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Cuando en febrero de 2010, en plena crisis económica, saltó la noticia de la venta millonaria (concretamente 74.200.000 euros) de El hombre que camina (L'Homme qui marche, según el título original en francés) en la londinense sala Sotheby’s, el público en general (que el aficionado ya lo conocía) se volvió hacia el artista de origen suizo Alberto Giacometti (1901-1966), creador de la obra de arte (una escultura en broce de más de un 1,80 m. de altura) más cara vendida en una subasta hasta el momento.  

Giacometti, algo parecido a una biografía

Nacido en el seno de una familia de artistas suizos, desde muy joven se manifestó su vena creadora fomentada, en este caso, por todos los miembros del clan. Como era costumbre en la época, con tan solo veintiún años, nada más terminada su formación académica convencional, se traslada a París, centro de la vanguardia artística e intelectual de la época.

Y es allí, en los cafés bohemios de Montparnasse, en París, donde entra en contacto con los que luego han ocupado páginas enteras en los libros de historia: desde Pablo Picasso a Max Ernest, pasando por Jean-Paul Sartre y todos los artistas, abanderados por André Bretón, adscritos al surrealismo

Tras la Segunda Guerra Mundial y un breve paso por Suiza, se instala en París donde se casa. Su mejor fue su musa. Tuvo la infinita paciencia de servir de modelo para el artista propiciando un aumento exponencial de las obras.

Obras de Giacometti

Aunque Alberto Giacometti trabajó diferentes formatos (por ejemplo, el dibujo o la escritura), ha entrado en los libros de arte por sus particulares esculturas y, sobre todo, por aquellas en las que se representa la figura humana en actitud de caminar.

En estas obras se realza sobremanera las extremidades inferiores de tal modo que se muestran desproporcionadas con respecto al resto del cuerpo, en una clara alegoría de la capacidad del ser humano para avanzar y, por tanto, para superar adversidades y complejos. 

Hay críticos que relacionan El hombre que camina con la muerte, la atracción del abismo y la conciencia certera del fin, pero el acto de moverse, de poner un pie tras otro, según la simbología universal, se refiere a esa capacidad innata del ser humano por superar adversidades, penalidades y contratiempos.

El acto mismo de la creación es un caminar, un andar, un avanzar y un trasladarse a otros mundos desconocidos. 

Como todos los artistas de esta época, Giacometti estaba vinculado a los movimientos del surrealismo. A partir de Freud, con la definición del subconsciente e inconsciente y la apertura de los mundos posibles devenidos con los sueños, los artistas se vuelcan hacia esa realidad que está en el revés de las cosas.

La percepción ya no es lo tangible y cotidiano. Siempre hay algo más allá desconocido y oculto. El arte actúa como vasos comunicantes entre un mundo y otro. Así se expresaba Giacometti en 1931 en la revista El surrealismo al servicio de la Revolución.

Deseaba actuar como un demiurgo, como un mago que abriera ese camino desconocido y llegó a decir, incluso, que la ejecución misma de la obra de arte era casi molesta. A toda costa quería trasladar lo que bullía en su cabeza al objeto.

Caminar, moverse, andar, trasladarse, abrir puertas, ir hacia al otro lado… lo que el arte hace en todo momento y Giacometti nos mostró con sus grandes esculturas. El hombre que camina.

Por Candela Vizcaíno

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El arte es lo que queda cuando todo ha pasado. Es lo inmutable dentro del cambio. Es la belleza en un mundo en caos. El arte es parte importante de este sitio. Intentamos comprenderlo pero también hemos montado una galería con artistas emergentes. 

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Cuando en febrero de 2010, en plena crisis económica, saltó la noticia de la venta millonaria (concretamente 74.200.000 euros) de El hombre que camina (L'Homme qui marche, según el título original en francés) en la londinense sala Sotheby’s, el público en general (que el aficionado ya lo conocía) se volvió hacia el artista de origen suizo Alberto Giacometti (1901-1966), creador de la obra de arte (una escultura en broce de más de un 1,80 m. de altura) más cara vendida en una subasta hasta el momento.  

Giacometti, algo parecido a una biografía

Nacido en el seno de una familia de artistas suizos, desde muy joven se manifestó su vena creadora fomentada, en este caso, por todos los miembros del clan. Como era costumbre en la época, con tan solo veintiún años, nada más terminada su formación académica convencional, se traslada a París, centro de la vanguardia artística e intelectual de la época.

Y es allí, en los cafés bohemios de Montparnasse, en París, donde entra en contacto con los que luego han ocupado páginas enteras en los libros de historia: desde Pablo Picasso a Max Ernest, pasando por Jean-Paul Sartre y todos los artistas, abanderados por André Bretón, adscritos al surrealismo

Tras la Segunda Guerra Mundial y un breve paso por Suiza, se instala en París donde se casa. Su mejor fue su musa. Tuvo la infinita paciencia de servir de modelo para el artista propiciando un aumento exponencial de las obras.

Obras de Giacometti

Aunque Alberto Giacometti trabajó diferentes formatos (por ejemplo, el dibujo o la escritura), ha entrado en los libros de arte por sus particulares esculturas y, sobre todo, por aquellas en las que se representa la figura humana en actitud de caminar.

En estas obras se realza sobremanera las extremidades inferiores de tal modo que se muestran desproporcionadas con respecto al resto del cuerpo, en una clara alegoría de la capacidad del ser humano para avanzar y, por tanto, para superar adversidades y complejos. 

Hay críticos que relacionan El hombre que camina con la muerte, la atracción del abismo y la conciencia certera del fin, pero el acto de moverse, de poner un pie tras otro, según la simbología universal, se refiere a esa capacidad innata del ser humano por superar adversidades, penalidades y contratiempos.

El acto mismo de la creación es un caminar, un andar, un avanzar y un trasladarse a otros mundos desconocidos. 

Como todos los artistas de esta época, Giacometti estaba vinculado a los movimientos del surrealismo. A partir de Freud, con la definición del subconsciente e inconsciente y la apertura de los mundos posibles devenidos con los sueños, los artistas se vuelcan hacia esa realidad que está en el revés de las cosas.

La percepción ya no es lo tangible y cotidiano. Siempre hay algo más allá desconocido y oculto. El arte actúa como vasos comunicantes entre un mundo y otro. Así se expresaba Giacometti en 1931 en la revista El surrealismo al servicio de la Revolución.

Deseaba actuar como un demiurgo, como un mago que abriera ese camino desconocido y llegó a decir, incluso, que la ejecución misma de la obra de arte era casi molesta. A toda costa quería trasladar lo que bullía en su cabeza al objeto.

Caminar, moverse, andar, trasladarse, abrir puertas, ir hacia al otro lado… lo que el arte hace en todo momento y Giacometti nos mostró con sus grandes esculturas. El hombre que camina.

Por Candela Vizcaíno

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Conocido y reconocido por sus grandes murales de corte realista y temática social, los primeros esbozos del artista mexicano Diego Rivera (1886-1957) en las vanguardias históricas quizás pasen desapercibidos para los amantes del arte. El artista, como era común en la época, realiza un viaje de estudios por Europa y en París entra en contacto con los círculos más rompedores del arte. Picasso había inaugurado el Cubismo y a la nueva forma de crear pintura se anotaron todos los creadores que querían estar en primera fila. Diego Rivera fue uno de ellos.

Biografía mínima de los primeros años en el arte de Diego Rivera

Gracias al apoyo económico del entonces gobernador de la provincia mexicana de Veracruz, un jovencísimo Diego Rivera consigue financiación para viajar y completar sus estudios de pintura por diversos emplazamientos europeos. Recae, en una primera etapa, en Madrid donde pasa dos años completando sus estudios académicos a la par que entra en contacto con la obra de El Greco. 

Pero muy pronto, el ambicioso Riviera siente que la capital de España comienza a quedarse pequeña y, tras concluir este periodo de aprendizaje y consolidación en las técnicas pictóricas, emprende un largo viaje por otras capitales europeas: Brujas, Gante, Londres y, por último, París.

 

El encuentro de Diego Rivera con el cubismo y Picasso en París

Y fue en París, tras sucumbir a la efervescencia cultural que, por entonces, se respiraba en sus barrios más artísticos (Montmartre y Montparnasse), donde Rivera se empapa de todas los movimientos de vanguardia que se iban gestando uno tras otro en la capital francesa.

El París de las primeras décadas del siglo XX era el de los cubistas Braque y, especialmente, Picasso, era el lugar por excelencia de la bohemia donde intentaba abrirse camino un, por entonces, desconocido Modigliani y  era la ciudad de las nuevas ideas filosóficas y políticas que dominarían todo el siglo XX. 

