10 artistas del pop art o arte pop
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[introtext] => El pop art fue el movimiento artístico predominante en la década de los años sesenta. Su epicentro estuvo en New York y las obras producidas tuvieron una acogida de público tan fantástica que incluso dejó descolocado a parte de la crítica. Dentro de las características del pop art principales nos encontramos su relación con el mundo publicitario, el enaltecimiento de la banalidad del incipiente consumismo, los colores brillantes y planos así como un gusto por las formas de reproducción propias de las artes gráficas. Los artistas del pop art que traigo hoy crearon obras tan reconocidas por el público en general que al día de hoy se han convertido en verdaderos iconos culturales.
Los horrores de las dos grandes guerras quedaron atrás mientras que la población en general comienza a tener acceso a bienes y servicios nunca vistos en la historia de la humanidad. En el ambiente flota una deliciosa sensación de euforia y el mundo se intuye fácil. Los artistas no pueden ser ajenos a esta cosmovisión tan particular. Las vanguardias históricas (como el surrealismo o el cubismo) están ya amortizadas e, incluso, la estética que, de una manera u otra, entronca con el pop art, el dadaísmo. Con estos mimbres estos diez artistas del pop art levantan sus obras repletas de objetos de uso cotidiano, con guiños al cómic y a la iconografía de las revistas ligeras y con la mente abierta hacia otros modos de comunicación. Con ellos se abren las performances o las instalaciones y se da paso, también, a la poesía visual.
1.- Andy Warhol, el más conocido de entre todos los artistas del pop art
Es el más famoso y reconocido llegando a ser algunas de sus obras (los lienzos con la representación de las botellas de Coca Cola, de las latas de sopa, de Marilyn…) reconocidas y admiradas por el gran público en general. Nacido en 1928 en Pittsburg procedente de una familia de origen polaca, en los años cincuenta ya estaba trabajando como artista publicitario en New York, el epicentro de la estética del pop art. Nunca abandonaría ese punto de propaganda, de banalidad incluso, de exaltación de objetos cotidianos o de personajes famosos que forman su particular universo artístico. Si bien Warhol es uno de los artistas del arte pop más conocido por una obra que pudiéramos calificar como amable, sí se adentró en algunos temas de denuncia social. En esta línea señalo, por poner solo un ejemplo, sus obras con la silla eléctrica como protagonista en la que, de alguna manera u otra, se posiciona contra la pena de muerte.
La fama le llegó pronto (y el dinero también) creando alrededor de su persona (como de culto casi) un grupo de artistas conocido como The Factory. Aunque el pop art no realizó ningún manifiesto ni actuó en comandita como las vanguardias clásicas, sí genero Warhol este grupo heterogéneo formado por creadores de cualquier género, modelos, vividores y gentes del mundo de la noche. A final de sus días se dedicó a la producción de grupos musicales. Murió en 1987 en New York.
2.- Jasper Johns, el precusor del pop art
Nació en 1930 y comenzó sus estudios en la Universidad de Carolina del Sur. Con tal solo 19 años ya está en New York donde entra en contacto con los círculos vanguardistas de la época. Antes de que comenzara el pop art (dos o tres años antes de 1960) Jasper Johns se puso a pintar banderas, números y grandes letras en sus lienzos. Esas obras consideradas minimalistas, con colores planos, vibrantes y de una temática aparentemente banal inspiró al resto de los artistas del pop art o arte pop. Por eso, es considerado el abanderado del movimiento aunque muy pronto se cansó de esta línea estética y comenzó a generar obras en la línea de la instalación.
3.- James Rosenquist
Nació en 1933 en Dakota del Norte y en la juventud se traslada a New York donde comenzó a pintar vallas publicitarias. Sin duda, este trabajo de artesano casi fue una potente influencia en su obra posterior. A mediados de la década de los sesenta va a generar obras que se caracterizan por ser como collages de imágenes siempre con las características del pop art.
4.- Roy Lichtenstein y el comic del pop art
Es uno de los artistas del pop art que ha tenido más aceptación por la crítica y los galeristas entrando muy pronto a formar parte de la colección permanente de importantes museos internacionales. Eso lo disfrutó en vida. Sus obras se caracterizan por tener un sustrato evidente de la estética del cómic. En ella se asiste a escenas cotidianas, sin importancia y que forman parte de la cultura popular de la época. Gusta de los colores vibrantes y puros (amarillos, verdes y rojos) y no tiene empacho en reproducir todas las características de las revistas livianas de la época. Objetos o personajes (la mayoría anónimos) pueblan unas obras de líneas más que puras con un recurso a los puntos de las artes gráficas. Los bocadillos típicos del cómic forman parte de sus obras así como la tipografía en estado puro. Es uno de los artistas del pop art, junto con Warhol, más interesantes aunque, en principio, las temáticas de sus obras pudieran parecer frívolas.
