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¿Por qué la película Aladdín de Disney de 2019 es el nuevo paradigma feminista? 

 

Disney ha partido la pena con su nueva película que nos está enamorando a todos, especialmente a las mamás con niñas. ¿Por qué? ¿Acaso Aladdín no es una película de Disney más? La respuesta es compleja, aunque es sí y no. Es una superproducción con unos decorados espectaculares, una puesta en escena exquisita, una lectura de las Mil y una noches… Y a propósito de la obra clásica recordemos que la historia de Alibabá y los cuarenta ladrones (de la que está entresacada Aladdín) pertenece a esta obra de la literatura universal. En el libro (con miles de páginas) Sheherezade, rehén del sultán, narra cada noche una aventura distinta con el fin de entretener a su captor y obviar así una muerte segura. Y aquí tenemos la primera modificación en Disney (lo siento por el spoiler) que pone en boca del genio de la lámpara (uno de los protagonistas) la narración de esta maravillosa aventura con un final más que feliz.  

 

La transformación de las protagonistas en las últimas películas de Disney 

Bueno… el final feliz será como en todas las cintas de Disney. Vuelvo a lo mismo: sí y no. Porque la gran factoría (una máquina perfectamente engrasada para ganar dinero recordemos) se ha dado cuenta (y bastante bien) del sentir de los tiempos y esta nueva era me gusta más que la otra. ¿Por qué? Porque las protagonistas, como en los cuentos de princesas clásicos, no se quedan a esperar a que un príncipe las rescate.  

Ya son ellas mismas las que encuentran la salida a la encrucijada en la que se encuentran. La parodia se entrevía en Ralph rompe Internet por poner un caso. Y los giros del guión para adaptarlos a sentir contemporáneo se produjo en una obra totalmente distinta: Maléfica.  La maga herida que maldice a una inocente Aurora llena de ira es la misma que deshace el hechizo al transformar el veneno del odio en amor. Con el gesto, libera a la joven y se libera a ella misma de todo aquello que la obligaron ser. 

En Aladdín el giro del guión no es tan complejo como en la película interpretada por Angelina Jolie pero me gusta por el empoderamiento en el que se revisten las protagonistas. Algo semejante también puede verse en Dumbo en el que Tim Burton deja entrever que las grandes orejas del elefante más deseado fueron producto de eso mismo: del amor de su madre. El ansia de libertad hizo como una especie de reprogramación en el bebé que gestaba. Y lo que parecía algo que se volvía en contra es utilizado para liberar a todos los que forman el circo.  

El papel del malo que solo puede conseguir lo que no le pertenece con magia negra

Pero volvamos a Aladdín, la última superproducción de Disney llena de buenos efectos especiales, una puesta en escena cuidada al milímetro, un genio de la lámpara jocoso en extremo, un padre atrapado en la tradición, un protagonista masculino, una princesa y… un malo malísimo. 

Hasta aquí todo lo que cabe esperar de la narración de un cuento clásico con sus estereotipos. Si el visir está envenenado de ego y ansias de poder tal que no duda, como un psicópata, en recurrir a cualquier acto violento para conseguir sus fines, tenemos en el otro extremo a Aladdín, un diamante en bruto. Esto es, un alma pura (que puede entrar en la cueva maravillosa debido a su corazón bueno) que lo único que busca es amor. La antítesis de Aladdín es el visir Jafar que solo ansía el trono que no le pertenece. 

 

Jasmine, la princesa que lucha por su libertad y el trono que le corresponde

Porque a quién le corresponde es a Jasmine, la princesa presa (por miedo de su padre) en el palacio. Culta, rebelde, con las ideas claras y la autoestima muy alta pelea por deshacer todas las imposiciones legales que, en lugar de beneficiar a su pueblo, lo lleva de cabeza a la catástrofe. Y es así por lo absurdo de negar a la princesa el trono legítimo a no ser que lo comparta con un hombre. En definitiva, se busca fuera (como tantas veces) lo que ya está dentro. Jasmine ama a su pueblo, se interesa por él. Es una mujer culta que lee y estudia para formarse casi de forma autodidacta. A pesar de que es bella a rabiar, no quiere quedarse en ese estereotipo. Asume el rol masculino (el de la fuerza) sin renunciar a su carácter femenino. 

Es Jasmine la verdadera protagonista de la película al negarse a casarse con alguien “con quien no puede hablar” y solo es un florero. Es la mujer empoderada que no quiere (ni debe) renunciar a lo que le pertenece por ser mujer. Ella sabe que puede hacerlo y así lo exige ante quienes escucharla. Y la verdad es que no le hacen mucho caso.  

Aladdín es el que busca el amor 

A pesar de todas las peripecias de la película, es Aladdín el que sirve de soporte a la princesa con su lámpara mágica. ¡Y eso sin saberlo! Porque al “diamante en bruto” no le interesa el trono que no le pertenece. Su ambición va más allá y lo único que busca es el amor que no ha conocido en su vida. Cree que haciéndose rico va a conseguir aquello que anhela, pero no es así. Es su forma limpia de ver el mundo la que abre el corazón de una Jasmine que no quiere ni apariencias ni leyes absurdas. 

Sé que la película va a ser aplaudida por esto: por la liberación de una auténtica sultana de prejuicios patriarcales. Ella va a poder llevar el reino como es debido porque ha logrado desenmascarar a Jafar, el visir malvado, y ha podido ver la belleza natural del interior de Aladdín.  

Jasmine es la primera princesa contemporánea, la primera feminista, la que libera a su reino de todas las ataduras sin negar su condición femenina. 

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla 

 

 

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Hice mi Tesis Doctoral sobre Los Sueños de Akira Kurosawa. El cine es, por tanto, consustancial a este espacio. 

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¿Por qué la película Aladdín de Disney de 2019 es el nuevo paradigma feminista? 

 

Disney ha partido la pena con su nueva película que nos está enamorando a todos, especialmente a las mamás con niñas. ¿Por qué? ¿Acaso Aladdín no es una película de Disney más? La respuesta es compleja, aunque es sí y no. Es una superproducción con unos decorados espectaculares, una puesta en escena exquisita, una lectura de las Mil y una noches… Y a propósito de la obra clásica recordemos que la historia de Alibabá y los cuarenta ladrones (de la que está entresacada Aladdín) pertenece a esta obra de la literatura universal. En el libro (con miles de páginas) Sheherezade, rehén del sultán, narra cada noche una aventura distinta con el fin de entretener a su captor y obviar así una muerte segura. Y aquí tenemos la primera modificación en Disney (lo siento por el spoiler) que pone en boca del genio de la lámpara (uno de los protagonistas) la narración de esta maravillosa aventura con un final más que feliz.  

 

La transformación de las protagonistas en las últimas películas de Disney 

Bueno… el final feliz será como en todas las cintas de Disney. Vuelvo a lo mismo: sí y no. Porque la gran factoría (una máquina perfectamente engrasada para ganar dinero recordemos) se ha dado cuenta (y bastante bien) del sentir de los tiempos y esta nueva era me gusta más que la otra. ¿Por qué? Porque las protagonistas, como en los cuentos de princesas clásicos, no se quedan a esperar a que un príncipe las rescate.  

Ya son ellas mismas las que encuentran la salida a la encrucijada en la que se encuentran. La parodia se entrevía en Ralph rompe Internet por poner un caso. Y los giros del guión para adaptarlos a sentir contemporáneo se produjo en una obra totalmente distinta: Maléfica.  La maga herida que maldice a una inocente Aurora llena de ira es la misma que deshace el hechizo al transformar el veneno del odio en amor. Con el gesto, libera a la joven y se libera a ella misma de todo aquello que la obligaron ser. 

En Aladdín el giro del guión no es tan complejo como en la película interpretada por Angelina Jolie pero me gusta por el empoderamiento en el que se revisten las protagonistas. Algo semejante también puede verse en Dumbo en el que Tim Burton deja entrever que las grandes orejas del elefante más deseado fueron producto de eso mismo: del amor de su madre. El ansia de libertad hizo como una especie de reprogramación en el bebé que gestaba. Y lo que parecía algo que se volvía en contra es utilizado para liberar a todos los que forman el circo.  

El papel del malo que solo puede conseguir lo que no le pertenece con magia negra

Pero volvamos a Aladdín, la última superproducción de Disney llena de buenos efectos especiales, una puesta en escena cuidada al milímetro, un genio de la lámpara jocoso en extremo, un padre atrapado en la tradición, un protagonista masculino, una princesa y… un malo malísimo. 

Hasta aquí todo lo que cabe esperar de la narración de un cuento clásico con sus estereotipos. Si el visir está envenenado de ego y ansias de poder tal que no duda, como un psicópata, en recurrir a cualquier acto violento para conseguir sus fines, tenemos en el otro extremo a Aladdín, un diamante en bruto. Esto es, un alma pura (que puede entrar en la cueva maravillosa debido a su corazón bueno) que lo único que busca es amor. La antítesis de Aladdín es el visir Jafar que solo ansía el trono que no le pertenece. 

 

Jasmine, la princesa que lucha por su libertad y el trono que le corresponde

Porque a quién le corresponde es a Jasmine, la princesa presa (por miedo de su padre) en el palacio. Culta, rebelde, con las ideas claras y la autoestima muy alta pelea por deshacer todas las imposiciones legales que, en lugar de beneficiar a su pueblo, lo lleva de cabeza a la catástrofe. Y es así por lo absurdo de negar a la princesa el trono legítimo a no ser que lo comparta con un hombre. En definitiva, se busca fuera (como tantas veces) lo que ya está dentro. Jasmine ama a su pueblo, se interesa por él. Es una mujer culta que lee y estudia para formarse casi de forma autodidacta. A pesar de que es bella a rabiar, no quiere quedarse en ese estereotipo. Asume el rol masculino (el de la fuerza) sin renunciar a su carácter femenino. 

Es Jasmine la verdadera protagonista de la película al negarse a casarse con alguien “con quien no puede hablar” y solo es un florero. Es la mujer empoderada que no quiere (ni debe) renunciar a lo que le pertenece por ser mujer. Ella sabe que puede hacerlo y así lo exige ante quienes escucharla. Y la verdad es que no le hacen mucho caso.  

Aladdín es el que busca el amor 

A pesar de todas las peripecias de la película, es Aladdín el que sirve de soporte a la princesa con su lámpara mágica. ¡Y eso sin saberlo! Porque al “diamante en bruto” no le interesa el trono que no le pertenece. Su ambición va más allá y lo único que busca es el amor que no ha conocido en su vida. Cree que haciéndose rico va a conseguir aquello que anhela, pero no es así. Es su forma limpia de ver el mundo la que abre el corazón de una Jasmine que no quiere ni apariencias ni leyes absurdas. 

Sé que la película va a ser aplaudida por esto: por la liberación de una auténtica sultana de prejuicios patriarcales. Ella va a poder llevar el reino como es debido porque ha logrado desenmascarar a Jafar, el visir malvado, y ha podido ver la belleza natural del interior de Aladdín.  

Jasmine es la primera princesa contemporánea, la primera feminista, la que libera a su reino de todas las ataduras sin negar su condición femenina. 

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla 

 

 

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Escena 1:

[El protagonista aparece ahora en un museo de arte contemporáneo portando útiles de pintor. Contempla obras de Vincent Van Gogh realizadas en sus dos últimos años de vida (Autorretrato, Los girasoles, Campo de trigo con cuervos, La habitación de Vincent en Arlés, etc). Se queda junto a una de las versiones de El puente del Anglois (1888) para finalmente entrar en el espacio representado en este cuadro].

Kurosawa 2

Escena 2:

[El protagonista con sus útiles de pintor, se adentra en el cuadro El Puente del Anglois y se dirige hacia las mujeres que hacen la colada en la orilla].

LAVANDERA 1: ¡Ah! ¡Qué cansada estoy!

