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[title] => Mary Cassatt y sus obras reflejo del universo femenino
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Aunque la obra de Mary Cassat (1844-1926) no cumple todas las características del impresionismo, la pintora se encasilla en dicho movimiento. Y no lo hace porque la artista, nacida en Estados Unidos (en Pittsburgh) en el seno de una familia acomodada, presenta rasgos propios y, en algún caso, exclusivo en la producción estilística de la época.
Entendiendo a la artista para comprender la obra de Mary Cassatt
La familia de Mary, gracias a los emprendimientos paternos, disfruta de una existencia acomodada y, por tanto, de una exquisita educación. Cuando contaba tan solo siete años, junto con su madre y hermanos residen, primero, en Francia y, luego, en Alemania. En ambos países cursa estudios en instituciones de prestigio. En 1855, cuando la joven tiene once años, vuelven a Estados Unidos tras la repentina muerte de uno de los hermanos. A esa edad ya tenía claro que quería ser artista y, a pesar del veto paterno, se inscribió con dieciséis años en la Pennsylvania Academy of Fine Arts, formación que no pudo completar porque, por entonces, los estudios superiores estaban cerrados al público femenino. Así, mientras se levantaban edificios civiles siguiendo la estética de la arquitectura del Neoclasicismo que ensalzaba los valores de la libertad y el espíritu laico, las mujeres seguían recluidas en su rol familiar. Y me permito el juicio.
Sin embargo, Mary que tenía claro a qué quería dedicarse en la vida y, debido a que, en parte, podía permitírselo por su situación familiar, tomó de nuevo rumbo hacia Europa. Viaja, primero, por Italia empapándose del arte clásico desde los artistas del Renacimiento hasta los restos de la apabullante arquitectura romana. Tras este periplo, se instala en París (en 1875) donde también es vetada (por ser mujer) en la Academia Francesa. La capital era, por entonces, el ombligo del mundo cultural y artístico. A pesar de su condición femenina, logra abrirse paso en un mundo de hombres y expone en el Salón. A partir de aquí comienza su particular amistad con Degas cuyo universo de jóvenes bailarinas tendrá una fuerte repercusión en las obras de Mary Cassat.
Paralelamente a su faceta de pintora, con la ayuda de su familia, logra ser mediadora y participar en el intercambio cultural París-Estados Unidos. Gracias a Mary la obra de los impresionistas se vende a poderosas y ricas familias americanas que ven en el arte una forma elegante de escalar en el prestigio social. Eso sí, hubo quien logró hacerse con una colección interesante guiado únicamente por una mezcla de intuición e inteligencia tal cual fue el caso de Louisine Waldron Havernmeyer, admiradora de Degas y amiga personal de Mary.
La vida de Mary Cassat transcurrió en plena dedicación a su arte e, incluso, de forma apacible entre París y vacaciones en las ciudades balnearias de moda de la época. Llegó a compartir vecindario algún que otro verano con Manet, por entonces un artista de éxito y de reconocido prestigio. El éxito de la pintora llegó alrededor de la última década del siglo XIX, cuando los pintores postimpresionistas estaban completamente en activo. Y no decayó en ningún momento y eso que su muerte se produce cuando ya estaban todas las vanguardias presentes en el panorama artístico. Los últimos años de vida los pasó sin producir obra alguna, ya que le afectó una progresiva ceguera. Terminó sus días en el Château de Beaufresne. Y eso fue en 1926.
Características generales de la obra de Mary Cassatt
1.- Como el resto del grupo impresionista, utilizó la pincelada suelta y los efectos de la luz en obras sencillas que reflejaban aspectos de la vida cotidiana.
2.- Sin embargo, pocas de ellas están ubicadas en los exteriores que tanto gustaban a todos los pintores de la época. La naturaleza en Cassatt es mero decorado y eso cuando se refleja.
3.- Por el contrario, la artista tiene preferencia por los interiores y, predilección, por los domésticos con escenas sencillas en las que la figura femenina es la protagonista indiscutible, tanto que apenas se encuentran ejemplos de elementos masculinos.
4.- Y, además, fue pionera en el tratamiento de la maternidad. En este sentido, son múltiples las obras de Mary Cassatt que recogen escenas cotidianas en las que se ven involucradas madres con sus hijos (especialmente hijas) en momentos congelados de la vida diaria. Así, en este grupo entrarían Madre a punto de lavar a su hijo adormilado (1880), El baño de la niña (1891-1892), Madre con un niño que alarga la mano para coger una manzana (1893) o Mujer y niña en el puesto de guía de (1879). A excepción de esta última, las obras reseñadas recogen a modelos en actitud de profunda comunión amorosa que la artista pretende (y lo consigue) inmortalizar en el lienzo.
5.- Después de los temas relacionados con la maternidad, el foco de las obras de Mary Cassatt se centra en los niños. Estos están tratados con igual sencillez recreándose en juegos o poses diarias sin atisbo alguno de drama. Este es el caso de su famosa obra Niña en el sillón azul (1878) o Niñas en la playa (1884).
6.- Los formatos de sus obras son originales en extremo decantándose por unos lienzos en horizontal en los que el largo no es proporcional al alto o por unos verticales excesivos. Algunas de estas telas (como las mencionadas Niña en el sillón azul o Mujer y niña en el puesto de guía) muestran un encuadre novedoso, ya que sitúan las figuras protagonistas en una esquina y deja el resto del cuadro con entorno anodino o, incluso, abruptamente terminado. Todo ello impregna las obras de Mary Cassatt de una seductora modernidad.
7.- Las escenas representadas por la pintora están alejadas de cualquier atisbo de tensión o drama y todo se encuadra en momentos dulces, apacibles y relajados. No llega a recoger los momentos de diversión tan del gusto de otros impresionistas. En Mary todo es sencillo, sereno, terreno y sin más importancia. Toma un momento. Lo eleva a arte aunque este no tenga mayor trascendencia.
8.- Los colores que utiliza son suaves, armónicos y la luz es recogida con precisión sin atenuar los contrastes.
9.- Tal cual sucedía con los representantes del impresionismo y del postimpresionismo, el color de las estampas japonesas que se comercializaban en las librerías de París subyugó a la artista. Esas obras en las que se refleja una naturaleza en esplendor acompañada por figuras humanas ataviadas con los brillantes trajes tradicionales hicieron furor en la época. Con ellas se abría un universo exótico, bello y congelado en instantes de felicidad serena. Las obras de Mary Cassatt no es ajena a esta tendencia y parte de los ropajes de sus protagonistas (con la indumentaria occidental) mantienen este trasfondo.
Análisis de algunas obras de Mary Cassatt
Aunque no podemos detenernos en la mayoría de su opus artístico, sí es interesante pararse en algunos ejemplos que nos dicen del particular estilo de la pintora.
1.- Niña en un sillón azul (1878)
El cuadro, en un formato alargado extremo, fue objeto de polémica nada más darse a conocer. ¿Por qué? Porque en él no solo está la mano de Mary sino también la de Degas que, a decir de la creadora, no solo dio alguna idea para el fondo sino que él mismo cogió los pinceles en algún momento. Sea como fuere, la obra sigue el estilo más genuino de la artista reflejando un momento relajado de una pequeña que parece descansar en un sillón azul vibrante junto con su perro que ocupa otro de los asientos. La escena nos introduce en ese gusto por los interiores hogareños en lo que poco o nada sucede que sea digno de reseñar y que, sin embargo, la artista es capaz de elevar al estado de obra de arte. La figura principal se encuentra en una esquina dejando el resto de la tela con elementos de nula importancia como son los otros sillones de la estancia. El azul eléctrico de los muebles contrasta con el traje blanco de la pequeña y la luz está conseguida magistralmente.
2.- La fiesta en el barco (1893-1894)
En Antibes (entre Cannes y Niza) pasaba las vacaciones Mary Cassatt. Hasta allí se trasladaban los artistas de la época (incluso los alejados de esta estética tal cual fue Pablo Picasso) para disfrutar no solo de un clima benigno sino de su ambiente cultural sereno en torno a galerías, cafés y paseos a la orilla del mar. Es una de las obras de la artista que recoge un momento entresacado de una actividad en el exterior. El eje central lo forman una madre con su hijo en brazos mientras que la figura masculina se sitúa a espaldas sirviendo de contrapunto a la luz femenina. Esta va vestida con ropas claras mientras que su compañero (o remero) está inmortalizado en negro total. La vela de la barca no llega a formar parte del cuadro y parece invitarnos a seguir la misma con la mirada en el espacio extratextual de la obra de arte. El azul del mar y la línea de costa inciden en esa falta de cualquier dramatismo que impregna la obra de Mary Cassatt.
3.- Madre e hija (1902)
Obra de madurez, la temática de la maternidad se ha depurado en extremo captando el instante de amor entre las dos figuras femeninas que se miran (con arrobo) mutuamente. En esta pequeña tela la artista ha trascendido casi todos los temas de sus compañeros masculinos para poner el acento en este sentimiento de pureza casi. Los colores de los vestidos han dejado atrás los tonos claros de las primeras obras para mostrar una paleta fuerte que nos recuerda al fauvismo (aunque alejado de la estética) o las mejores pinturas postimpresionistas. La obra de arte queda así condensada en un momento de felicidad, en la estética de la serenidad, en el minuto de la sencillez que, para la artista, es lo único que parece importar.
Las obras de Mary Cassatt, en definitiva, elevan el mundo femenino a la apoteosis artística y lo hace sin recurrir a mitos o actos heroicos. Sus figuras están congeladas en momentos nimios casi, sin importancia e incluso repetitivos de la vida cotidiana. No hay ni un punto de drama. En estos lienzos se respira serenidad, intimidad y comunión amorosa. Nada hay en ellas nada que nos remita a la estridencia que ya empezaba a inundar el mundo del arte con la irrupción de las vanguardias históricas.
Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla
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Aunque la obra de Mary Cassat (1844-1926) no cumple todas las características del impresionismo, la pintora se encasilla en dicho movimiento. Y no lo hace porque la artista, nacida en Estados Unidos (en Pittsburgh) en el seno de una familia acomodada, presenta rasgos propios y, en algún caso, exclusivo en la producción estilística de la época.
Entendiendo a la artista para comprender la obra de Mary Cassatt
La familia de Mary, gracias a los emprendimientos paternos, disfruta de una existencia acomodada y, por tanto, de una exquisita educación. Cuando contaba tan solo siete años, junto con su madre y hermanos residen, primero, en Francia y, luego, en Alemania. En ambos países cursa estudios en instituciones de prestigio. En 1855, cuando la joven tiene once años, vuelven a Estados Unidos tras la repentina muerte de uno de los hermanos. A esa edad ya tenía claro que quería ser artista y, a pesar del veto paterno, se inscribió con dieciséis años en la Pennsylvania Academy of Fine Arts, formación que no pudo completar porque, por entonces, los estudios superiores estaban cerrados al público femenino. Así, mientras se levantaban edificios civiles siguiendo la estética de la arquitectura del Neoclasicismo que ensalzaba los valores de la libertad y el espíritu laico, las mujeres seguían recluidas en su rol familiar. Y me permito el juicio.