5.- Robert Morris, uno de los artistas del pop art interesado por los happening
Es uno de los artistas del pop art que crea fuera del epicentro de New York ya que se formó y trabajó en San Francisco. Este movimiento, al contrario que las vanguardias artísticas, no se aglutinó a través de grupos que se reunían periódicamente para crear manifiestos y agitar conciencias. Cada autor trabajaba de manera independiente. Otra cosa es que New York fuera en ese momento uno de los ejes del mundo cultural y hasta aquí llegaran (desde distintos puntos de Estados Unidos) la mayoría de los artistas del pop art. Robert Morris se casó con una bailarina y asistía a los ensayos de su esposa. De aquí sacó la fuente de inspiración para levantar lo que el mismo denominó happening, antecedente de las performances que tanto abundaron en el panorama artístico de finales del siglo XX.
6.- Robert Rauschenberg, uno de los más reconocidos artistas del pop art
Otro artista con orígenes y formación distinta al epicentro neoyorkino, ya que nació en Texas y se formó en París, urbe que empezaba a flaquear como ombligo cultural del mundo. Sin embargo, casi toda su producción se realiza en New York. Tuvo contactos con el inclasificable John Cage, cuya producción está a medio camino entre la filosofía y el arte siendo uno de los más influyentes creadores de la poesía visual de finales del siglo XX. Rauschenberg también trabajó en obras que participan de la condición de performance o instalación.
7.- Claes Oldenburg
Originario de Estocolmo y tras estudiar en Yale y en Chicago, se afinca en New York. Su obra participa de las características del pop art más vanguardista al incorporar materiales de desecho o de origen diverso sin una definición clara.
8.- Donald Judd
Nacido en Misouri en 1928, se formó y trabajó en New York. Sus orígenes como artista están en el expresionismo que por entonces también dominaba la estética internacional. Bien entrada la década de los 60 abandonó cualquier atisbo de abstracción para realizar una obra con las características del pop art más reconocidas como es la representación de objetos simples, en ambiente minimalista y colores definidos y vibrantes. Siempre se movió en la frontera de los géneros. Sus obras están entra la escultura, la pintura, la performance, la instalación abriendo el camino para el arte último del finales del siglo XX.
9.- Allan Kaprow
Otro de los artistas del pop art que entró en contacto con John Cage y su particular estética ejerciendo casi toda su producción en el modelo happening.
10.- Sol Levitt
Trabajó en publicidad y diseño de marketing así como en un estudio de arquitectura. Sin duda, todo ello le llevó a la estética del minimalismo. Esta está asociada con el pop art. Evolucionó hacia el arte conceptual.
Estos diez artistas del pop art tuvieron un éxito en vida apabullante cosechando fama y riquezas a pesar de que algún que otro crítico, incluso hoy en día, abominara de la esencia de sus obras. Quizás no supieran ver ese entronque tan particular con la cultura popular de masas predominante en la época. Es la misma que retratan y dejan guardadas para siempre, como el mundo que fue en su momento y que quizás esté terminando movido por otros modos de estar, sentir y actuar.
Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla
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[text] => El pop art fue el movimiento artístico predominante en la década de los años sesenta. Su epicentro estuvo en New York y las obras producidas tuvieron una acogida de público tan fantástica que incluso dejó descolocado a parte de la crítica. Dentro de las características del pop art principales nos encontramos su relación con el mundo publicitario, el enaltecimiento de la banalidad del incipiente consumismo, los colores brillantes y planos así como un gusto por las formas de reproducción propias de las artes gráficas. Los artistas del pop art que traigo hoy crearon obras tan reconocidas por el público en general que al día de hoy se han convertido en verdaderos iconos culturales.
Los horrores de las dos grandes guerras quedaron atrás mientras que la población en general comienza a tener acceso a bienes y servicios nunca vistos en la historia de la humanidad. En el ambiente flota una deliciosa sensación de euforia y el mundo se intuye fácil. Los artistas no pueden ser ajenos a esta cosmovisión tan particular. Las vanguardias históricas (como el surrealismo o el cubismo) están ya amortizadas e, incluso, la estética que, de una manera u otra, entronca con el pop art, el dadaísmo. Con estos mimbres estos diez artistas del pop art levantan sus obras repletas de objetos de uso cotidiano, con guiños al cómic y a la iconografía de las revistas ligeras y con la mente abierta hacia otros modos de comunicación. Con ellos se abren las performances o las instalaciones y se da paso, también, a la poesía visual.
1.- Andy Warhol, el más conocido de entre todos los artistas del pop art
Es el más famoso y reconocido llegando a ser algunas de sus obras (los lienzos con la representación de las botellas de Coca Cola, de las latas de sopa, de Marilyn…) reconocidas y admiradas por el gran público en general. Nacido en 1928 en Pittsburg procedente de una familia de origen polaca, en los años cincuenta ya estaba trabajando como artista publicitario en New York, el epicentro de la estética del pop art. Nunca abandonaría ese punto de propaganda, de banalidad incluso, de exaltación de objetos cotidianos o de personajes famosos que forman su particular universo artístico. Si bien Warhol es uno de los artistas del arte pop más conocido por una obra que pudiéramos calificar como amable, sí se adentró en algunos temas de denuncia social. En esta línea señalo, por poner solo un ejemplo, sus obras con la silla eléctrica como protagonista en la que, de alguna manera u otra, se posiciona contra la pena de muerte.
