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Situado un poco apartado de la ruta más conocida que ver en Sevilla, el Museo de Bellas Artes de Sevilla aglutina una interesante pinacoteca que nos dice de los modos, las historias y las formas de vida de una ciudad peculiar en extremo. De 1835 es su acta de fundación aunque la inauguración oficial fue en 1841. Esa primera colección, germen principal y una de las dos patas fundamentales de la institución, se formó con los fondos de conventos y monasterios tras la Desamortización de Mendizábal. La segunda pata del museo está conformada por obras de finales del siglo XIX y principios del XX procedentes de artistas locales influenciados por  las características del impresionismo, por la pintura costumbrista o por las posibilidades de la pintura de naturaleza. Pero vamos por partes.  

La colección de pintura barroca del Museo de Bellas Artes de Sevilla

Cuando el museo abrió sus puertas a mediados del siglo XIX la cultura del Neoclasicismo estaba totalmente asentada en Andalucía y eso a pesar de la particular idiosincrasia del lugar. La Desamortización de Mendizábal que da comienzo en 1836 expropia todos los bienes de las órdenes religiosas y entre ellos se encuentran maravillosas pinturas barrocas e inmuebles como el Convento de la Merced, sede del actual Museo de Bellas Artes de Sevilla. Esto es, cuando la pinacoteca abre sus puertas al público guiados por los ideales ilustrados del Siglo de las Luces que daba sus coletazos por entonces, había un fondo de pinturas (y un pequeño grupo escultórico) de los siglos anteriores que responden a las características del arte barroco fundamentales. 

Museo Bellas Artes Sevilla 8 

Y llegados a este punto tenemos que anotar que Sevilla es eminentemente barroca y, con todas sus luces y sus sombras, supuso la época de esplendor de la ciudad. Era, por entonces, Puerto de Indias y en sus calles se daban cita desde aristócratas venidos a menos con aventureros de cualquier pelo y pluma. De esta situación se hace eco con magistral originalidad la novela picaresca. El lugar era la salida para América y hasta aquí llegaban mercancías de todo tipo que, a pesar de esa abundancia, no sirvió para crear riqueza debido a los múltiples frentes bélicos abiertos por la monarquía hispana. España abandera la Contrarreforma y la sociedad se encierra en sí misma guiada tanto por profundas creencias religiosas como por una arraigada superstición. Las sucesivas crisis económicas hacen mella en el ánimo de la población que busca refugio en la vida en el más allá mientras se evade con el fértil teatro barroco de capa y espada tan de éxito en la época. Mientras esto sucede en la calle, los conventos y monasterios se llenan de obras de arte realizadas por encargo a los mejores artistas. Y es aquí donde nos encontramos la base de la colección original del Museo de Bellas Artes de Sevilla.  

Museo Bellas Artes Sevilla 2. jpg

De los muros de esos centros religiosos se trajeron ejemplares del mejor Bartolomé Esteban Murillo (1617-1682), uno de los más importantes pintores barrocos españoles y el mayor representante de la escuela sevillana (sin contar a Velázquez que realiza su carrera en Madrid). Del maestro es la delicada obra la Virgen de la Servilleta pintada en 1666 con una original técnica en el que el claroscuro de Caravaggio nos introduce en una escena que se aleja de lo sagrado. Tanto la Virgen como el Niño Jesús están representados sin atributos divinos y miran con sereno desparpajo al espectador como si estuvieran asomándose a una ventana. La belleza tranquila de la figura femenina se complementa con un infante saludable, risueño que nos aporta una actitud positiva ante la vida. No era esto lo frecuente en el estilo barroco español ya que el pesimismo que impregnaba la sociedad se transparentaba en el arte con recuerdos de la muerte y llamadas a renunciar a cualquier gloria o éxito. En este sentido Valdés Leal (1662-1690) es el maestro indiscutible de unas obras que nos advierten de la corrupción de la carne y de las penas del olvido con furibunda intensidad. Este artista también está presente con sus obras en el Museo de Bellas Artes de Sevilla, aunque las de mayor intensidad se custodian en el Hospital de la Caridad de la capital hispalense. Grandes obras basadas en las reglas y milagros de los cartujos realizadas por Zurbarán (1598-1664) completan la muestra de lo mejor de la pintura barroca de la pinacoteca sevillana. 

 

El arte del Siglo XIX en el Museo de Bellas Artes de Sevilla 

 

Andando el tiempo, un grupo de pintores con otra formación y perspectiva vital coparán la escena artística de la capital hispalense. De entre todos ellos sobresalen, sobre todo, Gonzalo Bilbao (1860-1938) y José Villegas Cordero (1844-1921), quien ocupó durante varios años la dirección del Museo del Prado de Madrid. Eran artistas con educación burguesa que conocían las nuevas tendencias europeas y que se interesaron por las técnicas que se ensayaban en París. El exotismo, de moda en la época, encuentra la base en las costumbres locales, como la lucha a vida o muerte del toreo, los bailes flamencos o las mujeres vestidas con coloridos mantones de manila. 