LAVANDERA 2: ¡Sí, siempre trabaja que trabaja!

LAVANDERA 3: ¡Sí, nunca!

PROTAGONISTA: Buenos días, ¿saben dónde vive el Sr. Van Gogh?

LAVANDERA 2: Si anda buscándole, acaba de cruzar el puente. Ha ido hacia allí.

PROTAGONISTA: Gracias.

LAVANDERA 2: ¡Señor, tenga cuidado! Él acaba de salir del manicomio.

LAVANDERAS: ¡Ja, ja, ja!

Kurosawa 3

Escena 3:

[El protagonista cruza el puente y se interna por diversos paisajes representados en los cuadros de Van Gogh hasta encontrar al artista en el centro de una era dibujando con energía].

PROTAGONISTA: Usted es Vincent Van Gogh, ¿verdad?

VAN GOGH: [Continúa pintando]. ¿Por qué no pinta? Este paisaje es increíble. Un paisaje que parezca una pintura no puede pintarse. Si observa, verá que toda la naturaleza tiene su encanto. Cuando veo tanta belleza me siento inmerso en ella y luego, igual que en un sueño, el paisaje se pinta por sí solo. Sí. Absorbo ese escenario natural. Lo devoro total y completamente y, cuando he terminado, el cuadro aparece ante mí acabado. Pero me es difícil retener todo eso.

PROTAGONISTA: Entonces, ¿qué hace?

VAN GOGH: ¡Ah! Trabajo. Me esclavizo. Me conduzco como una locomotora. [Continúa pintando]. He de darme prisa. El tiempo se escapa. Me queda poco tiempo para pintar.

PROTAGONISTA: ¿Se encuentra bien? Veo que está herido.

VAN GOGH: ¿Esto? [Se señala la oreja].

PINTOR: Sí.

 VAN GOGH: Ayer intentaba acabar mi autorretrato, sí. No conseguía pintar la oreja derecha, así que me la corté y la tiré […] El sol me impulsa a pintar. No puedo malgastar el tiempo hablando con usted. [Van Gogh desaparece de la vista del protagonista y éste se pone a buscarlo por unos lugares que son representaciones de ciertas obras del artista holandés hasta que lo encuentra en el espacio extratextual que originó Campo de trigo con cuervos (julio de 1890) e inmediatamente encontrarse de nuevo fuera del cuadro]. 

 

Kurosawa 5

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Hice mi Tesis Doctoral sobre Los Sueños de Akira Kurosawa. El cine es, por tanto, consustancial a este espacio. 

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Escena 1:

[El protagonista aparece ahora en un museo de arte contemporáneo portando útiles de pintor. Contempla obras de Vincent Van Gogh realizadas en sus dos últimos años de vida (Autorretrato, Los girasoles, Campo de trigo con cuervos, La habitación de Vincent en Arlés, etc). Se queda junto a una de las versiones de El puente del Anglois (1888) para finalmente entrar en el espacio representado en este cuadro].

Kurosawa 2

Escena 2:

[El protagonista con sus útiles de pintor, se adentra en el cuadro El Puente del Anglois y se dirige hacia las mujeres que hacen la colada en la orilla].

LAVANDERA 1: ¡Ah! ¡Qué cansada estoy!

LAVANDERA 2: ¡Sí, siempre trabaja que trabaja!

LAVANDERA 3: ¡Sí, nunca!

PROTAGONISTA: Buenos días, ¿saben dónde vive el Sr. Van Gogh?

LAVANDERA 2: Si anda buscándole, acaba de cruzar el puente. Ha ido hacia allí.

PROTAGONISTA: Gracias.

LAVANDERA 2: ¡Señor, tenga cuidado! Él acaba de salir del manicomio.

LAVANDERAS: ¡Ja, ja, ja!

Kurosawa 3

Escena 3:

[El protagonista cruza el puente y se interna por diversos paisajes representados en los cuadros de Van Gogh hasta encontrar al artista en el centro de una era dibujando con energía].

PROTAGONISTA: Usted es Vincent Van Gogh, ¿verdad?

VAN GOGH: [Continúa pintando]. ¿Por qué no pinta? Este paisaje es increíble. Un paisaje que parezca una pintura no puede pintarse. Si observa, verá que toda la naturaleza tiene su encanto. Cuando veo tanta belleza me siento inmerso en ella y luego, igual que en un sueño, el paisaje se pinta por sí solo. Sí. Absorbo ese escenario natural. Lo devoro total y completamente y, cuando he terminado, el cuadro aparece ante mí acabado. Pero me es difícil retener todo eso.

PROTAGONISTA: Entonces, ¿qué hace?

VAN GOGH: ¡Ah! Trabajo. Me esclavizo. Me conduzco como una locomotora. [Continúa pintando]. He de darme prisa. El tiempo se escapa. Me queda poco tiempo para pintar.

PROTAGONISTA: ¿Se encuentra bien? Veo que está herido.

VAN GOGH: ¿Esto? [Se señala la oreja].

PINTOR: Sí.

 VAN GOGH: Ayer intentaba acabar mi autorretrato, sí. No conseguía pintar la oreja derecha, así que me la corté y la tiré […] El sol me impulsa a pintar. No puedo malgastar el tiempo hablando con usted. [Van Gogh desaparece de la vista del protagonista y éste se pone a buscarlo por unos lugares que son representaciones de ciertas obras del artista holandés hasta que lo encuentra en el espacio extratextual que originó Campo de trigo con cuervos (julio de 1890) e inmediatamente encontrarse de nuevo fuera del cuadro]. 

 

Kurosawa 5

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Crítica de Maléfica protagonizada por Angelina Jolie teniendo en cuenta los sentidos simbólicos universales de la película. 

Notas básicas sobre la película Maléfica (2014) de Disney interpretada por Angelina Jolie

Como esto se va a hacer largo, voy a empezar por el punto que dictan los cánones. Y ello sin ánimo de “sentar cátedra”, que hoy solo quiero poner unas cuantas líneas sobre un tema que me apasiona y a propósito de un película de actualidad. Así que lo primero que tenemos que tener en cuenta es que la Maléfica, protagonizada por Angelina Jolie no se basa (en puridad) en el popular cuento La bella durmiente del bosque. No se puede considerar una interpretación del relato tradicional ni tampoco una versión cinematográfica de un texto literario. 

Maléfica es una obra original (con un magnífico guión de Linda Woolverton), si se puede calificar así (original) cualquier creación artística, con un hipotexto (es la palabra culta para designar la obra u obras que están detrás de otra nueva) reconocible: el recopilado por Perrault y los Hermanos Grimm en sus libros. Pero, reitero: no es una adaptación del cuento. Si has visto la película, sabrás que es así y si aún no has disfrutado de esta magnífica producción, tienes la sinopsis argumental en la Wiki, aunque no sé si eso te va a quitar las ganas de pasar por la gran pantalla. 

Dejando al margen la excelente puesta en escena, los conseguidos efectos especiales o la lectura netamente feminista (no puedo reconocer que me encanta), los creadores han desplegado en la obra una serie de símbolos universales entresacadas del inconsciente colectivo (sigo las teorías de C.G. Jung) muy interesantes. Al conocerlos y al asumirlos, la cinta adquiere otra significación y se presenta con la ambición de convertirse en un clásico. Eso el tiempo, que tiene la fea costumbre de poner a cada uno en su sitio, ya dirá. Comencemos con el análisis.

 

 

 

Los símbolos del vuelo en la película Maléfica

Sin entrar en detalles de otros sentidos espaciales o míticos de la película, el hada que interpreta Angelina Jolie se reviste con dos atributos simbólicos muy definidos: 1) unas enormes alas y 2) una visible cornamenta. Podemos añadir un tercer y cuarto sentidos simbólicos: 3) el color negro y/u oscuro de estos elementos que también se llevan a su ropa y 4) el bastón mágico. 

Anoto que el negro, según los símbolos y mitos clásicos, es el tono de la indefinición que procede al nacimiento de un orden distinto. Y, si resumimos mucho, esa es la trama de la película: la búsqueda de una nueva forma de entender el mundo. Como sucede en los mitos, y en los cuentos populares, esta realidad no llega así sin más. Siempre son necesarios luchas (a muerte) y “trabajos” de todo tipo (físicos, psicológicos y anímicos) hasta llegar a vislumbrar la verdad que lleva a la felicidad. La cobardía queda fuera de esta búsqueda. Únicamente el espíritu valiente y entregado es el único que puede conseguir ese objetivo. 

Y en eso está Maléfica. Pero, ¿no es la mala de la película? Como en la vida y en el espíritu humano (aunque es un ser mitológico), sí y no. En esencia, el hada se guía por una indestructible fortaleza y un generoso poder. Su lado oscuro (cuando su animus armonizado se deja invadir por la sombra perversa) llega cuando le arrebatan las alas. Stephan, quien ella creía amigo entregado, minado por la ambición y por la locura de una corona que no le pertenece, comete la peor de las felonías contra Maléfica: robarle sus alas dejándola débil, herida, humillada, maltrecha y dolorida. Stephan no solo es desleal hacia el hada, también se deja arrastrar por su lado oscuro al preferir la promesa de un reino (que solo puede estar envenenado porque no lo ha ganado) al triunfo del amor. 

El dolor de Maléfica es de tal magnitud que toda la sencilla bondad que en ella hay se convierte en odioso resentimiento. El hada, por tanto, olvida su poder curativo (para ella misma y para los que cuida), al perder (con un subterfugio deletéreo, recordemos) su capacidad para volar y, por tanto, se le corta la posibilidad de acercarse a la inmaterialidad del espíritu. 

 

 

 

Las alas y su simbolismo, importante para comprender la película Maléfica

“El simbolismo de las alas, de las plumas, y en consecuencia del vuelo, se manifiesta en diversas formas, que traen consigo siempre la noción general de ligereza espiritual y elevación de la tierra al cielo. […] Las alas expresarán, pues, en general una elevación hacia lo sublime, un impulso para trascender la condición humana. Constituyen el atributo más característico del ser divinizado y de su acceso a las regiones uránicas. El añadir alas a ciertas figuras transforma los símbolos. Por ejemplo, la serpiente, cuyo signo es de perversión del espíritu, se convierte, si es alada, en símbolo de espiritualización, de divinidad.”

Jean Chevalier: Diccionario de símbolos, pp 69-70

Maléfica, por tanto, se presenta como un ser revestido con una fuerte bondad y un poderoso don curativo mientras mantiene sus alas. Al serles arrebatadas (además con un subterfugio terrible), se deja arrastrar por el lado oscuro, por la sombra. En consecuencia, tanto ella como el mundo que defiende se deslizan hacia el infierno. Para el hada este nuevo emplazamiento supone la soledad del desamor más absoluto y para los habitantes del pantano (Maléfica incluida) la guerra abierta con el otro mundo. El vuelo, tal cual aparece en otras obras de arte contemporáneo, trasciende, por tanto, el nivel físico para asentarse en el espíritu. Al perder uno, se olvida el otro.

A pesar de esta pérdida, a lo largo del relato, la carga del hada se ve aliviada por la compañía, primero, de Davial, el cuervo que, en agradecimiento, entrega su libertad y, más tarde, por la risa inocente de Aurora (trasunto de la Bella Durmiente clásica). 

 

 

Los símbolos de los cuernos en los mitos y literatura clásica

Pero Maléfica es algo más (para ella misma y para el pueblo que dirige). Porque, al perder las alas, no solo se esfuma el amor sereno y desprendido sino también la frágil paz y el statu quo imperante entre los dos mundos. El hada, con más poderes que el resto de sus congéneres, a pesar de haber perdido las alas, tiene otros atributos que la dotan de una fuerza especial (física, anímica y espiritual): sus cuernos. Estos, en los mitos, actúan de un modo peculiar: como corona, revistiendo de poder y de legitimidad para guiar a quien los porta. 