La fama le llegó pronto (y el dinero también) creando alrededor de su persona (como de culto casi) un grupo de artistas conocido como The Factory. Aunque el pop art no realizó ningún manifiesto ni actuó en comandita como las vanguardias clásicas, sí genero Warhol este grupo heterogéneo formado por creadores de cualquier género, modelos, vividores y gentes del mundo de la noche. A final de sus días se dedicó a la producción de grupos musicales. Murió en 1987 en New York.
2.- Jasper Johns, el precusor del pop art
Nació en 1930 y comenzó sus estudios en la Universidad de Carolina del Sur. Con tal solo 19 años ya está en New York donde entra en contacto con los círculos vanguardistas de la época. Antes de que comenzara el pop art (dos o tres años antes de 1960) Jasper Johns se puso a pintar banderas, números y grandes letras en sus lienzos. Esas obras consideradas minimalistas, con colores planos, vibrantes y de una temática aparentemente banal inspiró al resto de los artistas del pop art o arte pop. Por eso, es considerado el abanderado del movimiento aunque muy pronto se cansó de esta línea estética y comenzó a generar obras en la línea de la instalación.
3.- James Rosenquist
Nació en 1933 en Dakota del Norte y en la juventud se traslada a New York donde comenzó a pintar vallas publicitarias. Sin duda, este trabajo de artesano casi fue una potente influencia en su obra posterior. A mediados de la década de los sesenta va a generar obras que se caracterizan por ser como collages de imágenes siempre con las características del pop art.
4.- Roy Lichtenstein y el comic del pop art
Es uno de los artistas del pop art que ha tenido más aceptación por la crítica y los galeristas entrando muy pronto a formar parte de la colección permanente de importantes museos internacionales. Eso lo disfrutó en vida. Sus obras se caracterizan por tener un sustrato evidente de la estética del cómic. En ella se asiste a escenas cotidianas, sin importancia y que forman parte de la cultura popular de la época. Gusta de los colores vibrantes y puros (amarillos, verdes y rojos) y no tiene empacho en reproducir todas las características de las revistas livianas de la época. Objetos o personajes (la mayoría anónimos) pueblan unas obras de líneas más que puras con un recurso a los puntos de las artes gráficas. Los bocadillos típicos del cómic forman parte de sus obras así como la tipografía en estado puro. Es uno de los artistas del pop art, junto con Warhol, más interesantes aunque, en principio, las temáticas de sus obras pudieran parecer frívolas.
5.- Robert Morris, uno de los artistas del pop art interesado por los happening
Es uno de los artistas del pop art que crea fuera del epicentro de New York ya que se formó y trabajó en San Francisco. Este movimiento, al contrario que las vanguardias artísticas, no se aglutinó a través de grupos que se reunían periódicamente para crear manifiestos y agitar conciencias. Cada autor trabajaba de manera independiente. Otra cosa es que New York fuera en ese momento uno de los ejes del mundo cultural y hasta aquí llegaran (desde distintos puntos de Estados Unidos) la mayoría de los artistas del pop art. Robert Morris se casó con una bailarina y asistía a los ensayos de su esposa. De aquí sacó la fuente de inspiración para levantar lo que el mismo denominó happening, antecedente de las performances que tanto abundaron en el panorama artístico de finales del siglo XX.
6.- Robert Rauschenberg, uno de los más reconocidos artistas del pop art
Otro artista con orígenes y formación distinta al epicentro neoyorkino, ya que nació en Texas y se formó en París, urbe que empezaba a flaquear como ombligo cultural del mundo. Sin embargo, casi toda su producción se realiza en New York. Tuvo contactos con el inclasificable John Cage, cuya producción está a medio camino entre la filosofía y el arte siendo uno de los más influyentes creadores de la poesía visual de finales del siglo XX. Rauschenberg también trabajó en obras que participan de la condición de performance o instalación.
7.- Claes Oldenburg
Originario de Estocolmo y tras estudiar en Yale y en Chicago, se afinca en New York. Su obra participa de las características del pop art más vanguardista al incorporar materiales de desecho o de origen diverso sin una definición clara.
8.- Donald Judd
Nacido en Misouri en 1928, se formó y trabajó en New York. Sus orígenes como artista están en el expresionismo que por entonces también dominaba la estética internacional. Bien entrada la década de los 60 abandonó cualquier atisbo de abstracción para realizar una obra con las características del pop art más reconocidas como es la representación de objetos simples, en ambiente minimalista y colores definidos y vibrantes. Siempre se movió en la frontera de los géneros. Sus obras están entra la escultura, la pintura, la performance, la instalación abriendo el camino para el arte último del finales del siglo XX.
9.- Allan Kaprow
Otro de los artistas del pop art que entró en contacto con John Cage y su particular estética ejerciendo casi toda su producción en el modelo happening.
10.- Sol Levitt
Trabajó en publicidad y diseño de marketing así como en un estudio de arquitectura. Sin duda, todo ello le llevó a la estética del minimalismo. Esta está asociada con el pop art. Evolucionó hacia el arte conceptual.