Sin embargo, Mary que tenía claro a qué quería dedicarse en la vida y, debido a que, en parte, podía permitírselo por su situación familiar, tomó de nuevo rumbo hacia Europa. Viaja, primero, por Italia empapándose del arte clásico desde los artistas del Renacimiento hasta los restos de la apabullante arquitectura romana. Tras este periplo, se instala en París (en 1875) donde también es vetada (por ser mujer) en la Academia Francesa. La capital era, por entonces, el ombligo del mundo cultural y artístico. A pesar de su condición femenina, logra abrirse paso en un mundo de hombres y expone en el Salón. A partir de aquí comienza su particular amistad con Degas cuyo universo de jóvenes bailarinas tendrá una fuerte repercusión en las obras de Mary Cassat.
Paralelamente a su faceta de pintora, con la ayuda de su familia, logra ser mediadora y participar en el intercambio cultural París-Estados Unidos. Gracias a Mary la obra de los impresionistas se vende a poderosas y ricas familias americanas que ven en el arte una forma elegante de escalar en el prestigio social. Eso sí, hubo quien logró hacerse con una colección interesante guiado únicamente por una mezcla de intuición e inteligencia tal cual fue el caso de Louisine Waldron Havernmeyer, admiradora de Degas y amiga personal de Mary.
La vida de Mary Cassat transcurrió en plena dedicación a su arte e, incluso, de forma apacible entre París y vacaciones en las ciudades balnearias de moda de la época. Llegó a compartir vecindario algún que otro verano con Manet, por entonces un artista de éxito y de reconocido prestigio. El éxito de la pintora llegó alrededor de la última década del siglo XIX, cuando los pintores postimpresionistas estaban completamente en activo. Y no decayó en ningún momento y eso que su muerte se produce cuando ya estaban todas las vanguardias presentes en el panorama artístico. Los últimos años de vida los pasó sin producir obra alguna, ya que le afectó una progresiva ceguera. Terminó sus días en el Château de Beaufresne. Y eso fue en 1926.
Características generales de la obra de Mary Cassatt
1.- Como el resto del grupo impresionista, utilizó la pincelada suelta y los efectos de la luz en obras sencillas que reflejaban aspectos de la vida cotidiana.
2.- Sin embargo, pocas de ellas están ubicadas en los exteriores que tanto gustaban a todos los pintores de la época. La naturaleza en Cassatt es mero decorado y eso cuando se refleja.
3.- Por el contrario, la artista tiene preferencia por los interiores y, predilección, por los domésticos con escenas sencillas en las que la figura femenina es la protagonista indiscutible, tanto que apenas se encuentran ejemplos de elementos masculinos.
4.- Y, además, fue pionera en el tratamiento de la maternidad. En este sentido, son múltiples las obras de Mary Cassatt que recogen escenas cotidianas en las que se ven involucradas madres con sus hijos (especialmente hijas) en momentos congelados de la vida diaria. Así, en este grupo entrarían Madre a punto de lavar a su hijo adormilado (1880), El baño de la niña (1891-1892), Madre con un niño que alarga la mano para coger una manzana (1893) o Mujer y niña en el puesto de guía de (1879). A excepción de esta última, las obras reseñadas recogen a modelos en actitud de profunda comunión amorosa que la artista pretende (y lo consigue) inmortalizar en el lienzo.
5.- Después de los temas relacionados con la maternidad, el foco de las obras de Mary Cassatt se centra en los niños. Estos están tratados con igual sencillez recreándose en juegos o poses diarias sin atisbo alguno de drama. Este es el caso de su famosa obra Niña en el sillón azul (1878) o Niñas en la playa (1884).
6.- Los formatos de sus obras son originales en extremo decantándose por unos lienzos en horizontal en los que el largo no es proporcional al alto o por unos verticales excesivos. Algunas de estas telas (como las mencionadas Niña en el sillón azul o Mujer y niña en el puesto de guía) muestran un encuadre novedoso, ya que sitúan las figuras protagonistas en una esquina y deja el resto del cuadro con entorno anodino o, incluso, abruptamente terminado. Todo ello impregna las obras de Mary Cassatt de una seductora modernidad.
7.- Las escenas representadas por la pintora están alejadas de cualquier atisbo de tensión o drama y todo se encuadra en momentos dulces, apacibles y relajados. No llega a recoger los momentos de diversión tan del gusto de otros impresionistas. En Mary todo es sencillo, sereno, terreno y sin más importancia. Toma un momento. Lo eleva a arte aunque este no tenga mayor trascendencia.
8.- Los colores que utiliza son suaves, armónicos y la luz es recogida con precisión sin atenuar los contrastes.
9.- Tal cual sucedía con los representantes del impresionismo y del postimpresionismo, el color de las estampas japonesas que se comercializaban en las librerías de París subyugó a la artista. Esas obras en las que se refleja una naturaleza en esplendor acompañada por figuras humanas ataviadas con los brillantes trajes tradicionales hicieron furor en la época. Con ellas se abría un universo exótico, bello y congelado en instantes de felicidad serena. Las obras de Mary Cassatt no es ajena a esta tendencia y parte de los ropajes de sus protagonistas (con la indumentaria occidental) mantienen este trasfondo.
Análisis de algunas obras de Mary Cassatt
Aunque no podemos detenernos en la mayoría de su opus artístico, sí es interesante pararse en algunos ejemplos que nos dicen del particular estilo de la pintora.
1.- Niña en un sillón azul (1878)
El cuadro, en un formato alargado extremo, fue objeto de polémica nada más darse a conocer. ¿Por qué? Porque en él no solo está la mano de Mary sino también la de Degas que, a decir de la creadora, no solo dio alguna idea para el fondo sino que él mismo cogió los pinceles en algún momento. Sea como fuere, la obra sigue el estilo más genuino de la artista reflejando un momento relajado de una pequeña que parece descansar en un sillón azul vibrante junto con su perro que ocupa otro de los asientos. La escena nos introduce en ese gusto por los interiores hogareños en lo que poco o nada sucede que sea digno de reseñar y que, sin embargo, la artista es capaz de elevar al estado de obra de arte. La figura principal se encuentra en una esquina dejando el resto de la tela con elementos de nula importancia como son los otros sillones de la estancia. El azul eléctrico de los muebles contrasta con el traje blanco de la pequeña y la luz está conseguida magistralmente.
2.- La fiesta en el barco (1893-1894)
En Antibes (entre Cannes y Niza) pasaba las vacaciones Mary Cassatt. Hasta allí se trasladaban los artistas de la época (incluso los alejados de esta estética tal cual fue Pablo Picasso) para disfrutar no solo de un clima benigno sino de su ambiente cultural sereno en torno a galerías, cafés y paseos a la orilla del mar. Es una de las obras de la artista que recoge un momento entresacado de una actividad en el exterior. El eje central lo forman una madre con su hijo en brazos mientras que la figura masculina se sitúa a espaldas sirviendo de contrapunto a la luz femenina. Esta va vestida con ropas claras mientras que su compañero (o remero) está inmortalizado en negro total. La vela de la barca no llega a formar parte del cuadro y parece invitarnos a seguir la misma con la mirada en el espacio extratextual de la obra de arte. El azul del mar y la línea de costa inciden en esa falta de cualquier dramatismo que impregna la obra de Mary Cassatt.
3.- Madre e hija (1902)
Obra de madurez, la temática de la maternidad se ha depurado en extremo captando el instante de amor entre las dos figuras femeninas que se miran (con arrobo) mutuamente. En esta pequeña tela la artista ha trascendido casi todos los temas de sus compañeros masculinos para poner el acento en este sentimiento de pureza casi. Los colores de los vestidos han dejado atrás los tonos claros de las primeras obras para mostrar una paleta fuerte que nos recuerda al fauvismo (aunque alejado de la estética) o las mejores pinturas postimpresionistas. La obra de arte queda así condensada en un momento de felicidad, en la estética de la serenidad, en el minuto de la sencillez que, para la artista, es lo único que parece importar.
Las obras de Mary Cassatt, en definitiva, elevan el mundo femenino a la apoteosis artística y lo hace sin recurrir a mitos o actos heroicos. Sus figuras están congeladas en momentos nimios casi, sin importancia e incluso repetitivos de la vida cotidiana. No hay ni un punto de drama. En estos lienzos se respira serenidad, intimidad y comunión amorosa. Nada hay en ellas nada que nos remita a la estridencia que ya empezaba a inundar el mundo del arte con la irrupción de las vanguardias históricas.
Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla
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Nacido como Oscar Claude Monet en el París de 1840, a pesar de que en aquella época la capital de Francia, era literalmente el ombligo del mundo, su familia se mudó a Le Havre cuando el pequeño tenía pocos años. Es esta ciudad un puerto costero, puerta de entrada a Normandía y, de alguna manera u otra, este emplazamiento va a influir en la futura carrera de pintor de nuestro protagonista. Será determinante la ciudad, pero también una tía, aficionada a las artes pictóricas, que lo introdujo en los rudimentos del oficio. Aunque hoy por hoy la biografía de Claude Monet es de sobra conocida, sus obras son tan famosas y llenan las paredes de los mejores museos que nos adentramos en los avatares de su vida.
De carácter rebelde e independiente, su espíritu bohemio comenzó a chocar pronto con las exigencias de su padre, un hombre curtido en el comercio. Sin embargo, el joven Monet siempre tuvo el contacto (económico, físico y anímico) de su tía Jeanne-Marie Lecadre convirtiéndose la mujer en el sostén que el muchacho necesitaba para ejercer su arte.
La importancia de la caricatura en la biografía de Claude Monet
Aunque los primeros años de formación la familia se mudó unas cuantas veces, Le Havre, la entrada a Normandía, se convirtió en su hogar y lugar de formación. Asistió al colegió y a la escuela secundaria de la localidad sin pena ni gloria ya que no aceptaba la disciplina reglada. No obstante, logró recibir clases de pintura y formación humanística. El muchacho Claude Monet se las arreglaba para estar más tiempo en el malecón, entre el mar o el puerto que en las clases para disgusto de sus padres. Más tarde, toda esa información sobre el juego de sombras y luces cambiantes que es una de las principales características del impresionismo, le servirán para crear sus grandes obras, las mismas por las que ha entrado en las historia del arte internacional.
Pero hasta llegar a ellas, en la biografía de Claude Monet hay un hito importante: su papel como caricaturista, género al que se dedicó hasta que había cumplido sus buenos 20 años. En Le Havre expone estas primeras obras que comparten protagonismo con los óleos de Boudin, otro de los artistas que adelantan el impresionismo. Si sus pequeños trabajos como caricaturista de personajes locales le reporta un pequeño beneficio económico, es fundamental las enseñanzas de Boudin. Fue este artista el que le introduce en el gusto por la naturaleza, le muestra los efectos de la pincelada suelta y le abre de par en par la belleza del arte pictórico. El rebelde Monet encuentra en Boudin un maestro adecuado que no se rige por los programas encorsetados del academicismo.
París en la biografía de Claude Monet
Aunque viaja a París en 1860 donde toma contacto con el mundillo artístico del momento (el centro del mundo recordemos) no será hasta 1862 cuando se instala en la capital francesa. Entre una fecha y otra cumple su servicio militar para después instalarse en el estudio Gleyre. Cuando llega a la Ciudad del Sena Monet ya es un artista enamorado de las posibilidades expresivas de la pintura realizada al aire libre teniendo en cuenta todos los recovecos lumínicos y cambiantes de la naturaleza. Prácticamente no se apartará de esta corriente durante toda su vida.