“El cuerno tiene el sentido primitivo de eminencia, de elevación. Su simbolismo es el del poder. Es por otro lado, de forma general, el de los animales que lo llevan. […] Los guerreros de diversos pueblos (y especialmente galos) han llevado cascos de cuernos. El poder de los cuernos por otra parte no es solamente de orden temporal: Moisés lleva cuernos, que son rayos luminosos (así en la célebre estatua de Miguel Ángel). Simbolizan el poder espiritual que emana de su persona, en razón de sus relaciones particulares con Yahvéh.” Chevalier. Diccionario de símbolos, pp 388-389

 

Sentido simbólico del bastón, vara o báculo en Maléfica

A la cornamenta se une el bastón que Maléfica busca una vez Stephan le ha arrebatado su capacidad de vuelo. La humilde vara convertida en báculo mágico por el poder del hada, la ayuda a “caminar” (en el sentido simbólico del término), cuando se le ha negado el poder de volar. La reina, así convertida por su pueblo, sabe que necesita apoyarse en algo (para moverse por los “asuntos de la tierra”) y lo hace utilizando este bastón que contrarresta su invalidez emocional provisional y su incapacidad para volar. 

Este símbolo está plenamente arraigado en la literatura que puebla el inconsciente colectivo. Maléfica no lo lleva hasta que no se convierte en general, guardiana y protectora de su mundo. Antes no lo necesitaba puesto que era una igual entre los suyos.

“Sostén, defensa, guía, el bastón se convierte en cetro, símbolo de soberanía, poder y mando, tanto en el orden intelectual y espiritual como en la jerarquía social.”

Chevalier. Diccionario de los símbolos, pp 182 

La Princesa Aurora, símbolo de la nueva vida 

Y, termino. A pesar de tantos escudos y de tantas ayudas, Maléfica se renueva por el poder de la nueva vida, representada en una niña de nombre, nada más y nada menos, que Aurora. Ella es la luz del nuevo día y está llamada a ser la reina del nuevo orden. Pero, antes, debe ayudar a Maléfica a recuperar sus alas, a ser ella misma, a encontrarse con las aristas de su interior, a reconocer los pliegues de su espíritu y a caminar conforme los dictados de su alma. 

Esto es, la niña guía al hada hacia la recuperación de la fuerza espiritual que da la generosidad del amor entregado. Primero, simplemente, con su presencia y haciendo de bálsamo para el espíritu atormentado de Maléfica. La dulzura hace que el hada abandonada, torturada y mutilada retome aquello que siempre fue: un ser sanador esencialmente bueno. Después, al final de la película, se atreve a romper el cofre (otro símbolo poderoso) donde están encerradas las alas de Maléfica propiciando que retome su libertad. 

Entre un hecho y otro, el hada, que se nos antojaba bruja malvada, se redime de su brutalidad al aceptar su maldad hacia un ser inocente, hacia Aurora a quien maldijo nada más nacer. Al verbalizar que Aurora nada tenía que ver con los actos de su padre, el Rey Stephan, Maléfica no solo logra salvar a la princesa de su sueño eterno sino también liberarse ella misma del resentimiento destructor causado por la traición de quien creía un amigo leal. La misma hada que realizó el conjuro puede liberarlo al llevar a cabo el acto que dejaba invalidada la maldición. Es capaz de dar un beso de amor verdadero a la Princesa Aurora. 

Aurora y Maléfica, necesarias la una para la otra

La ayuda es mutua, ya que la niña, representación simbólica de la nueva vida, más limpia y buena, recordemos, había guiado a Maléfica a superar el infierno a través de su candidez y dulzura. Aunque se adivina una nueva entrega, la paz entre los dos mundos llega a través de Aurora que es coronada como Reina. Los muros no son necesarios y Maléfica utiliza su poder para derribarlos. 

Os recuerdo que Maléfica vive un infierno, pero no ha salido de su emplazamiento antropológico y no ha hecho ningún viaje. Además, se han quedado algunos cabos sueltos en la película. ¿Es libre Diaval como el resto de los habitantes del pantano? ¿A qué ha ido ese príncipe despistado? ¿Cuál es su mensaje? ¿Qué quiere ese otro reino? ¿Encontrará Maléfica la paz serena tras lidiar con sus monstruos? Todos esos hilos sin urdir (y por el éxito en taquilla) me dicen que “deben” estar pensando en una nueva entrega. Ya os contaré…

Bibliografía selecta

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Imágenes promocionales de contenido libre proporcionadas por Disney.

Por Candela Vizcaíno

Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

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Hice mi Tesis Doctoral sobre Los Sueños de Akira Kurosawa. El cine es, por tanto, consustancial a este espacio. 

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Crítica de Maléfica protagonizada por Angelina Jolie teniendo en cuenta los sentidos simbólicos universales de la película. 

Notas básicas sobre la película Maléfica (2014) de Disney interpretada por Angelina Jolie

Como esto se va a hacer largo, voy a empezar por el punto que dictan los cánones. Y ello sin ánimo de “sentar cátedra”, que hoy solo quiero poner unas cuantas líneas sobre un tema que me apasiona y a propósito de un película de actualidad. Así que lo primero que tenemos que tener en cuenta es que la Maléfica, protagonizada por Angelina Jolie no se basa (en puridad) en el popular cuento La bella durmiente del bosque. No se puede considerar una interpretación del relato tradicional ni tampoco una versión cinematográfica de un texto literario. 

Maléfica es una obra original (con un magnífico guión de Linda Woolverton), si se puede calificar así (original) cualquier creación artística, con un hipotexto (es la palabra culta para designar la obra u obras que están detrás de otra nueva) reconocible: el recopilado por Perrault y los Hermanos Grimm en sus libros. Pero, reitero: no es una adaptación del cuento. Si has visto la película, sabrás que es así y si aún no has disfrutado de esta magnífica producción, tienes la sinopsis argumental en la Wiki, aunque no sé si eso te va a quitar las ganas de pasar por la gran pantalla. 

Dejando al margen la excelente puesta en escena, los conseguidos efectos especiales o la lectura netamente feminista (no puedo reconocer que me encanta), los creadores han desplegado en la obra una serie de símbolos universales entresacadas del inconsciente colectivo (sigo las teorías de C.G. Jung) muy interesantes. Al conocerlos y al asumirlos, la cinta adquiere otra significación y se presenta con la ambición de convertirse en un clásico. Eso el tiempo, que tiene la fea costumbre de poner a cada uno en su sitio, ya dirá. Comencemos con el análisis.

 

 

 

Los símbolos del vuelo en la película Maléfica

Sin entrar en detalles de otros sentidos espaciales o míticos de la película, el hada que interpreta Angelina Jolie se reviste con dos atributos simbólicos muy definidos: 1) unas enormes alas y 2) una visible cornamenta. Podemos añadir un tercer y cuarto sentidos simbólicos: 3) el color negro y/u oscuro de estos elementos que también se llevan a su ropa y 4) el bastón mágico. 

Anoto que el negro, según los símbolos y mitos clásicos, es el tono de la indefinición que procede al nacimiento de un orden distinto. Y, si resumimos mucho, esa es la trama de la película: la búsqueda de una nueva forma de entender el mundo. Como sucede en los mitos, y en los cuentos populares, esta realidad no llega así sin más. Siempre son necesarios luchas (a muerte) y “trabajos” de todo tipo (físicos, psicológicos y anímicos) hasta llegar a vislumbrar la verdad que lleva a la felicidad. La cobardía queda fuera de esta búsqueda. Únicamente el espíritu valiente y entregado es el único que puede conseguir ese objetivo. 

Y en eso está Maléfica. Pero, ¿no es la mala de la película? Como en la vida y en el espíritu humano (aunque es un ser mitológico), sí y no. En esencia, el hada se guía por una indestructible fortaleza y un generoso poder. Su lado oscuro (cuando su animus armonizado se deja invadir por la sombra perversa) llega cuando le arrebatan las alas. Stephan, quien ella creía amigo entregado, minado por la ambición y por la locura de una corona que no le pertenece, comete la peor de las felonías contra Maléfica: robarle sus alas dejándola débil, herida, humillada, maltrecha y dolorida. Stephan no solo es desleal hacia el hada, también se deja arrastrar por su lado oscuro al preferir la promesa de un reino (que solo puede estar envenenado porque no lo ha ganado) al triunfo del amor. 

El dolor de Maléfica es de tal magnitud que toda la sencilla bondad que en ella hay se convierte en odioso resentimiento. El hada, por tanto, olvida su poder curativo (para ella misma y para los que cuida), al perder (con un subterfugio deletéreo, recordemos) su capacidad para volar y, por tanto, se le corta la posibilidad de acercarse a la inmaterialidad del espíritu. 

 

 

 

Las alas y su simbolismo, importante para comprender la película Maléfica

“El simbolismo de las alas, de las plumas, y en consecuencia del vuelo, se manifiesta en diversas formas, que traen consigo siempre la noción general de ligereza espiritual y elevación de la tierra al cielo. […] Las alas expresarán, pues, en general una elevación hacia lo sublime, un impulso para trascender la condición humana. Constituyen el atributo más característico del ser divinizado y de su acceso a las regiones uránicas. El añadir alas a ciertas figuras transforma los símbolos. Por ejemplo, la serpiente, cuyo signo es de perversión del espíritu, se convierte, si es alada, en símbolo de espiritualización, de divinidad.”

Jean Chevalier: Diccionario de símbolos, pp 69-70

Maléfica, por tanto, se presenta como un ser revestido con una fuerte bondad y un poderoso don curativo mientras mantiene sus alas. Al serles arrebatadas (además con un subterfugio terrible), se deja arrastrar por el lado oscuro, por la sombra. En consecuencia, tanto ella como el mundo que defiende se deslizan hacia el infierno. Para el hada este nuevo emplazamiento supone la soledad del desamor más absoluto y para los habitantes del pantano (Maléfica incluida) la guerra abierta con el otro mundo. El vuelo, tal cual aparece en otras obras de arte contemporáneo, trasciende, por tanto, el nivel físico para asentarse en el espíritu. Al perder uno, se olvida el otro.

A pesar de esta pérdida, a lo largo del relato, la carga del hada se ve aliviada por la compañía, primero, de Davial, el cuervo que, en agradecimiento, entrega su libertad y, más tarde, por la risa inocente de Aurora (trasunto de la Bella Durmiente clásica). 

 

 

Los símbolos de los cuernos en los mitos y literatura clásica

Pero Maléfica es algo más (para ella misma y para el pueblo que dirige). Porque, al perder las alas, no solo se esfuma el amor sereno y desprendido sino también la frágil paz y el statu quo imperante entre los dos mundos. El hada, con más poderes que el resto de sus congéneres, a pesar de haber perdido las alas, tiene otros atributos que la dotan de una fuerza especial (física, anímica y espiritual): sus cuernos. Estos, en los mitos, actúan de un modo peculiar: como corona, revistiendo de poder y de legitimidad para guiar a quien los porta. 

“El cuerno tiene el sentido primitivo de eminencia, de elevación. Su simbolismo es el del poder. Es por otro lado, de forma general, el de los animales que lo llevan. […] Los guerreros de diversos pueblos (y especialmente galos) han llevado cascos de cuernos. El poder de los cuernos por otra parte no es solamente de orden temporal: Moisés lleva cuernos, que son rayos luminosos (así en la célebre estatua de Miguel Ángel). Simbolizan el poder espiritual que emana de su persona, en razón de sus relaciones particulares con Yahvéh.” Chevalier. Diccionario de símbolos, pp 388-389

 

Sentido simbólico del bastón, vara o báculo en Maléfica

A la cornamenta se une el bastón que Maléfica busca una vez Stephan le ha arrebatado su capacidad de vuelo. La humilde vara convertida en báculo mágico por el poder del hada, la ayuda a “caminar” (en el sentido simbólico del término), cuando se le ha negado el poder de volar. La reina, así convertida por su pueblo, sabe que necesita apoyarse en algo (para moverse por los “asuntos de la tierra”) y lo hace utilizando este bastón que contrarresta su invalidez emocional provisional y su incapacidad para volar. 