Museo Bellas Artes Sevilla 6 

Siguiendo las ideas estéticas del realismo literario o del naturalismo, los olvidados, los mendigos, los huérfanos abandonados se convierten, por primera vez, en protagonistas de las pinturas. A la par, se mira hacia la naturaleza, hacia las posibilidades del color y de la luz. En este sentido, cabe encuadrar las grandes obras de Gonzalo Bilbao en las que predominan esa técnica aprendida de los impresionistas parisinos. La sociedad había cambiado. Por eso, este nuevo grupo de obras nada tienen que ver con la pintura religiosa del siglo XVII sobre las que se formó el Museo de Bellas Artes de Sevilla. Ahora el foco se pone en la belleza femenina, en el costumbrismo, en los  paisajes, en los retratos de personajes ilustres (el del rey Alfonso XII por ejemplo),  burgueses o, incluso, anónimos. La estética es la de la alegría mundana. Y estas conforman las últimas salas de la pinacoteca sevillana. 

Breve introducción al edificio donde se ubica el Museo de Bellas Artes de Sevilla  

El eje central lo forma el Convento de la Merced donde fue invitado a un exilio interior (y exterior) el gran Tirso de Molina, fraile de dicha orden con obra (El Burlador de Sevilla) demasiado profana según el criterio de sus superiores. Como todas las construcciones de las órdenes religiosas de la época, está estructurado alrededor de un patio porticado, ajardinado y adornado con fuentes y azulejos. Sobre este se desarrollan otros espacios similares en los que los cipreses en combinación con naranjos bordean albercas, estanques o fuentes. Junto con la escalera imperial (realizada en mármol blanco bifurcándose en dos tramos), son los elementos arquitectónicos más característicos del emplazamiento. 

 Museo Bellas Artes de Sevilla 3

Horarios y precios del Museo de Bellas Artes de Sevilla  

Es, además, uno de esos espacios imprescindibles cuando llueve en la capital andaluza. Aunque los días de sol son muchos, también la lluvia (y con intensidad) hace de las suyas, especialmente a finales de otoño y principios de primavera. Recuerda además:  

1.- Que abren a las 9 de la mañana y cierran a las 9 de la tarde. 

2.- Los lunes está cerrado. 

3.- Los días grandes de Navidad también cierran sus puertas así como algunos festivos especiales. 

4.- La entrada es gratuita para los ciudadanos de la UE. 

5.- Para el resto (2021) es de tan solo 1,50 euros. 

6.- La colección al completo (sin contar exposiciones temporales) se visita en menos de dos horas. 

7.- Los domingos entre otoño y primavera en la plaza por la que se accede se sitúan artistas locales actuales ofreciendo sus obras. 

El Museo de Bellas Artes de Sevilla a pesar de ser desconocido para la gran mayoría es parada imprescindible para los amantes de la pintura. Y para aquellos viajeros apresurados, aquí os dejo un vídeo de mi canal de Youtube con el resumen del artículo. 

Fotos y texto por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

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El arte es lo que queda cuando todo ha pasado. Es lo inmutable dentro del cambio. Es la belleza en un mundo en caos. El arte es parte importante de este sitio. Intentamos comprenderlo. 

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Situado un poco apartado de la ruta más conocida que ver en Sevilla, el Museo de Bellas Artes de Sevilla aglutina una interesante pinacoteca que nos dice de los modos, las historias y las formas de vida de una ciudad peculiar en extremo. De 1835 es su acta de fundación aunque la inauguración oficial fue en 1841. Esa primera colección, germen principal y una de las dos patas fundamentales de la institución, se formó con los fondos de conventos y monasterios tras la Desamortización de Mendizábal. La segunda pata del museo está conformada por obras de finales del siglo XIX y principios del XX procedentes de artistas locales influenciados por  las características del impresionismo, por la pintura costumbrista o por las posibilidades de la pintura de naturaleza. Pero vamos por partes.  

La colección de pintura barroca del Museo de Bellas Artes de Sevilla

Cuando el museo abrió sus puertas a mediados del siglo XIX la cultura del Neoclasicismo estaba totalmente asentada en Andalucía y eso a pesar de la particular idiosincrasia del lugar. La Desamortización de Mendizábal que da comienzo en 1836 expropia todos los bienes de las órdenes religiosas y entre ellos se encuentran maravillosas pinturas barrocas e inmuebles como el Convento de la Merced, sede del actual Museo de Bellas Artes de Sevilla. Esto es, cuando la pinacoteca abre sus puertas al público guiados por los ideales ilustrados del Siglo de las Luces que daba sus coletazos por entonces, había un fondo de pinturas (y un pequeño grupo escultórico) de los siglos anteriores que responden a las características del arte barroco fundamentales. 

Museo Bellas Artes Sevilla 8 

Y llegados a este punto tenemos que anotar que Sevilla es eminentemente barroca y, con todas sus luces y sus sombras, supuso la época de esplendor de la ciudad. Era, por entonces, Puerto de Indias y en sus calles se daban cita desde aristócratas venidos a menos con aventureros de cualquier pelo y pluma. De esta situación se hace eco con magistral originalidad la novela picaresca. El lugar era la salida para América y hasta aquí llegaban mercancías de todo tipo que, a pesar de esa abundancia, no sirvió para crear riqueza debido a los múltiples frentes bélicos abiertos por la monarquía hispana. España abandera la Contrarreforma y la sociedad se encierra en sí misma guiada tanto por profundas creencias religiosas como por una arraigada superstición. Las sucesivas crisis económicas hacen mella en el ánimo de la población que busca refugio en la vida en el más allá mientras se evade con el fértil teatro barroco de capa y espada tan de éxito en la época. Mientras esto sucede en la calle, los conventos y monasterios se llenan de obras de arte realizadas por encargo a los mejores artistas. Y es aquí donde nos encontramos la base de la colección original del Museo de Bellas Artes de Sevilla.  