En París conoce a todos los artistas del impresionismo y a los integrantes de la escuela de Barbizon (instalados a las afueras de la capital y centrados en la pintura de paisajes). Se encuentra con Renoir, Bazille, Sisley, Manet (el precursor del movimiento impresionista), Jongkind… A pesar de que va progresando en su arte, como su familia no aprueba esta opción vital, se ve en graves apuros económicos al no encontrar, en estos primeros años, ningún apoyo financiero. Aunque las primeras obras siguen la estela paisajística de la Escuela de Barbizon, sus obras apenas tienen cabida en el conocido salón de los artistas (la galería más importante de París). Por tanto, su visibilidad de cara a posibles compradores es muy pequeña ahondando sus problemas monetarios hasta límites de indigencia.
El impresionismo en la biografía de Claude Monet
Viaja de vez en cuando a Honfleur, un pueblo marcado hoy en día por el paso de los impresionistas y a Grenouillère. En 1870 se casa con Camille Doncieux y a continuación se exilia primero en Londres y luego en Holanda. El objetivo es desertar de una forma encubierta del ejército ya que se niega a participar en la guerra franco prusiana que tantas vidas se llevó por delante. En cuanto tiene oportunidad regresa. Esta vez se instala en Argénteuil, población marcada por la presencia del Sena y muy cerca de París. De aquí saldrán parte de sus grandes obras paisajísticas que forman parte de la esencia del impresionismo. A pesar de que este movimiento artístico puede catalogarse como arte amable, no logran colocar las obras en el ansiado salón. Es más, casi todos los integrantes, y no solo Monet, fueron objeto de burla y crítica feroz por parte de la crítica consagrada y establecida.
Por eso, a partir de 1971 la mayoría de los pintores impresionistas barajan la posibilidad de unirse como un grupo o de realizar algún tipo de manifiesto, extremo que no se produce debido a la libertad que enarbolan todos y cada uno de ellos. Todo ello contrastará con lo que sucederá después, con las vanguardias históricas. Nacerán grupos, como el dadaísmo o el futurismo, que producirán una cantidad tan ingente de auto obra crítica que llega incluso a superar a la producción artística. Pero los impresionistas eran de otra pasta y, a pesar de sus apuros económicos y la crisis social a raíz de la derrota en la guerra franco-prusiana, logran crear obras con un espíritu tremendamente positivo sin pararse a justificarse en ningún momento.
Impresionismo en la obra de Monet
Para Monet, como el resto de sus compañeros de movimiento artístico, el objeto de la obra era, nada más y nada menos, que captar la esencia del momento presente con su juego de luces y sombras. Es un arte del aquí y el ahora que no intenta ir más allá en lo que respecta al simbolismo que estaba tan presente en la época. Se abandonan los grandes temas, las composiciones de retratos institucionales o las historias mitológicas, bíblicas o históricas para centrarse en los elementos de la naturaleza más sencillas. En este sentido, en la obra de Monet, como la del resto de los impresionistas, un nenúfar es un nenúfar y una señora con un paraguas es eso y nada más. La belleza está en la cotidianidad y en la naturaleza y se descartan las grandes obras épicas tan a gusto de la clase dominante de la época. Eso no quita para que las obras de Claude Monet (sobre todo las de la última época) sea de una grandiosidad apabullante (en todos los aspectos).
En 1874 expone en el Salón de los Independientes junto al resto de los impresionistas: el fotógrafo Nadar (que presta el espacio), Degás, Cézanne, Sisley, Pissarro, Berthe Morisot… Muy pronto encuentra un mecenas especial, el financiero Ernest Hoschedé, aliviando un poco el panorama económico de Monet.
La importancia de Giverny en la biografía de Claude Monet
Desde ese año de la primera exposición, 1874 hasta 1886 Claude Monet participa no solo de las siguientes exposiciones del Salón de los Independientes sino también de muestras individuales. Poco a poco, el impresionismo va encontrando el favor del público. Eso conlleva ventas y también un ahondamiento en los temas, formas y técnicas del movimiento. Si bien otros artistas evolucionaron por otros derroteros, Monet fue fiel a su estilo hasta la última pincelada. A partir de 1881 su situación mejora tan notablemente que se instala en la conocida casa de Giverny, la cual compra en propiedad en 1890. Dos años antes, en 1879, muere Camille, su esposa.
Allí vive rodeado de un primoroso jardín diseñado y cuidado por él mismo repleto de flores multicolores, sauces llorones, el archiconocido estanque donde planta nenúfares rematado por un puente de estilo japonés. Monet dedica los últimos años de su vida a disfrutar de esa mansión (de buenas proporciones pero decorada sin pretensiones). Allí pasa sus días al cuidado de las plantas y a realizar las grandes pinturas con el tema de los nenúfares tan conocidas (y de otros elementos de la naturaleza) y que son el eje central de la colección del impresionismo en el Museo de Orsay de París.
En Giverny, tras varias idas y venidas, se instala con Alice Hoschedé, a la sazón esposa de quien fue su primer mecenas Ernest Hoschedé. Este, tras una serie de percances, se declara en bancarrota y no logra levantar cabeza. Mientras Ernest intenta abrirse camino en París, Alice acompaña a Claude Monet en sus distintas residencias de Normandía. La puerta del idilio, por tanto, se abre de par en par. Como el pintor ya tenía cierta fama, la relación fue la comidilla de las tertulias del París de entonces. Todo terminó en 1891 cuando Alice enviudó casándose un año después con nuestro protagonista.
Los último años en la biografía de Claude Monet
El pintor muere el 5 de diciembre de 1926 por un cáncer de pulmón en su casa de Giverny. Llevaba 15 años viudo de Alice, pero eso no le impidió realizar una obra vasta, magnífica y extraordinaria. La vivienda fue sucesivamente ampliada y redecorada mientras que el jardín crecía de forma exuberante. Casi toda su producción de estos años está realizada en este emplazamiento que Claude Monet amaba en extremo. Eso no quita para que se convirtiera en un ermitaño. Todo lo contrario, su espíritu positivo, rebelde y con ganas de conocer mundo lo lleva hasta Venecia, Londres, toda la costa de Normandía e, incluso, hasta Madrid donde llega conduciendo su propio coche cuando ya era un sexagenario. Recordemos que el estado de las carreteras y la comodidad de los vehículos de la época nada tiene que ver con los de la actualidad. En Madrid, visita el Museo del Prado y cae rendido ante el genio de Velázquez.
En la biografía de Claude Monet se dan algunos puntos pasionales y a la par refleja un estilo brillante que le acompañó durante toda su vida artística. Nunca dejó de pintar con los principios del impresionismo, aunque con un lenguaje visual muy cercano a la abstracción y poniendo al límite las posibilidades del color a la hora de representar las formas de la naturaleza. Y todo ello cuando en París comienza a instalarse las primeras vanguardias históricas con el cubismo a la cabeza sin olvidar el fauvismo u otras expresiones artísticas más rompedoras. Claude Monet no se apuntó a ninguna de ellas.
Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla
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Nacido como Oscar Claude Monet en el París de 1840, a pesar de que en aquella época la capital de Francia, era literalmente el ombligo del mundo, su familia se mudó a Le Havre cuando el pequeño tenía pocos años. Es esta ciudad un puerto costero, puerta de entrada a Normandía y, de alguna manera u otra, este emplazamiento va a influir en la futura carrera de pintor de nuestro protagonista. Será determinante la ciudad, pero también una tía, aficionada a las artes pictóricas, que lo introdujo en los rudimentos del oficio. Aunque hoy por hoy la biografía de Claude Monet es de sobra conocida, sus obras son tan famosas y llenan las paredes de los mejores museos que nos adentramos en los avatares de su vida.
De carácter rebelde e independiente, su espíritu bohemio comenzó a chocar pronto con las exigencias de su padre, un hombre curtido en el comercio. Sin embargo, el joven Monet siempre tuvo el contacto (económico, físico y anímico) de su tía Jeanne-Marie Lecadre convirtiéndose la mujer en el sostén que el muchacho necesitaba para ejercer su arte.
La importancia de la caricatura en la biografía de Claude Monet
Aunque los primeros años de formación la familia se mudó unas cuantas veces, Le Havre, la entrada a Normandía, se convirtió en su hogar y lugar de formación. Asistió al colegió y a la escuela secundaria de la localidad sin pena ni gloria ya que no aceptaba la disciplina reglada. No obstante, logró recibir clases de pintura y formación humanística. El muchacho Claude Monet se las arreglaba para estar más tiempo en el malecón, entre el mar o el puerto que en las clases para disgusto de sus padres. Más tarde, toda esa información sobre el juego de sombras y luces cambiantes que es una de las principales características del impresionismo, le servirán para crear sus grandes obras, las mismas por las que ha entrado en las historia del arte internacional.
Pero hasta llegar a ellas, en la biografía de Claude Monet hay un hito importante: su papel como caricaturista, género al que se dedicó hasta que había cumplido sus buenos 20 años. En Le Havre expone estas primeras obras que comparten protagonismo con los óleos de Boudin, otro de los artistas que adelantan el impresionismo. Si sus pequeños trabajos como caricaturista de personajes locales le reporta un pequeño beneficio económico, es fundamental las enseñanzas de Boudin. Fue este artista el que le introduce en el gusto por la naturaleza, le muestra los efectos de la pincelada suelta y le abre de par en par la belleza del arte pictórico. El rebelde Monet encuentra en Boudin un maestro adecuado que no se rige por los programas encorsetados del academicismo.
París en la biografía de Claude Monet
Aunque viaja a París en 1860 donde toma contacto con el mundillo artístico del momento (el centro del mundo recordemos) no será hasta 1862 cuando se instala en la capital francesa. Entre una fecha y otra cumple su servicio militar para después instalarse en el estudio Gleyre. Cuando llega a la Ciudad del Sena Monet ya es un artista enamorado de las posibilidades expresivas de la pintura realizada al aire libre teniendo en cuenta todos los recovecos lumínicos y cambiantes de la naturaleza. Prácticamente no se apartará de esta corriente durante toda su vida.
En París conoce a todos los artistas del impresionismo y a los integrantes de la escuela de Barbizon (instalados a las afueras de la capital y centrados en la pintura de paisajes). Se encuentra con Renoir, Bazille, Sisley, Manet (el precursor del movimiento impresionista), Jongkind… A pesar de que va progresando en su arte, como su familia no aprueba esta opción vital, se ve en graves apuros económicos al no encontrar, en estos primeros años, ningún apoyo financiero. Aunque las primeras obras siguen la estela paisajística de la Escuela de Barbizon, sus obras apenas tienen cabida en el conocido salón de los artistas (la galería más importante de París). Por tanto, su visibilidad de cara a posibles compradores es muy pequeña ahondando sus problemas monetarios hasta límites de indigencia.
El impresionismo en la biografía de Claude Monet
Viaja de vez en cuando a Honfleur, un pueblo marcado hoy en día por el paso de los impresionistas y a Grenouillère. En 1870 se casa con Camille Doncieux y a continuación se exilia primero en Londres y luego en Holanda. El objetivo es desertar de una forma encubierta del ejército ya que se niega a participar en la guerra franco prusiana que tantas vidas se llevó por delante. En cuanto tiene oportunidad regresa. Esta vez se instala en Argénteuil, población marcada por la presencia del Sena y muy cerca de París. De aquí saldrán parte de sus grandes obras paisajísticas que forman parte de la esencia del impresionismo. A pesar de que este movimiento artístico puede catalogarse como arte amable, no logran colocar las obras en el ansiado salón. Es más, casi todos los integrantes, y no solo Monet, fueron objeto de burla y crítica feroz por parte de la crítica consagrada y establecida.