Este símbolo está plenamente arraigado en la literatura que puebla el inconsciente colectivo. Maléfica no lo lleva hasta que no se convierte en general, guardiana y protectora de su mundo. Antes no lo necesitaba puesto que era una igual entre los suyos.

“Sostén, defensa, guía, el bastón se convierte en cetro, símbolo de soberanía, poder y mando, tanto en el orden intelectual y espiritual como en la jerarquía social.”

Chevalier. Diccionario de los símbolos, pp 182 

La Princesa Aurora, símbolo de la nueva vida 

Y, termino. A pesar de tantos escudos y de tantas ayudas, Maléfica se renueva por el poder de la nueva vida, representada en una niña de nombre, nada más y nada menos, que Aurora. Ella es la luz del nuevo día y está llamada a ser la reina del nuevo orden. Pero, antes, debe ayudar a Maléfica a recuperar sus alas, a ser ella misma, a encontrarse con las aristas de su interior, a reconocer los pliegues de su espíritu y a caminar conforme los dictados de su alma. 

Esto es, la niña guía al hada hacia la recuperación de la fuerza espiritual que da la generosidad del amor entregado. Primero, simplemente, con su presencia y haciendo de bálsamo para el espíritu atormentado de Maléfica. La dulzura hace que el hada abandonada, torturada y mutilada retome aquello que siempre fue: un ser sanador esencialmente bueno. Después, al final de la película, se atreve a romper el cofre (otro símbolo poderoso) donde están encerradas las alas de Maléfica propiciando que retome su libertad. 

Entre un hecho y otro, el hada, que se nos antojaba bruja malvada, se redime de su brutalidad al aceptar su maldad hacia un ser inocente, hacia Aurora a quien maldijo nada más nacer. Al verbalizar que Aurora nada tenía que ver con los actos de su padre, el Rey Stephan, Maléfica no solo logra salvar a la princesa de su sueño eterno sino también liberarse ella misma del resentimiento destructor causado por la traición de quien creía un amigo leal. La misma hada que realizó el conjuro puede liberarlo al llevar a cabo el acto que dejaba invalidada la maldición. Es capaz de dar un beso de amor verdadero a la Princesa Aurora. 

Aurora y Maléfica, necesarias la una para la otra

La ayuda es mutua, ya que la niña, representación simbólica de la nueva vida, más limpia y buena, recordemos, había guiado a Maléfica a superar el infierno a través de su candidez y dulzura. Aunque se adivina una nueva entrega, la paz entre los dos mundos llega a través de Aurora que es coronada como Reina. Los muros no son necesarios y Maléfica utiliza su poder para derribarlos. 

Os recuerdo que Maléfica vive un infierno, pero no ha salido de su emplazamiento antropológico y no ha hecho ningún viaje. Además, se han quedado algunos cabos sueltos en la película. ¿Es libre Diaval como el resto de los habitantes del pantano? ¿A qué ha ido ese príncipe despistado? ¿Cuál es su mensaje? ¿Qué quiere ese otro reino? ¿Encontrará Maléfica la paz serena tras lidiar con sus monstruos? Todos esos hilos sin urdir (y por el éxito en taquilla) me dicen que “deben” estar pensando en una nueva entrega. Ya os contaré…

Bibliografía selecta

Casseti, F. Teorías del cine. Madrid, Cátedra, 1994.

Cirlot, J.E. Diccionario de símbolos. Madrid, Siruela, 1958.

Chevalier, J. Diccionario de símbolos. Barcelona. Jerder, 2003.

Durand, G. La imaginación simbólica. Buenos Aires, Amorroutu, 1971.

Eliade, M. Imágenes y símbolos. Madrid, Taurus, 1979.

García-Noblejas, J.J. Comunicación y mundos posibles. Pamplona, Eunsa, 1996.

Gimferrer, P. Cine y literatura. Barcelona, Planeta, 1985.

Grimm, W y J. “Rosita de espino” en Cuentos de la Infancia y el Hogar, 1812.

Jung, C.G. El hombre y sus símbolos. Madrid, Aguilar, 1966.

Perrault, Ch. “La bella durmiente del bosque” en Los cuentos de Mamá Gansa, 1697

Propp, V. Morfología del cuento. Madrid, Akal, 1998.

Imágenes promocionales de contenido libre proporcionadas por Disney.

Por Candela Vizcaíno

Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

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El exorcista podría haber sido una película más de zombis o similares. No ha sido así. No es que sea una gran película es que está entre las  diez mejores del cine de todos los tiempos. Es lo que tiene el arte del bueno que con una trama más o menos común se eleva por encima de todo y todos.

Y ¿Te has preguntado alguna vez por qué da tanto miedo El exorcista? ¿Por qué había ambulancias en las puertas de algunos cines americanos? O ¿Por qué hubo infartos en su estreno? Las respuestas son múltiples y, desde luego, no está en sus efectos especiales. ¿Te atreves a adentrarte en las entrañas de El exorcista, la película de 1973 que se ha convertido en un clásico? Pues aquí te dejo cinco razones.

1.- El argumento de El exorcista muy resumido

La película nos pone ante cuatro problemáticas. La primera es la de una madre (Chris MacNeil) que ve como su hija va cambiando y volviéndose agresiva sin motivo aparente. La segunda es la de un sacerdote joven (Damien Karras) miembro de una universidad de prestigio (Georgetown) en una crisis de fe después de la muerte repentina de su madre. La tercera es la del padre  Lankester Merrin, un curtido y veterano arquéologo-exorcista que, en todo momento, sabe lo que tiene que hacer a costa de lo que sea. Y la cuarta es la de la pequeña Regan, de tan solo 12 años, quien se enfrenta, a la vez, a los cambios de la pubertad, al divorcio de los padres y a un demonio desconocido que la niña ha conjurado jugando con una güija en el sótano de casa. Su nombre es Pazuzu.  

Porque El exorcista, casi en ningún momento, nos plantea dudas. No estamos ante una crisis de histeria de una pequeña mimada que ve como su mundo se desmorona. La han visto los mejores médicos y psicólogos. Tampoco nos encontramos en un entorno más o menos desfavorecido (tanto social, económica como cultural) donde es fácil caer en la superstición o la superchería. La pequeña disfruta de una posición desahogada, de una buena educación y su madre es una mujer libre (actriz en vías de divorcio) sin un atisbo de incultura.

2.- El emplazamiento de El exorcista

Además, la mayor parte de la película (el grueso de la trama narrativa) se da en una casa, una vivienda familiar sencilla, moderna, sin rincones, sin historia… No estamos ante una trama histórica.  Es una casa corriente de un miembro de la clase media alta. Es una vivienda que podría ser la nuestra o la del vecino. La narración es contemporánea. Es el aquí y ahora. Se representa el nosotros.

El exorcista nos mete, así, de lleno (por empatía) en la vida de la pequeña Regan y las vicisitudes de su madre y los dos sacerdotes.

3.- La música, el guión y la puesta en escena de El exorcista

Aunque lo más conocido de la película El exorcista es la pequeña en pleno trance con la piel en descomposición y la cabeza dando vueltas o el vómito verde o la joven bajando la escalera en una posición imposible, el terror llega por otros motivos. Porque estos efectos especiales, a pesar de que el film es de 1973, son más o menos conocidos por el espectador contemporáneo y, por tanto, no dan esa sensación de miedo extremo que caracteriza la película. Únicamente pueden dar cierta sorpresa. Un guión bien construido (la película es una adaptación de una novela homónima de William Peter Blatty,  quien también levantó el script del film), una música perfecta y una puesta en escena con claroscuros sublime hacen que la tensión dramática vaya aumentando. La sensación de terror, por tanto, va subiendo exponencialmente.  

4.- Respuesta número 4: los personajes de El exorcista, lo mejor de la película

Cuatro son los protagonistas principales de la película. Cada uno de ellos tiene un papel (en el sentido temático de la palabra) en la trama. Son totalmente diferentes entre sí y sus personalidades están perfectamente construidas desde el minuto uno.

Además, el film comienza de manera desestructurada (aparentemente) presentando cada uno de los conflictos (los dos sacerdotes, la pequeña y su madre) de forma independiente. En unos cuantos minutos nos hacemos una composición de lugar de la problemática y el guión no se detiene en escenas vacías que nada aportan al sentido final. Ello es posible gracias a la configuración magistral de los protagonistas principales.  Comencemos con un repaso:

1.- Chris MacNeil es la madre de la pequeña poseída. Es una actriz con una posición desahogada, libre de ataduras, con buena cultura y mejor estatus social (recordemos la escena del salón y la alfombra). Está en vías de divorcio, pero no parece que su mundo se esté desmoronando por ello. Es una mujer estable emocional, psíquica, social, cultural, económica y socialmente. Nada hace prever que tenga que recurrir a una práctica estigmatizada por la élite a la que pertenece para salvar a su única hija. Ella es la conductora, la que hila la trama entre todos los demás. Hace, en ese sentido, su papel de madre clásica. Ante los cambios terribles que se operan en su hija, la mujer recurre a los mejores médicos  y psiquiatras. Ve una razón (el divorcio, los cambios, la rabia de la edad…) en ellos. En ningún momento se le ocurre que puede estar poseída. Es una mujer racional que recurre al exorcismo no como fin último sino para convencer a la pequeña de que los curas van a liberarla de su demonio. Esto es, busca una terapia psicológica. Es decir, los llama como un método racional de persuasión no como fin último. La instigadora primero del exorcismo, por tanto, no cree en eso. Es más, confiesa, incluso, que no profesa fe alguna.

2.- Sin embargo, el Padre Lankester Merrin es un curtido y veterano arqueólogo con experiencias en exorcismos sin ningún resquicio en sus creencias. Viejo, cansado y enfermo, sabe en lo que cree. Sabe lo que es (un sacerdote con una misión evangelista y salvadora) y sabe a qué se enfrenta. Lo hace todo con una convicción que alcanza el martirio casi. Reconoce que está enfermo y que el ritual puede acabar con él. Sin embargo, no tiene miedo. Si lo tuviera dejaría de ser lo que es. Su fe es inquebrantable y no teme al más allá. En ningún momento pone en duda su misión: ayudar a la pequeña a expulsar el espíritu del demonio.

3.- De distinto tenor es el espíritu del joven sacerdote  Damien Karras, el exorcista de la película. Ante una crisis de fe motivada por la enfermedad y muerte de su madre, el cura comienza a hacerse cargo del ritual sin apenas convicción. Lo aterrador llega cuando el clérigo empieza a ser consciente de la posesión por métodos científicos. Se topa, por ejemplo, con el nombre del padre Merrin por una grabación y hasta que no oye la voz de su madre recién muerta cree que el origen del problema es psicológico. Karras se arrodilla y comienza a rezar. Es entonces cuando entiende el problema y, igual que su compañero, lleva su misión hacia el martirio. La pequeña es la que tiene que ser salvada y las vidas de los dos hombres son consideradas por ellos mismos como prescindibles. Sin patetismo alguno. De ahí la grandeza y de ahí también el terror. Porque ante el mal no se puede dudar. Ante el más allá la vida terrenal (para un sacerdote) puede quedar al margen. De eso hablo más adelante.

