene una vida propia. Mi misión es hacer surgir esa vida…”

Pollock, 1952

13.- Tal cual es una de las características del Romanticismo, el artista se erige en una especie de chamán, de demiurgo o de hilo comunicativo entre el otro lado desconocido y este donde sucede la cotidianidad.  

14.- La crítica entiende que el expresionismo abstracto tiene dos tendencias. La primera, abanderada por Pollock y de Kooning, utiliza el dripping especialmente para crear obras que quieren seguir las bases de la escritura automática. Son enérgicas, con trazos gestuales y a veces repetitivos que pretender conectar directamente con el inconsciente. La segunda se basa en el color e intenta desentrañar los símbolos universales a la par que es más meditada. En esta última el rey indiscutible es Rothko.  

Mark Rothko

15.- El expresionismo abstracto entroniza la pintura como la primera de las artes y esta se hace una con el artista de tal manera que el acto de pintar (no la obra ya creada) se convierte en esencia y ser del artista transformándolo con cada nuevo título. En este sentido, el arte se convierte en objeto sagrado casi o con poderes tan fuertes que quien se adentra en él no podrá salir indemne.  

16.- Esta forma de abordar la creación artística por parte del expresionismo abstracto se granjeó las críticas negativas que tachó a estas artistas de caóticos cuando no de fraude al no entender las posibilidades expresivas del arte de crear desgajado de la obra creada. 

17.- Se ha conservado un pequeño documental en el que se ve a Pollock inmerso en una de sus creaciones en el que se entiende perfectamente ese principio de espontaneidad o de conexión con el inconsciente (como si de un chaman se tratara) que caracteriza al expresionismo abstracto.  

18.- Para 1956, con la muerte de Pollock en un accidente de coche totalmente ebrio, el movimiento se da por concluido dando paso a otras formas expresivas totalmente contrarias que se encargarían de entronizar los artistas del pop art.  

 

Artistas del expresionismo abstracto 

1.- Arshile Gorky, el creador atormentado 

Si bien buena parte de los artistas del expresionismo abstracto sufrían de un psiquismo tan frágil que llegaron a experimentar con drogas y sustancias alucinógenas, el caso de Arshile Gorky es extremo. Tanto que en 1948 acaba con su vida cuando tan solo contaba 44 años. Nacido en Armenia fue uno de los creadores que recalaron en New York huyendo de persecuciones o guerras. En un principio su obra se inspira en las de Cezanne y Picasso y también en las pinturas surrealistas. Más tarde, confiere un estilo propio a sus creaciones en las que se vislumbran un dramatismo extremo.  

2.- Jackson Pollock, el representante del expresionismo abstracto más conocido 

Nace en el interior de Estados Unidos, en Wyoming, en 1912 y sus primeros años están marcados por constantes mudanzas familiares. Comienza sus estudios de arte en 1930 y ya en 1935 su vida se encuentra marcada por el alcoholismo con todos sus demonios inherentes. Logra exponer en la galería Art of this Century, la misma que creó la afamada Peggy Guggenheim en 1943. Tras la muestra, llegaría un encargo de importancia: un mural de más de seis metros para el hall de su casa neoyorquina donde se manifiesta la influencia de los símbolos del inconsciente colectivo propuesto por Jung. 

 

Para 1947 ya se había introducido en la técnica del dripping y, algo muy importante, da a conocer sus trabajos (con su modus operandi tan característico) a través del crítico Clement Greenberg. Crea obras sin títulos totalmente abstractas formadas por una escritura automática en un estado casi en trance. A partir de aquí comienza a ser el niño mimado del arte contemporáneo con artículos en las revistas punteras del momento (y de hoy en día incluso). Y todo ello a pesar de que una parte de la crítica no dudaba en tacharlo incluso de fraude y de ser un alcohólico con una potente campaña de marketing detrás. Algo de razón no le faltaban a sus detractores ya que muere en 1956 (con 44 años) tras un accidente de coche en el que iba totalmente borracho. A partir de aquí comienza una leyenda que aún no ha terminado. 