Museo Bellas Artes Sevilla 2. jpg

De los muros de esos centros religiosos se trajeron ejemplares del mejor Bartolomé Esteban Murillo (1617-1682), uno de los más importantes pintores barrocos españoles y el mayor representante de la escuela sevillana (sin contar a Velázquez que realiza su carrera en Madrid). Del maestro es la delicada obra la Virgen de la Servilleta pintada en 1666 con una original técnica en el que el claroscuro de Caravaggio nos introduce en una escena que se aleja de lo sagrado. Tanto la Virgen como el Niño Jesús están representados sin atributos divinos y miran con sereno desparpajo al espectador como si estuvieran asomándose a una ventana. La belleza tranquila de la figura femenina se complementa con un infante saludable, risueño que nos aporta una actitud positiva ante la vida. No era esto lo frecuente en el estilo barroco español ya que el pesimismo que impregnaba la sociedad se transparentaba en el arte con recuerdos de la muerte y llamadas a renunciar a cualquier gloria o éxito. En este sentido Valdés Leal (1662-1690) es el maestro indiscutible de unas obras que nos advierten de la corrupción de la carne y de las penas del olvido con furibunda intensidad. Este artista también está presente con sus obras en el Museo de Bellas Artes de Sevilla, aunque las de mayor intensidad se custodian en el Hospital de la Caridad de la capital hispalense. Grandes obras basadas en las reglas y milagros de los cartujos realizadas por Zurbarán (1598-1664) completan la muestra de lo mejor de la pintura barroca de la pinacoteca sevillana. 

 

El arte del Siglo XIX en el Museo de Bellas Artes de Sevilla 

 

Andando el tiempo, un grupo de pintores con otra formación y perspectiva vital coparán la escena artística de la capital hispalense. De entre todos ellos sobresalen, sobre todo, Gonzalo Bilbao (1860-1938) y José Villegas Cordero (1844-1921), quien ocupó durante varios años la dirección del Museo del Prado de Madrid. Eran artistas con educación burguesa que conocían las nuevas tendencias europeas y que se interesaron por las técnicas que se ensayaban en París. El exotismo, de moda en la época, encuentra la base en las costumbres locales, como la lucha a vida o muerte del toreo, los bailes flamencos o las mujeres vestidas con coloridos mantones de manila. 

Museo Bellas Artes Sevilla 6 

Siguiendo las ideas estéticas del realismo literario o del naturalismo, los olvidados, los mendigos, los huérfanos abandonados se convierten, por primera vez, en protagonistas de las pinturas. A la par, se mira hacia la naturaleza, hacia las posibilidades del color y de la luz. En este sentido, cabe encuadrar las grandes obras de Gonzalo Bilbao en las que predominan esa técnica aprendida de los impresionistas parisinos. La sociedad había cambiado. Por eso, este nuevo grupo de obras nada tienen que ver con la pintura religiosa del siglo XVII sobre las que se formó el Museo de Bellas Artes de Sevilla. Ahora el foco se pone en la belleza femenina, en el costumbrismo, en los  paisajes, en los retratos de personajes ilustres (el del rey Alfonso XII por ejemplo),  burgueses o, incluso, anónimos. La estética es la de la alegría mundana. Y estas conforman las últimas salas de la pinacoteca sevillana. 

Breve introducción al edificio donde se ubica el Museo de Bellas Artes de Sevilla  

El eje central lo forma el Convento de la Merced donde fue invitado a un exilio interior (y exterior) el gran Tirso de Molina, fraile de dicha orden con obra (El Burlador de Sevilla) demasiado profana según el criterio de sus superiores. Como todas las construcciones de las órdenes religiosas de la época, está estructurado alrededor de un patio porticado, ajardinado y adornado con fuentes y azulejos. Sobre este se desarrollan otros espacios similares en los que los cipreses en combinación con naranjos bordean albercas, estanques o fuentes. Junto con la escalera imperial (realizada en mármol blanco bifurcándose en dos tramos), son los elementos arquitectónicos más característicos del emplazamiento. 

 Museo Bellas Artes de Sevilla 3

Horarios y precios del Museo de Bellas Artes de Sevilla  

Es, además, uno de esos espacios imprescindibles cuando llueve en la capital andaluza. Aunque los días de sol son muchos, también la lluvia (y con intensidad) hace de las suyas, especialmente a finales de otoño y principios de primavera. Recuerda además:  

1.- Que abren a las 9 de la mañana y cierran a las 9 de la tarde. 

2.- Los lunes está cerrado. 

3.- Los días grandes de Navidad también cierran sus puertas así como algunos festivos especiales. 

4.- La entrada es gratuita para los ciudadanos de la UE. 

5.- Para el resto (2021) es de tan solo 1,50 euros. 

6.- La colección al completo (sin contar exposiciones temporales) se visita en menos de dos horas. 

7.- Los domingos entre otoño y primavera en la plaza por la que se accede se sitúan artistas locales actuales ofreciendo sus obras. 