4.- Y por último nos encontramos con la pequeña Regan-Pazuzu. El uno sin el otro no puede concebirse. La niña es la inocencia y la bondad. El demonio es su contrario.  Regan pone el cuerpo carnal. Pazuzu se apodera de él y el espíritu diabólico se hace fuerte. Conforme avanza la película, los poderes del diablo son más fuertes. La niña es anulada. Al principio es consciente de lo que ocurre. Pide ayuda. Grita. Tiene miedo. Cuando el exorcismo comienza, la posesión es completa. Ya no es ella. El tiempo apremia. De eso son conscientes los dos sacerdotes de El exorcista. Por eso no dudan en dar su vida para liberar a la pequeña y para recluir el espíritu maligno evitando males mayores.

5.- ¿Por qué da tanto miedo El exorcista? Respuesta número 5: la temática

El exorcista nos pone ante la pantalla las tres grandes dilemas del ser humano: 1) el más allá frente al acá o la vida espiritual tras la muerte física, 2) el bien en pugna contra el mal y 3) la verdad frente a la mentira. Y a los tres les da respuesta. En la película, como hemos repasado, no hay lugar a dudas. La pequeña no tiene ningún problema físico o psicológico causado  por el estrés o el trauma de los cambios. El mal existe, el domonio está aquí acechando. Por tanto, la existencia tras el fin terrenal es posible. Y todo ello es verdad absoluta. La pequeña Regan no tiene un problema psicológico. No hay sueños que interpretar, dando lugar a dudas o vacilaciones. No hay hechos más o menos dudosos. Hay una verdad absoluta en ella. Está poseída. El ser humano miente y se miente pero en contra de él mismo. Por eso El exorcista, a pesar de ser una película encuadrada en el género de terror  y de su final tan trágico, da un mensaje positivo que tanto gusta y necesita el individuo contemporáneo. Nos pone ante la existencia de un más allá con un espacio para el bien y otro para el mal. Nosotros decidimos en qué lugar nos vamos a quedar.

Si el mal, encarnado en ese diablo que posee, existe también es verdad la rendición por la bondad, el amor y la gracia de Dios. Y yo ahora podría terminar el artículo, pero como nos gusta tanto la película, te voy a dejar aquí el tráiler oficial por si te atreves una vez más con El exorcista.

Por Candela Vizcaíno

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Hice mi Tesis Doctoral sobre Los Sueños de Akira Kurosawa. El cine es, por tanto, consustancial a este espacio. 

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El exorcista podría haber sido una película más de zombis o similares. No ha sido así. No es que sea una gran película es que está entre las  diez mejores del cine de todos los tiempos. Es lo que tiene el arte del bueno que con una trama más o menos común se eleva por encima de todo y todos.

Y ¿Te has preguntado alguna vez por qué da tanto miedo El exorcista? ¿Por qué había ambulancias en las puertas de algunos cines americanos? O ¿Por qué hubo infartos en su estreno? Las respuestas son múltiples y, desde luego, no está en sus efectos especiales. ¿Te atreves a adentrarte en las entrañas de El exorcista, la película de 1973 que se ha convertido en un clásico? Pues aquí te dejo cinco razones.

1.- El argumento de El exorcista muy resumido

La película nos pone ante cuatro problemáticas. La primera es la de una madre (Chris MacNeil) que ve como su hija va cambiando y volviéndose agresiva sin motivo aparente. La segunda es la de un sacerdote joven (Damien Karras) miembro de una universidad de prestigio (Georgetown) en una crisis de fe después de la muerte repentina de su madre. La tercera es la del padre  Lankester Merrin, un curtido y veterano arquéologo-exorcista que, en todo momento, sabe lo que tiene que hacer a costa de lo que sea. Y la cuarta es la de la pequeña Regan, de tan solo 12 años, quien se enfrenta, a la vez, a los cambios de la pubertad, al divorcio de los padres y a un demonio desconocido que la niña ha conjurado jugando con una güija en el sótano de casa. Su nombre es Pazuzu.  

Porque El exorcista, casi en ningún momento, nos plantea dudas. No estamos ante una crisis de histeria de una pequeña mimada que ve como su mundo se desmorona. La han visto los mejores médicos y psicólogos. Tampoco nos encontramos en un entorno más o menos desfavorecido (tanto social, económica como cultural) donde es fácil caer en la superstición o la superchería. La pequeña disfruta de una posición desahogada, de una buena educación y su madre es una mujer libre (actriz en vías de divorcio) sin un atisbo de incultura.

2.- El emplazamiento de El exorcista

Además, la mayor parte de la película (el grueso de la trama narrativa) se da en una casa, una vivienda familiar sencilla, moderna, sin rincones, sin historia… No estamos ante una trama histórica.  Es una casa corriente de un miembro de la clase media alta. Es una vivienda que podría ser la nuestra o la del vecino. La narración es contemporánea. Es el aquí y ahora. Se representa el nosotros.

El exorcista nos mete, así, de lleno (por empatía) en la vida de la pequeña Regan y las vicisitudes de su madre y los dos sacerdotes.

3.- La música, el guión y la puesta en escena de El exorcista

Aunque lo más conocido de la película El exorcista es la pequeña en pleno trance con la piel en descomposición y la cabeza dando vueltas o el vómito verde o la joven bajando la escalera en una posición imposible, el terror llega por otros motivos. Porque estos efectos especiales, a pesar de que el film es de 1973, son más o menos conocidos por el espectador contemporáneo y, por tanto, no dan esa sensación de miedo extremo que caracteriza la película. Únicamente pueden dar cierta sorpresa. Un guión bien construido (la película es una adaptación de una novela homónima de William Peter Blatty,  quien también levantó el script del film), una música perfecta y una puesta en escena con claroscuros sublime hacen que la tensión dramática vaya aumentando. La sensación de terror, por tanto, va subiendo exponencialmente.  

4.- Respuesta número 4: los personajes de El exorcista, lo mejor de la película

Cuatro son los protagonistas principales de la película. Cada uno de ellos tiene un papel (en el sentido temático de la palabra) en la trama. Son totalmente diferentes entre sí y sus personalidades están perfectamente construidas desde el minuto uno.

Además, el film comienza de manera desestructurada (aparentemente) presentando cada uno de los conflictos (los dos sacerdotes, la pequeña y su madre) de forma independiente. En unos cuantos minutos nos hacemos una composición de lugar de la problemática y el guión no se detiene en escenas vacías que nada aportan al sentido final. Ello es posible gracias a la configuración magistral de los protagonistas principales.  Comencemos con un repaso:

1.- Chris MacNeil es la madre de la pequeña poseída. Es una actriz con una posición desahogada, libre de ataduras, con buena cultura y mejor estatus social (recordemos la escena del salón y la alfombra). Está en vías de divorcio, pero no parece que su mundo se esté desmoronando por ello. Es una mujer estable emocional, psíquica, social, cultural, económica y socialmente. Nada hace prever que tenga que recurrir a una práctica estigmatizada por la élite a la que pertenece para salvar a su única hija. Ella es la conductora, la que hila la trama entre todos los demás. Hace, en ese sentido, su papel de madre clásica. Ante los cambios terribles que se operan en su hija, la mujer recurre a los mejores médicos  y psiquiatras. Ve una razón (el divorcio, los cambios, la rabia de la edad…) en ellos. En ningún momento se le ocurre que puede estar poseída. Es una mujer racional que recurre al exorcismo no como fin último sino para convencer a la pequeña de que los curas van a liberarla de su demonio. Esto es, busca una terapia psicológica. Es decir, los llama como un método racional de persuasión no como fin último. La instigadora primero del exorcismo, por tanto, no cree en eso. Es más, confiesa, incluso, que no profesa fe alguna.

2.- Sin embargo, el Padre Lankester Merrin es un curtido y veterano arqueólogo con experiencias en exorcismos sin ningún resquicio en sus creencias. Viejo, cansado y enfermo, sabe en lo que cree. Sabe lo que es (un sacerdote con una misión evangelista y salvadora) y sabe a qué se enfrenta. Lo hace todo con una convicción que alcanza el martirio casi. Reconoce que está enfermo y que el ritual puede acabar con él. Sin embargo, no tiene miedo. Si lo tuviera dejaría de ser lo que es. Su fe es inquebrantable y no teme al más allá. En ningún momento pone en duda su misión: ayudar a la pequeña a expulsar el espíritu del demonio.

3.- De distinto tenor es el espíritu del joven sacerdote  Damien Karras, el exorcista de la película. Ante una crisis de fe motivada por la enfermedad y muerte de su madre, el cura comienza a hacerse cargo del ritual sin apenas convicción. Lo aterrador llega cuando el clérigo empieza a ser consciente de la posesión por métodos científicos. Se topa, por ejemplo, con el nombre del padre Merrin por una grabación y hasta que no oye la voz de su madre recién muerta cree que el origen del problema es psicológico. Karras se arrodilla y comienza a rezar. Es entonces cuando entiende el problema y, igual que su compañero, lleva su misión hacia el martirio. La pequeña es la que tiene que ser salvada y las vidas de los dos hombres son consideradas por ellos mismos como prescindibles. Sin patetismo alguno. De ahí la grandeza y de ahí también el terror. Porque ante el mal no se puede dudar. Ante el más allá la vida terrenal (para un sacerdote) puede quedar al margen. De eso hablo más adelante.

4.- Y por último nos encontramos con la pequeña Regan-Pazuzu. El uno sin el otro no puede concebirse. La niña es la inocencia y la bondad. El demonio es su contrario.  Regan pone el cuerpo carnal. Pazuzu se apodera de él y el espíritu diabólico se hace fuerte. Conforme avanza la película, los poderes del diablo son más fuertes. La niña es anulada. Al principio es consciente de lo que ocurre. Pide ayuda. Grita. Tiene miedo. Cuando el exorcismo comienza, la posesión es completa. Ya no es ella. El tiempo apremia. De eso son conscientes los dos sacerdotes de El exorcista. Por eso no dudan en dar su vida para liberar a la pequeña y para recluir el espíritu maligno evitando males mayores.

5.- ¿Por qué da tanto miedo El exorcista? Respuesta número 5: la temática

El exorcista nos pone ante la pantalla las tres grandes dilemas del ser humano: 1) el más allá frente al acá o la vida espiritual tras la muerte física, 2) el bien en pugna contra el mal y 3) la verdad frente a la mentira. Y a los tres les da respuesta. En la película, como hemos repasado, no hay lugar a dudas. La pequeña no tiene ningún problema físico o psicológico causado  por el estrés o el trauma de los cambios. El mal existe, el domonio está aquí acechando. Por tanto, la existencia tras el fin terrenal es posible. Y todo ello es verdad absoluta. La pequeña Regan no tiene un problema psicológico. No hay sueños que interpretar, dando lugar a dudas o vacilaciones. No hay hechos más o menos dudosos. Hay una verdad absoluta en ella. Está poseída. El ser humano miente y se miente pero en contra de él mismo. Por eso El exorcista, a pesar de ser una película encuadrada en el género de terror  y de su final tan trágico, da un mensaje positivo que tanto gusta y necesita el individuo contemporáneo. Nos pone ante la existencia de un más allá con un espacio para el bien y otro para el mal. Nosotros decidimos en qué lugar nos vamos a quedar.

Si el mal, encarnado en ese diablo que posee, existe también es verdad la rendición por la bondad, el amor y la gracia de Dios. Y yo ahora podría terminar el artículo, pero como nos gusta tanto la película, te voy a dejar aquí el tráiler oficial por si te atreves una vez más con El exorcista.

Por Candela Vizcaíno

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Buenas canciones, buena coreografía ¡Claro que sí! Y una historia de lo más convencional, pero después de Grease, la vida no fue igual para los miembros de una incipiente Generación X. Las chicas ya no querían ser modositas ni con rebequitas en los hombros. Comenzaban los ochenta y su apoteosis de colores chillones, accesorios imposibles y pelos cardados con permanente.  ¡El horror más grande en la historia de la moda! La España de La Movida y Almodóvar estaba a la vuelta de la esquina. El mundo dejaba de ser “como es debido”. Empezábamos a reinventarnos con algunos experimentos sociales que han salido desastrosos. Otros no. Otros han sido una conquista justa.  Grease es hoy un clásico pero entonces, en 1978, cuando se estrenó, fue toda una revolución entre una juventud ávida de otra “forma de expresarse”, de otra forma de sentir y vivir en el mundo.