Por si esto fuera poco, comenzaban a afianzarse entre la élite cultural los movimientos de las décadas anteriores. Los malditos de finales del siglo XIX empiezan a tener, por estos años, su particular parcela de reconocimiento público. El impresionismo de un Renoir o el postimpresionismo de Cézanne se convierten en clásicos contemporáneos abriéndose, para ellos, las puertas de los museos. Sin descartar ninguna opción, Diego Rivera estudia todos estos movimientos (incluso el clasicismo de Ingres) y los va paulatinamente adaptando a su particular quehacer artístico.  

La estética de las pinturas murales de Diego Rivera

El periplo europeo de Diego Rivera termina hacia el año 1922, tras un viaje por tierras italianas donde entra en contacto con los grandes muralistas antiguos del Cuatrocento. Es aquí donde Rivera encuentra lo que necesita para construir una obra personal y propia.

Aunque vuelve al caballete al final de su vida, Rivera se dedicará casi de pleno –y por ello es conocido- a los murales de grandes espacios públicos donde plasma su particular percepción del color, a la par que ensalza el trabajo en equipo o el pasado glorioso del antiguo México. Mientras que la intervención, contratado por Henry Ford, el gran magnate de la automoción, en el Detroit Institute of Art (en la línea de los postulados del Manifiesto Futurista) tiene como leitmotiv los avances de la ingeniería, el realizado en el Teatro de los Insurgentes, por el contrario, se centra en ensalzar las grandes gestas de la historia de México.

Sin duda, Diego Rivera fue un artista polifacético, de personalidad poliédrica, capaz de beber e impregnarse de diversas fuentes e incorporarlas con éxito a sus obras. Fascinado por las posibilidades de expresión de los murales, sus convicciones izquierdistas no le impidió ser crítico con el régimen soviético y sus atrocidades. Pero eso para otro día.

Por Candela Vizcaíno

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El arte es lo que queda cuando todo ha pasado. Es lo inmutable dentro del cambio. Es la belleza en un mundo en caos. El arte es parte importante de este sitio. Intentamos comprenderlo pero también hemos montado una galería con artistas emergentes. 

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Conocido y reconocido por sus grandes murales de corte realista y temática social, los primeros esbozos del artista mexicano Diego Rivera (1886-1957) en las vanguardias históricas quizás pasen desapercibidos para los amantes del arte. El artista, como era común en la época, realiza un viaje de estudios por Europa y en París entra en contacto con los círculos más rompedores del arte. Picasso había inaugurado el Cubismo y a la nueva forma de crear pintura se anotaron todos los creadores que querían estar en primera fila. Diego Rivera fue uno de ellos.

Biografía mínima de los primeros años en el arte de Diego Rivera

Gracias al apoyo económico del entonces gobernador de la provincia mexicana de Veracruz, un jovencísimo Diego Rivera consigue financiación para viajar y completar sus estudios de pintura por diversos emplazamientos europeos. Recae, en una primera etapa, en Madrid donde pasa dos años completando sus estudios académicos a la par que entra en contacto con la obra de El Greco. 

Pero muy pronto, el ambicioso Riviera siente que la capital de España comienza a quedarse pequeña y, tras concluir este periodo de aprendizaje y consolidación en las técnicas pictóricas, emprende un largo viaje por otras capitales europeas: Brujas, Gante, Londres y, por último, París.

 

El encuentro de Diego Rivera con el cubismo y Picasso en París

Y fue en París, tras sucumbir a la efervescencia cultural que, por entonces, se respiraba en sus barrios más artísticos (Montmartre y Montparnasse), donde Rivera se empapa de todas los movimientos de vanguardia que se iban gestando uno tras otro en la capital francesa.

El París de las primeras décadas del siglo XX era el de los cubistas Braque y, especialmente, Picasso, era el lugar por excelencia de la bohemia donde intentaba abrirse camino un, por entonces, desconocido Modigliani y  era la ciudad de las nuevas ideas filosóficas y políticas que dominarían todo el siglo XX. 

Por si esto fuera poco, comenzaban a afianzarse entre la élite cultural los movimientos de las décadas anteriores. Los malditos de finales del siglo XIX empiezan a tener, por estos años, su particular parcela de reconocimiento público. El impresionismo de un Renoir o el postimpresionismo de Cézanne se convierten en clásicos contemporáneos abriéndose, para ellos, las puertas de los museos. Sin descartar ninguna opción, Diego Rivera estudia todos estos movimientos (incluso el clasicismo de Ingres) y los va paulatinamente adaptando a su particular quehacer artístico.  

La estética de las pinturas murales de Diego Rivera

El periplo europeo de Diego Rivera termina hacia el año 1922, tras un viaje por tierras italianas donde entra en contacto con los grandes muralistas antiguos del Cuatrocento. Es aquí donde Rivera encuentra lo que necesita para construir una obra personal y propia.

Aunque vuelve al caballete al final de su vida, Rivera se dedicará casi de pleno –y por ello es conocido- a los murales de grandes espacios públicos donde plasma su particular percepción del color, a la par que ensalza el trabajo en equipo o el pasado glorioso del antiguo México. Mientras que la intervención, contratado por Henry Ford, el gran magnate de la automoción, en el Detroit Institute of Art (en la línea de los postulados del Manifiesto Futurista) tiene como leitmotiv los avances de la ingeniería, el realizado en el Teatro de los Insurgentes, por el contrario, se centra en ensalzar las grandes gestas de la historia de México.

Sin duda, Diego Rivera fue un artista polifacético, de personalidad poliédrica, capaz de beber e impregnarse de diversas fuentes e incorporarlas con éxito a sus obras. Fascinado por las posibilidades de expresión de los murales, sus convicciones izquierdistas no le impidió ser crítico con el régimen soviético y sus atrocidades. Pero eso para otro día.

Por Candela Vizcaíno

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Conocido por sus inquietantes desnudos femeninos de cuello largo, al final de su vida, Modigliani realizó a la que fuera madre de su única hija más de 25 retratos.

Amadeo Modigliani (1884-1920) pertenece a esa extirpe de artistas malditos que tanto gustan en los circuitos académicos del arte. Paralelismos vitales aparte, toda su obra, por la fuerza expresiva de sus modelos, la originalidad en la composición, el primitivismo en la ejecución y una peculiar manera de encarar el color, se ha puesta en correlación con la de otro pintor desafortunado y perteneciente a una generación anterior, con la del holandés Vincent Van Gogh.

Biografía mínima de Amadeo Modigliani

Pintor de vida mundana, abocado irremediablemente a la bohemia por sus desórdenes psicológicos (producidos, en parte, por su adicción a las drogas y al alcohol), vivió el loco París de las primeras décadas del siglo XX. Acosado constantemente por los acreedores y obligado a saldar deudas en los cafés que frecuentaba haciendo retratos ligeros de la clientela, vivió siempre de prestado y situaba su estudio allí donde le dejaban, entre Montparnasse y Montmartre.

Muchos críticos han querido ver las razones del cierre y prohibición –por impúdica y amoral- de la primera y única exposición individual en vida del pintor como una consecuencia inevitable de la fama de mujeriego que le perseguía (por otro lado, y según los testimonios de la época, bastante merecida), más que en la forma de presentar sus obras. Hay que tener en cuenta que, en la época, era bastante inusual y, por tanto, objeto de escándalo, que las modelos de los desnudos miraran al espectador con toda franqueza exhibiendo sin pudor todos y cada uno de sus atributos.

Durante los primeros años del siglo XX y antes del estallido de la primera Guerra Mundial, Modigliani se enfrascó en la ejecución de una obra totalmente personal ajena a cualquier moda o movimiento artístico. Aunque, prácticamente, convivió con los cubistas (abanderados por Picasso y Braque), no participó de círculo artístico alguno, creando sus retratos y composiciones totalmente al margen de la vanguardia de entonces. Ni que decir tiene que un creador de tal talla artística no podía acercarse a los pintores de movimientos ya consagrados como podría ser el impresionismo que, por aquellos años, comenzaba a ser aceptado académica y culturalmente.

Modigiliani 2

Las obras de Modigliani realizadas en La Costa Azul

A comienzos de 1918 la Primera Guerra Mundial se había recrudecido considerablemente. Comenzaron a producirse los primeros ataques sobre la población y, cuando las tropas alemanas avanzaron sobre París, fueron muchos los que decidieron poner rumbo hacia el sur, hacia La Provenza o La Costa Azul.

Entre aquellos que abandonaron la capital se encontraba Amadeo Modigliani quien iba acompañado por una joven estudiante de apenas diecisiete años: Jean Hébuterne. Una chica tímida, recatada, callada, con tendencias depresivas que le daría a Modigliani su única hija: Jean Modigliani. Nacida en Niza en 1919, se convertiría, más tarde, en la mejor biógrafa de su padre.

En Niza, Modigliani pinta sus cuadros más conocidos, aquellos que han alcanzado en las subastas importes astronómicos. Son retratos muy cercanos a los prototipos psicológicos (el muchacho, la madre, el campesino, el soldado…) para los que posaron jóvenes locales y personas anónimas. Los personajes se muestran con serenidad, con las manos en el regazo y con la mirada perdida. Admirador de Cezánne, el pintor realiza en estas obras un uso extremo del color y del contraste de los tonos puros en un mismo lienzo. El amarillo, el rojo, el verde y al azul se presentan en una paleta contrapuesta, plana y sin matices. 