El Museo de Bellas Artes de Sevilla a pesar de ser desconocido para la gran mayoría es parada imprescindible para los amantes de la pintura. Y para aquellos viajeros apresurados, aquí os dejo un vídeo de mi canal de Youtube con el resumen del artículo. 

Fotos y texto por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

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Algunas notas de carácter práctico antes de visitar la Fundación Joan Miró en Barcelona con una magnífica colección permanente de uno de los más importantes representantes del surrealismo. 

La Fundación Joan Miró está situada en esa colina que domina la Ciudad Condal y que cualquier viajero de paso por este bellísimo emplazamiento mediterráneo debe visitar: Montjuïc. Está este particular museo de arte contemporáneo (en catalán Fundació Joan Miró) dedicado a conservar el legado de uno de los más importantes representantes del surrealismo.  A la par,  realiza interesantes exposiciones temporales y actividades culturales diversas, algunas de ellas dirigidas a familias o al público infantil.

Una mínima biografía de Joan Miró antes de adentrarse en la Fundación Joan Miró de Barcelona 

Desde el minuto primero que llegó al mundo el joven Joan respiró, si no el arte, sí la artesanía, ya que su padre se dedicó a la orfebrería. Nació en 1893 y dejó este mundo a la edad de 90 años. Sus primeros pasos en esto del quehacer creativo lo dio en la Escuela de Bellas Artes de la Llojta.

Aunque su particular estilo se fraguó en París, por entonces ombligo del mundo y cuyas calles y cafés han acogido a la vanguardia estética, filosófica y política hasta prácticamente antes de ayer. En estas particulares tertulias se entretenía Miró con otros artistas de la época debatiendo sobre las últimas corrientes artísticas y la necesidad de seguir transformando el arte tras la explosión de las primeras vanguardias históricas (futurismo, cubismo…) Tengo que hacer notar que el surrealismo fue la línea estética predominante desde mediados del siglo XX y sus coletazos llegan incluso al siglo XXI. En esta corriente artística hay que encuadrar toda la obra de Joan Miró siempre siguiendo el formato y las principales características del arte abstracto

En principio opuesto al régimen franquista, pudo convivir, con cierta tranquilidad, en su refugio mallorquino  desde la década de los cuarenta hasta su fallecimiento, ya en democracia. Disfrutó en vida de reconocimiento público y este se ha mantenido casi intacto tras su muerte. En parte esto es debido a la labor divulgativa de la Fundación Joan Miró.  

 

Una aproximación a las obras de Joan Miró 

Fue un ferviente admirador de la obra de Gaudí incluso de ese mega proyecto aún en fase de finalización, pero que ya se postula como uno de los más importantes en la historia de la humanidad reciente: la Sagrada Familia de Barcelona. Ni que decir tiene que están en polos opuestos. Eso no quita para que encontremos un nexo común, aplicado sobre todo al uso del color y las formas redondeadas que caracterizan  tanto el opus artístico de Gaudí como el de Miró. Aún  así y todo, no nos debemos desviar, ya que Miró pertenece de lleno al movimiento surrealista aunque el modernismo de Gaudí, especialmente en sus representaciones tomadas de la naturaleza, adquiere es carácter onírico consustancial a las características de este movimiento de vanguardia.  

Los vivos colores contrastados de la obra de Miró conforman imágenes de carácter onírico en las que priman los símbolos, a veces, tan elementales que remiten al arte primitivo. De aquí viene la fuerza de sus pinturas que parecen interrogarnos con signos desconocidos. Sin embargo, algunos no lo son tanto y se prestan a su reconocimiento como las manos, las estrellas, las lunas o los campos reducidos a líneas. Todos ellos tienen un sentido secundario detrás y, en esencia y reduciendo mucho, es lo que aporta carácter, fuerza, expresividad y originalidad a su obra. 

Aproximación a la Fundación Joan Miró 

Está situada en Montjuïc en un edificio blanco diseñado por Josep Lluís Sert en 1975, amigo del artista rodeado de una jardín con la obra escultórica. Aquí se exponen tapices, grabados (con una colección inmensa), óleos y esculturas (algunas con policromía). 

La colección está dividida por técnicas artísticas: 1) bocetos, 2) pinturas, 3) textiles y tapices, 4) esculturas y cerámicas y 5) dibujos. También se puede hacer un recorrido cronológico, ya que las salas están claramente estructuradas siguiendo este orden:

  • Hasta 1920, con obras de aprendizaje.
  • La década de los años veinte, cuando entra de lleno el surrealismo en su opus artístico.
  • La década de los treinta, cuando comienza a configurar su particular estilo.
  • La década de los cuarenta y mediados de los cincuenta, años en los que se instala su particular cosmovisión poética y artista.
  • Y los finales, en los que trabaja en su taller de Mallorca.

Algunos datos prácticos antes de visitar la Fundación Joan Miró  

Por supuesto, la Fundación Joan Miró es uno de los platos fuertes de la agenda cultural de Barcelona, pero es también parada ineludible para todos los viajeros amantes del arte. Y que no se te olviden los horarios: 

  • Abren todos los días a las 10 de la mañana.
  • Festivos y domingos cierran a las dos y media.
  • La hora normal de finalización es a las siete, excepto los jueves que se alarga hasta las nueve y media de la noche.
  • La organización deja una hora más en verano: hasta las ocho. 