3.- Robert Mortherwell, genuinamente americano

Fue el más longevo de los artistas del expresionismo abstracto. Nacido en 1915, en la misma década que el resto de los representantes del movimiento, en Washington, dejó este mundo en 1991. De sólida formación académica con estudios de Filosofía (licenciándose en Harvard) también tenía una amplia cultura humanística formada a través de sus viajes por Europa. Junto a Rothko funda la escuela Subjects of artists. Sus amplios conocimientos teóricos (junto con sus preocupaciones políticas) le lleva a hacer grandes obras pictóricas de un fuerte impacto. Gran parte de ellas, como la conocida Elegía para la República Española, están realizadas en blanco y negro o siguiendo esa gama de tonalidades.  

4.- Mark Rothko, el creador del expresionismo abstracto que ensalzó el color supremo

Nacido en Rusia en 1903, fue otro de los artistas del movimiento que recaló en New York huyendo de guerras y persecuciones.  Como Robert Mortherwell, también tiene una sólida formación académica, ya que logra ingresar y licenciarse en la elitista Universidad de Yale.  Se asienta en New York en 1925 donde desarrollará toda su carrera artística. Sus obras de gran formato en las que predomina el color y nada más que el color son únicas en la historia del arte. Son famosos sus lienzos en los que solo hay dos o tres rectángulos con tonos contrastados que no dicen (en las reproducciones en papel u online) del impacto en vivo. Como buena parte de los miembros del expresionismo abstracto mantuvo durante toda su vida un espíritu atormentado y un psiquismo frágil que acabó en 1970 con el suicido. 

5.- Willem de Kooning, entre la figuración y la abstracción

De origen holandés (nacido en 1904), su formación temprana se hizo en su país de origen.  En 1926 logra entrar en Estados Unidos y en 1927 está instalado en Manhattan. Sus primeras obras, como es frecuente en estas décadas, mantienen una clara influencia de Picasso, para pasar, alrededor de 1940 a la abstracción, aunque no abandona del todo la figuración. Aunque también fue longevo y murió de enfermedad, toda su vida también estuvo marcada por el alcoholismo. 

 

6.- Franz Kline de difícil clasificación como artista del expresionismo abstracto

Comienza su carrera en la figuración y, además, sus primeras obras están realizadas en Londres donde se traslada a vivir y a trabajar como profesor. No es hasta la década de los cincuenta, fecha en la que el movimiento está casi liquidado, cuando se adhiere al expresionismo abstracto volviendo a instalarse en New York donde fallece. 

7.- Adolph Gottlieb, el artista del expresionismo abstracto que busca la expresión del inconsciente colectivo

Nacido en New York en 1903, donde muere en 1974, comienza sus primeros estudios en la Ciudad de los Rascacielos. Eso no quita para que se traslade a París donde completa su formación. A partir de 1933 comienza una serie de obras en las que se aprecian símbolos complejos, caligrafías  o jeroglíficos que pretenden ser un lenguaje nuevo y directo con el inconsciente colectivo propuesto por Jung y que por esas décadas revolucionó la concepción de la humanidad. Esta obra tan particular se mantiene (con sus debidas modificaciones y evoluciones personales) a lo largo de toda su carrera creando un opus artístico novedoso y original. 

 

  • Elegía de la República Española nº 34
    Elegía de la República Española nº 34
  • Expresionismo abstracto
    Expresionismo abstracto
  • Expresionismo abstracto
    Expresionismo abstracto
  • Los esponsales -Arshile Gorky (1947)
    Los esponsales -Arshile Gorky (1947)
  • Mark Rothko
    Mark Rothko
  • Mujer - De Kooning
    Mujer - De Kooning
 

En definitiva, y resumiendo muchísimo, el expresionismo abstracto fue un movimiento radicado en Nueva York predominante durante las décadas de los cuarenta y cincuenta del siglo XX. Sus integrantes pretendían, con obras pictóricas de gran formato, crear un lenguaje nuevo alejado de la figuración que enlazara directamente con los mandatos del inconsciente colectivo. Buena parte de ellos estaban atrapados en el alcohol y/o con problemas psicológicos diversos que, de alguna manera u otra, trasladaron a sus obras. Ese dramatismo es inherente en la producción total de un movimiento que dio paso a uno radicalmente distinto: el pop art o arte pop. 