Modigiliani 1

Modigliani y Jeanne Hébuterne

Siguiendo este estilo, aborda Modigliani los más de veinticinco retratos que realizó en menos de dos años a su compañera. En ellos la joven aparece ensimismada, perdida en su interior, como si el tiempo se hubiera detenido y nada más que tuviera que esperar el hecho de ser retratada. El pintor se recrea en la mata de pelo pelirrojo, en la actitud plácida, quieta y expectante. Son retratos de frente y de perfil que, a pesar de la fuerza expresiva que emanan, ni siquiera se molestan en interrogarnos.

La frágil personalidad de Jean Hébuterne no pudo hacer frente a la muerte de Modigliani, quien sucumbía a la tuberculosis un frío día de enero del año 1920 en el Hospital de la Caridad de París. Al día siguiente, decide poner fin a su vida y a la del bebé que gestaba arrojándose por una ventana. De ella quedan más de veinticinco retratos disputados por coleccionistas privados y los mejores museos del mundo. 


Por Candela Vizcaíno

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El arte es lo que queda cuando todo ha pasado. Es lo inmutable dentro del cambio. Es la belleza en un mundo en caos. El arte es parte importante de este sitio. Intentamos comprenderlo pero también hemos montado una galería con artistas emergentes. 

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Conocido por sus inquietantes desnudos femeninos de cuello largo, al final de su vida, Modigliani realizó a la que fuera madre de su única hija más de 25 retratos.

Amadeo Modigliani (1884-1920) pertenece a esa extirpe de artistas malditos que tanto gustan en los circuitos académicos del arte. Paralelismos vitales aparte, toda su obra, por la fuerza expresiva de sus modelos, la originalidad en la composición, el primitivismo en la ejecución y una peculiar manera de encarar el color, se ha puesta en correlación con la de otro pintor desafortunado y perteneciente a una generación anterior, con la del holandés Vincent Van Gogh.

Biografía mínima de Amadeo Modigliani

Pintor de vida mundana, abocado irremediablemente a la bohemia por sus desórdenes psicológicos (producidos, en parte, por su adicción a las drogas y al alcohol), vivió el loco París de las primeras décadas del siglo XX. Acosado constantemente por los acreedores y obligado a saldar deudas en los cafés que frecuentaba haciendo retratos ligeros de la clientela, vivió siempre de prestado y situaba su estudio allí donde le dejaban, entre Montparnasse y Montmartre.

Muchos críticos han querido ver las razones del cierre y prohibición –por impúdica y amoral- de la primera y única exposición individual en vida del pintor como una consecuencia inevitable de la fama de mujeriego que le perseguía (por otro lado, y según los testimonios de la época, bastante merecida), más que en la forma de presentar sus obras. Hay que tener en cuenta que, en la época, era bastante inusual y, por tanto, objeto de escándalo, que las modelos de los desnudos miraran al espectador con toda franqueza exhibiendo sin pudor todos y cada uno de sus atributos.

Durante los primeros años del siglo XX y antes del estallido de la primera Guerra Mundial, Modigliani se enfrascó en la ejecución de una obra totalmente personal ajena a cualquier moda o movimiento artístico. Aunque, prácticamente, convivió con los cubistas (abanderados por Picasso y Braque), no participó de círculo artístico alguno, creando sus retratos y composiciones totalmente al margen de la vanguardia de entonces. Ni que decir tiene que un creador de tal talla artística no podía acercarse a los pintores de movimientos ya consagrados como podría ser el impresionismo que, por aquellos años, comenzaba a ser aceptado académica y culturalmente.

Modigiliani 2

Las obras de Modigliani realizadas en La Costa Azul

A comienzos de 1918 la Primera Guerra Mundial se había recrudecido considerablemente. Comenzaron a producirse los primeros ataques sobre la población y, cuando las tropas alemanas avanzaron sobre París, fueron muchos los que decidieron poner rumbo hacia el sur, hacia La Provenza o La Costa Azul.

Entre aquellos que abandonaron la capital se encontraba Amadeo Modigliani quien iba acompañado por una joven estudiante de apenas diecisiete años: Jean Hébuterne. Una chica tímida, recatada, callada, con tendencias depresivas que le daría a Modigliani su única hija: Jean Modigliani. Nacida en Niza en 1919, se convertiría, más tarde, en la mejor biógrafa de su padre.

En Niza, Modigliani pinta sus cuadros más conocidos, aquellos que han alcanzado en las subastas importes astronómicos. Son retratos muy cercanos a los prototipos psicológicos (el muchacho, la madre, el campesino, el soldado…) para los que posaron jóvenes locales y personas anónimas. Los personajes se muestran con serenidad, con las manos en el regazo y con la mirada perdida. Admirador de Cezánne, el pintor realiza en estas obras un uso extremo del color y del contraste de los tonos puros en un mismo lienzo. El amarillo, el rojo, el verde y al azul se presentan en una paleta contrapuesta, plana y sin matices. 

Modigiliani 1

Modigliani y Jeanne Hébuterne

Siguiendo este estilo, aborda Modigliani los más de veinticinco retratos que realizó en menos de dos años a su compañera. En ellos la joven aparece ensimismada, perdida en su interior, como si el tiempo se hubiera detenido y nada más que tuviera que esperar el hecho de ser retratada. El pintor se recrea en la mata de pelo pelirrojo, en la actitud plácida, quieta y expectante. Son retratos de frente y de perfil que, a pesar de la fuerza expresiva que emanan, ni siquiera se molestan en interrogarnos.

La frágil personalidad de Jean Hébuterne no pudo hacer frente a la muerte de Modigliani, quien sucumbía a la tuberculosis un frío día de enero del año 1920 en el Hospital de la Caridad de París. Al día siguiente, decide poner fin a su vida y a la del bebé que gestaba arrojándose por una ventana. De ella quedan más de veinticinco retratos disputados por coleccionistas privados y los mejores museos del mundo. 


Por Candela Vizcaíno

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El pintor andaluz Guillermo Pérez Villalta (1948) es uno de los máximos exponentes actuales de la permanencia del denominado estilo figurativo en las artes plásticas. 

Abanderado de la filosofía de la deconstrucción, uno de los más conocidos integrantes del movimiento underground la década de los ochenta conocida como Movida Madrileña, en sus cuadros –muchos de ellos autorretratos- abundan los personajes míticos y bíblicos.

  • Guillermo Pérez Villalta
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    Guillermo Pérez Villalta

 Guillermo Pérez Villalta

Hay quienes desde muy jóvenes tienen clara su vocación creadora aún sin saber muy bien por el camino que deben dirigirse. Algo parecido debió suceder con Guillermo Pérez Villalta al iniciar sus estudios de Arquitectura, carrera que concluyó y que le ha servido para firmar varios proyectos ubicados, sobre todo, en Andalucía (el edificio denominado El Kursaal de Algeciras – en la provincia de Cádiz- es uno de ellos), pero su vocación artística aparcó, en sus inicios, estos asuntos de la construcción para dedicarse casi de lleno a la pintura.

Esto no ha impedido que, a lo largo de su carrera, se pudiera permitir pequeñas o medianas incursiones en campos tan dispares como la escultura, el diseño de mobiliario o la colaboración en grandes obras de bibliofilia. En esta última faceta, el de la ilustración de títulos literarios clásicos, destacan sus intervenciones plásticas editadas por firmas tan señeras como Turner (La Odisea homéricaEl Faetón del Conde Villamediana) y Galaxia Gutenberg/Círculo de Lectores (Los viajes de Gulliver de Jonathan Swift).

La movida madrileña y Guillermo Pérez Villalta 


El artista gaditano empezó a ser conocido por su plena implicación en el movimiento socio-cultural conocido en la década de los ochenta como Movida Madrileña, la primera manifestación underground reconocida como tal en España.

Las ansias de apertura, de libertad y de democracia de la juventud de entonces encontró un cauce de expresión en la capital española donde la estética punk se mezclaba con un afán aperturista y los nuevos modelos de creación tanto musicales (Los secretos sería el grupo emblemático), cinematográficos (abanderado por Pedro Almodóvar), televisivos (La bola de cristal y la artista Alaska), comunicativos en todas las áreas y, por supuesto, artísticos. Es aquí donde encontró acomodo, junto a los también pintores Luis Gordillo, Carlos Franco y Manolo Quejido, el entonces joven Guillermo Pérez Villalta.

 

Obras de Guillermo Pérez Villalta

Es el suyo un arte totalmente original en el que se transparentan influencias de los maniquíes silenciosos de Giorgio de Chirino, del surrealismo de Dalí, de las primeras performances de Marcel Duchamp o la estética kirsch de la factoría Disney. 