Por eso, a partir de 1971 la mayoría de los pintores impresionistas barajan la posibilidad de unirse como un grupo o de realizar algún tipo de manifiesto, extremo que no se produce debido a la libertad que enarbolan todos y cada uno de ellos. Todo ello contrastará con lo que sucederá después, con las vanguardias históricas. Nacerán grupos, como el dadaísmo o el futurismo, que producirán una cantidad tan ingente de auto obra crítica que llega incluso a superar a la producción artística. Pero los impresionistas eran de otra pasta y, a pesar de sus apuros económicos y la crisis social a raíz de la derrota en la guerra franco-prusiana, logran crear obras con un espíritu tremendamente positivo sin pararse a justificarse en ningún momento.
Impresionismo en la obra de Monet
Para Monet, como el resto de sus compañeros de movimiento artístico, el objeto de la obra era, nada más y nada menos, que captar la esencia del momento presente con su juego de luces y sombras. Es un arte del aquí y el ahora que no intenta ir más allá en lo que respecta al simbolismo que estaba tan presente en la época. Se abandonan los grandes temas, las composiciones de retratos institucionales o las historias mitológicas, bíblicas o históricas para centrarse en los elementos de la naturaleza más sencillas. En este sentido, en la obra de Monet, como la del resto de los impresionistas, un nenúfar es un nenúfar y una señora con un paraguas es eso y nada más. La belleza está en la cotidianidad y en la naturaleza y se descartan las grandes obras épicas tan a gusto de la clase dominante de la época. Eso no quita para que las obras de Claude Monet (sobre todo las de la última época) sea de una grandiosidad apabullante (en todos los aspectos).
En 1874 expone en el Salón de los Independientes junto al resto de los impresionistas: el fotógrafo Nadar (que presta el espacio), Degás, Cézanne, Sisley, Pissarro, Berthe Morisot… Muy pronto encuentra un mecenas especial, el financiero Ernest Hoschedé, aliviando un poco el panorama económico de Monet.
La importancia de Giverny en la biografía de Claude Monet
Desde ese año de la primera exposición, 1874 hasta 1886 Claude Monet participa no solo de las siguientes exposiciones del Salón de los Independientes sino también de muestras individuales. Poco a poco, el impresionismo va encontrando el favor del público. Eso conlleva ventas y también un ahondamiento en los temas, formas y técnicas del movimiento. Si bien otros artistas evolucionaron por otros derroteros, Monet fue fiel a su estilo hasta la última pincelada. A partir de 1881 su situación mejora tan notablemente que se instala en la conocida casa de Giverny, la cual compra en propiedad en 1890. Dos años antes, en 1879, muere Camille, su esposa.
Allí vive rodeado de un primoroso jardín diseñado y cuidado por él mismo repleto de flores multicolores, sauces llorones, el archiconocido estanque donde planta nenúfares rematado por un puente de estilo japonés. Monet dedica los últimos años de su vida a disfrutar de esa mansión (de buenas proporciones pero decorada sin pretensiones). Allí pasa sus días al cuidado de las plantas y a realizar las grandes pinturas con el tema de los nenúfares tan conocidas (y de otros elementos de la naturaleza) y que son el eje central de la colección del impresionismo en el Museo de Orsay de París.
En Giverny, tras varias idas y venidas, se instala con Alice Hoschedé, a la sazón esposa de quien fue su primer mecenas Ernest Hoschedé. Este, tras una serie de percances, se declara en bancarrota y no logra levantar cabeza. Mientras Ernest intenta abrirse camino en París, Alice acompaña a Claude Monet en sus distintas residencias de Normandía. La puerta del idilio, por tanto, se abre de par en par. Como el pintor ya tenía cierta fama, la relación fue la comidilla de las tertulias del París de entonces. Todo terminó en 1891 cuando Alice enviudó casándose un año después con nuestro protagonista.
Los último años en la biografía de Claude Monet
El pintor muere el 5 de diciembre de 1926 por un cáncer de pulmón en su casa de Giverny. Llevaba 15 años viudo de Alice, pero eso no le impidió realizar una obra vasta, magnífica y extraordinaria. La vivienda fue sucesivamente ampliada y redecorada mientras que el jardín crecía de forma exuberante. Casi toda su producción de estos años está realizada en este emplazamiento que Claude Monet amaba en extremo. Eso no quita para que se convirtiera en un ermitaño. Todo lo contrario, su espíritu positivo, rebelde y con ganas de conocer mundo lo lleva hasta Venecia, Londres, toda la costa de Normandía e, incluso, hasta Madrid donde llega conduciendo su propio coche cuando ya era un sexagenario. Recordemos que el estado de las carreteras y la comodidad de los vehículos de la época nada tiene que ver con los de la actualidad. En Madrid, visita el Museo del Prado y cae rendido ante el genio de Velázquez.
En la biografía de Claude Monet se dan algunos puntos pasionales y a la par refleja un estilo brillante que le acompañó durante toda su vida artística. Nunca dejó de pintar con los principios del impresionismo, aunque con un lenguaje visual muy cercano a la abstracción y poniendo al límite las posibilidades del color a la hora de representar las formas de la naturaleza. Y todo ello cuando en París comienza a instalarse las primeras vanguardias históricas con el cubismo a la cabeza sin olvidar el fauvismo u otras expresiones artísticas más rompedoras. Claude Monet no se apuntó a ninguna de ellas.
Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla
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A pesar de que todos sus artistas sufrieron el rechazo de la crítica del momento hasta el punto de que ni siquiera les dejaron exponer en los salones oficiales, el impresionismo es uno de los movimientos artísticos más conocidos, incluso para el público menos entendido. Surge a finales del siglo XIX y sus coletazos llegan, incluso, a los primeros años del XX cuando las vanguardias históricas ya están asentadas. El epicentro, como cualquier manifestación cultural de la época, fue París, aunque las mejores obras fueron desarrolladas en la costa oeste francesa (Normandía y Bretaña). Si hay que destacar una de las características del impresionismo, por tanto, es ese rechazo que llega, incluso, a burla, por parte de los críticos y el público de la época, acostumbrado a un realismo y un virtuosismo llevado al extremo. Dicho esto ya sabemos que el arte (el de todos los tiempos, lugares y épocas) se entiende y se comprende en su cambio constante. Así fue el movimiento que hoy llena pinacotecas de primer orden (el impresionismo del Museo de Orsay en París por poner un caso) y rompe los techos de adjudicaciones en las casas de subastas internacionales. Desgloso sus principios más importantes.
1.- La aspiración es plasmar un momento dado en la obra de arte
Ya no se trata de representar grandes escenas bíblicas, mitológicas, paisajes deslumbrantes o retratos institucionales. Una de las principales (si no la que más) características del impresionismo es ese echar por los aires el estatismo de la pintura anterior al movimiento para centrarse, en el movimiento, en la sensación, en la impresión, en el momento. Se pasa, por tanto, de lo fijo a lo cambiante, de lo que perdura a lo que sucede en un instante. Y eso es lo que se queda en la retina, en el alma y, a la postre, en el conocimiento.
2.- Otra de las características principales del impresionismo es la preponderancia de la pintura
Aunque se identifica como impresionista algunas composiciones musicales de la época -Preludio a la siesta de un fauno (1894) de Claude Debussy por poner un caso- o piezas de escultura (la de Rodin es la más significativa), es un movimiento pictórico. Decir impresionismo es traer a la vista y al alma los grandes lienzos donde priman el color y la pincelada suelta de la emoción del momento. El resto de las obras artísticas de otros géneros consideradas como impresionistas son, por decirlo llanamente, habas contadas. A pesar de ello, nos quedamos con otro nombre y otra obra: Cuadros de una exposición (1874) de Músorgsky, compuesta inicialmente para piano precisamente teniendo como inspiración las obras de sus amigos pintores impresionistas.
3.- La impresión de ese instante es lo que prima en el cuadro
Porque otra de las características del impresionismo es ese rechazo de la razón exacerbada que había primado en el Neoclasicismo (aunque superado por el Romanticismo) basándose en la emoción. Esto es, para los artistas del movimiento la obra de arte tenía una función radical y esta era la de emocionar al público. Recuerdo aquí la etimología de la palabra que significa, ni más ni menos, que mover a través de la fuerza del corazón. Esto se conseguía no colocando grandes escenas sino llevando al espectador al momento exacto donde se había producido ese instante de belleza.
4.- Se rechaza la razón y se vuelve la mirada del arte a la emoción del momento
Monet decía que él pintaba “como un pájaro canta”. Por tanto, se reniega de todo tipo de artificio e, incluso, de geometría. La obra tiene que realizarse de manera sencilla, cándida a veces y con la única función de poner de manifiesto la belleza de la naturaleza, la luz de un instante la fuerza expresiva de cualquier elemento. Y en este sentido cualquier objeto, paisaje o escena servía, eliminando de un plumazo las distinciones culturales del pasado.
5.- Una de las características principales del impresionismo es la importancia de la luz
Para llevar a cabo esa aprehensión del momento, ese reproducción de aquello que pasa en un segundo los pintores del movimiento se aferran a la luz. Pero esta no será una cualquiera (sombría o brillante) y se fijan (a veces hasta la obsesión) en los aspectos cambiantes de las sombras, el resplandor del sol rielando en el agua, las penumbras o los amaneceres. Por eso, hay una preponderancia de obras en las que los protagonistas son elementos de la naturaleza (la serie de los nenúfares de Monet, por poner un caso), atardeceres, marinas o composiciones con figuras en las que el contraste entre luz y sombras es bastante acusado.
6.- El color cobra protagonismo con respecto a las formas
La pincelada se vuelve suelta y las formas se desdibujan. Ya no se perfila como en la pintura anterior (Ingres, por poner un caso) y ahora se busca un trazo fragmentado que adelanta los movimientos que vendrán después. Las formas no se perfilan sino que se intuyen a través de esos trazos en los que se quiere aprehender la luz. El virtuosismo queda aparcado en favor de un arte emotivo, emocional y que apela al centro mismo del espíritu. Esa luz cambiante que se ve reflejada en trazos dispersos con diferencias de color según el día encuentran su ejemplo perfecto en la serie de Catedral de Rouen de Monet.
7.- Otra de las características del impresionismo como grupo es la ausencia de manifiestos
Aunque tenían en contacto entre sí e, incluso, salían a pintar juntos, los artistas no se preocuparon por redactar un mínimo documento de intenciones. La candidez (a veces) y aparente sencillez de sus obras no se lleva a este plano teórico. Para ellos, lo importante era la producción y no los manifiestos que eran considerados casi como una justificación de una obra que, en su tiempo, fue objeto de un rechazo tremendo. Esto contrasta con los grupos de vanguardia que vendrían después que, primero, racionalizaban con la escritura y luego producían. Algunos incluso, como el futurismo o el dadaísmo, crearon más panfletos de este tipo que obra misma. Hay quienes, en la actualidad, ven en esa falta de escritos críticos del movimiento una de las razones de la incomprensión de la producción en su época, al no aportar una mínima explicación.