Que desvarío ¡Puede! Pero lo de Grease, la película (que el musical, a pesar de ser anterior, de 1972 para ser exactos, aquí en España no tuvo mucho tirón) casi no tiene ni explicación. O la tiene toda. Porque el film arrasó entre una generación, la llamada X, esto es la  que hoy rondamos entre los 45 y 55 (aunque también son X los que al día de hoy, 2016, andan por los 35) sin estar ambientada en ese época. No nos perdamos que la peli es de finales de los setenta. Venga… que me estoy liando. Vamos a desenredarnos un poco poniendo orden en esto.

Grease, la película que transformó los modos de la generación X

Grease tiene un argumento de lo más normal: la historia de amor de unos adolescentes (el ambiente es de instituto, no te olvides), en apariencia, distintos entre sí. Pandillas, carreras de coches (con unos modelos que quitan el sentido), tipos que tienen que hacerse el duro, chicas modositas, otras chicas que no lo son tanto y van de liberales, apariencias juveniles de por medio de cara a la galería, iniciación al sexo con torpeza… vamos lo de siempre y más en aquella época. Y en España todo eso de las chicas inocentonas enamoradas de tipos duros (en apariencia) llegó hasta casi los 90. Hoy no, hoy con los millenials en la calle imponiendo sus ritmos, todo eso ha cambiado mucho. Vamos si ha cambiado.

Pero en aquella época de pueblo con cine de verano o de barrio de ciudad de provincia en la que no existía el low cost en los vuelos baratos ni Booking con sus ofertas, el ocio daba para poco. O para mucho. Que se hacía uso de la imaginación.  La modernidad aún no había llegado a España y los roles de la generación del Baby boom (los que tienen entre 60 y 75 ahora) aún se imponían. Las chicas guardaban su virginidad, se enamoraban localmente sin haber saboreado un solo beso, iban pudorosamente vestidas y rara vez imponían su criterio fuera del ámbito doméstico. Porque todo era muy doméstico, extremadamente doméstico. Todo se tenía que hacer de puertas para dentro. De puertas para fuera no nos atrevíamos a llevar esos leggins negros brillantes con tacón rojo. Hasta que llegó la Sandy de Grease y ahora es fondo de armario de cuarentañeras de cualquier talla.

Sandy se transforma desde el look y modos de los años cincuenta hasta formas “más contemporáneas”. Y los modos de vestir ¡ojo! siempre indican una cosmovisión, un sentir y un estar en el mundo. A Danny le pasa lo mismo: de tipo duro que tiene que dar una imagen ante el grupo social (una pandilla un poco imbécil por cierto), de repente, lo vemos hecho todo un metrosexual sensible y con estilismo muy cuidado. Grease, la película, recordemos, fue, en este sentido una adelantada a su tiempo.  La transformación de los protagonistas era la deseada, ansiada y sentida por la juventud de entonces o por los que íbamos inmediatamente detrás. Grease nos indicó el camino. A las chicas el de los leggings y a los chicos el de la depilación y la alta sensibilidad al modo femenino.

¡Con una banda sonora y coreografía de aúpa! ¿Qué más se puede pedir a una película? Poco más. Por eso fue un éxito de taquilla. Por eso se ha convertido en un clásico.

Argumento de Grease, la película protagonizada por John Travolta y Olivia Newton John

La trama es bien sencilla y tiene su hipotexto (perdón por la palabra culta) en West Side Story, inspirada, a su vez en, nada más que en Romeo y Julieta de Shakespeare. Te digo, por si te está entrando la ansiedad con la palabra, que el hipotexto es la película, libro, cuadro, hecho o acontecimiento en el que se inspira otra obra de arte. Que todo lo nuevo que hay bajo el sol es, sencillamente, una transformación.

Sandy (Olivia Newton John) y Danny (John Travolta) son adolescentes que han tenido un corto contacto (todo muy limpio, muy espiritual, anímico sin besos y sin nada más) durante el verano. Ambos creen que la separación es definitiva porque ella debe cambiar de país. ¡Qué va! Porque a última hora los planes cambian y la chica comienza a estudiar en el instituto Rydell. Precisamente aquí también está escolarizado (que estudiar parece que hace poco), Danny Zuco, el amor veraniego de una inocente Sandy.

El chico pertenece a una banda de supuestos tipos duros pero que lo único que hacen es fardar de conquistas sexuales no culminadas y organizar carreras de coches ilegales. Propio de la época y el lugar, el deporte ocupa un lugar preeminente y también los bailes orquestados por el colegio.  La chica, Sandy Olson, es aparentemente vulnerable, dulce y un poco sumisa. Hay enredos propios de esta trama con los primeros encuentros sexuales entre los distintos miembros del grupo (amigas de Sandy con amigos de Danny que nos estamos perdiendo),  mosqueos propios de adolescentes y muchos malentendidos, muchísimos. Para mi gusto demasiados, que no sé cómo se enamoran estos chicos con tantas peleas de por medio.

Es como si los protagonistas estuvieran enredándose en un mundo que nos le pertenece. Tienen que hacer los que se les piden o se espera pero no acaban de encontrar su lugar en el mundo. Esto se acaba con la conversión de él a metrosexual sin tener que demostrar su machismo ante sus compañeros. Y de una modosita Sandy de rebeca en los hombros nos encontramos a toda una mujer del siglo XXI tomando la iniciativa con leggins negros. Insisto en la prenda porque fue un hito, un antes y un después. No me estoy grillando. Y todo ello entre canción y canción, entre coreografía y coreografía de una calidad magnífica. Que nos olvidamos que la película Grease  se estrenó y se realizó después del musical homónimo. Que el film se rodó sencillamente porque la versión teatral estaba triunfando en Broadway. Y había que aprovechar el tirón entre los que no podíamos viajar a la Ciudad de los Rascacielos. Recordemos que los vuelos low cost y Facebook aún no existían.

Grease, la película que forma parte de toda una generación

Y ¿Cómo no iba a triunfar? Si ese fue el cambio operado por toda una generación, la X, que nos perdemos precisamente por aquellos años. Los modelos impuestos por los protagonistas fueron luego copiados hasta la exageración. Los pelos con permanente y cardados afortunadamente se han olvidado, pero los leggins se han quedado en el fondo de armario creo que casi para siempre. El porcentaje de chicas modositas que quieren ser princesas se ha reducido drásticamente y, aunque el joven que farda ante los amigos sigue existiendo, también tenemos los sensibles que no tienen pudor en proclamarlo en las redes sociales.

La Generación X, esa que ha visto transformarse el mundo desde los modos del “como es debido” de los bloomers hasta el estallido de las redes sociales y de las apps para móviles que tan bien manejan los millenials, se refleja en Grease. Tanto que no hay función escolar sobre lo que sea que no se represente un número con alguno de sus temas. Normal. Los que ahora tenemos niños pequeños queremos darle a conocer “nuestra película”.

Por Candela Vizcaíno

 

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Hice mi Tesis Doctoral sobre Los Sueños de Akira Kurosawa. El cine es, por tanto, consustancial a este espacio. 

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Buenas canciones, buena coreografía ¡Claro que sí! Y una historia de lo más convencional, pero después de Grease, la vida no fue igual para los miembros de una incipiente Generación X. Las chicas ya no querían ser modositas ni con rebequitas en los hombros. Comenzaban los ochenta y su apoteosis de colores chillones, accesorios imposibles y pelos cardados con permanente.  ¡El horror más grande en la historia de la moda! La España de La Movida y Almodóvar estaba a la vuelta de la esquina. El mundo dejaba de ser “como es debido”. Empezábamos a reinventarnos con algunos experimentos sociales que han salido desastrosos. Otros no. Otros han sido una conquista justa.  Grease es hoy un clásico pero entonces, en 1978, cuando se estrenó, fue toda una revolución entre una juventud ávida de otra “forma de expresarse”, de otra forma de sentir y vivir en el mundo.

Que desvarío ¡Puede! Pero lo de Grease, la película (que el musical, a pesar de ser anterior, de 1972 para ser exactos, aquí en España no tuvo mucho tirón) casi no tiene ni explicación. O la tiene toda. Porque el film arrasó entre una generación, la llamada X, esto es la  que hoy rondamos entre los 45 y 55 (aunque también son X los que al día de hoy, 2016, andan por los 35) sin estar ambientada en ese época. No nos perdamos que la peli es de finales de los setenta. Venga… que me estoy liando. Vamos a desenredarnos un poco poniendo orden en esto.

Grease, la película que transformó los modos de la generación X

Grease tiene un argumento de lo más normal: la historia de amor de unos adolescentes (el ambiente es de instituto, no te olvides), en apariencia, distintos entre sí. Pandillas, carreras de coches (con unos modelos que quitan el sentido), tipos que tienen que hacerse el duro, chicas modositas, otras chicas que no lo son tanto y van de liberales, apariencias juveniles de por medio de cara a la galería, iniciación al sexo con torpeza… vamos lo de siempre y más en aquella época. Y en España todo eso de las chicas inocentonas enamoradas de tipos duros (en apariencia) llegó hasta casi los 90. Hoy no, hoy con los millenials en la calle imponiendo sus ritmos, todo eso ha cambiado mucho. Vamos si ha cambiado.

Pero en aquella época de pueblo con cine de verano o de barrio de ciudad de provincia en la que no existía el low cost en los vuelos baratos ni Booking con sus ofertas, el ocio daba para poco. O para mucho. Que se hacía uso de la imaginación.  La modernidad aún no había llegado a España y los roles de la generación del Baby boom (los que tienen entre 60 y 75 ahora) aún se imponían. Las chicas guardaban su virginidad, se enamoraban localmente sin haber saboreado un solo beso, iban pudorosamente vestidas y rara vez imponían su criterio fuera del ámbito doméstico. Porque todo era muy doméstico, extremadamente doméstico. Todo se tenía que hacer de puertas para dentro. De puertas para fuera no nos atrevíamos a llevar esos leggins negros brillantes con tacón rojo. Hasta que llegó la Sandy de Grease y ahora es fondo de armario de cuarentañeras de cualquier talla.

Sandy se transforma desde el look y modos de los años cincuenta hasta formas “más contemporáneas”. Y los modos de vestir ¡ojo! siempre indican una cosmovisión, un sentir y un estar en el mundo. A Danny le pasa lo mismo: de tipo duro que tiene que dar una imagen ante el grupo social (una pandilla un poco imbécil por cierto), de repente, lo vemos hecho todo un metrosexual sensible y con estilismo muy cuidado. Grease, la película, recordemos, fue, en este sentido una adelantada a su tiempo.  La transformación de los protagonistas era la deseada, ansiada y sentida por la juventud de entonces o por los que íbamos inmediatamente detrás. Grease nos indicó el camino. A las chicas el de los leggings y a los chicos el de la depilación y la alta sensibilidad al modo femenino.

¡Con una banda sonora y coreografía de aúpa! ¿Qué más se puede pedir a una película? Poco más. Por eso fue un éxito de taquilla. Por eso se ha convertido en un clásico.

Argumento de Grease, la película protagonizada por John Travolta y Olivia Newton John

La trama es bien sencilla y tiene su hipotexto (perdón por la palabra culta) en West Side Story, inspirada, a su vez en, nada más que en Romeo y Julieta de Shakespeare. Te digo, por si te está entrando la ansiedad con la palabra, que el hipotexto es la película, libro, cuadro, hecho o acontecimiento en el que se inspira otra obra de arte. Que todo lo nuevo que hay bajo el sol es, sencillamente, una transformación.