 

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla 

 

 

 
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Representante tardío de la Escuela de Pintura Vasca, Gustavo de Maeztu y Whitney (Vitoria, 1887- Estella, 1947) desarrolló un estilo propio al margen de cualquier escuela.


Aunque las modas, los modos y las circunstancias de cada tiempo condicionan irremediablemente la cosmovisión de cualquier creador, hay quienes se sienten más tentados a seguir los dictámenes que la época impone y quienes se decantan por un camino en solitario. Esta vía fue la escogida por el pintor vasco Gustavo de Maeztu, quien se movió, vivió y creó al margen de las vanguardias imperantes en la época.

Biografía mínima de Gustavo de Maeztu

De familia acomodada, aunque muy pronto venida a menos, Gustavo de Maeztu, a pesar del ambiente provinciano en el que se crió, disfrutó de una educación cosmopolita, abierta y liberal. Era su padre un hacendado cubano incapaz de mantener en pie los negocios y el estatus de la familia en los convulsos años de cambio de siglo (del XIX al XX). La ruina llegó a la par que la muerte del patriarca, dejando a la madre (nacida francesa, pero de ascendencia italiana e inglesa) a cargo de cinco hijos y con una situación financiera desastrosa.


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Pero Juana Whitney (que así se llamaba la matriarca) no se amilanó ante la pérdida de la cómoda vida elitista disfrutada en Vitoria y, únicamente con el aporte de su educación e inteligencia, se traslada con toda la familia a Bilbao, donde funda un colegio de señoritas. La importancia dada a la educación por la señora Whitney dará pronto sus frutos, ya que consigue situar a parte de su prole, sobre todo a los mayores, entre la élite intelectual y cultural de la España triste de las primeras décadas del siglo XX.  El primogénito, Ramiro de Maeztu (1875-1936), fue un insigne escritor, politólogo y crítico perteneciente a la Generación del 98 y María  de Maeztu (1881-1948), una de las primeras pedagogas del país.


A pesar de los esfuerzos de su madre, Gustavo no abandonó un cierto gusto por la vida cómoda cercana a la estética del dandy. Vive durante el año 1907 en París, donde conoce a Picasso, pero no se llega a interesar lo más mínimo por los nuevos lenguajes artísticos que, por entonces, se desarrollaban en la capital francesa. Aunque los viajes al extranjero fueron frecuentes (Londres o Ámsterdam donde expone con un éxito discreto), prácticamente pasó toda su vida en Bilbao, realizando cortas incursiones por el sur de España. Fascinado por los tipos y el paisaje de Castilla y Andalucía, muere en Estella donando a la ciudad sus obras, enseres y patrimonio. 

Museo Gustavo de Maeztu 

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Es en el Palacio de los Reyes de Navarra (o Palacio de de los Duques de Granada de Ega), en la localidad de Estella, en pleno Camino de Santiago, donde se ubica el Museo Gustavo de Maeztu. El edificio civil de arquitectura románica data del siglo XII y tras diversos abandonos, saqueos, olvidos, reestructuraciones y reformas alberga esta colección de arte, con el formato que hoy se muestra al público, desde 1991.


El espacio expositivo del Museo Gustavo de Maeztu se distribuye en dos plantas (sin ascensor) y en varias salas. Pinturas, óleos, dibujos y grabados (especialmente litografías) conviven con objetos de taller y estudio -como las herramientas utilizadas en su investigación con la encáustica-. Siguiendo los pasos de sus hermanos Ramiro y María, Gustavo escribió y publicó varios libros de creación (Caligostro o La Camorradormida, de 1927) y un manifiesto artístico titulado Fantasía sobre los chinos (1923). 