8.- Como es frecuente en la historia del arte hay un rechazo por el estilo anterior
Ni que decir tiene que se niega el trazo geométrico, racional y matemático casi del Neoclasicismo (que, por cierto, creó pocas obras de arte de importancia) sino también de buena parte de las características del Romanticismo. Se niega el papel redentor de la naturaleza, el espíritu negacionista (tan de la época) de las posibilidades de encontrar la verdad en este plano. A la par, se obvia cualquier mención a lo que se encuentra en el otro lado. Todo ello, que formó parte del arte de la primeras décadas del siglo XIX, con su gusto por los demonios de la naturaleza o del ser humano, se borra con el impresionismo. Es este un movimiento del aquí y el ahora, positivo, alegre y sereno a pesar de la vida difícil que llevaron buena parte de sus representantes.
9.- Los impresionistas vuelven la mirada a los clásicos de la pintura barroca española
El rechazo a lo anterior tiene sus excepciones, como siempre. Uno de los pintores que se salva de esa siega es Velázquez, el cual adelanta (con su maestría en el claroscuro) los principios fundamentales del impresionismo. El retratar ese momento justo en el que algo importante sucede (como las Meninas por ejemplo) también hace que los artistas del movimiento vuelvan su mirada al genio español, considerándolo maestro de la pintura en quien reflejarse. Es un título, por cierto, que sigue conservando bien entrado el siglo XXI.
10.- Otra de las características del impresionismo es la creación de un arte “amable”
Y todo ello a pesar de que los principales representantes del movimiento estaban envueltos en penurias económicas o problemas de todo tipo. Por si esto fuera poco, la población en general sufría una grave crisis (tanto política como financiara pasando incluso por una de confianza en las posibilidades mismas de salir adelante) debido a la derrota en la guerra franco prusiana. A pesar de que la situación (personal y social) no era la más adecuada, todos mantenían una actitud positivista y de confianza en el progreso de la humanidad. Todo ello se transparenta en las obras impresionistas que siempre representan momentos libres de cualquier atisbo dramático. Los protagonistas son los mares, los paisajes o grupos de amigos captados en ratos de solaz y relajamiento.
11.- Esto explica en parte que las obras de los impresionistas fueran rechazadas en los circuitos tradicionales
Que pedían que el arte tuviera un fuerte componente simbólico y, por tanto, de trascendencia. El impresionismo acabó con todo ello y no se retoma hasta el apogeo del surrealismo, aunque con un carácter totalmente distinto. Si con anterioridad, se buscaba la imagen de un mundo ideal en los pliegues de este, los artistas de este movimiento hacen saltar por los aires esa creencia. Todo en las obras es lo representado. Un nenúfar es un nenúfar y no la encarnación en este plano de un sentido superior. Lo mismo sucede con un puente, el mar al amanecer o un picnic a las afueras de París. En las obras no hay más trascendencia que la belleza de ese instante. De una manera u otra, los impresionistas adelantan la filosofía New Age de principios del siglo XXI que se centra en el regodeo (a veces de una manera tremendamente egoísta) del momento presente.
12.- Otra de las características del impresionismo es la eliminación del idealismo a la hora de plasmar la naturaleza en contraposición al Romanticismo
Al hilo con lo anterior, la representación pictórica se realiza sin filtros o, al menos, ese es el objetivo. La naturaleza no es el paso hacia el otro mundo, no hay ninguna puerta que nos lleve hacia el drama de emociones desbocadas. Aquí todo es sereno, sencillo, sin importancia casi. En principio, las obras no son la representación de emociones, pasiones o enseñanzas trascendentales. Todo queda en elementos cotidianos al máximo.
13.- El objeto pictórico deja de cobrar importancia ya que el objetivo es la sensación
Aún así se localiza en los paisajes de la naturaleza sin olvidar la figura humana. Esto es, los objetos quedan suprimidos de su jerarquía y el mismo valor tiene la fachada de una catedral gótica que un vaso o una humilde flor del campo. El impresionismo quiere ser como un regalo para el ojo eliminando cualquier atisbo de racionalidad o de trascendencia. Por eso, hay un alto porcentaje de obras que se centran en esos instantes cruciales y cambiantes en los que la luz da paso a las sombras o el sol se levanta de entre la oscuridad. La figura humana queda situada en el mismo plano. No se encuentran seres mitológicos, personas relevantes o protagonistas bíblicos en momentos importantes. La pinturas reflejan ratos de entretenimiento con un grupo de amigos, una niña que juega con un aro o un muchacho desnudo disfrutando de la playa. Sin duda, el gran maestro de este tipo de escenas fue Renoir.
14.- En la última etapa adelantan las características del post-impresionismo, fauvismo e, incluso, cubismo
La pincelada se vuelve aún más suelta desligándose de la forma que quiere representar, a la par que el color se hace más evidente. El juego de luces y sombras se hace más chocante incluso, desdibujando aún más el objeto representado. Todo ello afianza los cambios que se van a producir después con la explosión de los “salvajes”, el fauvismo (aunque estos se centran en el simbolismo de lo representado), el post impresionismo (con los grandes nombres con Cezanne o Van Gogh a la cabeza) y de, alguna manera u otra, el cubismo. Por supuesto, cada uno de estos movimientos tienen su entidad propia, pero la semilla se encuentra en las obras y la actitud del impresionismo.
15.- Hay un gusto por el gran formato adelantándose al impresionismo abstracto
Tanto es así que buena parte de las grandes obras (la serie de los nenúfares por volver al mismo ejemplo) solo se aprecian en grandes espacios. Por eso, la saturación de los museos con gentes en cada esquina no ayuda, en parte, a la hora de disfrutar de estas grandes obras. Es un arte que se aleja de los encargos de los palacios, pero que a la vez exige un gran emplazamiento para ser expuesto. Esta contradicción también puede explicar el rechazo burgués y cortoplacista de los coleccionistas del momento.
Aunque una de las características del impresionismo es su marcado origen francés, el movimiento también tuvo acogida en otros países, aunque sus artistas viajaran hasta París para empaparse de las nuevas tendencias. En España, el representante más conocido y prolífico fue Joaquín Sorolla, quien merece entrada aparte.
Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla
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A pesar de que todos sus artistas sufrieron el rechazo de la crítica del momento hasta el punto de que ni siquiera les dejaron exponer en los salones oficiales, el impresionismo es uno de los movimientos artísticos más conocidos, incluso para el público menos entendido. Surge a finales del siglo XIX y sus coletazos llegan, incluso, a los primeros años del XX cuando las vanguardias históricas ya están asentadas. El epicentro, como cualquier manifestación cultural de la época, fue París, aunque las mejores obras fueron desarrolladas en la costa oeste francesa (Normandía y Bretaña). Si hay que destacar una de las características del impresionismo, por tanto, es ese rechazo que llega, incluso, a burla, por parte de los críticos y el público de la época, acostumbrado a un realismo y un virtuosismo llevado al extremo. Dicho esto ya sabemos que el arte (el de todos los tiempos, lugares y épocas) se entiende y se comprende en su cambio constante. Así fue el movimiento que hoy llena pinacotecas de primer orden (el impresionismo del Museo de Orsay en París por poner un caso) y rompe los techos de adjudicaciones en las casas de subastas internacionales. Desgloso sus principios más importantes.
1.- La aspiración es plasmar un momento dado en la obra de arte
Ya no se trata de representar grandes escenas bíblicas, mitológicas, paisajes deslumbrantes o retratos institucionales. Una de las principales (si no la que más) características del impresionismo es ese echar por los aires el estatismo de la pintura anterior al movimiento para centrarse, en el movimiento, en la sensación, en la impresión, en el momento. Se pasa, por tanto, de lo fijo a lo cambiante, de lo que perdura a lo que sucede en un instante. Y eso es lo que se queda en la retina, en el alma y, a la postre, en el conocimiento.
2.- Otra de las características principales del impresionismo es la preponderancia de la pintura
Aunque se identifica como impresionista algunas composiciones musicales de la época -Preludio a la siesta de un fauno (1894) de Claude Debussy por poner un caso- o piezas de escultura (la de Rodin es la más significativa), es un movimiento pictórico. Decir impresionismo es traer a la vista y al alma los grandes lienzos donde priman el color y la pincelada suelta de la emoción del momento. El resto de las obras artísticas de otros géneros consideradas como impresionistas son, por decirlo llanamente, habas contadas. A pesar de ello, nos quedamos con otro nombre y otra obra: Cuadros de una exposición (1874) de Músorgsky, compuesta inicialmente para piano precisamente teniendo como inspiración las obras de sus amigos pintores impresionistas.
3.- La impresión de ese instante es lo que prima en el cuadro
Porque otra de las características del impresionismo es ese rechazo de la razón exacerbada que había primado en el Neoclasicismo (aunque superado por el Romanticismo) basándose en la emoción. Esto es, para los artistas del movimiento la obra de arte tenía una función radical y esta era la de emocionar al público. Recuerdo aquí la etimología de la palabra que significa, ni más ni menos, que mover a través de la fuerza del corazón. Esto se conseguía no colocando grandes escenas sino llevando al espectador al momento exacto donde se había producido ese instante de belleza.
4.- Se rechaza la razón y se vuelve la mirada del arte a la emoción del momento
Monet decía que él pintaba “como un pájaro canta”. Por tanto, se reniega de todo tipo de artificio e, incluso, de geometría. La obra tiene que realizarse de manera sencilla, cándida a veces y con la única función de poner de manifiesto la belleza de la naturaleza, la luz de un instante la fuerza expresiva de cualquier elemento. Y en este sentido cualquier objeto, paisaje o escena servía, eliminando de un plumazo las distinciones culturales del pasado.
5.- Una de las características principales del impresionismo es la importancia de la luz
Para llevar a cabo esa aprehensión del momento, ese reproducción de aquello que pasa en un segundo los pintores del movimiento se aferran a la luz. Pero esta no será una cualquiera (sombría o brillante) y se fijan (a veces hasta la obsesión) en los aspectos cambiantes de las sombras, el resplandor del sol rielando en el agua, las penumbras o los amaneceres. Por eso, hay una preponderancia de obras en las que los protagonistas son elementos de la naturaleza (la serie de los nenúfares de Monet, por poner un caso), atardeceres, marinas o composiciones con figuras en las que el contraste entre luz y sombras es bastante acusado.
6.- El color cobra protagonismo con respecto a las formas
La pincelada se vuelve suelta y las formas se desdibujan. Ya no se perfila como en la pintura anterior (Ingres, por poner un caso) y ahora se busca un trazo fragmentado que adelanta los movimientos que vendrán después. Las formas no se perfilan sino que se intuyen a través de esos trazos en los que se quiere aprehender la luz. El virtuosismo queda aparcado en favor de un arte emotivo, emocional y que apela al centro mismo del espíritu. Esa luz cambiante que se ve reflejada en trazos dispersos con diferencias de color según el día encuentran su ejemplo perfecto en la serie de Catedral de Rouen de Monet.
7.- Otra de las características del impresionismo como grupo es la ausencia de manifiestos
Aunque tenían en contacto entre sí e, incluso, salían a pintar juntos, los artistas no se preocuparon por redactar un mínimo documento de intenciones. La candidez (a veces) y aparente sencillez de sus obras no se lleva a este plano teórico. Para ellos, lo importante era la producción y no los manifiestos que eran considerados casi como una justificación de una obra que, en su tiempo, fue objeto de un rechazo tremendo. Esto contrasta con los grupos de vanguardia que vendrían después que, primero, racionalizaban con la escritura y luego producían. Algunos incluso, como el futurismo o el dadaísmo, crearon más panfletos de este tipo que obra misma. Hay quienes, en la actualidad, ven en esa falta de escritos críticos del movimiento una de las razones de la incomprensión de la producción en su época, al no aportar una mínima explicación.