Sandy (Olivia Newton John) y Danny (John Travolta) son adolescentes que han tenido un corto contacto (todo muy limpio, muy espiritual, anímico sin besos y sin nada más) durante el verano. Ambos creen que la separación es definitiva porque ella debe cambiar de país. ¡Qué va! Porque a última hora los planes cambian y la chica comienza a estudiar en el instituto Rydell. Precisamente aquí también está escolarizado (que estudiar parece que hace poco), Danny Zuco, el amor veraniego de una inocente Sandy.

El chico pertenece a una banda de supuestos tipos duros pero que lo único que hacen es fardar de conquistas sexuales no culminadas y organizar carreras de coches ilegales. Propio de la época y el lugar, el deporte ocupa un lugar preeminente y también los bailes orquestados por el colegio.  La chica, Sandy Olson, es aparentemente vulnerable, dulce y un poco sumisa. Hay enredos propios de esta trama con los primeros encuentros sexuales entre los distintos miembros del grupo (amigas de Sandy con amigos de Danny que nos estamos perdiendo),  mosqueos propios de adolescentes y muchos malentendidos, muchísimos. Para mi gusto demasiados, que no sé cómo se enamoran estos chicos con tantas peleas de por medio.

Es como si los protagonistas estuvieran enredándose en un mundo que nos le pertenece. Tienen que hacer los que se les piden o se espera pero no acaban de encontrar su lugar en el mundo. Esto se acaba con la conversión de él a metrosexual sin tener que demostrar su machismo ante sus compañeros. Y de una modosita Sandy de rebeca en los hombros nos encontramos a toda una mujer del siglo XXI tomando la iniciativa con leggins negros. Insisto en la prenda porque fue un hito, un antes y un después. No me estoy grillando. Y todo ello entre canción y canción, entre coreografía y coreografía de una calidad magnífica. Que nos olvidamos que la película Grease  se estrenó y se realizó después del musical homónimo. Que el film se rodó sencillamente porque la versión teatral estaba triunfando en Broadway. Y había que aprovechar el tirón entre los que no podíamos viajar a la Ciudad de los Rascacielos. Recordemos que los vuelos low cost y Facebook aún no existían.

Grease, la película que forma parte de toda una generación

Y ¿Cómo no iba a triunfar? Si ese fue el cambio operado por toda una generación, la X, que nos perdemos precisamente por aquellos años. Los modelos impuestos por los protagonistas fueron luego copiados hasta la exageración. Los pelos con permanente y cardados afortunadamente se han olvidado, pero los leggins se han quedado en el fondo de armario creo que casi para siempre. El porcentaje de chicas modositas que quieren ser princesas se ha reducido drásticamente y, aunque el joven que farda ante los amigos sigue existiendo, también tenemos los sensibles que no tienen pudor en proclamarlo en las redes sociales.

La Generación X, esa que ha visto transformarse el mundo desde los modos del “como es debido” de los bloomers hasta el estallido de las redes sociales y de las apps para móviles que tan bien manejan los millenials, se refleja en Grease. Tanto que no hay función escolar sobre lo que sea que no se represente un número con alguno de sus temas. Normal. Los que ahora tenemos niños pequeños queremos darle a conocer “nuestra película”.

Por Candela Vizcaíno

 

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El director japonés Akira Kurosawa (Tokio-1910-188) es un imprescindible de la gran pantalla con obras dispares que lo mismo reflejan la tradición nipona que  adapta clásicos de la literatura universal.

Me las he visto todas porque tenía que hacerlo y es una de las cosas más placenteras y fructíferas que he hecho en mi vida: adentrarme en el estudio de la cinematografía de Akira Kurosawa. Lo hice para desarrollar mi Tesis Doctoral sobre Los sueños y, como decir que aquello supuso un antes y un después queda un poco manido, hoy te traigo esta lista con mis 10 películas favoritas del maestro japonés. Desde ya te digo que no te puedes perder ni una. Vas a disfrutar sí o sí.

1.- Rashomon (1950), ganadora del León de Venecia

Nadie conocía a Akira Kurosawa cuando en 1951 se alzó con la estatuilla del león dorado en el Festival de Cine de Venecia. La cinta era (y sigue siéndolo) rara como ella sola, rompedora para su tiempo y actual en este comienzo del siglo XXI. Narra cuatro versiones distintas de un hecho acaecido en un bosque: el asesinato de un samurái y posterior violación de su esposa. Tenemos cuatro voces distintas: la de un mendigo, la de la víctima femenina ultrajada,  la del fantasma del noble y la confesión de un leñador. Cada uno cuenta los hechos a su manera, como mejor le va justificándose, a la par, de las acusaciones.  Rashomon es un ejemplo temprano del pensamiento nihilista y desestructurado (aunque ordenado) que invadiría el arte posterior. La verdad no existe porque todos los protagonistas ocultan algo, se esconden, manipulan o mienten. Aparte de las innovaciones técnicas (para la época), Akira Kurosawa en esta cinta se vale de símbolos del inconsciente colectivo (el agua, la lluvia, el bosque o el sol) para levantar el film. Con ello contribuye a hacer una auténtica obra maestra.

2.- Vivir (1952) y el canto al Carpe Diem

Vivir es una oda a los instantes, a la importancia de la percepción, a lo fundamental que es “ese darse cuenta” que vive en la poesía nipona (en el haiku por poner un ejemplo). Vivir es una llamada de atención al espectador y le recuerda, a la par, que las horas pasan y se malgastan casi por nada. Un anciano enfermo y solo es el protagonista de la película. Al final de sus días se da cuenta del error de su existencia confinado entre cuatro paredes y entregado en cuerpo y alma a un empleo alienante. El protagonista asiste a una revelación, a un despertar, a un darse cuenta que se simboliza en la canción que entona (en un parque infantil) al cierre de la película. Te la dejo aquí.  

La vida es tan corta,

enamórate, muchacha querida,

mientras tus labios son rojos

y antes de que tengas frío

pues no habrá mañana.

La vida es tan corta,

enamórate, muchacha querida,

mientras tu pelo sea aún negro,

y antes de que tu corazón se marchite,

pues el día de hoy no volverá.

3.- Los siete samuráis (1954), la película más famosa de Akira Kurosawa

Brutalidad y crudeza en una película ambientada en el siglo XVI en el apogeo de las guerras civiles niponas. La temática es extremadamente sencilla. Un pueblo, acosado por bandidos, contrata a un grupo de siete ronin (que no samuráis) para que los defienda de los constantes ataques. Estos señores libres (que no pertenecían, como los samuráis, al ejército de un señor) entrenan a los campesinos para que puedan defenderse. La aventura, aderezada con el particular código de honor de estos temerarios guerreros, está, por tanto, servida.

4.- El trono de sangre (1957), una sublime lectura del Macbeth de Shakespeare

También traducida como El Castillo de la Tela de Araña, no es una adaptación cualquiera de la obra teatral isabelina conocida por todos. Aquí nos encontramos elementos del drama tradicional nipón conocido como Nô, a la par que el mismo Akira Kurosawa reconoce que se quedo prendado de la versión realizada por Orson Welles. Eso no quita para que el Macbeth del japonés sea una obra única donde los simbolismos originarios de la obra han sido llevados a la apoteosis artística. Lo siento, pero no te puedes morir sin verla.

5.- La fortaleza escondida (1958), una película deliciosa de aventuras

Que inspiró a Georges Lucas, nada más y nada menos, que para La Guerra de las Galaxias. Los campesinos protagonistas del film fueron la inspiración para los robots C-3P0 y R2-D2. Así que los innumerables fans de la saga no pueden dejar de ver este film que narra los avatares de una princesa por recuperar su trono y la ayuda que recibe de un avispado samurái. Es un jidai-gekki (una película japonesa ambientada a las tradiciones del pasado) con un fuerte simbolismo, tal como gustaba a Akira Kurosawa.

6.- Barbarroja (1965), el clásico por excelencia en Japón

Fue premiada en España, en el Festival de Cine de Valladolid, donde recibió la Espiga de Oro en 1967 por su profunda mensaje ético. Y en Japón es considerada una obra de culto y una referencia nacional. La película cuenta las aventuras de un médico recién licenciado que solo encuentra pacientes en los bajos fondos. Allí se tambaleará el espíritu positivo y hasta cándido del joven doctor al asistir a la particular bajada a los infiernos de las personas desahuciadas a las que asiste. Barbarroja pone de manifiesto el arriba y el abajo y no solo en el plano social. También se detiene en el espíritu, en esos seres que se empeñan en ser los peores enemigos de sí mismos.

7.- Dersu Uzala (1975), la película rusa de un director japonés

No encontró financiación en su país y se fue a buscarla a la Unión Soviética. Allí le ofrecieron el capital y los medios para realizar esta obra de tintes épicos. Y, en uno de esos avatares de la historia, con ella ganó, nada más y nada menos, que un Óscar. Fue a la mejor película extranjera… Unión Soviética (el país que puso los dineros) y no Japón. Dersu Uzala es un mongol acostumbrado a los rigores de la taiga, de carácter sencillo, afable y también con una particular visión del mundo. Conocedor del medio que le rodea, no puede dejarlo aunque éste le traiga la muerte. En su tierra sabe vivir y es allí donde regresa para acabar sus días. La película, de una belleza visual extrema, tiene como hilo conductor los demonios que atemorizan al hombre y de los que no es posible escapar.  Para el público de habla española (tanto en España como en América), Dersu Uzala es un film muy apreciado. 

8.- Kagemusha (1980), o la imposibilidad del doble

Para mí es una de las más interesantes (advierto que ha sido considerada rara por la crítica) por la temática que plantea: el doble, el otro, el usurpador. Un kagemusha, en Japón, es un doble al servicio de un poderoso. Es una persona dispuesta (u obligada) a morir por otro. Es alguien que se presenta en público para evitar que un personaje importante, odiado o conocido sufra daños. Parece que esto también se hace hoy en día entre políticos o estrellas de Hollywood. El kagemusha de Kurosawa es un condenado a muerte por un delito de sangre. Es lo único que sabemos de él. Aunque no tiene opciones porque su vida se ha acabado, él se empeña en vivir de una forma particular. Porque este doble no se conforma con poner su cuerpo para salvar el del otro sino que va asumiendo la personalidad del “original”. Quiere, en definitiva, ser el otro. Desecha su vida (la cual dejó en un patíbulo recordemos) para empezar siendo alguien radicalmente distinto. Necesita fagocitar al otro para ser él mismo, para poder seguir respirando. Creo que  la originalidad y la profundidad de esta idea ya merecen que nos acerquemos a la obra con cierta curiosidad. Para mí es una de mis favoritas.

 

9.- Ran (1985), la mejor adaptación de El Rey Lear del cine de todos los tiempos

Y sí lo afirmo así rotunda y llanamente porque Ran (Caos en japonés) es sencillamente insuperable, tanto como en lo que se refiere a su puesta en escena como por las transmutaciones (cambios en el lenguaje culto, con perdón) que realiza. Este particular Rey Lear japonés no tiene hijos. Tiene hijas y yernos que se matan en batallas cruentas y dolorosas. En Ran nada es baladí y todo tiene un sentido, desde el color de las ropas hasta las banderas pasando por los significados de los sueños. Por poner solo un ejemplo, las imágenes del castillo en llamas ante un anciano, derrotado, solo, enfermo, desvalido pertenece ya a la historia del arte (y no solo cinematográfico) universal. Ran debería formar parte no solo del acervo personal  y cultural de todo cinéfilo de pro sino que sería interesante, al menos, estudiarse en la asignatura Historia del Arte del colegio. Y no solo por su realización cinematográfica sino también por los símbolos y la temática universal que trata.