Estos diez artistas del pop art tuvieron un éxito en vida apabullante cosechando fama y riquezas a pesar de que algún que otro crítico, incluso hoy en día, abominara de la esencia de sus obras. Quizás no supieran ver ese entronque tan particular con la cultura popular de masas predominante en la época. Es la misma que retratan y dejan guardadas para siempre, como el mundo que fue en su momento y que quizás esté terminando movido por otros modos de estar, sentir y actuar.
Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla
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Las vanguardias históricas habían estado, hasta la irrupción del pop art o arte pop como se conoce en español, centradas en los -ismos y en París. En la capital de Francia se daban cita artistas diversos, filósofos con ínfulas políticas, aventureros en busca de sí mismos y todo tipo de gentes del mundo de la cultura. Allí nacieron el surrealismo y trabajaron los artistas del cubismo, los dos movimientos que más influencia han ejercido en el siglo XX. Todo cambió a finales de la década de los cincuenta al tiempo que la población occidental se sacudía de todos los horrores de las dos grandes guerras y comenzaba un camino para el capitalismo de consumo que hoy conocemos. Esta transformación comenzó, en primera medida, en Estados Unidos extendiéndose a Europa una década después. En paralelo, el epicentro artístico también sufrió un traslado desde la capital francesa hasta New York.
Definición de pop art o arte pop
A finales de la década de los cincuenta aparecen las primeras obras. Aunque voy a explayarme en algunas características del pop art o arte pop, este nuevo movimiento puede ser definido como un cambio radical en la manera de hacer arte, ya que deja a un lado los modos tradicionales de la pintura (óleo, acuarela, lápices…) para centrarse en las formas creativas de las artes seriadas (litografías, grabados, producción de libros, serigrafías…) Fue el movimiento estético preponderante en Estados Unidos (donde miraba todo Occidente por entonces) durante la década de los sesenta.
Además, el pop art echa mano de cualquier cosa que pudiera servirle para sus creaciones incorporando a la obra material de desecho e, incluso, basura. Dicho de esto modo pudiera parecer que esta estética se regodea en lo feo o en lo que nadie quiere. Pero nada está más lejos de la realidad, ya que si hay una definición del pop art que se ajuste a su realidad esta debe incluir las palabras publicidad y bienes de consumo de masas. La estética del pop art no entra en los grandes, medianos o pequeños dramas del ser humano y se centra en reproducir elementos que comenzaban a ser frecuentes en una sociedad cada vez más rica. También son frecuentes las celebridades y personajes de la época (hoy parte de la historia) como la estética del cómic. El pop art fue la respuesta alegre de una época despreocupada al máximo.
10 características del pop art o arte pop
1.- Si hay un arte amable que no entra en los horrores de la humanidad este es el pop art
La década de los cincuenta estaba pronto a terminar y los malos días habían pasado. La población en general podía disfrutar de bienes y servicios antes inimaginables. La economía crecía sin parar y todo alrededor daba la sensación de prosperidad (y así era efectivamente). En este contexto nace el pop art o arte pop en el círculo artístico de Nueva York. Nada en estas obras (en principio) nos recuerdan los grandes o pequeños problemas de la humanidad. Todo en ellas es cotidiano, frecuente, de supermercado casi. Y además está representado de una manera tan distendida que es difícil encontrar un paralelo semejante en la historia del arte.
2.- No se entiende el pop art o arte pop sin el despegue de la sociedad de consumo
En estas obras aparecen parejas en el coche, muchachas que se bañan alegremente en casa, latas de sopa listas para consumir, botellas de Coca-Cola que acompañan al ocio de los jóvenes… El pop art es la primera representación de la sociedad de consumo, de la inicial, de la que se adentró con alegría (porque el precedente era la escasez) en los hábitos de compra de todo tipo de bienes y servicios. Y estos se representan de forma desenfada y sin hacer muchas preguntas. Eso llegaría después con otras estéticas que se alargan hasta el siglo XXI.
3.- Una de las características del pop art más llamativa es su relación con la publicidad
Y si algo es inherente a la sociedad de consumo, esta es su acompañamiento de la publicidad. Tanto es así que casi no se puede entender una sin la otra. La mayoría de los artistas del pop art se habían iniciado en el mundo de la comunicación publicitaria desde distintos ámbitos. Unos pintaron vallas con anuncios, otros habían organizado campañas o habían diseñado etiquetas o el formato mismo de los productos a publicitar. El caso es que la publicidad y sus normas están presentes en estas obras. Es tan evidente que se nota hasta a simple vista con obras en las que son frecuentes las llamadas con tipografía, los colores planos y vibrantes, las líneas marcadas, la tendencia al minimalismo para que nada distraiga la atención del objeto protagonista.
4.- Los personajes e iconos de la época suelen ser protagonistas de estas obras
Porque si hay un gusto por reproducir los objetos típicos de una época (desde ropa hasta menaje) también hay un amor por los personajes de la época. En este sentido, podemos encuadrar los míticos y reconocidos cuadros de Andy Warhol (uno de sus mayores representantes) en los que son protagonistas M. Monroe o Mao.