Obras de Gustavo de Maeztu, una introducción

Pero a la hora de buscar el verdadero Gustavo de Maeztu, hay que dirigirse a sus pinturas. Heredero de la Escuela Vasca abanderada por Ignacio de Zuloaga, estudió con Antonio Lecuona, con quien aprendió los rudimentos del pincel, la luz y la composición.


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En sus grandes óleos destaca un uso rotundo del color, con preponderancia de los rojos y los azules en contraste con una paleta apagada de tonos ocres. Trabajó siempre al margen de las vanguardias y ni siquiera tuvo la curiosidad (tal como hiciera Diego Rivera) de probar los nuevos modos cubistas en su etapa parisina. Tampoco encontramos atisbos del surrealismo que tanto dominó la escena artística de principios de siglo XX.


Son los protagonistas de Maeztu los tipos típicos de Castilla y Andalucía, las mujeres del pueblo llano que se engalanan con las prendas regionales, teniendo como fondo el eterno paisaje de caseríos y ruinas. Sus modelos son tratados con exageradas curvas y redondeces, aportándoles un punto de tercera dimensión, como si de esculturas se trataran.


Están, vida y obras, por tanto, al margen de los libros de historia, ya que en los cuadros de Gustavo de Maeztu encontramos todos los temas y las formas que dominaban la España profunda de las primeras décadas del siglo XX.

Texto y fotos por Candela Vizcaíno

 

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El arte es lo que queda cuando todo ha pasado. Es lo inmutable dentro del cambio. Es la belleza en un mundo en caos. El arte es parte importante de este sitio. Intentamos comprenderlo. 

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Representante tardío de la Escuela de Pintura Vasca, Gustavo de Maeztu y Whitney (Vitoria, 1887- Estella, 1947) desarrolló un estilo propio al margen de cualquier escuela.


Aunque las modas, los modos y las circunstancias de cada tiempo condicionan irremediablemente la cosmovisión de cualquier creador, hay quienes se sienten más tentados a seguir los dictámenes que la época impone y quienes se decantan por un camino en solitario. Esta vía fue la escogida por el pintor vasco Gustavo de Maeztu, quien se movió, vivió y creó al margen de las vanguardias imperantes en la época.

Biografía mínima de Gustavo de Maeztu

De familia acomodada, aunque muy pronto venida a menos, Gustavo de Maeztu, a pesar del ambiente provinciano en el que se crió, disfrutó de una educación cosmopolita, abierta y liberal. Era su padre un hacendado cubano incapaz de mantener en pie los negocios y el estatus de la familia en los convulsos años de cambio de siglo (del XIX al XX). La ruina llegó a la par que la muerte del patriarca, dejando a la madre (nacida francesa, pero de ascendencia italiana e inglesa) a cargo de cinco hijos y con una situación financiera desastrosa.


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Pero Juana Whitney (que así se llamaba la matriarca) no se amilanó ante la pérdida de la cómoda vida elitista disfrutada en Vitoria y, únicamente con el aporte de su educación e inteligencia, se traslada con toda la familia a Bilbao, donde funda un colegio de señoritas. La importancia dada a la educación por la señora Whitney dará pronto sus frutos, ya que consigue situar a parte de su prole, sobre todo a los mayores, entre la élite intelectual y cultural de la España triste de las primeras décadas del siglo XX.  El primogénito, Ramiro de Maeztu (1875-1936), fue un insigne escritor, politólogo y crítico perteneciente a la Generación del 98 y María  de Maeztu (1881-1948), una de las primeras pedagogas del país.