Catalogado como barroco e, incluso, manierista, en sus cuadros predomina la figura humana, la cual es tratada con redondeces, con excesivas curvas y prestancias mientras que el paisaje (en el que predominan los elementos arquitectónicos clásicos) es representado con tintes evocadores y oníricos

Muy imbuido por los mitos de la Antigüedad Clásica y por las parábolas bíblicas, en sus cuadros aparecen los grandes personajes que han conformado la civilización occidental tratados, en ocasiones, de forma irreverente, pero siempre con un punto audaz y personal. Los títulos de sus últimas creaciones lo dicen todo: Ninfa y sátiroLa venganza de Letona, Salomé con la cabeza del bautista y Hombre luchando contra un dragón

Reconocido por la crítica, favorito de los coleccionistas privados, sus obras forman parte del fondo permanente de las grandes pinacotecas de España comenzando por el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y el Museo de Bellas Artes de Bilbao para terminar por el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo de Sevilla o la Fundación Juan March de Palma de Mallorca, por solo citar algunos. 

Premio Nacional de Artes Plásticas (galardón que recibe en 1985), Guillermo Pérez Villalta es, hoy por hoy, uno de los mejores exponentes en el campo de la expresión plástica de la posmodernidad española.

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Por Candela Vizcaíno

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El arte es lo que queda cuando todo ha pasado. Es lo inmutable dentro del cambio. Es la belleza en un mundo en caos. El arte es parte importante de este sitio. Intentamos comprenderlo pero también hemos montado una galería con artistas emergentes. 

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El pintor andaluz Guillermo Pérez Villalta (1948) es uno de los máximos exponentes actuales de la permanencia del denominado estilo figurativo en las artes plásticas. 

Abanderado de la filosofía de la deconstrucción, uno de los más conocidos integrantes del movimiento underground la década de los ochenta conocida como Movida Madrileña, en sus cuadros –muchos de ellos autorretratos- abundan los personajes míticos y bíblicos.

  • Guillermo Pérez Villalta
    Guillermo Pérez Villalta
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    Guillermo Pérez Villalta
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    Guillermo Pérez Villalta
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    Guillermo Pérez Villalta

 Guillermo Pérez Villalta

Hay quienes desde muy jóvenes tienen clara su vocación creadora aún sin saber muy bien por el camino que deben dirigirse. Algo parecido debió suceder con Guillermo Pérez Villalta al iniciar sus estudios de Arquitectura, carrera que concluyó y que le ha servido para firmar varios proyectos ubicados, sobre todo, en Andalucía (el edificio denominado El Kursaal de Algeciras – en la provincia de Cádiz- es uno de ellos), pero su vocación artística aparcó, en sus inicios, estos asuntos de la construcción para dedicarse casi de lleno a la pintura.

Esto no ha impedido que, a lo largo de su carrera, se pudiera permitir pequeñas o medianas incursiones en campos tan dispares como la escultura, el diseño de mobiliario o la colaboración en grandes obras de bibliofilia. En esta última faceta, el de la ilustración de títulos literarios clásicos, destacan sus intervenciones plásticas editadas por firmas tan señeras como Turner (La Odisea homéricaEl Faetón del Conde Villamediana) y Galaxia Gutenberg/Círculo de Lectores (Los viajes de Gulliver de Jonathan Swift).

La movida madrileña y Guillermo Pérez Villalta 


El artista gaditano empezó a ser conocido por su plena implicación en el movimiento socio-cultural conocido en la década de los ochenta como Movida Madrileña, la primera manifestación underground reconocida como tal en España.

Las ansias de apertura, de libertad y de democracia de la juventud de entonces encontró un cauce de expresión en la capital española donde la estética punk se mezclaba con un afán aperturista y los nuevos modelos de creación tanto musicales (Los secretos sería el grupo emblemático), cinematográficos (abanderado por Pedro Almodóvar), televisivos (La bola de cristal y la artista Alaska), comunicativos en todas las áreas y, por supuesto, artísticos. Es aquí donde encontró acomodo, junto a los también pintores Luis Gordillo, Carlos Franco y Manolo Quejido, el entonces joven Guillermo Pérez Villalta.

 

Obras de Guillermo Pérez Villalta

Es el suyo un arte totalmente original en el que se transparentan influencias de los maniquíes silenciosos de Giorgio de Chirino, del surrealismo de Dalí, de las primeras performances de Marcel Duchamp o la estética kirsch de la factoría Disney. 

Catalogado como barroco e, incluso, manierista, en sus cuadros predomina la figura humana, la cual es tratada con redondeces, con excesivas curvas y prestancias mientras que el paisaje (en el que predominan los elementos arquitectónicos clásicos) es representado con tintes evocadores y oníricos

Muy imbuido por los mitos de la Antigüedad Clásica y por las parábolas bíblicas, en sus cuadros aparecen los grandes personajes que han conformado la civilización occidental tratados, en ocasiones, de forma irreverente, pero siempre con un punto audaz y personal. Los títulos de sus últimas creaciones lo dicen todo: Ninfa y sátiroLa venganza de Letona, Salomé con la cabeza del bautista y Hombre luchando contra un dragón

Reconocido por la crítica, favorito de los coleccionistas privados, sus obras forman parte del fondo permanente de las grandes pinacotecas de España comenzando por el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y el Museo de Bellas Artes de Bilbao para terminar por el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo de Sevilla o la Fundación Juan March de Palma de Mallorca, por solo citar algunos. 

Premio Nacional de Artes Plásticas (galardón que recibe en 1985), Guillermo Pérez Villalta es, hoy por hoy, uno de los mejores exponentes en el campo de la expresión plástica de la posmodernidad española.

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Por Candela Vizcaíno

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Biografía muy reducida de Marc Chagall

El que el artista (como el individuo corriente) es un fruto, más o menos logrado, de su tiempo bien podemos aplicarlo a los avatares vitales de este bielorruso aldeano, judío e hijo primogénito de una familia numerosa imposible hoy en día (eran nueve hermanos).  El jovencísimo Marc Chagall (1887-1986) recibe formación pictórica en San Petersburgo y, al estallar la Revolución Rusa, se implica tan activamente en el nuevo modelo político que, incluso, llegar a ostentar un cargo medio en su aldea natal.

Desgraciadamente, los procesos revolucionarios castigan a aquellos que, andando el tiempo, se atreven a cuestionar los crueles métodos de la ortodoxia dominante y Marc Chagall, por diferencias con la oligarquía, se ve obligado a abandonar su país en 1923. Tras pasar por Berlín, se instala en París, centro de ebullición intelectual, artística y filosófica del momento. Se mueve entre Montmartre y Montparnasse donde entra en contacto con las vanguardias históricas y con pintores de difícil adscripción, tal es el caso de Amadeo Modigliani.

Fruto de ese roce cultural son sus primeros cuadros en los que se aprecian referencias al cubismo, fauvismo, sobre todo, al surrealismo, fuente de la que no se apartará jamás, aunque, como corresponde a un artista único, imprimiéndole su particular interpretación.  La tranquilidad para el maduro Marc Chagall se verá interrumpida con el avance de las tropas nazis sobre territorio francés. De familia judía y de profundas convicciones religiosas, se ve obligado, de nuevo, a otro exilio: en esta ocasión a Estados Unidos. La paz facilita el trabajo y el ahondamiento en su particular universo pictórico, esta vez instalado cómodamente en la Provenza donde muere con más de noventa y ocho años.

  • Yo y el pueblo, 1911
    Yo y el pueblo, 1911
  • El violinista (1913) de Marc Chagall
    El violinista (1913) de Marc Chagall
  • Bestiario  (1968) de Marc Chagall
    Bestiario (1968) de Marc Chagall
  • Retrato de los padres de Marc Chagall
    Retrato de los padres de Marc Chagall
  • Vidrieras en Mainz de Marc Chagall
    Vidrieras en Mainz de Marc Chagall
  • Tres horas y media (El poeta) 1911
    Tres horas y media (El poeta) 1911

El particular estilo pictórico de Marc Chagall

La pintura de Marc Chagall, por su fuerte impronta onírica y simbólica (recordamos que el mundo de los sueños habla el lenguaje perdido de los símbolos universales), ha sido estudiada ampliamente por la escuela analítica de C.G. Jung (sobre todo por Aniela Jaffé).  En ella se repiten los motivos de la luna, el sol, el pez, el río o los caballos (simbolización de las fuerzas inconscientes descontroladas) que forman parte del acervo simbólico colectivo. 

La pintura de Marc Chagall

El joven Marc Chagall se inició en las letras y en las artes con la Biblia. De profundas convenciones religiosas, los temas del Gran Libro están presentes en su obra, a la par que se deja influenciar por otros artistas de renombre internacional. Así, sus primeras obras, las que realiza en Rusia antes del año 1910, tienen una marcada impronta, tanto en los colores como en la forma, del arte del rebelde Gauguin. Y nada más tenemos que echar un vistazo al Retrato de los padres.