5.- Otra de las características del pop art o arte pop es su relación con el cómic
Otros artistas, como es el caso de Roy Lichtenstein, muestran una preferencia por la estética del cómic tan evidente que ni siquiera requiere más aclaración. Son obras en las que nos parece asistir a viñetas con sus colores planos, sus líneas marcadas e, incluso, los “bocadillos” con la verbalización en tipografía de los personajes. La cultura popular de los tebeos o de las revistas de entretenimiento entra en el “gran arte” difuminando para siempre las fronteras entre uno y otro. A la par, como ocurre siempre con cualquier manifestación cultural, esta no puede dejar de reflejar los modos de su tiempo.
6.- El pop art se vale de las técnicas y métodos de las artes gráficas tradicionales
Aunque hay uso del lienzo o del óleo, este queda totalmente relegado a favor de técnicas que hasta entonces se habían utilizado para las artes gráficas y sus modos de reproducción.
7.- No fue un grupo homogéneo y el epicentro artístico estuvo en New York
Hasta este momento, finales de la década de los cincuenta y hasta los primeros años setenta, cuando se desarrolla el pop art, los artistas habían estado agrupados. El epicentro normalmente era París donde se reunían en sus cafés o lugares de encuentro. Allí se hacían los manifiestos o se ponían en marcha las obras más diversas. El dadaísmo o el fauvismo, por poner solo dos nombres, trabajaron con estas premisas. Ahora todo eso salta por los aires. Cada artista produce en soledad, sin grupos y sin manifiestos, aunque se teorice con posterioridad. Y el epicentro artístico se pierde, para siempre, de París. Ya no será el lugar donde acudan artistas de toda índole. Éste se ha mudado a la Ciudad de los Rascacielos.
8.- Una de las características del pop art más peculiares es que gustó antes al público general que a los supuestos profesionales
Y la crítica fue la última en apuntarse a la nueva ola. Quizás por primera vez en la historia, una forma novedosa de hacer arte llega antes (en el sentido amplio del término) a los coleccionistas e, incluso, a un público general que a los galeristas. Por si esto fuera poco, la crítica se quedó rezagada, como a trasmano con la nueva manera de crear.
9.- Hay un gusto por la palabra escrita que se incorpora a la obra
Probablemente procede de la influencia del cómic o de las revistas ligeras de consumo y temática liviana. La palabra, los “bocadillos”, la tipografía, las expresiones escritas forman parte de la obra junto con las imágenes.Y es esta una de las características del pop art que entroncan o emparentan con la poesía visual que comienza a generarse a partir de la década de los sesenta y que pretenderá romper las fronteras y barreras existentes entre la literatura y las artes plásticas.
10.- El color extremo y la repetición es otra de las características del pop art
Las series, la repetición, los puntos que forman las figuras, la eliminación de cualquier sombra y/o perspectiva, los colores planos o brillantes son características del pop art más conocido.
Además, el pop art pone énfasis en el espectador, en ese recptor del mensaje que, con su mirada, modifica aquello que se quiere decir. Casi no tienen que hacer un esfuerzo por llegar al gran público. El gusto y el amor se produce casi de inmediato encumbrando a la fama y a la riqueza a buena parte de sus creadores.
Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla
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Definición de pop art o arte pop
A finales de la década de los cincuenta aparecen las primeras obras. Aunque voy a explayarme en algunas características del pop art o arte pop, este nuevo movimiento puede ser definido como un cambio radical en la manera de hacer arte, ya que deja a un lado los modos tradicionales de la pintura (óleo, acuarela, lápices…) para centrarse en las formas creativas de las artes seriadas (litografías, grabados, producción de libros, serigrafías…) Fue el movimiento estético preponderante en Estados Unidos (donde miraba todo Occidente por entonces) durante la década de los sesenta.
Además, el pop art echa mano de cualquier cosa que pudiera servirle para sus creaciones incorporando a la obra material de desecho e, incluso, basura. Dicho de esto modo pudiera parecer que esta estética se regodea en lo feo o en lo que nadie quiere. Pero nada está más lejos de la realidad, ya que si hay una definición del pop art que se ajuste a su realidad esta debe incluir las palabras publicidad y bienes de consumo de masas. La estética del pop art no entra en los grandes, medianos o pequeños dramas del ser humano y se centra en reproducir elementos que comenzaban a ser frecuentes en una sociedad cada vez más rica. También son frecuentes las celebridades y personajes de la época (hoy parte de la historia) como la estética del cómic. El pop art fue la respuesta alegre de una época despreocupada al máximo.
10 características del pop art o arte pop
1.- Si hay un arte amable que no entra en los horrores de la humanidad este es el pop art
La década de los cincuenta estaba pronto a terminar y los malos días habían pasado. La población en general podía disfrutar de bienes y servicios antes inimaginables. La economía crecía sin parar y todo alrededor daba la sensación de prosperidad (y así era efectivamente). En este contexto nace el pop art o arte pop en el círculo artístico de Nueva York. Nada en estas obras (en principio) nos recuerdan los grandes o pequeños problemas de la humanidad. Todo en ellas es cotidiano, frecuente, de supermercado casi. Y además está representado de una manera tan distendida que es difícil encontrar un paralelo semejante en la historia del arte.