A pesar de los esfuerzos de su madre, Gustavo no abandonó un cierto gusto por la vida cómoda cercana a la estética del dandy. Vive durante el año 1907 en París, donde conoce a Picasso, pero no se llega a interesar lo más mínimo por los nuevos lenguajes artísticos que, por entonces, se desarrollaban en la capital francesa. Aunque los viajes al extranjero fueron frecuentes (Londres o Ámsterdam donde expone con un éxito discreto), prácticamente pasó toda su vida en Bilbao, realizando cortas incursiones por el sur de España. Fascinado por los tipos y el paisaje de Castilla y Andalucía, muere en Estella donando a la ciudad sus obras, enseres y patrimonio. 

Museo Gustavo de Maeztu 

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Es en el Palacio de los Reyes de Navarra (o Palacio de de los Duques de Granada de Ega), en la localidad de Estella, en pleno Camino de Santiago, donde se ubica el Museo Gustavo de Maeztu. El edificio civil de arquitectura románica data del siglo XII y tras diversos abandonos, saqueos, olvidos, reestructuraciones y reformas alberga esta colección de arte, con el formato que hoy se muestra al público, desde 1991.


El espacio expositivo del Museo Gustavo de Maeztu se distribuye en dos plantas (sin ascensor) y en varias salas. Pinturas, óleos, dibujos y grabados (especialmente litografías) conviven con objetos de taller y estudio -como las herramientas utilizadas en su investigación con la encáustica-. Siguiendo los pasos de sus hermanos Ramiro y María, Gustavo escribió y publicó varios libros de creación (Caligostro o La Camorradormida, de 1927) y un manifiesto artístico titulado Fantasía sobre los chinos (1923). 

Obras de Gustavo de Maeztu, una introducción

Pero a la hora de buscar el verdadero Gustavo de Maeztu, hay que dirigirse a sus pinturas. Heredero de la Escuela Vasca abanderada por Ignacio de Zuloaga, estudió con Antonio Lecuona, con quien aprendió los rudimentos del pincel, la luz y la composición.


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En sus grandes óleos destaca un uso rotundo del color, con preponderancia de los rojos y los azules en contraste con una paleta apagada de tonos ocres. Trabajó siempre al margen de las vanguardias y ni siquiera tuvo la curiosidad (tal como hiciera Diego Rivera) de probar los nuevos modos cubistas en su etapa parisina. Tampoco encontramos atisbos del surrealismo que tanto dominó la escena artística de principios de siglo XX.


Son los protagonistas de Maeztu los tipos típicos de Castilla y Andalucía, las mujeres del pueblo llano que se engalanan con las prendas regionales, teniendo como fondo el eterno paisaje de caseríos y ruinas. Sus modelos son tratados con exageradas curvas y redondeces, aportándoles un punto de tercera dimensión, como si de esculturas se trataran.


Están, vida y obras, por tanto, al margen de los libros de historia, ya que en los cuadros de Gustavo de Maeztu encontramos todos los temas y las formas que dominaban la España profunda de las primeras décadas del siglo XX.

Texto y fotos por Candela Vizcaíno

 

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Todo empezó con La interpretación de los sueños de Freud en 1901. Aunque, en un principio, la obra no tuvo repercusión alguna, las ideas allí plasmadas fueron calando en el imaginario filosófico y artístico del momento. Según el padre del psicoanálisis, el espíritu humano de ser una mole inmutable, pasaba a estar conformado por espacios de sombras desconocidas. Esas oscuridades eran tan reales (o más) que lo que acontecía en el mundo real.

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Todo ello fue calando en los artistas del momento que, una vez impregnados de la teoría, se apresuraron a describir, a dibujar, a pintar o a moldear ese mundo fuera del ámbito de la conciencia.