10.- Los sueños de Akira Kurosawa (1990) la película más japonesa de Akira Kurosawa

Es la más incomprendida y la que centró mi Tesis Doctoral. Los sueños o Yume está dividida en ocho fragmentos, en apariencia, sin relación, pero que en esencia narra, en clave psicológica, el desarrollo anímico y consecución del sí mismo (el termino de Carl Gustav Jung para la realización personal) de Akira Kurosawa. En definitiva, es una obra autobiográfica en clave psicológica. Comienza con un baile muy particular, el de los zorros (Kitsuné en japonés) que confunden pero que, a la vez, nos invitan a salir de casa, del espacio antropológico, de la zona de confort. En Los sueños de Akira Kurosawa asistimos a un Hinamatsuri (la fiesta de las niñas que se celebra cada 3 de marzo) con toda su puesta en escena colorida y elegante. Por aquí se pasea un Van Gogh que insta a atrapar el momento, a vivir por el arte, a disfrutar de la belleza del Luberon.

En la película hay, también, ejércitos de fantasmas que hablan de los horrores de la guerra y que nos obligan a indagar en nuestra verdad interior. En ella vemos, además, ogros japoneses (onis de cuernos retorcidos) que nos bajan al inframundo donde se sabe la verdad. Y  termina con un funeral colorido, alegre y cantado en una aldea idílica. 

Y todo ello porque, al final de la vida, si se ha cumplido con bondad y buen hacer, nuestra misión en el mundo no hay que despedirse con lágrimas. Más bien hay que estar felices porque la existencia (a pesar de sus luces y sombras) ha sido provechosa para uno mismo y los de alrededor.

Por Candela Vizcaíno

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Hice mi Tesis Doctoral sobre Los Sueños de Akira Kurosawa. El cine es, por tanto, consustancial a este espacio. 

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El director japonés Akira Kurosawa (Tokio-1910-188) es un imprescindible de la gran pantalla con obras dispares que lo mismo reflejan la tradición nipona que  adapta clásicos de la literatura universal.

Me las he visto todas porque tenía que hacerlo y es una de las cosas más placenteras y fructíferas que he hecho en mi vida: adentrarme en el estudio de la cinematografía de Akira Kurosawa. Lo hice para desarrollar mi Tesis Doctoral sobre Los sueños y, como decir que aquello supuso un antes y un después queda un poco manido, hoy te traigo esta lista con mis 10 películas favoritas del maestro japonés. Desde ya te digo que no te puedes perder ni una. Vas a disfrutar sí o sí.

1.- Rashomon (1950), ganadora del León de Venecia

Nadie conocía a Akira Kurosawa cuando en 1951 se alzó con la estatuilla del león dorado en el Festival de Cine de Venecia. La cinta era (y sigue siéndolo) rara como ella sola, rompedora para su tiempo y actual en este comienzo del siglo XXI. Narra cuatro versiones distintas de un hecho acaecido en un bosque: el asesinato de un samurái y posterior violación de su esposa. Tenemos cuatro voces distintas: la de un mendigo, la de la víctima femenina ultrajada,  la del fantasma del noble y la confesión de un leñador. Cada uno cuenta los hechos a su manera, como mejor le va justificándose, a la par, de las acusaciones.  Rashomon es un ejemplo temprano del pensamiento nihilista y desestructurado (aunque ordenado) que invadiría el arte posterior. La verdad no existe porque todos los protagonistas ocultan algo, se esconden, manipulan o mienten. Aparte de las innovaciones técnicas (para la época), Akira Kurosawa en esta cinta se vale de símbolos del inconsciente colectivo (el agua, la lluvia, el bosque o el sol) para levantar el film. Con ello contribuye a hacer una auténtica obra maestra.

2.- Vivir (1952) y el canto al Carpe Diem

Vivir es una oda a los instantes, a la importancia de la percepción, a lo fundamental que es “ese darse cuenta” que vive en la poesía nipona (en el haiku por poner un ejemplo). Vivir es una llamada de atención al espectador y le recuerda, a la par, que las horas pasan y se malgastan casi por nada. Un anciano enfermo y solo es el protagonista de la película. Al final de sus días se da cuenta del error de su existencia confinado entre cuatro paredes y entregado en cuerpo y alma a un empleo alienante. El protagonista asiste a una revelación, a un despertar, a un darse cuenta que se simboliza en la canción que entona (en un parque infantil) al cierre de la película. Te la dejo aquí.  

La vida es tan corta,

enamórate, muchacha querida,

mientras tus labios son rojos

y antes de que tengas frío

pues no habrá mañana.

La vida es tan corta,

enamórate, muchacha querida,

mientras tu pelo sea aún negro,

y antes de que tu corazón se marchite,

pues el día de hoy no volverá.

3.- Los siete samuráis (1954), la película más famosa de Akira Kurosawa

Brutalidad y crudeza en una película ambientada en el siglo XVI en el apogeo de las guerras civiles niponas. La temática es extremadamente sencilla. Un pueblo, acosado por bandidos, contrata a un grupo de siete ronin (que no samuráis) para que los defienda de los constantes ataques. Estos señores libres (que no pertenecían, como los samuráis, al ejército de un señor) entrenan a los campesinos para que puedan defenderse. La aventura, aderezada con el particular código de honor de estos temerarios guerreros, está, por tanto, servida.

4.- El trono de sangre (1957), una sublime lectura del Macbeth de Shakespeare

También traducida como El Castillo de la Tela de Araña, no es una adaptación cualquiera de la obra teatral isabelina conocida por todos. Aquí nos encontramos elementos del drama tradicional nipón conocido como Nô, a la par que el mismo Akira Kurosawa reconoce que se quedo prendado de la versión realizada por Orson Welles. Eso no quita para que el Macbeth del japonés sea una obra única donde los simbolismos originarios de la obra han sido llevados a la apoteosis artística. Lo siento, pero no te puedes morir sin verla.

5.- La fortaleza escondida (1958), una película deliciosa de aventuras

Que inspiró a Georges Lucas, nada más y nada menos, que para La Guerra de las Galaxias. Los campesinos protagonistas del film fueron la inspiración para los robots C-3P0 y R2-D2. Así que los innumerables fans de la saga no pueden dejar de ver este film que narra los avatares de una princesa por recuperar su trono y la ayuda que recibe de un avispado samurái. Es un jidai-gekki (una película japonesa ambientada a las tradiciones del pasado) con un fuerte simbolismo, tal como gustaba a Akira Kurosawa.

6.- Barbarroja (1965), el clásico por excelencia en Japón

Fue premiada en España, en el Festival de Cine de Valladolid, donde recibió la Espiga de Oro en 1967 por su profunda mensaje ético. Y en Japón es considerada una obra de culto y una referencia nacional. La película cuenta las aventuras de un médico recién licenciado que solo encuentra pacientes en los bajos fondos. Allí se tambaleará el espíritu positivo y hasta cándido del joven doctor al asistir a la particular bajada a los infiernos de las personas desahuciadas a las que asiste. Barbarroja pone de manifiesto el arriba y el abajo y no solo en el plano social. También se detiene en el espíritu, en esos seres que se empeñan en ser los peores enemigos de sí mismos.

7.- Dersu Uzala (1975), la película rusa de un director japonés

No encontró financiación en su país y se fue a buscarla a la Unión Soviética. Allí le ofrecieron el capital y los medios para realizar esta obra de tintes épicos. Y, en uno de esos avatares de la historia, con ella ganó, nada más y nada menos, que un Óscar. Fue a la mejor película extranjera… Unión Soviética (el país que puso los dineros) y no Japón. Dersu Uzala es un mongol acostumbrado a los rigores de la taiga, de carácter sencillo, afable y también con una particular visión del mundo. Conocedor del medio que le rodea, no puede dejarlo aunque éste le traiga la muerte. En su tierra sabe vivir y es allí donde regresa para acabar sus días. La película, de una belleza visual extrema, tiene como hilo conductor los demonios que atemorizan al hombre y de los que no es posible escapar.  Para el público de habla española (tanto en España como en América), Dersu Uzala es un film muy apreciado. 

8.- Kagemusha (1980), o la imposibilidad del doble

Para mí es una de las más interesantes (advierto que ha sido considerada rara por la crítica) por la temática que plantea: el doble, el otro, el usurpador. Un kagemusha, en Japón, es un doble al servicio de un poderoso. Es una persona dispuesta (u obligada) a morir por otro. Es alguien que se presenta en público para evitar que un personaje importante, odiado o conocido sufra daños. Parece que esto también se hace hoy en día entre políticos o estrellas de Hollywood. El kagemusha de Kurosawa es un condenado a muerte por un delito de sangre. Es lo único que sabemos de él. Aunque no tiene opciones porque su vida se ha acabado, él se empeña en vivir de una forma particular. Porque este doble no se conforma con poner su cuerpo para salvar el del otro sino que va asumiendo la personalidad del “original”. Quiere, en definitiva, ser el otro. Desecha su vida (la cual dejó en un patíbulo recordemos) para empezar siendo alguien radicalmente distinto. Necesita fagocitar al otro para ser él mismo, para poder seguir respirando. Creo que  la originalidad y la profundidad de esta idea ya merecen que nos acerquemos a la obra con cierta curiosidad. Para mí es una de mis favoritas.

 

9.- Ran (1985), la mejor adaptación de El Rey Lear del cine de todos los tiempos

Y sí lo afirmo así rotunda y llanamente porque Ran (Caos en japonés) es sencillamente insuperable, tanto como en lo que se refiere a su puesta en escena como por las transmutaciones (cambios en el lenguaje culto, con perdón) que realiza. Este particular Rey Lear japonés no tiene hijos. Tiene hijas y yernos que se matan en batallas cruentas y dolorosas. En Ran nada es baladí y todo tiene un sentido, desde el color de las ropas hasta las banderas pasando por los significados de los sueños. Por poner solo un ejemplo, las imágenes del castillo en llamas ante un anciano, derrotado, solo, enfermo, desvalido pertenece ya a la historia del arte (y no solo cinematográfico) universal. Ran debería formar parte no solo del acervo personal  y cultural de todo cinéfilo de pro sino que sería interesante, al menos, estudiarse en la asignatura Historia del Arte del colegio. Y no solo por su realización cinematográfica sino también por los símbolos y la temática universal que trata.

10.- Los sueños de Akira Kurosawa (1990) la película más japonesa de Akira Kurosawa

Es la más incomprendida y la que centró mi Tesis Doctoral. Los sueños o Yume está dividida en ocho fragmentos, en apariencia, sin relación, pero que en esencia narra, en clave psicológica, el desarrollo anímico y consecución del sí mismo (el termino de Carl Gustav Jung para la realización personal) de Akira Kurosawa. En definitiva, es una obra autobiográfica en clave psicológica. Comienza con un baile muy particular, el de los zorros (Kitsuné en japonés) que confunden pero que, a la vez, nos invitan a salir de casa, del espacio antropológico, de la zona de confort. En Los sueños de Akira Kurosawa asistimos a un Hinamatsuri (la fiesta de las niñas que se celebra cada 3 de marzo) con toda su puesta en escena colorida y elegante. Por aquí se pasea un Van Gogh que insta a atrapar el momento, a vivir por el arte, a disfrutar de la belleza del Luberon.

En la película hay, también, ejércitos de fantasmas que hablan de los horrores de la guerra y que nos obligan a indagar en nuestra verdad interior. En ella vemos, además, ogros japoneses (onis de cuernos retorcidos) que nos bajan al inframundo donde se sabe la verdad. Y  termina con un funeral colorido, alegre y cantado en una aldea idílica. 

Y todo ello porque, al final de la vida, si se ha cumplido con bondad y buen hacer, nuestra misión en el mundo no hay que despedirse con lágrimas. Más bien hay que estar felices porque la existencia (a pesar de sus luces y sombras) ha sido provechosa para uno mismo y los de alrededor.

Por Candela Vizcaíno

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