8.- Como es frecuente en la historia del arte hay un rechazo por el estilo anterior
Ni que decir tiene que se niega el trazo geométrico, racional y matemático casi del Neoclasicismo (que, por cierto, creó pocas obras de arte de importancia) sino también de buena parte de las características del Romanticismo. Se niega el papel redentor de la naturaleza, el espíritu negacionista (tan de la época) de las posibilidades de encontrar la verdad en este plano. A la par, se obvia cualquier mención a lo que se encuentra en el otro lado. Todo ello, que formó parte del arte de la primeras décadas del siglo XIX, con su gusto por los demonios de la naturaleza o del ser humano, se borra con el impresionismo. Es este un movimiento del aquí y el ahora, positivo, alegre y sereno a pesar de la vida difícil que llevaron buena parte de sus representantes.
9.- Los impresionistas vuelven la mirada a los clásicos de la pintura barroca española
El rechazo a lo anterior tiene sus excepciones, como siempre. Uno de los pintores que se salva de esa siega es Velázquez, el cual adelanta (con su maestría en el claroscuro) los principios fundamentales del impresionismo. El retratar ese momento justo en el que algo importante sucede (como las Meninas por ejemplo) también hace que los artistas del movimiento vuelvan su mirada al genio español, considerándolo maestro de la pintura en quien reflejarse. Es un título, por cierto, que sigue conservando bien entrado el siglo XXI.
10.- Otra de las características del impresionismo es la creación de un arte “amable”
Y todo ello a pesar de que los principales representantes del movimiento estaban envueltos en penurias económicas o problemas de todo tipo. Por si esto fuera poco, la población en general sufría una grave crisis (tanto política como financiara pasando incluso por una de confianza en las posibilidades mismas de salir adelante) debido a la derrota en la guerra franco prusiana. A pesar de que la situación (personal y social) no era la más adecuada, todos mantenían una actitud positivista y de confianza en el progreso de la humanidad. Todo ello se transparenta en las obras impresionistas que siempre representan momentos libres de cualquier atisbo dramático. Los protagonistas son los mares, los paisajes o grupos de amigos captados en ratos de solaz y relajamiento.
11.- Esto explica en parte que las obras de los impresionistas fueran rechazadas en los circuitos tradicionales
Que pedían que el arte tuviera un fuerte componente simbólico y, por tanto, de trascendencia. El impresionismo acabó con todo ello y no se retoma hasta el apogeo del surrealismo, aunque con un carácter totalmente distinto. Si con anterioridad, se buscaba la imagen de un mundo ideal en los pliegues de este, los artistas de este movimiento hacen saltar por los aires esa creencia. Todo en las obras es lo representado. Un nenúfar es un nenúfar y no la encarnación en este plano de un sentido superior. Lo mismo sucede con un puente, el mar al amanecer o un picnic a las afueras de París. En las obras no hay más trascendencia que la belleza de ese instante. De una manera u otra, los impresionistas adelantan la filosofía New Age de principios del siglo XXI que se centra en el regodeo (a veces de una manera tremendamente egoísta) del momento presente.
12.- Otra de las características del impresionismo es la eliminación del idealismo a la hora de plasmar la naturaleza en contraposición al Romanticismo
Al hilo con lo anterior, la representación pictórica se realiza sin filtros o, al menos, ese es el objetivo. La naturaleza no es el paso hacia el otro mundo, no hay ninguna puerta que nos lleve hacia el drama de emociones desbocadas. Aquí todo es sereno, sencillo, sin importancia casi. En principio, las obras no son la representación de emociones, pasiones o enseñanzas trascendentales. Todo queda en elementos cotidianos al máximo.
13.- El objeto pictórico deja de cobrar importancia ya que el objetivo es la sensación
Aún así se localiza en los paisajes de la naturaleza sin olvidar la figura humana. Esto es, los objetos quedan suprimidos de su jerarquía y el mismo valor tiene la fachada de una catedral gótica que un vaso o una humilde flor del campo. El impresionismo quiere ser como un regalo para el ojo eliminando cualquier atisbo de racionalidad o de trascendencia. Por eso, hay un alto porcentaje de obras que se centran en esos instantes cruciales y cambiantes en los que la luz da paso a las sombras o el sol se levanta de entre la oscuridad. La figura humana queda situada en el mismo plano. No se encuentran seres mitológicos, personas relevantes o protagonistas bíblicos en momentos importantes. La pinturas reflejan ratos de entretenimiento con un grupo de amigos, una niña que juega con un aro o un muchacho desnudo disfrutando de la playa. Sin duda, el gran maestro de este tipo de escenas fue Renoir.
14.- En la última etapa adelantan las características del post-impresionismo, fauvismo e, incluso, cubismo
La pincelada se vuelve aún más suelta desligándose de la forma que quiere representar, a la par que el color se hace más evidente. El juego de luces y sombras se hace más chocante incluso, desdibujando aún más el objeto representado. Todo ello afianza los cambios que se van a producir después con la explosión de los “salvajes”, el fauvismo (aunque estos se centran en el simbolismo de lo representado), el post impresionismo (con los grandes nombres con Cezanne o Van Gogh a la cabeza) y de, alguna manera u otra, el cubismo. Por supuesto, cada uno de estos movimientos tienen su entidad propia, pero la semilla se encuentra en las obras y la actitud del impresionismo.
15.- Hay un gusto por el gran formato adelantándose al impresionismo abstracto
Tanto es así que buena parte de las grandes obras (la serie de los nenúfares por volver al mismo ejemplo) solo se aprecian en grandes espacios. Por eso, la saturación de los museos con gentes en cada esquina no ayuda, en parte, a la hora de disfrutar de estas grandes obras. Es un arte que se aleja de los encargos de los palacios, pero que a la vez exige un gran emplazamiento para ser expuesto. Esta contradicción también puede explicar el rechazo burgués y cortoplacista de los coleccionistas del momento.
Aunque una de las características del impresionismo es su marcado origen francés, el movimiento también tuvo acogida en otros países, aunque sus artistas viajaran hasta París para empaparse de las nuevas tendencias. En España, el representante más conocido y prolífico fue Joaquín Sorolla, quien merece entrada aparte.
Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla
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[introtext] => Pablo Picasso pinta en 1907, Las señoritas de Avignon, hoy en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) y con esta obra se da el pistoletazo de salida a las vanguardias históricas. La obra del malagueño no solo inaugura el cubismo también pone el broche de oro a la ruptura con una tradición que bebía de las fuentes clásicas y que se estaba gestando desde mucho antes: al menos, desde la aparición del simbolismo.
El inicio del movimiento pictórico conocido como Impresionismo
Pero fue el Impresionismo (bautizado en 1874 a la par que la obra de Mussorgosky Cuadros para una exposición) el que acabó de rematar toda la tradición clásica, aquella que, ante todo y sobre todo, veía en el arte una transposición de la verdad circundante. De la objetividad realista se pasa a la subjetividad, primero la de los sentimientos y/o sensaciones (impresionismo) y luego a la física (cubismo).
Las obras del Impresionismo en el Museo de Orsay de París
Pues bien, esta larga parrafada viene a cuento porque esa división espacio-temporal es la que se utilizó para segregar las “obras modernas” del Museo del Louvre y colocarlas en un nuevo espacio. Aunque, como en toda colección, hay sus contaminaciones, ya que, por poner un solo ejemplo, en el Museo de Orsay se encuentran, sin ir más lejos, obras del clásico Ingres. Es un imprescindible que visitar si estás de paso por París.
Este templo del arte moderno está situado en la orilla izquierda del Sena mirando cara a cara al Louvre. Se acondicionó en 1987 sobre lo que fue una antigua estación de tren que unía Orleans con la capital de Francia. El edificio, gran parte en hierro forjado, acusa el carácter que impuso por esta parte de mundo el Art Noveau.
Aquí se guardan y se custodian, para regocijo de amantes al arte que puedan darse una vuelta por París, las obras (la gran mayoría producidas en Francia) entre los años 1848 y 1914 sin que se encuentre ninguna de las vanguardias históricas.
Obras del impresionismo y otras escuelas que no te puedes perder en el Museo de Orsay
En la antigua estación de tren hay de todo lo bello que se produjo en esa época (muebles, joyas, cine, libros…), pero destaca sobre todo la pintura. Como el tiempo humano (y el de las artes) es corto, hay que seleccionar y mucho. Para eso estoy yo aquí. Así que no te puedes perder:
- Las obras de Van Gogh, muchas y muy buenas, ya que hay varios autorretratos, paisajes de la Provenza, La habitación de Vicent en Arlés o El retrato del doctor Paul Gauchet.
- Las escandalosas obras (para los parámetros de la época) de Manet como el archiconocido Almuerzo sobre la hierba y Olympia.
- Las telas de toda la escuela impresionista con Renoir a la cabeza, como El baile del Moulin de la Galette.
- Otra serie señera del arte moderno como es la de la Catedral de Ruán de Monet es de visita obligada.
- Del postimpresionismo destaco los bodegones de Cézanne o la buena representación de esculturas y telas (de todas las épocas) de Paul Gauguin.
- Los que aún no tengan bastante tienen que buscar los puntillistas como El circo de Seurat.
- Y, por supuesto, rematar con el especial universo nocturno de soledad, alcohol e incomprensión de Toulouse-Lautrec.
- Si quieres aún más, date una vuelta por las esculturas, sobre todo los modelos contorsionistas de Rodin o Carpeaux.
Datos de carácter práctico sobre el Museo de Orsay de París
El Museo de Orsay cierra los lunes. El resto de los días está abierto desde las 9:30 hasta 6:00 de la tarde, excepto los jueves que alarga la jornada hasta las 10 menos cuarto de la noche.
La entrada cuesta 9 euros y 12 si se quiere disfrutar de alguna de las exposiciones temporales que organiza. Hay descuentos para ciertos colectivos como anuncian en la página oficial del Museo de Orsay.
La reproducción de la obra, por fecha y por el contenido aquí expuesto, es de carácter libre.
Por Candela Vizcaíno
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Pablo Picasso pinta en 1907, Las señoritas de Avignon, hoy en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) y con esta obra se da el pistoletazo de salida a las vanguardias históricas. La obra del malagueño no solo inaugura el cubismo también pone el broche de oro a la ruptura con una tradición que bebía de las fuentes clásicas y que se estaba gestando desde mucho antes: al menos, desde la aparición del simbolismo.
El inicio del movimiento pictórico conocido como Impresionismo
Pero fue el Impresionismo (bautizado en 1874 a la par que la obra de Mussorgosky Cuadros para una exposición) el que acabó de rematar toda la tradición clásica, aquella que, ante todo y sobre todo, veía en el arte una transposición de la verdad circundante. De la objetividad realista se pasa a la subjetividad, primero la de los sentimientos y/o sensaciones (impresionismo) y luego a la física (cubismo).
Las obras del Impresionismo en el Museo de Orsay de París
Pues bien, esta larga parrafada viene a cuento porque esa división espacio-temporal es la que se utilizó para segregar las “obras modernas” del Museo del Louvre y colocarlas en un nuevo espacio. Aunque, como en toda colección, hay sus contaminaciones, ya que, por poner un solo ejemplo, en el Museo de Orsay se encuentran, sin ir más lejos, obras del clásico Ingres. Es un imprescindible que visitar si estás de paso por París.