A pesar de su característico estilo, en el que priman los símbolos y mitos universales, como no podía de ser otra manera, su paso por París, dejó una huella en el emotivo Marc Chagall. Su encuentro con Picasso, Breton o los Fauvistas hizo que la pincelada del pintor ruso tomara, en ocasiones, un aire cubista. Así son sus cuadros más famosos, los que realizó entre 1910 y 1920-1924.

Antes de la Segunda Guerra Mundial fue crucial en el arte de Marc Chagall el encuentro con el super editor del momento: Ambroise Vollard. Inicia, entonces, una serie de ilustraciones para libros de alta bibliofilia y ahonda aún más en el conocimiento de la Biblia ilustrando la gran mayoría de los pasajes conocidos a nivel popular. 

Una Francia ocupada por el régimen nazi decidió que Marc Chagall entraba dentro de la clasificación de arte degenerado. Comienza así el mito, el cual continúa durante su periplo americano. Aquí no solo hace obras “convencionales” (litografías, ilustraciones u óleos) sino que también se adentra en la escenografía de ballet.

Durante sus últimos años, Marc Chagall trabajó incasablemente en hermosas vidrieras eclesiásticas donde despliega no solo una potente imaginería simbólica sino también un particular colorido (que también significa, como todo en arte) que hacen de estas obras ejemplos únicos en el mundo. Los amantes de las cosas bellas no pueden perderse una visita a su intervención en la Catedral de Reims, la propuesta de la Iglesia de la Madre de Dios en Zurich, Suiza y, especialmente, las vidrieras de la Iglesia de San Esteban en Meinz, Alemania.

Obras de Marc Chagall

Ni que decir tiene que no podemos hacer un catálogo de una obra tan intensa, ya que abarca intervenciones en iglesias, ilustraciones de libros, pintura, cerámica o escultura. Eso no quita para que pongamos una lista con un puñado de nombres. Nos centraremos en las obras aquí reproducidas. 

  • Tres horas y media (El poeta) 1911
  • Yo y el pueblo, 1911
  • El violinista, 1913
  • Bestiario, 1968
  • Retrato de los padres
  • Vidrieras de la Iglesia de San Esteban de Meinz

Recuerda que la casilla comentarios está abierta a tus dudas. Deja tus preguntas en la casilla comentarios que te contesto rápidamente. 

Imágenes libre de copyright y de contenido libre. 

Por Candela Vizcaíno

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El arte es lo que queda cuando todo ha pasado. Es lo inmutable dentro del cambio. Es la belleza en un mundo en caos. El arte es parte importante de este sitio. Intentamos comprenderlo pero también hemos montado una galería con artistas emergentes. 

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Biografía muy reducida de Marc Chagall

El que el artista (como el individuo corriente) es un fruto, más o menos logrado, de su tiempo bien podemos aplicarlo a los avatares vitales de este bielorruso aldeano, judío e hijo primogénito de una familia numerosa imposible hoy en día (eran nueve hermanos).  El jovencísimo Marc Chagall (1887-1986) recibe formación pictórica en San Petersburgo y, al estallar la Revolución Rusa, se implica tan activamente en el nuevo modelo político que, incluso, llegar a ostentar un cargo medio en su aldea natal.

Desgraciadamente, los procesos revolucionarios castigan a aquellos que, andando el tiempo, se atreven a cuestionar los crueles métodos de la ortodoxia dominante y Marc Chagall, por diferencias con la oligarquía, se ve obligado a abandonar su país en 1923. Tras pasar por Berlín, se instala en París, centro de ebullición intelectual, artística y filosófica del momento. Se mueve entre Montmartre y Montparnasse donde entra en contacto con las vanguardias históricas y con pintores de difícil adscripción, tal es el caso de Amadeo Modigliani.

Fruto de ese roce cultural son sus primeros cuadros en los que se aprecian referencias al cubismo, fauvismo, sobre todo, al surrealismo, fuente de la que no se apartará jamás, aunque, como corresponde a un artista único, imprimiéndole su particular interpretación.  La tranquilidad para el maduro Marc Chagall se verá interrumpida con el avance de las tropas nazis sobre territorio francés. De familia judía y de profundas convicciones religiosas, se ve obligado, de nuevo, a otro exilio: en esta ocasión a Estados Unidos. La paz facilita el trabajo y el ahondamiento en su particular universo pictórico, esta vez instalado cómodamente en la Provenza donde muere con más de noventa y ocho años.

  • Yo y el pueblo, 1911
    Yo y el pueblo, 1911
  • El violinista (1913) de Marc Chagall
    El violinista (1913) de Marc Chagall
  • Bestiario  (1968) de Marc Chagall
    Bestiario (1968) de Marc Chagall
  • Retrato de los padres de Marc Chagall
    Retrato de los padres de Marc Chagall
  • Vidrieras en Mainz de Marc Chagall
    Vidrieras en Mainz de Marc Chagall
  • Tres horas y media (El poeta) 1911
    Tres horas y media (El poeta) 1911

El particular estilo pictórico de Marc Chagall

La pintura de Marc Chagall, por su fuerte impronta onírica y simbólica (recordamos que el mundo de los sueños habla el lenguaje perdido de los símbolos universales), ha sido estudiada ampliamente por la escuela analítica de C.G. Jung (sobre todo por Aniela Jaffé).  En ella se repiten los motivos de la luna, el sol, el pez, el río o los caballos (simbolización de las fuerzas inconscientes descontroladas) que forman parte del acervo simbólico colectivo. 

La pintura de Marc Chagall

El joven Marc Chagall se inició en las letras y en las artes con la Biblia. De profundas convenciones religiosas, los temas del Gran Libro están presentes en su obra, a la par que se deja influenciar por otros artistas de renombre internacional. Así, sus primeras obras, las que realiza en Rusia antes del año 1910, tienen una marcada impronta, tanto en los colores como en la forma, del arte del rebelde Gauguin. Y nada más tenemos que echar un vistazo al Retrato de los padres.

A pesar de su característico estilo, en el que priman los símbolos y mitos universales, como no podía de ser otra manera, su paso por París, dejó una huella en el emotivo Marc Chagall. Su encuentro con Picasso, Breton o los Fauvistas hizo que la pincelada del pintor ruso tomara, en ocasiones, un aire cubista. Así son sus cuadros más famosos, los que realizó entre 1910 y 1920-1924.

Antes de la Segunda Guerra Mundial fue crucial en el arte de Marc Chagall el encuentro con el super editor del momento: Ambroise Vollard. Inicia, entonces, una serie de ilustraciones para libros de alta bibliofilia y ahonda aún más en el conocimiento de la Biblia ilustrando la gran mayoría de los pasajes conocidos a nivel popular. 

Una Francia ocupada por el régimen nazi decidió que Marc Chagall entraba dentro de la clasificación de arte degenerado. Comienza así el mito, el cual continúa durante su periplo americano. Aquí no solo hace obras “convencionales” (litografías, ilustraciones u óleos) sino que también se adentra en la escenografía de ballet.

Durante sus últimos años, Marc Chagall trabajó incasablemente en hermosas vidrieras eclesiásticas donde despliega no solo una potente imaginería simbólica sino también un particular colorido (que también significa, como todo en arte) que hacen de estas obras ejemplos únicos en el mundo. Los amantes de las cosas bellas no pueden perderse una visita a su intervención en la Catedral de Reims, la propuesta de la Iglesia de la Madre de Dios en Zurich, Suiza y, especialmente, las vidrieras de la Iglesia de San Esteban en Meinz, Alemania.

Obras de Marc Chagall

Ni que decir tiene que no podemos hacer un catálogo de una obra tan intensa, ya que abarca intervenciones en iglesias, ilustraciones de libros, pintura, cerámica o escultura. Eso no quita para que pongamos una lista con un puñado de nombres. Nos centraremos en las obras aquí reproducidas. 

  • Tres horas y media (El poeta) 1911
  • Yo y el pueblo, 1911
  • El violinista, 1913
  • Bestiario, 1968
  • Retrato de los padres
  • Vidrieras de la Iglesia de San Esteban de Meinz

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Imágenes libre de copyright y de contenido libre. 

Por Candela Vizcaíno

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Representante tardío de la Escuela de Pintura Vasca, Gustavo de Maeztu y Whitney (Vitoria, 1887- Estella, 1947) desarrolló un estilo propio al margen de cualquier escuela.


Aunque las modas, los modos y las circunstancias de cada tiempo condicionan irremediablemente la cosmovisión de cualquier creador, hay quienes se sienten más tentados a seguir los dictámenes que la época impone y quienes se decantan por un camino en solitario. Esta vía fue la escogida por el pintor vasco Gustavo de Maeztu, quien se movió, vivió y creó al margen de las vanguardias imperantes en la época.