Aunque hay descuentos para ciertos colectivos, tienes que pagar una entrada. Junto con el recorrido modernista (Parc Güell, Casa Batló, Sagrada Familia…), la Fundación Joan Miró es parada ineludible de visita o estancia en Barcelona y una oportunidad única de acercarse a ese movimiento que quiso llevar el inconsciente a la esfera del arte. 

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

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Algunas notas de carácter práctico antes de visitar la Fundación Joan Miró en Barcelona con una magnífica colección permanente de uno de los más importantes representantes del surrealismo. 

La Fundación Joan Miró está situada en esa colina que domina la Ciudad Condal y que cualquier viajero de paso por este bellísimo emplazamiento mediterráneo debe visitar: Montjuïc. Está este particular museo de arte contemporáneo (en catalán Fundació Joan Miró) dedicado a conservar el legado de uno de los más importantes representantes del surrealismo.  A la par,  realiza interesantes exposiciones temporales y actividades culturales diversas, algunas de ellas dirigidas a familias o al público infantil.

Una mínima biografía de Joan Miró antes de adentrarse en la Fundación Joan Miró de Barcelona 

Desde el minuto primero que llegó al mundo el joven Joan respiró, si no el arte, sí la artesanía, ya que su padre se dedicó a la orfebrería. Nació en 1893 y dejó este mundo a la edad de 90 años. Sus primeros pasos en esto del quehacer creativo lo dio en la Escuela de Bellas Artes de la Llojta.

Aunque su particular estilo se fraguó en París, por entonces ombligo del mundo y cuyas calles y cafés han acogido a la vanguardia estética, filosófica y política hasta prácticamente antes de ayer. En estas particulares tertulias se entretenía Miró con otros artistas de la época debatiendo sobre las últimas corrientes artísticas y la necesidad de seguir transformando el arte tras la explosión de las primeras vanguardias históricas (futurismo, cubismo…) Tengo que hacer notar que el surrealismo fue la línea estética predominante desde mediados del siglo XX y sus coletazos llegan incluso al siglo XXI. En esta corriente artística hay que encuadrar toda la obra de Joan Miró siempre siguiendo el formato y las principales características del arte abstracto

En principio opuesto al régimen franquista, pudo convivir, con cierta tranquilidad, en su refugio mallorquino  desde la década de los cuarenta hasta su fallecimiento, ya en democracia. Disfrutó en vida de reconocimiento público y este se ha mantenido casi intacto tras su muerte. En parte esto es debido a la labor divulgativa de la Fundación Joan Miró.  

 

Una aproximación a las obras de Joan Miró 

Fue un ferviente admirador de la obra de Gaudí incluso de ese mega proyecto aún en fase de finalización, pero que ya se postula como uno de los más importantes en la historia de la humanidad reciente: la Sagrada Familia de Barcelona. Ni que decir tiene que están en polos opuestos. Eso no quita para que encontremos un nexo común, aplicado sobre todo al uso del color y las formas redondeadas que caracterizan  tanto el opus artístico de Gaudí como el de Miró. Aún  así y todo, no nos debemos desviar, ya que Miró pertenece de lleno al movimiento surrealista aunque el modernismo de Gaudí, especialmente en sus representaciones tomadas de la naturaleza, adquiere es carácter onírico consustancial a las características de este movimiento de vanguardia.  

Los vivos colores contrastados de la obra de Miró conforman imágenes de carácter onírico en las que priman los símbolos, a veces, tan elementales que remiten al arte primitivo. De aquí viene la fuerza de sus pinturas que parecen interrogarnos con signos desconocidos. Sin embargo, algunos no lo son tanto y se prestan a su reconocimiento como las manos, las estrellas, las lunas o los campos reducidos a líneas. Todos ellos tienen un sentido secundario detrás y, en esencia y reduciendo mucho, es lo que aporta carácter, fuerza, expresividad y originalidad a su obra. 

Aproximación a la Fundación Joan Miró 

Está situada en Montjuïc en un edificio blanco diseñado por Josep Lluís Sert en 1975, amigo del artista rodeado de una jardín con la obra escultórica. Aquí se exponen tapices, grabados (con una colección inmensa), óleos y esculturas (algunas con policromía). 

La colección está dividida por técnicas artísticas: 1) bocetos, 2) pinturas, 3) textiles y tapices, 4) esculturas y cerámicas y 5) dibujos. También se puede hacer un recorrido cronológico, ya que las salas están claramente estructuradas siguiendo este orden:

  • Hasta 1920, con obras de aprendizaje.
  • La década de los años veinte, cuando entra de lleno el surrealismo en su opus artístico.
  • La década de los treinta, cuando comienza a configurar su particular estilo.
  • La década de los cuarenta y mediados de los cincuenta, años en los que se instala su particular cosmovisión poética y artista.
  • Y los finales, en los que trabaja en su taller de Mallorca.

Algunos datos prácticos antes de visitar la Fundación Joan Miró  

Por supuesto, la Fundación Joan Miró es uno de los platos fuertes de la agenda cultural de Barcelona, pero es también parada ineludible para todos los viajeros amantes del arte. Y que no se te olviden los horarios: 

  • Abren todos los días a las 10 de la mañana.
  • Festivos y domingos cierran a las dos y media.
  • La hora normal de finalización es a las siete, excepto los jueves que se alarga hasta las nueve y media de la noche.
  • La organización deja una hora más en verano: hasta las ocho. 