Este templo del arte moderno está situado en la orilla izquierda del Sena mirando cara a cara al Louvre. Se acondicionó en 1987 sobre lo que fue una antigua estación de tren que unía Orleans con la capital de Francia. El edificio, gran parte en hierro forjado, acusa el carácter que impuso por esta parte de mundo el Art Noveau.
Aquí se guardan y se custodian, para regocijo de amantes al arte que puedan darse una vuelta por París, las obras (la gran mayoría producidas en Francia) entre los años 1848 y 1914 sin que se encuentre ninguna de las vanguardias históricas.
Obras del impresionismo y otras escuelas que no te puedes perder en el Museo de Orsay
En la antigua estación de tren hay de todo lo bello que se produjo en esa época (muebles, joyas, cine, libros…), pero destaca sobre todo la pintura. Como el tiempo humano (y el de las artes) es corto, hay que seleccionar y mucho. Para eso estoy yo aquí. Así que no te puedes perder:
- Las obras de Van Gogh, muchas y muy buenas, ya que hay varios autorretratos, paisajes de la Provenza, La habitación de Vicent en Arlés o El retrato del doctor Paul Gauchet.
- Las escandalosas obras (para los parámetros de la época) de Manet como el archiconocido Almuerzo sobre la hierba y Olympia.
- Las telas de toda la escuela impresionista con Renoir a la cabeza, como El baile del Moulin de la Galette.
- Otra serie señera del arte moderno como es la de la Catedral de Ruán de Monet es de visita obligada.
- Del postimpresionismo destaco los bodegones de Cézanne o la buena representación de esculturas y telas (de todas las épocas) de Paul Gauguin.
- Los que aún no tengan bastante tienen que buscar los puntillistas como El circo de Seurat.
- Y, por supuesto, rematar con el especial universo nocturno de soledad, alcohol e incomprensión de Toulouse-Lautrec.
- Si quieres aún más, date una vuelta por las esculturas, sobre todo los modelos contorsionistas de Rodin o Carpeaux.
Datos de carácter práctico sobre el Museo de Orsay de París
El Museo de Orsay cierra los lunes. El resto de los días está abierto desde las 9:30 hasta 6:00 de la tarde, excepto los jueves que alarga la jornada hasta las 10 menos cuarto de la noche.
La entrada cuesta 9 euros y 12 si se quiere disfrutar de alguna de las exposiciones temporales que organiza. Hay descuentos para ciertos colectivos como anuncian en la página oficial del Museo de Orsay.
La reproducción de la obra, por fecha y por el contenido aquí expuesto, es de carácter libre.
Por Candela Vizcaíno
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Una introducción a la vida y la obra de Pierre Renoir, uno de los máximos exponentes del impresionismo
¿Quién fue Pierre Renoir? A modo de introducción
Miembro de una familia humilde, inauguró todo un clan de artistas (en el mundo del cine especialmente) y su nombre ha quedado grabado como uno de los principales representantes del impresionismo. Sencillo, afable, con propensión a no meterse en líos, a ser amigos de todos, a no decir una palabra molesta, su obra es, en parte, una proyección de ese espíritu en calma que hizo gala durante todo su vida.
Pierre Renoir fue el pintor favorito de los nuevos millonarios de la década de los años veinte y no es de extrañar porque su arte no es que sea “amable” sino que representa la celebración de la vida sin ningún tipo de exaltación pasional. No hay grandes emociones en sus cuadros, ni elementos mitológicos ni históricos. La muerte no se intuye en ninguno de sus rincones. Todo es luz, cotidianidad, naturaleza en calma o mujeres sensuales con curvas no aptas para los gustos del siglo XXI.
En la obra de Renoir no hay ni un solo atisbo de dolor, amores truncados, existencias rotas o sentimientos tormentosos. Todo en ella transcurre con la naturalidad de las vidas corrientes. Los colores azules o dorados que tanto utilizaba junto con el uso tan personal y magistral de la luz (como corresponde a un impresionista) hizo, en su día, que su obra fuera del gusto de esos nuevos coleccionistas que querían relajarse con una obra de arte como el que lo hace con güisqui al caer la tarde.
Un poco de la vida de Pierre Renoir
Nada en los orígenes del pintor podría presagiar el gran artista que llegó a ser. Nacido en Limoges (la ciudad francesa de la afamada porcelana) bajo el signo de Piscis en 1841, era el hijo de un modesto sastre. Tan humilde que, con solo tres años, la familia numerosa en la que creció el pintor se muda a París en busca de mejores oportunidades para los nuevos retoños. Renoir muy pronto demostró tal talento artístico que, si hubiera nacido en el siglo XXI, seguro que hubiera participado en algún concurso televisivo de pequeños lumbreras. No solo demostró en el colegio dotes para el dibujo sino también para la canción. Afortunadamente para la historia del arte eligió el noble y bello oficio de la pintura.
En la elitista y diferenciada socialmente Francia del siglo XIX para poder ejercer cualquier carrera artística había que entrar en el taller de un maestro. Renoir estudió en la Escuela de Bellas Artes (comenzó en 1962) y luego eligió las clases de Charles Gleyre sencillamente porque eran más baratas. Ya sabemos que el talento ni se paga ni se compra con dinero. Y el discípulo, con creces, superó al maestro y a casi todos los de su promoción, dicho sea de paso.
Previamente había trabajado como pintor de porcelana, un puesto poco creativo que solo le permitía adiestrarse en el uso del pincel pero poco más. Fue aceptado por primera vez en El Gran Salón de París en 1964. Con este acto se le abrían las puertas del mercado del arte mundial (con mayúsculas casi) que dicha institución suponía. Renoir fue del gusto de sus contemporáneos, y con los altibajos propios de tan complicado mercado, pudo ir colocando su obra sin ningún tipo de problemas. Aún así el pintor no disponía de la liquidez suficiente como para poder mantener casa propia. A veces, vivía de la generosidad de Monet, Sisley o Bazille con mejor fortuna en lo económico que Renoir.
En 1870 fue movilizado en la Guerra Franco-Prusiana durante un corto periodo de tiempo ya que regresó a París al caer enfermo. Pero más que la guerra (donde no estuvo en el campo de batalla) lo que conformó el carácter de Renoir (tanto en lo vital como en lo pictórico) fue Montmatre. Aquí viviría durante 11 años desde 1873 a 1984. Por entonces, el barrio no es como lo conocemos hoy, uno de los favoritos de las escapadas románticas, sino bien distinto. Montmatre era casi rural. Los viñedos estaban por todas partes, la naturaleza se confundía con el entorno urbano y Renoir tenía motivos de inspiración para sus cuadros con paisajes.
De todos modos, en esta época, el artista intentaba ganarse la vida con su arte con una línea en alza en la época: el retrato. Por eso, en cada una de las exposiciones de los impresionistas presentaba gran cantidad de ellos, a la manera de decimonónico escaparate que permitiera captar la atención de compradores pudientes.
No tuvo mala suerte Renoir a pesar de que su situación no fue desahogada. Paul Bérard, un diplomático con buen gusto y ganas de gastar en cosas bellas, se convirtió en su amigo y de, alguna manera u otra, en su mecenas. Si no le compraba, le adelantaba dinero o, mucho mejor, le presentó a ricas familias parisinas que encargaron obras a Renoir para vestir las paredes de sus suntuosos salones. Esto, en la época, era en cierta manera consolidarse porque una puerta abría otra y esa otra una aún más grande. En todas ellas había financiación y personal culto dispuesto a gastarlo como es debido.
En los primeros años de la década de los ochenta hace innumerables viajes: a Algeria, a Madrid (donde paró en el Museo del Prado para deleitarse con la obra de Velázquez), a Italia y también a las Tierras del Canal. Normandía y Bretaña están, sin duda, ligadas a los impresionistas y sus grandes paisajes salvajes parecen haberse descubierto por los artistas que conforman esta escuela.
Con cuarenta años (un solterón para la época y también para la era de Twitter) se topa con Aline Charigot, 19 años menor que el pintor. El amor no tardó en llegar. Los hijos después y más tarde la boda. La vida del artista cambia radicalmente y es ahora cuando se preocupa por conseguir muchos y buenos clientes para sus obras.
En 1892 es diagnosticado de artritis reumatoide. La enfermedad llegó a ser tan invalidante para el pintor que, en sus últimos años, se ataba el pincel a las manos con vendas para poder seguir trabajando. En 1907, con una economía más desahogada y para hacer frente al avance de la enfermedad se muda a Cagnes sur Mer donde fallece en diciembre de 1919.
Características principales de la pintura de Pierre Renoir
Renoir ha dejado una obra amplísima a pesar de que en los primeros años de la década de los ochenta, coincidiendo con una crisis creativa, destruyó gran parte de ella. Como es frecuente (y hasta necesario) en estos casos, consideraba que los postulados del impresionismo ya no le servían y, en una búsqueda de una nueva vía de expresión, se embarcó también en un proceso destructor. Admirador de Manet, Coubert, Delacroix, Velázquez, los artistas italianos del Renacimiento… su obra es de una sencillez y de una candidez pasmosa. Me atrevo a resumir su estilo en estos 10 puntos.
1.- Priman los paisajes naturales pero nada de tormentas, lluvias o neblinas. Todo en los cuadros de Renoir es delicado, ligero y calmado. Parece que su espíritu estaba en paz y celebraba esa parte alegre y positiva de la existencia en sus obras.
2.- La figura humana siempre se inserta en ese paisaje de una manera natural sin agresión y sin pose. Todo parece fluir y hay un diálogo entre la muchacha que se baña y el río o entre la que está en el columpio y el jardín que lo circunda.
3.- A falta de paisajes naturales, las escenas son íntimas, cotidianas, sin presentar grandes problemáticas o desencuentros. Vemos una niña al piano o la rica señora Charpenter posando con sus retoños sin ningún resquicio de convulsión.
4.- Cuando se presentan interiores o exteriores públicos siempre son festivos, delicados, armoniosos y sin fisuras anímicas. No hay bailarinas bajando a los mismísimos infiernos, ni borrachos, ni mujeres que vienen de vuelta de todo. Tampoco hombres. Todas las figuras humanas de Renoir parecen que no han tenido un problema en su vida y están retratadas con esa serenidad de quien pasa por este mundo como flotando.
5.- Los protagonistas de sus cuadros están captados realizando tareas sencillas y ajenos a cualquier espectador en actitud totalmente serena.
6.- Es en la pincelada de Renoir donde disfrutamos con la maestría de uno de los grandes. Clásica en sus primeras obras, se ve con más fuerza en sus últimos trabajos, como el Autorretrato de 1910 que forma parte de esta galería.
7.- La captación del instante, de la luz, de la alegría, del movimiento de la forma en el cuadro fue una constante, como todos los miembros del Impresionismo, en la obra de Renoir.
8.- La unidad, la armonía, la serenidad está presente en todas sus obras. La gran mayoría de ellas tienen un eje central (una figura o un paisaje) y todo gira alrededor. Tampoco en lo formal hay contorsión.
9.- Renoir era un pintor “clásico” que aprendía de los grandes maestros (de los artistas del Museo Louvre que visitaba de niño) de los grandes maestros italianos… Sus innovaciones técnicas no pueden considerarse en ningún momento como rompedoras o innovadoras al máximo.