Características del surrealismo

  • El surrealismo nació en varios países como un movimiento literario, pero acabó invadiendo otras artes: la escultura, el incipiente cine y, sobre todo, la pintura.
  • Se admite todo lo que rebasa la lógica y el inconsciente. Se considera que la verdad está detrás del mundo real.
  • Los sueños (y su interpretación), los mitos, las visiones, lo maravilloso son admitidos. Por tanto, a través del onirismo y de la fantasía se podía acceder a aquello que permanecía oculto.
  • El automatismo, el psicoanálisis y la brujería adquieren un papel preponderante.
  • Al tiempo, se reniega de la moral, de las convecciones y de los protocolos sociales imperantes por considerarse que coartan la libertad que lleva a esa verdad oculta.
  • La obra de arte se convierte en el medio, en el demiurgo, para que afloren todo ese conocimiento desconocido y amordazado por las costumbres burguesas.
  • El surrealismo se presenta como revolucionario, como una estética que, al poner de manifiesto lo desconocido, pretende hacer saltar por los aires los cimientos establecidos de la sociedad.
  • Propugna, por tanto, el cambio radical. Por eso, varios de sus autores se declararon abiertamente marxistas, izquierdistas o anarquistas.

El Manifiesto Surrealista

Tendríamos que hablar, más bien, de manifiestos, ya que el grupo fue prolijo en escritos, proclamas y estudios sobre su obra y lo que debería ser el arte.


El Primer Manifiesto Surrealista fue publicado por André Breton en 1924. En él se propugna el automatismo psíquico y el dictado del pensamiento sin ataduras.  Este primer manifiesto se presentó casi como una declaración de principios. Había que adherirse como un acto de fe. El que no lo hiciera era, inmediatamente, expulsado del grupo.

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Los manifiestos se sucedieron a lo largo de estos años. En 1925 nace una revista: El surrealismo al servicio de la Revolución. En 1929 aparece el Segundo Manifiesto Surrealista salido de la mano también de Breton.


Durante  estos años el grupo tiene sus desavenencias por motivos políticos, ya que la ortodoxia de André Breton dictaba la adscripción a la izquierda. Fruto de esa unión entre marxismo y surrealismo es la publicación en 1938 del Manifiesto por un Arte Revolucionario Independiente. En México firman el documento Breton, Trotski y Diego Rivera.

Artistas del Surrealismo


Aunque el movimiento exigía fe ciega en sus postulados y principios, hay una serie de artistas que, a pesar de las purgas, peleas y conflictos, tienen que catalogarse como surrealistas. Son:

Pintores surrealistas

El pintor más conocido de la corriente es Salvador Dalí, pero hay otros que también pertenecen al movimiento o hicieron obras claramente surrealistas: René Magritte, Arp, Miró, Picasso, Giorgio de Chirico, Francis Picabia, Klee, Roberto Matta, Yves Tanguy  y Leonora Carrington. No están todos los que son, pero sí son todos los que están. 

El surrealismo en literatura

Tristan Tzara, Paul Éluard y René Char son sus máximos exponentes. En las letras hispánicas hizo un primer esbozo Luis Cernuda, que pronto abandonó el movimiento y Vicente Aleixandre. El autor contemporáneo Fernando Arrabal puede inscribirse en la corriente, aunque, por edad, no pertenece a la vanguardia histórica.

Autores del surrealismo

Max Ernst (junto con Dalí) fue uno de los más influyentes. El director de cine Luis Buñuel, con Un perro andaluz y La edad de oro, ha servido de referente a cineastas actuales.


La estética, a pesar de las pullas y depuraciones inadmisibles para un movimiento que buscaba la verdad y la libertad, se extendió a lo largo de la década de los años treinta influenciando todas las artes y a gran parte de los autores más señeros del siglo XX.

Por Candela Vizcaíno

Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

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El arte es lo que queda cuando todo ha pasado. Es lo inmutable dentro del cambio. Es la belleza en un mundo en caos. El arte es parte importante de este sitio. Intentamos comprenderlo. 

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Todo empezó con La interpretación de los sueños de Freud en 1901. Aunque, en un principio, la obra no tuvo repercusión alguna, las ideas allí plasmadas fueron calando en el imaginario filosófico y artístico del momento. Según el padre del psicoanálisis, el espíritu humano de ser una mole inmutable, pasaba a estar conformado por espacios de sombras desconocidas. Esas oscuridades eran tan reales (o más) que lo que acontecía en el mundo real.