Aunque hay descuentos para ciertos colectivos, tienes que pagar una entrada. Junto con el recorrido modernista (Parc Güell, Casa Batló, Sagrada Familia…), la Fundación Joan Miró es parada ineludible de visita o estancia en Barcelona y una oportunidad única de acercarse a ese movimiento que quiso llevar el inconsciente a la esfera del arte. 

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

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Acceder por el Arco de la Estrella desde la Plaza Mayor de Cáceres es poner un pie en otro mundo, uno olvidado y pasado. De golpe, nos introducimos en uno de los recintos medievales mejor conservados de Europa (rivalizando con Tallín y Praga) y reconocido como Patrimonio de la Humanidad por la Unesco. Aunque está permitido el paso a ciertos vehículos de abastecimiento, el silencio es humano (especialmente al caer la tarde). Las calles empedradas albergan palacios (como el de los Golfines), iglesias, la catedral, museos y hoteles o restaurantes que conservan lo mejor de este pasado. Quizás por eso, cuando ya terminamos de recorrernos este laberinto de callejuelas sorprenda con toda su luminosidad y radical modernismo (aunque perfectamente integrado en el entorno) el Museo Helga de Alvear y las colecciones de arte contemporáneo que alberga.  

¿Quién es Helga de Alvear? 

Nacida en 1936 en Kirn/Nahe (Alemania) con el apellido Müller, recibe una exquisita educación en Constanza, Lausana, Ginebra y Londres. En 1957 recala en España para estudiar el idioma. Aquí conoce al que será su marido (Álvaro de Alvear) y de quien adopta el apellido. Se casa en 1959 y tiene tres hijas. En 1967 conoce a la galerista Juana Mordó y comienza su colección de arte centrada en artistas contemporáneos españoles, sobre todo, del grupo de Cuenca (Gustavo Torner, Fernando Zóbel y Gerardo Rueda) y Del Paso (Canogar, Feito, Juana Francés, Saura, Millares, Serrano, Chirino…) En 1980, en plena ebullición cultural española, entra a trabajar en la galería de Juana Mordó formándose en los entresijos de la gestión artística a la par que visita las ferias internacionales más importantes.  

Es en 1982 cuando funda ARCO, que andando el tiempo se ha convertido en un referente no solo en España sino en el plano internacional. A la muerte de Mordó, en 1984, continúa gestionando este espacio artístico el cual continúa abierto (sin apenas cambios) hasta 1994. Un año más tarde, inaugura la que, con toda probabilidad, es la galería más emblemática de la España contemporánea: la Helga de Alvear, situada junto al Centro de Arte Reina de Sofía, uno de los museos de Madrid perteneciente al llamado triángulo del arte. 

Su siguiente hito ha sido, precisamente, esta fundación y museo situado en el casco histórico de Cáceres tras descartar otros emplazamientos. El edificio con leves recuerdos del brutalismo arquitectónico y minimalista, está diseñado por el estudio de Emilio Tuñón y Álvarez para albergar expresamente una selección de la colección de más de 3000 obras de la galerista. En la actualidad, están implicados económicamente, además, la Junta de Extremadura, el ayuntamiento de la ciudad y la diputación provincial.  

¿Qué esperar en el Museo Helga de Alvear? 

1.- La entrada es gratuita aunque se solicita una reserva online para controlar el aforo. 

2.- En cada una de las salas hay apostado personal entendido que realiza una explicación somera sin acosar y siempre dispuesto a resolver dudas. 

3.- La colección es de rabiosa actualidad con artistas internacionales vivos. 

4.- La gran mayoría de las obras interrogan al espectador sobre su emplazamiento y forma de estar en el mundo coqueteando alguna de ellas con el concepto de no-lugar de Marc Augé. 

5.- Aunque hay pintura o escultura siguiendo los modelos tradicionales, sorprende la cantidad y calidad de obras que se acercan al Land-art (aunque estén en el interior), la instalación e, incluso, la performance (conseguida a través de audiovisuales). 

6.- No puede haber arte sin preguntas ni crítica y nos encontramos obras que ponen en evidencia las máscaras emocionales o la superficialidad contemporánea. 

7.- Casi todas las obras disponen de un QR que te lleva a una pequeña explicación en español e inglés haciendo las veces de audioguía tradicional. 

8.- El Museo organiza exposiciones temporales, talleres escolares, charlas y encuentros que reflexionan sobre el papel del arte en el mundo actual. 

9.- Ni que decir tiene que no se expone toda la colección de Helga de Alvear. Ha habido una selección de 145 obras donadas a la institución y las salas se han diseñado expresamente para la contemplación y diálogo de las de mayor entidad y/o tamaño. 

10.- Y, por último, es precisamente el espacio el hilo conductor temático de la exposición permanente.  

Aproximación a las obras del Museo Helga de Alvear 

1.- Nada más entrar te encuentras con la llamativa Descending Light (2007) del artista y activista chino Ai Weiwei (1957). En el suelo se despliega una llamativa y gigantesca lámpara de cuentas de cristal rojo engarzada en latón dorado. Este tipo de luminaria es la elegida por el gobierno comunista para los edificios oficiales. El artista ha multiplicado los tamaños originales y la ha colocado en el suelo en una clara alusión a ese gigante con los pies de barro (fabril y poderoso pero, a la vez, encerrado en la falta de libertad) que hoy es China. 