Biografía mínima de Gustavo de Maeztu

De familia acomodada, aunque muy pronto venida a menos, Gustavo de Maeztu, a pesar del ambiente provinciano en el que se crió, disfrutó de una educación cosmopolita, abierta y liberal. Era su padre un hacendado cubano incapaz de mantener en pie los negocios y el estatus de la familia en los convulsos años de cambio de siglo (del XIX al XX). La ruina llegó a la par que la muerte del patriarca, dejando a la madre (nacida francesa, pero de ascendencia italiana e inglesa) a cargo de cinco hijos y con una situación financiera desastrosa.


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Pero Juana Whitney (que así se llamaba la matriarca) no se amilanó ante la pérdida de la cómoda vida elitista disfrutada en Vitoria y, únicamente con el aporte de su educación e inteligencia, se traslada con toda la familia a Bilbao, donde funda un colegio de señoritas. La importancia dada a la educación por la señora Whitney dará pronto sus frutos, ya que consigue situar a parte de su prole, sobre todo a los mayores, entre la élite intelectual y cultural de la España triste de las primeras décadas del siglo XX.  El primogénito, Ramiro de Maeztu (1875-1936), fue un insigne escritor, politólogo y crítico perteneciente a la Generación del 98 y María  de Maeztu (1881-1948), una de las primeras pedagogas del país.


A pesar de los esfuerzos de su madre, Gustavo no abandonó un cierto gusto por la vida cómoda cercana a la estética del dandy. Vive durante el año 1907 en París, donde conoce a Picasso, pero no se llega a interesar lo más mínimo por los nuevos lenguajes artísticos que, por entonces, se desarrollaban en la capital francesa. Aunque los viajes al extranjero fueron frecuentes (Londres o Ámsterdam donde expone con un éxito discreto), prácticamente pasó toda su vida en Bilbao, realizando cortas incursiones por el sur de España. Fascinado por los tipos y el paisaje de Castilla y Andalucía, muere en Estella donando a la ciudad sus obras, enseres y patrimonio. 

Museo Gustavo de Maeztu 

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Es en el Palacio de los Reyes de Navarra (o Palacio de de los Duques de Granada de Ega), en la localidad de Estella, en pleno Camino de Santiago, donde se ubica el Museo Gustavo de Maeztu. El edificio civil de arquitectura románica data del siglo XII y tras diversos abandonos, saqueos, olvidos, reestructuraciones y reformas alberga esta colección de arte, con el formato que hoy se muestra al público, desde 1991.


El espacio expositivo del Museo Gustavo de Maeztu se distribuye en dos plantas (sin ascensor) y en varias salas. Pinturas, óleos, dibujos y grabados (especialmente litografías) conviven con objetos de taller y estudio -como las herramientas utilizadas en su investigación con la encáustica-. Siguiendo los pasos de sus hermanos Ramiro y María, Gustavo escribió y publicó varios libros de creación (Caligostro o La Camorradormida, de 1927) y un manifiesto artístico titulado Fantasía sobre los chinos (1923). 

Obras de Gustavo de Maeztu, una introducción

Pero a la hora de buscar el verdadero Gustavo de Maeztu, hay que dirigirse a sus pinturas. Heredero de la Escuela Vasca abanderada por Ignacio de Zuloaga, estudió con Antonio Lecuona, con quien aprendió los rudimentos del pincel, la luz y la composición.


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En sus grandes óleos destaca un uso rotundo del color, con preponderancia de los rojos y los azules en contraste con una paleta apagada de tonos ocres. Trabajó siempre al margen de las vanguardias y ni siquiera tuvo la curiosidad (tal como hiciera Diego Rivera) de probar los nuevos modos cubistas en su etapa parisina. Tampoco encontramos atisbos del surrealismo que tanto dominó la escena artística de principios de siglo XX.


Son los protagonistas de Maeztu los tipos típicos de Castilla y Andalucía, las mujeres del pueblo llano que se engalanan con las prendas regionales, teniendo como fondo el eterno paisaje de caseríos y ruinas. Sus modelos son tratados con exageradas curvas y redondeces, aportándoles un punto de tercera dimensión, como si de esculturas se trataran.


Están, vida y obras, por tanto, al margen de los libros de historia, ya que en los cuadros de Gustavo de Maeztu encontramos todos los temas y las formas que dominaban la España profunda de las primeras décadas del siglo XX.

Texto y fotos por Candela Vizcaíno

 

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El arte es lo que queda cuando todo ha pasado. Es lo inmutable dentro del cambio. Es la belleza en un mundo en caos. El arte es parte importante de este sitio. Intentamos comprenderlo pero también hemos montado una galería con artistas emergentes. 

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Representante tardío de la Escuela de Pintura Vasca, Gustavo de Maeztu y Whitney (Vitoria, 1887- Estella, 1947) desarrolló un estilo propio al margen de cualquier escuela.


Aunque las modas, los modos y las circunstancias de cada tiempo condicionan irremediablemente la cosmovisión de cualquier creador, hay quienes se sienten más tentados a seguir los dictámenes que la época impone y quienes se decantan por un camino en solitario. Esta vía fue la escogida por el pintor vasco Gustavo de Maeztu, quien se movió, vivió y creó al margen de las vanguardias imperantes en la época.

Biografía mínima de Gustavo de Maeztu

De familia acomodada, aunque muy pronto venida a menos, Gustavo de Maeztu, a pesar del ambiente provinciano en el que se crió, disfrutó de una educación cosmopolita, abierta y liberal. Era su padre un hacendado cubano incapaz de mantener en pie los negocios y el estatus de la familia en los convulsos años de cambio de siglo (del XIX al XX). La ruina llegó a la par que la muerte del patriarca, dejando a la madre (nacida francesa, pero de ascendencia italiana e inglesa) a cargo de cinco hijos y con una situación financiera desastrosa.


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Pero Juana Whitney (que así se llamaba la matriarca) no se amilanó ante la pérdida de la cómoda vida elitista disfrutada en Vitoria y, únicamente con el aporte de su educación e inteligencia, se traslada con toda la familia a Bilbao, donde funda un colegio de señoritas. La importancia dada a la educación por la señora Whitney dará pronto sus frutos, ya que consigue situar a parte de su prole, sobre todo a los mayores, entre la élite intelectual y cultural de la España triste de las primeras décadas del siglo XX.  El primogénito, Ramiro de Maeztu (1875-1936), fue un insigne escritor, politólogo y crítico perteneciente a la Generación del 98 y María  de Maeztu (1881-1948), una de las primeras pedagogas del país.


A pesar de los esfuerzos de su madre, Gustavo no abandonó un cierto gusto por la vida cómoda cercana a la estética del dandy. Vive durante el año 1907 en París, donde conoce a Picasso, pero no se llega a interesar lo más mínimo por los nuevos lenguajes artísticos que, por entonces, se desarrollaban en la capital francesa. Aunque los viajes al extranjero fueron frecuentes (Londres o Ámsterdam donde expone con un éxito discreto), prácticamente pasó toda su vida en Bilbao, realizando cortas incursiones por el sur de España. Fascinado por los tipos y el paisaje de Castilla y Andalucía, muere en Estella donando a la ciudad sus obras, enseres y patrimonio. 

Museo Gustavo de Maeztu 

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Es en el Palacio de los Reyes de Navarra (o Palacio de de los Duques de Granada de Ega), en la localidad de Estella, en pleno Camino de Santiago, donde se ubica el Museo Gustavo de Maeztu. El edificio civil de arquitectura románica data del siglo XII y tras diversos abandonos, saqueos, olvidos, reestructuraciones y reformas alberga esta colección de arte, con el formato que hoy se muestra al público, desde 1991.


El espacio expositivo del Museo Gustavo de Maeztu se distribuye en dos plantas (sin ascensor) y en varias salas. Pinturas, óleos, dibujos y grabados (especialmente litografías) conviven con objetos de taller y estudio -como las herramientas utilizadas en su investigación con la encáustica-. Siguiendo los pasos de sus hermanos Ramiro y María, Gustavo escribió y publicó varios libros de creación (Caligostro o La Camorradormida, de 1927) y un manifiesto artístico titulado Fantasía sobre los chinos (1923). 

Obras de Gustavo de Maeztu, una introducción

Pero a la hora de buscar el verdadero Gustavo de Maeztu, hay que dirigirse a sus pinturas. Heredero de la Escuela Vasca abanderada por Ignacio de Zuloaga, estudió con Antonio Lecuona, con quien aprendió los rudimentos del pincel, la luz y la composición.


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En sus grandes óleos destaca un uso rotundo del color, con preponderancia de los rojos y los azules en contraste con una paleta apagada de tonos ocres. Trabajó siempre al margen de las vanguardias y ni siquiera tuvo la curiosidad (tal como hiciera Diego Rivera) de probar los nuevos modos cubistas en su etapa parisina. Tampoco encontramos atisbos del surrealismo que tanto dominó la escena artística de principios de siglo XX.