2.- No se entiende el pop art o arte pop sin el despegue de la sociedad de consumo
En estas obras aparecen parejas en el coche, muchachas que se bañan alegremente en casa, latas de sopa listas para consumir, botellas de Coca-Cola que acompañan al ocio de los jóvenes… El pop art es la primera representación de la sociedad de consumo, de la inicial, de la que se adentró con alegría (porque el precedente era la escasez) en los hábitos de compra de todo tipo de bienes y servicios. Y estos se representan de forma desenfada y sin hacer muchas preguntas. Eso llegaría después con otras estéticas que se alargan hasta el siglo XXI.
3.- Una de las características del pop art más llamativa es su relación con la publicidad
Y si algo es inherente a la sociedad de consumo, esta es su acompañamiento de la publicidad. Tanto es así que casi no se puede entender una sin la otra. La mayoría de los artistas del pop art se habían iniciado en el mundo de la comunicación publicitaria desde distintos ámbitos. Unos pintaron vallas con anuncios, otros habían organizado campañas o habían diseñado etiquetas o el formato mismo de los productos a publicitar. El caso es que la publicidad y sus normas están presentes en estas obras. Es tan evidente que se nota hasta a simple vista con obras en las que son frecuentes las llamadas con tipografía, los colores planos y vibrantes, las líneas marcadas, la tendencia al minimalismo para que nada distraiga la atención del objeto protagonista.
4.- Los personajes e iconos de la época suelen ser protagonistas de estas obras
Porque si hay un gusto por reproducir los objetos típicos de una época (desde ropa hasta menaje) también hay un amor por los personajes de la época. En este sentido, podemos encuadrar los míticos y reconocidos cuadros de Andy Warhol (uno de sus mayores representantes) en los que son protagonistas M. Monroe o Mao.
5.- Otra de las características del pop art o arte pop es su relación con el cómic
Otros artistas, como es el caso de Roy Lichtenstein, muestran una preferencia por la estética del cómic tan evidente que ni siquiera requiere más aclaración. Son obras en las que nos parece asistir a viñetas con sus colores planos, sus líneas marcadas e, incluso, los “bocadillos” con la verbalización en tipografía de los personajes. La cultura popular de los tebeos o de las revistas de entretenimiento entra en el “gran arte” difuminando para siempre las fronteras entre uno y otro. A la par, como ocurre siempre con cualquier manifestación cultural, esta no puede dejar de reflejar los modos de su tiempo.
6.- El pop art se vale de las técnicas y métodos de las artes gráficas tradicionales
Aunque hay uso del lienzo o del óleo, este queda totalmente relegado a favor de técnicas que hasta entonces se habían utilizado para las artes gráficas y sus modos de reproducción.
7.- No fue un grupo homogéneo y el epicentro artístico estuvo en New York
Hasta este momento, finales de la década de los cincuenta y hasta los primeros años setenta, cuando se desarrolla el pop art, los artistas habían estado agrupados. El epicentro normalmente era París donde se reunían en sus cafés o lugares de encuentro. Allí se hacían los manifiestos o se ponían en marcha las obras más diversas. El dadaísmo o el fauvismo, por poner solo dos nombres, trabajaron con estas premisas. Ahora todo eso salta por los aires. Cada artista produce en soledad, sin grupos y sin manifiestos, aunque se teorice con posterioridad. Y el epicentro artístico se pierde, para siempre, de París. Ya no será el lugar donde acudan artistas de toda índole. Éste se ha mudado a la Ciudad de los Rascacielos.
8.- Una de las características del pop art más peculiares es que gustó antes al público general que a los supuestos profesionales
Y la crítica fue la última en apuntarse a la nueva ola. Quizás por primera vez en la historia, una forma novedosa de hacer arte llega antes (en el sentido amplio del término) a los coleccionistas e, incluso, a un público general que a los galeristas. Por si esto fuera poco, la crítica se quedó rezagada, como a trasmano con la nueva manera de crear.
9.- Hay un gusto por la palabra escrita que se incorpora a la obra
Probablemente procede de la influencia del cómic o de las revistas ligeras de consumo y temática liviana. La palabra, los “bocadillos”, la tipografía, las expresiones escritas forman parte de la obra junto con las imágenes.Y es esta una de las características del pop art que entroncan o emparentan con la poesía visual que comienza a generarse a partir de la década de los sesenta y que pretenderá romper las fronteras y barreras existentes entre la literatura y las artes plásticas.
10.- El color extremo y la repetición es otra de las características del pop art
Las series, la repetición, los puntos que forman las figuras, la eliminación de cualquier sombra y/o perspectiva, los colores planos o brillantes son características del pop art más conocido.
Además, el pop art pone énfasis en el espectador, en ese recptor del mensaje que, con su mirada, modifica aquello que se quiere decir. Casi no tienen que hacer un esfuerzo por llegar al gran público. El gusto y el amor se produce casi de inmediato encumbrando a la fama y a la riqueza a buena parte de sus creadores.
Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla
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Definición y 10 características del pop art
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Algunas claves para entender el pop art
Una vez Occidente se recuperó de la dos grandes guerras, bien avanzado los años cincuenta, la población en general se encuentra con otra perspectiva vital. El expresionismo en arte (pocos años antes el favorito de galeristas y coleccionistas) empieza a declinar. Hay un afán de libertad y una búsqueda constante por dotar a la vida de un juego sin fin. Los horrores pasados quedan enterrados y todos buscan otras reglas filosóficas que se adaptaran a la incipiente sociedad de consumo. Si el dadaísmo había propuesto una mofa de cualquier expresión artística, ahora se buscan obras que no devuelvan el dolor del pasado. Si hasta entonces París era el centro del mundo, en estos momentos la escena artística gravita alrededor de las grandes ciudades de Estados Unidos, siendo Nueva York el nuevo epicentro creativo.
Al contrario de lo que venía sucediendo hasta entonces, los llamados artistas del pop art no formaron un grupo homogéneo que se reunían para compartir impresiones y para realizar manifiestos. Esa época ya pasó. Ahora todo vale: desde la recuperación de los materiales de desecho hasta la experimentación con los paraísos artificiales de cualquier tipo. Cada creador trabaja de forma individual y no hay conciencia de grupo. A la par, las fronteras entre las artes se difuminan y el denominado arte culto salta por los aires.
Además, quizás por primera vez en la historia del arte, estas obras y sus creadores fueron valorados antes por el público en general (y a ellos nos referimos a los coleccionistas) que por los profesionales (galeristas y críticos). La respuesta probablemente esté en su entronque con la cultura publicitaria y el nuevo consumo de masas. Y aquí tenemos la primera de las características del pop art.
10 características del pop art
1.- No se puede entender el pop art sin conocer la producción gráfica de la cultura de masas de una incipiente sociedad de consumo. Y aquí metemos desde el comic, los productos publicitarios, las nuevas revistas o los iconos que se fueron formando en esta época.
2.- El pop art se nutre de todos esos nuevos productos, actitudes y personajes que formaban parte del conocimiento de la población en general: desde la coca cola, las sopas enlatadas hasta una diva del cine como fue Marilyn Monroe.
3.- Las técnicas y los modos de la comunicación comercial están presentes en estas obras desde el nuevo realismo, los colores vibrantes puros hasta los modelos de reproducción.
4.- Las temáticas son cotidianas, sin más sentido oculto que los objetos o los personajes que cualquiera pudiera reconocer. En este sentido, Andy Warhol afirmaría.
[nosotros pintamos lo que] “cualquiera que fuese paseando por Broadway reconocería al instante: tebeos, mesas de picnic, pantalones de hombre, celebridades, cortinas de baño, neveras, botellas de Coca-Cola”
5.- El pop art comienza a deshumanizar las figuras humanas que aparecen en sus obras en un proceso que aún al día de hoy, bien entrado el siglo XXI, no ha terminado. Los modelos se copian en una mimesis total pero, a la par, estos pierden cualquier atisbo de humanidad. Nada hay de drama, ensoñanción o espíritu crítico. La representación siempre se centra en escenas banales y sin importancia: una chica que se baña, una pareja en el coche, latas de sopa…
6.- Las obras del pop art son planas, con colores brillantes y tendentes al minimalismo. Algún crítico ha indicado que el pop art es un arte frío que no entra en lo profundo de los sentimientos humanos. Nada más lejos de la realidad, al presentar ese universo fácil, de consumo y de despreocupación, en el fondo, están también retratando una época con todos sus males dentro.
7.- Hay un rechazo a cualquier técnica que implicara la tradición. Aunque esto se venía haciendo desde hacía tiempo, especialmente por los artistas del cubismo, ahora es cuando entra en su apoteosis, formando parte de la obra modos que hasta entonces solo eran aceptados en las artes gráficas cuando se trataba de reproducción (libros, panfletos, publicidad…)
8.- En el pop art hay un gusto por las formas geométricas, por las líneas marcadas, por el puntillismo, por los objetos simples pero estos siempre son reconocidos y solo llegan a la abstracción en el último momento. Bien entrada la década de los sesenta, algunos artistas experimentan con formas geométricas ordenadas en una nueva vuelta de tuerca del dadaísmo.
9.- El espectador se convierte en parte activa de la obra abriendo la puerta a las instalaciones y performances de las últimas décadas del siglo XX. También la poesía visual participa de esta idea.
10.- Junto con las imágenes reconocibles de la publicidad y de los nuevos modos de consumo, en el pop art tienen una influencia tremenda todos los modos del cómic, desde la reproducción misma o los colores hasta la comunicación verbal de las tiras.
5 artistas del pop art, los creadores más importantes del arte pop
Aunque no están todos los que son sí son todos los que están. Si bien el movimiento tuvo buena acogida en Inglaterra, hoy voy a tratar solo los artistas del pop art más conocidos. Todos ellos, crean una obra alrededor de los postulados de la incipiente sociedad de consumo americana.