Ai Weiwei  Descending light  2007 

2.- Aunque la obra de Ai Weiwei se encuentra nada más entrar (y no puede dejar indiferente a nadie), se invita a comenzar el recorrido por una edición de Los Caprichos de Goya, considerado el primer artista moderno, el que no siguió condicionantes estéticos y se propuso con parte de su obra poner de manifiesto las contradicciones y lacras de un tiempo oscuro. A través de los grabados (realizados mezclando aguafuerte, aguatinta y punta seca) asistimos a la crueldad institucional, al maltrato familiar, a la hipocresía social, a la desfachatez de los sectores educativos anclados en la superstición, a la renuncia al avance a través de la ciencia… Reduciendo mucho, muestran el fracaso del sueño ilustrado del Siglo de las Luces en España.  

3.- Volviendo al espacio contemporáneo, las salas se suceden unas a otras con obras creadas a finales del siglo XX e, incluso, entrado el XXI. En la instalación Echo Activity (2017) de Olafur Eliasson, por poner un ejemplo, los espejos y elementos metálicos de sus partes obligan a entrar al espectador en un juego de reflejos que multiplican el espacio, obligándonos a cuestionarnos la realidad tangible. En la misma línea temática se encuentra la instalación (realizada con monitores de TV) de Zhang Peili.  

4.- Impactante es la instalación de Thomas Hirschhorn de nombre Power Tools (2007) realizada con materiales poco convencionales como cartón, clavos, maniquíes, herramientas y cintas de embalar de difícil reproducción fotográfica. En ella, se reflexiona sobre el trabajo manual y capacidad de sometimiento a todos los niveles. 

5.- Sin ánimo de conformar una lista exhaustiva, tampoco deja indiferente la obra de Katharina Grosse Faux Rocks de 2006, en el que unas enormes estructuras en forma de huevo coloreado parecen reproducirse entre sí amenazando con inundar el espacio. 

Katharina Grosse Faux Rocks 2006 

6.- Aunque la mayoría de las obras del Museo Helga de Alvear de Cáceres están realizadas en las últimas décadas y sus creadores aún siguen vivos, tampoco faltan muestras de artistas de las vanguardias históricas. Pablo Picasso, Kandinsky o Paul Klee (entre los más importantes representantes del expresionismo y del arte abstracto), está presentes. También están representados los nombres más conocidos del arte español de las últimas décadas como Antonio Saura, Antoni Tàpies o Luis Gordillo.  

En definitiva, el novedoso Museo Helga de Alvear de arte contemporáneo es una parada obligatoria si estás por Cáceres y, con toda probabilidad, se va a convertir en una referencia en los espacios expositivos actuales más allá de las entidades que resuenan en los oídos de todos.  

Fotos, vídeo y texto por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

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El arte es lo que queda cuando todo ha pasado. Es lo inmutable dentro del cambio. Es la belleza en un mundo en caos. El arte es parte importante de este sitio. Intentamos comprenderlo. 

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Acceder por el Arco de la Estrella desde la Plaza Mayor de Cáceres es poner un pie en otro mundo, uno olvidado y pasado. De golpe, nos introducimos en uno de los recintos medievales mejor conservados de Europa (rivalizando con Tallín y Praga) y reconocido como Patrimonio de la Humanidad por la Unesco. Aunque está permitido el paso a ciertos vehículos de abastecimiento, el silencio es humano (especialmente al caer la tarde). Las calles empedradas albergan palacios (como el de los Golfines), iglesias, la catedral, museos y hoteles o restaurantes que conservan lo mejor de este pasado. Quizás por eso, cuando ya terminamos de recorrernos este laberinto de callejuelas sorprenda con toda su luminosidad y radical modernismo (aunque perfectamente integrado en el entorno) el Museo Helga de Alvear y las colecciones de arte contemporáneo que alberga.  

¿Quién es Helga de Alvear? 

Nacida en 1936 en Kirn/Nahe (Alemania) con el apellido Müller, recibe una exquisita educación en Constanza, Lausana, Ginebra y Londres. En 1957 recala en España para estudiar el idioma. Aquí conoce al que será su marido (Álvaro de Alvear) y de quien adopta el apellido. Se casa en 1959 y tiene tres hijas. En 1967 conoce a la galerista Juana Mordó y comienza su colección de arte centrada en artistas contemporáneos españoles, sobre todo, del grupo de Cuenca (Gustavo Torner, Fernando Zóbel y Gerardo Rueda) y Del Paso (Canogar, Feito, Juana Francés, Saura, Millares, Serrano, Chirino…) En 1980, en plena ebullición cultural española, entra a trabajar en la galería de Juana Mordó formándose en los entresijos de la gestión artística a la par que visita las ferias internacionales más importantes.  

Es en 1982 cuando funda ARCO, que andando el tiempo se ha convertido en un referente no solo en España sino en el plano internacional. A la muerte de Mordó, en 1984, continúa gestionando este espacio artístico el cual continúa abierto (sin apenas cambios) hasta 1994. Un año más tarde, inaugura la que, con toda probabilidad, es la galería más emblemática de la España contemporánea: la Helga de Alvear, situada junto al Centro de Arte Reina de Sofía, uno de los museos de Madrid perteneciente al llamado triángulo del arte. 