Son los protagonistas de Maeztu los tipos típicos de Castilla y Andalucía, las mujeres del pueblo llano que se engalanan con las prendas regionales, teniendo como fondo el eterno paisaje de caseríos y ruinas. Sus modelos son tratados con exageradas curvas y redondeces, aportándoles un punto de tercera dimensión, como si de esculturas se trataran.


Están, vida y obras, por tanto, al margen de los libros de historia, ya que en los cuadros de Gustavo de Maeztu encontramos todos los temas y las formas que dominaban la España profunda de las primeras décadas del siglo XX.

Texto y fotos por Candela Vizcaíno

 

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Mientras Europa se precipitaba en el abismo de la I Guerra Mundial y las teorías sobre el inconsciente de Freud hacían mella en el espíritu pétreo de la industrialización, en Alemania, un grupo de artistas cambian, de forma radical, la concepción que se tenía del arte. Nace el expresionismo, según los críticos, en el año 1905.

El expresionismo abstracto

Las obras, tanto las literarias y musicales como las pictóricas o escultóricas, ya no pretenderán reflejar el mundo físico de la naturaleza o de las cosas creadas por el hombre. El impresionismo anterior queda roto a favor de un intento por captar las formas y recovecos que se producen en el mundo interior.

pez oro klee

Los cuadros abandonan la perspectiva, las formas naturales (animales, casas, hombres) y se sumergen en un principio de abstracción. Los personajes tradicionales son sustituidos por formas desconocidas, geometrías o colores puros en un intento por captar al espectador a través de los símbolos. En este sentido, según llegan a reconocer los artistas del movimiento, es el pintor renacentista Brueghel, el viejo el único creador del pasado que se admite como válido.


kandinsky white

El expresionismo alemán

Aunque el expresionismo recorre toda Europa, es en Alemania donde encuentra mayor acomodo. El primer grupo surgió en la localidad de Dresde, tras asistir a una exposición de Van Gogh y es que el holandés tiene eso: que genera una travesía iniciática en quien contempla sus obras. Estos artistas se aglutinaron en un grupo que denominaron “El puente”, “Die Brücke”.
Eso fue en 1905 y en 1911 surgió “El Jinete azul” (“Der blaue Reiter”) en el que militaban nombres de tal talla como Kadinsky, Franz Marc o Paul Klee.

Características del expresionismo

El expresionismo tiene un fuerte carácter político y social. Eso no quita para que esté revestido de un punto místico, ya que los artistas se afanan, sobre todo y especialmente por dar forma a los tormentos del espíritu humano. El surrealismo, retomará esta tendencia, pero la llevará a otra dimensión menos distorsionada. El expresionismo, de forma muy resumida se caracteriza por:

  • Uso del color extremo que adquiere carácter simbólico.
  • Las formas naturales desaparecen y son sustituidas por geometrías, trazos y elementos irreconocibles. Se da, así, un paso hacia la abstracción.
  • Cobra preponderancia el mundo de los sueños y los mitos como camino para reconocerse íntimamente y poder plasmar ese conocimiento en la obra de arte.
  • Son los estados subjetivos los que importan.
  • Todos los creadores del movimiento tienen una fe ciega en el poder de la palabra y en el arte como motor de cambio.
  • A pesar de ello, el pesimismo, el caos y el inconformismo se adivinan en todas las obras.
  • Su centro está en Alemania, aunque artistas como Egon Schiele en Viena o, incluso, Modigliani, italiano afincado en París, son encuadrados como expresionistas por la crítica.


violinista chagall

Artistas del expresionismo

No están todos los que son, pero sí son todos los que están. En pintura destacan:

  • Paul Klee.
  • Vassily Kandisky o Kandiski.
  • Franz Marc.
  • Otto Dix.
  • Alexej von Jawlensky.
  • Oskar Kokoschka.
  • Marc Chagall.
  • En escultura tenemos que señalar a Constantin Brancusi y en música a Guastav Mahler o Arnold Schönbreg.
  • Los arquitectos encuadrados en la Bauhaus, Constructivismo y “De Stijil” también pueden considerarse como expresionistas, así como el cineasta Fritz Lang.

Obras del expresionismo

La lista es tan larga que es imposible reproducirla aquí. Sí nombramos las obras que están en este artículo desde arriba hacia abajo:

  • Tirol de Franz Marc.
  • El pez de oro de Paul Klee
  • Sobre blanco II de Kandisky
  • Violinista de Marc Chagall


¿Solo 4? ¡Claro que no! Son cientos, pero con este puñado, que representan un número mágico y cuyas imágenes son de contenido libre, tú, lector, puedes hacerte una idea bastante general de lo que supuso el movimiento. 

Por Candela Vizcaíno

 

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El arte es lo que queda cuando todo ha pasado. Es lo inmutable dentro del cambio. Es la belleza en un mundo en caos. El arte es parte importante de este sitio. Intentamos comprenderlo pero también hemos montado una galería con artistas emergentes. 

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Mientras Europa se precipitaba en el abismo de la I Guerra Mundial y las teorías sobre el inconsciente de Freud hacían mella en el espíritu pétreo de la industrialización, en Alemania, un grupo de artistas cambian, de forma radical, la concepción que se tenía del arte. Nace el expresionismo, según los críticos, en el año 1905.

El expresionismo abstracto

Las obras, tanto las literarias y musicales como las pictóricas o escultóricas, ya no pretenderán reflejar el mundo físico de la naturaleza o de las cosas creadas por el hombre. El impresionismo anterior queda roto a favor de un intento por captar las formas y recovecos que se producen en el mundo interior.

pez oro klee

Los cuadros abandonan la perspectiva, las formas naturales (animales, casas, hombres) y se sumergen en un principio de abstracción. Los personajes tradicionales son sustituidos por formas desconocidas, geometrías o colores puros en un intento por captar al espectador a través de los símbolos. En este sentido, según llegan a reconocer los artistas del movimiento, es el pintor renacentista Brueghel, el viejo el único creador del pasado que se admite como válido.


kandinsky white

El expresionismo alemán

Aunque el expresionismo recorre toda Europa, es en Alemania donde encuentra mayor acomodo. El primer grupo surgió en la localidad de Dresde, tras asistir a una exposición de Van Gogh y es que el holandés tiene eso: que genera una travesía iniciática en quien contempla sus obras. Estos artistas se aglutinaron en un grupo que denominaron “El puente”, “Die Brücke”.
Eso fue en 1905 y en 1911 surgió “El Jinete azul” (“Der blaue Reiter”) en el que militaban nombres de tal talla como Kadinsky, Franz Marc o Paul Klee.

Características del expresionismo

El expresionismo tiene un fuerte carácter político y social. Eso no quita para que esté revestido de un punto místico, ya que los artistas se afanan, sobre todo y especialmente por dar forma a los tormentos del espíritu humano. El surrealismo, retomará esta tendencia, pero la llevará a otra dimensión menos distorsionada. El expresionismo, de forma muy resumida se caracteriza por:

  • Uso del color extremo que adquiere carácter simbólico.
  • Las formas naturales desaparecen y son sustituidas por geometrías, trazos y elementos irreconocibles. Se da, así, un paso hacia la abstracción.
  • Cobra preponderancia el mundo de los sueños y los mitos como camino para reconocerse íntimamente y poder plasmar ese conocimiento en la obra de arte.
  • Son los estados subjetivos los que importan.
  • Todos los creadores del movimiento tienen una fe ciega en el poder de la palabra y en el arte como motor de cambio.
  • A pesar de ello, el pesimismo, el caos y el inconformismo se adivinan en todas las obras.
  • Su centro está en Alemania, aunque artistas como Egon Schiele en Viena o, incluso, Modigliani, italiano afincado en París, son encuadrados como expresionistas por la crítica.


violinista chagall

Artistas del expresionismo

No están todos los que son, pero sí son todos los que están. En pintura destacan:

  • Paul Klee.
  • Vassily Kandisky o Kandiski.
  • Franz Marc.
  • Otto Dix.
  • Alexej von Jawlensky.
  • Oskar Kokoschka.
  • Marc Chagall.
  • En escultura tenemos que señalar a Constantin Brancusi y en música a Guastav Mahler o Arnold Schönbreg.
  • Los arquitectos encuadrados en la Bauhaus, Constructivismo y “De Stijil” también pueden considerarse como expresionistas, así como el cineasta Fritz Lang.

Obras del expresionismo

La lista es tan larga que es imposible reproducirla aquí. Sí nombramos las obras que están en este artículo desde arriba hacia abajo:

  • Tirol de Franz Marc.
  • El pez de oro de Paul Klee
  • Sobre blanco II de Kandisky
  • Violinista de Marc Chagall


¿Solo 4? ¡Claro que no! Son cientos, pero con este puñado, que representan un número mágico y cuyas imágenes son de contenido libre, tú, lector, puedes hacerte una idea bastante general de lo que supuso el movimiento. 