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Todo ello fue calando en los artistas del momento que, una vez impregnados de la teoría, se apresuraron a describir, a dibujar, a pintar o a moldear ese mundo fuera del ámbito de la conciencia.

Características del surrealismo

  • El surrealismo nació en varios países como un movimiento literario, pero acabó invadiendo otras artes: la escultura, el incipiente cine y, sobre todo, la pintura.
  • Se admite todo lo que rebasa la lógica y el inconsciente. Se considera que la verdad está detrás del mundo real.
  • Los sueños (y su interpretación), los mitos, las visiones, lo maravilloso son admitidos. Por tanto, a través del onirismo y de la fantasía se podía acceder a aquello que permanecía oculto.
  • El automatismo, el psicoanálisis y la brujería adquieren un papel preponderante.
  • Al tiempo, se reniega de la moral, de las convecciones y de los protocolos sociales imperantes por considerarse que coartan la libertad que lleva a esa verdad oculta.
  • La obra de arte se convierte en el medio, en el demiurgo, para que afloren todo ese conocimiento desconocido y amordazado por las costumbres burguesas.
  • El surrealismo se presenta como revolucionario, como una estética que, al poner de manifiesto lo desconocido, pretende hacer saltar por los aires los cimientos establecidos de la sociedad.
  • Propugna, por tanto, el cambio radical. Por eso, varios de sus autores se declararon abiertamente marxistas, izquierdistas o anarquistas.

El Manifiesto Surrealista

Tendríamos que hablar, más bien, de manifiestos, ya que el grupo fue prolijo en escritos, proclamas y estudios sobre su obra y lo que debería ser el arte.


El Primer Manifiesto Surrealista fue publicado por André Breton en 1924. En él se propugna el automatismo psíquico y el dictado del pensamiento sin ataduras.  Este primer manifiesto se presentó casi como una declaración de principios. Había que adherirse como un acto de fe. El que no lo hiciera era, inmediatamente, expulsado del grupo.

revolving house


Los manifiestos se sucedieron a lo largo de estos años. En 1925 nace una revista: El surrealismo al servicio de la Revolución. En 1929 aparece el Segundo Manifiesto Surrealista salido de la mano también de Breton.


Durante  estos años el grupo tiene sus desavenencias por motivos políticos, ya que la ortodoxia de André Breton dictaba la adscripción a la izquierda. Fruto de esa unión entre marxismo y surrealismo es la publicación en 1938 del Manifiesto por un Arte Revolucionario Independiente. En México firman el documento Breton, Trotski y Diego Rivera.

Artistas del Surrealismo


Aunque el movimiento exigía fe ciega en sus postulados y principios, hay una serie de artistas que, a pesar de las purgas, peleas y conflictos, tienen que catalogarse como surrealistas. Son:

Pintores surrealistas

El pintor más conocido de la corriente es Salvador Dalí, pero hay otros que también pertenecen al movimiento o hicieron obras claramente surrealistas: René Magritte, Arp, Miró, Picasso, Giorgio de Chirico, Francis Picabia, Klee, Roberto Matta, Yves Tanguy  y Leonora Carrington. No están todos los que son, pero sí son todos los que están. 

El surrealismo en literatura

Tristan Tzara, Paul Éluard y René Char son sus máximos exponentes. En las letras hispánicas hizo un primer esbozo Luis Cernuda, que pronto abandonó el movimiento y Vicente Aleixandre. El autor contemporáneo Fernando Arrabal puede inscribirse en la corriente, aunque, por edad, no pertenece a la vanguardia histórica.

Autores del surrealismo

Max Ernst (junto con Dalí) fue uno de los más influyentes. El director de cine Luis Buñuel, con Un perro andaluz y La edad de oro, ha servido de referente a cineastas actuales.


La estética, a pesar de las pullas y depuraciones inadmisibles para un movimiento que buscaba la verdad y la libertad, se extendió a lo largo de la década de los años treinta influenciando todas las artes y a gran parte de los autores más señeros del siglo XX.

Por Candela Vizcaíno

Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

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