Su siguiente hito ha sido, precisamente, esta fundación y museo situado en el casco histórico de Cáceres tras descartar otros emplazamientos. El edificio con leves recuerdos del brutalismo arquitectónico y minimalista, está diseñado por el estudio de Emilio Tuñón y Álvarez para albergar expresamente una selección de la colección de más de 3000 obras de la galerista. En la actualidad, están implicados económicamente, además, la Junta de Extremadura, el ayuntamiento de la ciudad y la diputación provincial.  

¿Qué esperar en el Museo Helga de Alvear? 

1.- La entrada es gratuita aunque se solicita una reserva online para controlar el aforo. 

2.- En cada una de las salas hay apostado personal entendido que realiza una explicación somera sin acosar y siempre dispuesto a resolver dudas. 

3.- La colección es de rabiosa actualidad con artistas internacionales vivos. 

4.- La gran mayoría de las obras interrogan al espectador sobre su emplazamiento y forma de estar en el mundo coqueteando alguna de ellas con el concepto de no-lugar de Marc Augé. 

5.- Aunque hay pintura o escultura siguiendo los modelos tradicionales, sorprende la cantidad y calidad de obras que se acercan al Land-art (aunque estén en el interior), la instalación e, incluso, la performance (conseguida a través de audiovisuales). 

6.- No puede haber arte sin preguntas ni crítica y nos encontramos obras que ponen en evidencia las máscaras emocionales o la superficialidad contemporánea. 

7.- Casi todas las obras disponen de un QR que te lleva a una pequeña explicación en español e inglés haciendo las veces de audioguía tradicional. 

8.- El Museo organiza exposiciones temporales, talleres escolares, charlas y encuentros que reflexionan sobre el papel del arte en el mundo actual. 

9.- Ni que decir tiene que no se expone toda la colección de Helga de Alvear. Ha habido una selección de 145 obras donadas a la institución y las salas se han diseñado expresamente para la contemplación y diálogo de las de mayor entidad y/o tamaño. 

10.- Y, por último, es precisamente el espacio el hilo conductor temático de la exposición permanente.  

Aproximación a las obras del Museo Helga de Alvear 

1.- Nada más entrar te encuentras con la llamativa Descending Light (2007) del artista y activista chino Ai Weiwei (1957). En el suelo se despliega una llamativa y gigantesca lámpara de cuentas de cristal rojo engarzada en latón dorado. Este tipo de luminaria es la elegida por el gobierno comunista para los edificios oficiales. El artista ha multiplicado los tamaños originales y la ha colocado en el suelo en una clara alusión a ese gigante con los pies de barro (fabril y poderoso pero, a la vez, encerrado en la falta de libertad) que hoy es China. 

Ai Weiwei  Descending light  2007 

2.- Aunque la obra de Ai Weiwei se encuentra nada más entrar (y no puede dejar indiferente a nadie), se invita a comenzar el recorrido por una edición de Los Caprichos de Goya, considerado el primer artista moderno, el que no siguió condicionantes estéticos y se propuso con parte de su obra poner de manifiesto las contradicciones y lacras de un tiempo oscuro. A través de los grabados (realizados mezclando aguafuerte, aguatinta y punta seca) asistimos a la crueldad institucional, al maltrato familiar, a la hipocresía social, a la desfachatez de los sectores educativos anclados en la superstición, a la renuncia al avance a través de la ciencia… Reduciendo mucho, muestran el fracaso del sueño ilustrado del Siglo de las Luces en España.  

3.- Volviendo al espacio contemporáneo, las salas se suceden unas a otras con obras creadas a finales del siglo XX e, incluso, entrado el XXI. En la instalación Echo Activity (2017) de Olafur Eliasson, por poner un ejemplo, los espejos y elementos metálicos de sus partes obligan a entrar al espectador en un juego de reflejos que multiplican el espacio, obligándonos a cuestionarnos la realidad tangible. En la misma línea temática se encuentra la instalación (realizada con monitores de TV) de Zhang Peili.  

4.- Impactante es la instalación de Thomas Hirschhorn de nombre Power Tools (2007) realizada con materiales poco convencionales como cartón, clavos, maniquíes, herramientas y cintas de embalar de difícil reproducción fotográfica. En ella, se reflexiona sobre el trabajo manual y capacidad de sometimiento a todos los niveles. 

5.- Sin ánimo de conformar una lista exhaustiva, tampoco deja indiferente la obra de Katharina Grosse Faux Rocks de 2006, en el que unas enormes estructuras en forma de huevo coloreado parecen reproducirse entre sí amenazando con inundar el espacio. 

Katharina Grosse Faux Rocks 2006 

6.- Aunque la mayoría de las obras del Museo Helga de Alvear de Cáceres están realizadas en las últimas décadas y sus creadores aún siguen vivos, tampoco faltan muestras de artistas de las vanguardias históricas. Pablo Picasso, Kandinsky o Paul Klee (entre los más importantes representantes del expresionismo y del arte abstracto), está presentes. También están representados los nombres más conocidos del arte español de las últimas décadas como Antonio Saura, Antoni Tàpies o Luis Gordillo.  

En definitiva, el novedoso Museo Helga de Alvear de arte contemporáneo es una parada obligatoria si estás por Cáceres y, con toda probabilidad, se va a convertir en una referencia en los espacios expositivos actuales más allá de las entidades que resuenan en los oídos de todos.  

Fotos, vídeo y texto por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

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el bosque de las respuestas

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