Por Candela Vizcaíno

 

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Todo empezó con La interpretación de los sueños de Freud en 1901. Aunque, en un principio, la obra no tuvo repercusión alguna, las ideas allí plasmadas fueron calando en el imaginario filosófico y artístico del momento. Según el padre del psicoanálisis, el espíritu humano de ser una mole inmutable, pasaba a estar conformado por espacios de sombras desconocidas. Esas oscuridades eran tan reales (o más) que lo que acontecía en el mundo real.

Todo ello fue calando en los artistas del momento que, una vez impregnados de la teoría, se apresuraron a describir, a dibujar, a pintar o a moldear ese mundo fuera del ámbito de la conciencia.


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Características del surrealismo

  • El surrealismo nació en varios países como un movimiento literario, pero acabó invadiendo otras artes: la escultura, el incipiente cine y, sobre todo, la pintura.
  • Se admite todo lo que rebasa la lógica y el inconsciente. Se considera que la verdad está detrás del mundo real.
  • Los sueños (y su interpretación), los mitos, las visiones, lo maravilloso son admitidos. Por tanto, a través del onirismo y de la fantasía se podía acceder a aquello que permanecía oculto.
  • El automatismo, el psicoanálisis y la brujería adquieren un papel preponderante.
  • Al tiempo, se reniega de la moral, de las convecciones y de los protocolos sociales imperantes por considerarse que coartan la libertad que lleva a esa verdad oculta.
  • La obra de arte se convierte en el medio, en el demiurgo, para que afloren todo ese conocimiento desconocido y amordazado por las costumbres burguesas.
  • El surrealismo se presenta como revolucionario, como una estética que, al poner de manifiesto lo desconocido, pretende hacer saltar por los aires los cimientos establecidos de la sociedad.
  • Propugna, por tanto, el cambio radical. Por eso, varios de sus autores se declararon abiertamente marxistas, izquierdistas o anarquistas.


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El Manifiesto Surrealista

Tendríamos que hablar, más bien, de manifiestos, ya que el grupo fue prolijo en escritos, proclamas y estudios sobre su obra y lo que debería ser el arte.


El Primer Manifiesto Surrealista fue publicado por André Breton en 1924. En él se propugna el automatismo psíquico y el dictado del pensamiento sin ataduras.  Este primer manifiesto se presentó casi como una declaración de principios. Había que adherirse como un acto de fe. El que no lo hiciera era, inmediatamente, expulsado del grupo.


Los manifiestos se sucedieron a lo largo de estos años. En 1925 nace una revista: El surrealismo al servicio de la Revolución. En 1929 aparece el Segundo Manifiesto Surrealista salido de la mano también de Breton.


Durante  estos años el grupo tiene sus desavenencias por motivos políticos, ya que la ortodoxia de André Breton dictaba la adscripción a la izquierda. Fruto de esa unión entre marxismo y surrealismo es la publicación en 1938 del Manifiesto por un Arte Revolucionario Independiente. En México firman el documento Breton, Trotski y Diego Rivera.


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Artistas del surrealismo


Aunque el movimiento exigía fe ciega en sus postulados y principios, hay una serie de artistas que, a pesar de las purgas, peleas y conflictos, tienen que catalogarse como surrealistas. Son:

Pintores surrealistas

El pintor más conocido de la corriente es Salvador Dalí, pero hay otros que también pertenecen al movimiento o hicieron obras claramente surrealistas: René Magritte, Arp, Miró, Picasso, Giorgio de Chirico, Francis Picabia, Klee, Roberto Matta, Yves Tanguy  y Leonora Carrington. No están todos los que son, pero sí son todos los que están.

El surrealismo en literatura

Tristan Tzara, Paul Éluard y René Char son sus máximos exponentes. En las letras hispánicas hizo un primer esbozo Luis Cernuda, que pronto abandonó el movimiento y Vicente Aleixandre. El autor contemporáneo Fernando Arrabal puede inscribirse en la corriente, aunque, por edad, no pertenece a la vanguardia histórica.

Autores del surrealismo

Max Ernst (junto con Dalí) fue uno de los más influyentes. El director de cine Luis Buñuel, con Un perro andaluz y La edad de oro, ha servido de referente a cineastas actuales.


La estética, a pesar de las pullas y depuraciones inadmisibles para un movimiento que buscaba la verdad y la libertad, se extendió a lo largo de la década de los años treinta influenciando todas las artes y a gran parte de los autores más señeros del siglo XX.

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Paul Klee: "Ad Marginen"

Por Candela Vizcaíno

Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

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Todo empezó con La interpretación de los sueños de Freud en 1901. Aunque, en un principio, la obra no tuvo repercusión alguna, las ideas allí plasmadas fueron calando en el imaginario filosófico y artístico del momento. Según el padre del psicoanálisis, el espíritu humano de ser una mole inmutable, pasaba a estar conformado por espacios de sombras desconocidas. Esas oscuridades eran tan reales (o más) que lo que acontecía en el mundo real.

Todo ello fue calando en los artistas del momento que, una vez impregnados de la teoría, se apresuraron a describir, a dibujar, a pintar o a moldear ese mundo fuera del ámbito de la conciencia.


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Características del surrealismo

  • El surrealismo nació en varios países como un movimiento literario, pero acabó invadiendo otras artes: la escultura, el incipiente cine y, sobre todo, la pintura.
  • Se admite todo lo que rebasa la lógica y el inconsciente. Se considera que la verdad está detrás del mundo real.
  • Los sueños (y su interpretación), los mitos, las visiones, lo maravilloso son admitidos. Por tanto, a través del onirismo y de la fantasía se podía acceder a aquello que permanecía oculto.
  • El automatismo, el psicoanálisis y la brujería adquieren un papel preponderante.
  • Al tiempo, se reniega de la moral, de las convecciones y de los protocolos sociales imperantes por considerarse que coartan la libertad que lleva a esa verdad oculta.
  • La obra de arte se convierte en el medio, en el demiurgo, para que afloren todo ese conocimiento desconocido y amordazado por las costumbres burguesas.
  • El surrealismo se presenta como revolucionario, como una estética que, al poner de manifiesto lo desconocido, pretende hacer saltar por los aires los cimientos establecidos de la sociedad.
  • Propugna, por tanto, el cambio radical. Por eso, varios de sus autores se declararon abiertamente marxistas, izquierdistas o anarquistas.


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El Manifiesto Surrealista

Tendríamos que hablar, más bien, de manifiestos, ya que el grupo fue prolijo en escritos, proclamas y estudios sobre su obra y lo que debería ser el arte.


El Primer Manifiesto Surrealista fue publicado por André Breton en 1924. En él se propugna el automatismo psíquico y el dictado del pensamiento sin ataduras.  Este primer manifiesto se presentó casi como una declaración de principios. Había que adherirse como un acto de fe. El que no lo hiciera era, inmediatamente, expulsado del grupo.


Los manifiestos se sucedieron a lo largo de estos años. En 1925 nace una revista: El surrealismo al servicio de la Revolución. En 1929 aparece el Segundo Manifiesto Surrealista salido de la mano también de Breton.


Durante  estos años el grupo tiene sus desavenencias por motivos políticos, ya que la ortodoxia de André Breton dictaba la adscripción a la izquierda. Fruto de esa unión entre marxismo y surrealismo es la publicación en 1938 del Manifiesto por un Arte Revolucionario Independiente. En México firman el documento Breton, Trotski y Diego Rivera.


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Artistas del surrealismo


Aunque el movimiento exigía fe ciega en sus postulados y principios, hay una serie de artistas que, a pesar de las purgas, peleas y conflictos, tienen que catalogarse como surrealistas. Son:

Pintores surrealistas

El pintor más conocido de la corriente es Salvador Dalí, pero hay otros que también pertenecen al movimiento o hicieron obras claramente surrealistas: René Magritte, Arp, Miró, Picasso, Giorgio de Chirico, Francis Picabia, Klee, Roberto Matta, Yves Tanguy  y Leonora Carrington. No están todos los que son, pero sí son todos los que están.

El surrealismo en literatura

Tristan Tzara, Paul Éluard y René Char son sus máximos exponentes. En las letras hispánicas hizo un primer esbozo Luis Cernuda, que pronto abandonó el movimiento y Vicente Aleixandre. El autor contemporáneo Fernando Arrabal puede inscribirse en la corriente, aunque, por edad, no pertenece a la vanguardia histórica.

Autores del surrealismo

Max Ernst (junto con Dalí) fue uno de los más influyentes. El director de cine Luis Buñuel, con Un perro andaluz y La edad de oro, ha servido de referente a cineastas actuales.


La estética, a pesar de las pullas y depuraciones inadmisibles para un movimiento que buscaba la verdad y la libertad, se extendió a lo largo de la década de los años treinta influenciando todas las artes y a gran parte de los autores más señeros del siglo XX.

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Paul Klee: "Ad Marginen"

Por Candela Vizcaíno

Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

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