10.- La luz es protagonista indiscutible de la obra de Renoir ya sea en ambientes de interior o de exterior. Es aquí donde el pintor se hace grande haciendo de la luz reflejada en el lienzo el gran símbolo de lo que parece mutable, pero, en verdad, no lo es.
Obras más conocidas de Renoir
Sin ánimo de sentar cátedra, dejo aquí 12 de las obras de Renoir. ¿Cómo las he elegido? Pues, sencillamente, guiándome por el gusto personal más absoluto y radical. Deja tú las tuyas, si quieres, en la casilla comentarios.
1.- Lisa cosiendo (1866)
2.- La Grenouillère (1869)
3.- El palco (1874)
4.- Baile en el Moulin de la Galette (1876)
5.- El columpio (1876)
6.- La señora Charpentier y sus hijos 1878,
7.- El almuerzo de los remeros (1880)
8.- Los paraguas (1881)
9.- Niños en la Playa de Guernsey, 1883
10.- Las bañistas (serie completa) desde 1884 hasta 1887
11.- La familia del artista (1896)
12.- Autorretrato de 1910
Pierre Renoir es constante objeto de exposiciones temporales, talleres, encuentros y diálogos. Es natural. Es, sencillamente, uno de los grandes.
Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla
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Una introducción a la vida y la obra de Pierre Renoir, uno de los máximos exponentes del impresionismo
¿Quién fue Pierre Renoir? A modo de introducción
Miembro de una familia humilde, inauguró todo un clan de artistas (en el mundo del cine especialmente) y su nombre ha quedado grabado como uno de los principales representantes del impresionismo. Sencillo, afable, con propensión a no meterse en líos, a ser amigos de todos, a no decir una palabra molesta, su obra es, en parte, una proyección de ese espíritu en calma que hizo gala durante todo su vida.
Pierre Renoir fue el pintor favorito de los nuevos millonarios de la década de los años veinte y no es de extrañar porque su arte no es que sea “amable” sino que representa la celebración de la vida sin ningún tipo de exaltación pasional. No hay grandes emociones en sus cuadros, ni elementos mitológicos ni históricos. La muerte no se intuye en ninguno de sus rincones. Todo es luz, cotidianidad, naturaleza en calma o mujeres sensuales con curvas no aptas para los gustos del siglo XXI.
En la obra de Renoir no hay ni un solo atisbo de dolor, amores truncados, existencias rotas o sentimientos tormentosos. Todo en ella transcurre con la naturalidad de las vidas corrientes. Los colores azules o dorados que tanto utilizaba junto con el uso tan personal y magistral de la luz (como corresponde a un impresionista) hizo, en su día, que su obra fuera del gusto de esos nuevos coleccionistas que querían relajarse con una obra de arte como el que lo hace con güisqui al caer la tarde.
Un poco de la vida de Pierre Renoir
Nada en los orígenes del pintor podría presagiar el gran artista que llegó a ser. Nacido en Limoges (la ciudad francesa de la afamada porcelana) bajo el signo de Piscis en 1841, era el hijo de un modesto sastre. Tan humilde que, con solo tres años, la familia numerosa en la que creció el pintor se muda a París en busca de mejores oportunidades para los nuevos retoños. Renoir muy pronto demostró tal talento artístico que, si hubiera nacido en el siglo XXI, seguro que hubiera participado en algún concurso televisivo de pequeños lumbreras. No solo demostró en el colegio dotes para el dibujo sino también para la canción. Afortunadamente para la historia del arte eligió el noble y bello oficio de la pintura.
En la elitista y diferenciada socialmente Francia del siglo XIX para poder ejercer cualquier carrera artística había que entrar en el taller de un maestro. Renoir estudió en la Escuela de Bellas Artes (comenzó en 1962) y luego eligió las clases de Charles Gleyre sencillamente porque eran más baratas. Ya sabemos que el talento ni se paga ni se compra con dinero. Y el discípulo, con creces, superó al maestro y a casi todos los de su promoción, dicho sea de paso.
Previamente había trabajado como pintor de porcelana, un puesto poco creativo que solo le permitía adiestrarse en el uso del pincel pero poco más. Fue aceptado por primera vez en El Gran Salón de París en 1964. Con este acto se le abrían las puertas del mercado del arte mundial (con mayúsculas casi) que dicha institución suponía. Renoir fue del gusto de sus contemporáneos, y con los altibajos propios de tan complicado mercado, pudo ir colocando su obra sin ningún tipo de problemas. Aún así el pintor no disponía de la liquidez suficiente como para poder mantener casa propia. A veces, vivía de la generosidad de Monet, Sisley o Bazille con mejor fortuna en lo económico que Renoir.
En 1870 fue movilizado en la Guerra Franco-Prusiana durante un corto periodo de tiempo ya que regresó a París al caer enfermo. Pero más que la guerra (donde no estuvo en el campo de batalla) lo que conformó el carácter de Renoir (tanto en lo vital como en lo pictórico) fue Montmatre. Aquí viviría durante 11 años desde 1873 a 1984. Por entonces, el barrio no es como lo conocemos hoy, uno de los favoritos de las escapadas románticas, sino bien distinto. Montmatre era casi rural. Los viñedos estaban por todas partes, la naturaleza se confundía con el entorno urbano y Renoir tenía motivos de inspiración para sus cuadros con paisajes.
De todos modos, en esta época, el artista intentaba ganarse la vida con su arte con una línea en alza en la época: el retrato. Por eso, en cada una de las exposiciones de los impresionistas presentaba gran cantidad de ellos, a la manera de decimonónico escaparate que permitiera captar la atención de compradores pudientes.
No tuvo mala suerte Renoir a pesar de que su situación no fue desahogada. Paul Bérard, un diplomático con buen gusto y ganas de gastar en cosas bellas, se convirtió en su amigo y de, alguna manera u otra, en su mecenas. Si no le compraba, le adelantaba dinero o, mucho mejor, le presentó a ricas familias parisinas que encargaron obras a Renoir para vestir las paredes de sus suntuosos salones. Esto, en la época, era en cierta manera consolidarse porque una puerta abría otra y esa otra una aún más grande. En todas ellas había financiación y personal culto dispuesto a gastarlo como es debido.
En los primeros años de la década de los ochenta hace innumerables viajes: a Algeria, a Madrid (donde paró en el Museo del Prado para deleitarse con la obra de Velázquez), a Italia y también a las Tierras del Canal. Normandía y Bretaña están, sin duda, ligadas a los impresionistas y sus grandes paisajes salvajes parecen haberse descubierto por los artistas que conforman esta escuela.
Con cuarenta años (un solterón para la época y también para la era de Twitter) se topa con Aline Charigot, 19 años menor que el pintor. El amor no tardó en llegar. Los hijos después y más tarde la boda. La vida del artista cambia radicalmente y es ahora cuando se preocupa por conseguir muchos y buenos clientes para sus obras.
En 1892 es diagnosticado de artritis reumatoide. La enfermedad llegó a ser tan invalidante para el pintor que, en sus últimos años, se ataba el pincel a las manos con vendas para poder seguir trabajando. En 1907, con una economía más desahogada y para hacer frente al avance de la enfermedad se muda a Cagnes sur Mer donde fallece en diciembre de 1919.
Características principales de la pintura de Pierre Renoir
Renoir ha dejado una obra amplísima a pesar de que en los primeros años de la década de los ochenta, coincidiendo con una crisis creativa, destruyó gran parte de ella. Como es frecuente (y hasta necesario) en estos casos, consideraba que los postulados del impresionismo ya no le servían y, en una búsqueda de una nueva vía de expresión, se embarcó también en un proceso destructor. Admirador de Manet, Coubert, Delacroix, Velázquez, los artistas italianos del Renacimiento… su obra es de una sencillez y de una candidez pasmosa. Me atrevo a resumir su estilo en estos 10 puntos.
1.- Priman los paisajes naturales pero nada de tormentas, lluvias o neblinas. Todo en los cuadros de Renoir es delicado, ligero y calmado. Parece que su espíritu estaba en paz y celebraba esa parte alegre y positiva de la existencia en sus obras.
2.- La figura humana siempre se inserta en ese paisaje de una manera natural sin agresión y sin pose. Todo parece fluir y hay un diálogo entre la muchacha que se baña y el río o entre la que está en el columpio y el jardín que lo circunda.
3.- A falta de paisajes naturales, las escenas son íntimas, cotidianas, sin presentar grandes problemáticas o desencuentros. Vemos una niña al piano o la rica señora Charpenter posando con sus retoños sin ningún resquicio de convulsión.
4.- Cuando se presentan interiores o exteriores públicos siempre son festivos, delicados, armoniosos y sin fisuras anímicas. No hay bailarinas bajando a los mismísimos infiernos, ni borrachos, ni mujeres que vienen de vuelta de todo. Tampoco hombres. Todas las figuras humanas de Renoir parecen que no han tenido un problema en su vida y están retratadas con esa serenidad de quien pasa por este mundo como flotando.
5.- Los protagonistas de sus cuadros están captados realizando tareas sencillas y ajenos a cualquier espectador en actitud totalmente serena.
6.- Es en la pincelada de Renoir donde disfrutamos con la maestría de uno de los grandes. Clásica en sus primeras obras, se ve con más fuerza en sus últimos trabajos, como el Autorretrato de 1910 que forma parte de esta galería.
7.- La captación del instante, de la luz, de la alegría, del movimiento de la forma en el cuadro fue una constante, como todos los miembros del Impresionismo, en la obra de Renoir.
8.- La unidad, la armonía, la serenidad está presente en todas sus obras. La gran mayoría de ellas tienen un eje central (una figura o un paisaje) y todo gira alrededor. Tampoco en lo formal hay contorsión.
9.- Renoir era un pintor “clásico” que aprendía de los grandes maestros (de los artistas del Museo Louvre que visitaba de niño) de los grandes maestros italianos… Sus innovaciones técnicas no pueden considerarse en ningún momento como rompedoras o innovadoras al máximo.
10.- La luz es protagonista indiscutible de la obra de Renoir ya sea en ambientes de interior o de exterior. Es aquí donde el pintor se hace grande haciendo de la luz reflejada en el lienzo el gran símbolo de lo que parece mutable, pero, en verdad, no lo es.
Obras más conocidas de Renoir
Sin ánimo de sentar cátedra, dejo aquí 12 de las obras de Renoir. ¿Cómo las he elegido? Pues, sencillamente, guiándome por el gusto personal más absoluto y radical. Deja tú las tuyas, si quieres, en la casilla comentarios.
1.- Lisa cosiendo (1866)
2.- La Grenouillère (1869)
3.- El palco (1874)
4.- Baile en el Moulin de la Galette (1876)
5.- El columpio (1876)
6.- La señora Charpentier y sus hijos 1878,
7.- El almuerzo de los remeros (1880)
8.- Los paraguas (1881)
9.- Niños en la Playa de Guernsey, 1883
10.- Las bañistas (serie completa) desde 1884 hasta 1887
11.- La familia del artista (1896)
12.- Autorretrato de 1910
Pierre Renoir es constante objeto de exposiciones temporales, talleres, encuentros y diálogos. Es natural. Es, sencillamente, uno de los grandes.
Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla
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Una introducción a la vida y la obra de Pierre Renoir, uno de los máximos exponentes del i...