1.- Andy Warhol, uno de los artistas del pop art más reconocidos
Tanto que su nombre y su obra está en boca de quienes no manifiestan un mínimo interés por el arte. Convertido en icono del siglo XX, nació en 1928 de una familia de origen polaco. Murió en Nueva York en 1987. Se inició como artista publicitario y a partir de la década de los sesenta creó sus conocidas y reconocidas obras en las que se aprecia sin ambages los modos de la publicidad. De los objetos pasó a los grandes artistas del cine, a los políticos del momento (Mao, por ejemplo). A pesar de representar el arte “amable” de la época también se interesó por objetos más truculentos como una silla eléctrica en una clara crítica a la tortura de la pena de muerte. Logró amasar una considerable fortuna con sus obras y, al final de sus días, se dedicó a patrocinar artistas diversos tanto del mundo plástico como de la música.
2.- Roy Lichtenstein, el genio entre los artistas del pop art
Nacido en Nueva York en 1923, hizo estudios de Bellas Artes y se inició primero en el expresionismo aunque muy pronto comenzó a abrazar los postulados del pop art. Su estilo es icónico con obras que han entrado en el canon claramente influenciadas por la estética del cómic. Murió en 1997 en la misma ciudad que le vio nacer.
3.- Robert Rauschenberg y sus instalaciones
Oriundo de Texas donde nació en 1925, tuvo un primer contacto con la vanguardia parisina aunque muy pronto regresó a los Estados Unidos instalándose en Nueva York en 1945. Su originalidad radica en unas obras pictóricas que alcanzan la tercera dimensión al añadir objetos de diferente procedencia. Es considerado el precursor de las instalaciones que abundaron a finales del siglo XX.
4.- James Rosenquist, el más político del movimiento
Se inició en la publicidad como tantos artistas del pop art. En este caso, llegó a pintar vallas publicitarias. La sociedad de consumo, el hedonismo, la crítica al vacío de las personas que solo buscan llenarse con cosas son una constante en todas sus obras.
5.- Jasper Johns, el pionero del pop art
Aunque un poco más joven que todos los demás, ya que nació en 1930, sus banderas pintadas en la década de los cincuenta se consideran las obras precursoras del pop art o arte pop.
El movimiento puede darse por inaugurado en 1956 con un collage de Richard Halmiton y en los primeros años de 1970 se considera liquidado. Entre una fecha y otra tuvo lugar no solo la llegada a la Luna o el magnicidio de Kennedy o el asesinato de Martin L.King. Fue la década de los derechos civiles de la población negra, de un incipiente feminismo, de las drogas, de la revolución hippy que culminaría en el mayo del 68 parisino. Con estos mimbres levantaron sus obras los artistas del pop art o arte pop como se traduce en español.
Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla
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[text] => Hasta la eclosión del pop art o arte pop en la década de los sesenta, las vanguardias habían tenido un origen europeo (el futurismo o la pintura metafísica en Italia por poner solo dos casos) y, especialmente francés. París fue hasta bien entrado los años sesenta sencillamente el ombligo del mundo. Hasta allí llegaban filósofos en busca de una idea entre café y café, artistas de todo pelo, jóvenes infectados con el virus de la política, vividores de cualquier plumaje y creadores de todos los -ismos posibles. En París nació el cubismo y el surrealismo, estéticas imperantes hasta la irrupción del pop art.
Algunas claves para entender el pop art
Una vez Occidente se recuperó de la dos grandes guerras, bien avanzado los años cincuenta, la población en general se encuentra con otra perspectiva vital. El expresionismo en arte (pocos años antes el favorito de galeristas y coleccionistas) empieza a declinar. Hay un afán de libertad y una búsqueda constante por dotar a la vida de un juego sin fin. Los horrores pasados quedan enterrados y todos buscan otras reglas filosóficas que se adaptaran a la incipiente sociedad de consumo. Si el dadaísmo había propuesto una mofa de cualquier expresión artística, ahora se buscan obras que no devuelvan el dolor del pasado. Si hasta entonces París era el centro del mundo, en estos momentos la escena artística gravita alrededor de las grandes ciudades de Estados Unidos, siendo Nueva York el nuevo epicentro creativo.
Al contrario de lo que venía sucediendo hasta entonces, los llamados artistas del pop art no formaron un grupo homogéneo que se reunían para compartir impresiones y para realizar manifiestos. Esa época ya pasó. Ahora todo vale: desde la recuperación de los materiales de desecho hasta la experimentación con los paraísos artificiales de cualquier tipo. Cada creador trabaja de forma individual y no hay conciencia de grupo. A la par, las fronteras entre las artes se difuminan y el denominado arte culto salta por los aires.
Además, quizás por primera vez en la historia del arte, estas obras y sus creadores fueron valorados antes por el público en general (y a ellos nos referimos a los coleccionistas) que por los profesionales (galeristas y críticos). La respuesta probablemente esté en su entronque con la cultura publicitaria y el nuevo consumo de masas. Y aquí tenemos la primera de las características del pop art.
10 características del pop art
1.- No se puede entender el pop art sin conocer la producción gráfica de la cultura de masas de una incipiente sociedad de consumo. Y aquí metemos desde el comic, los productos publicitarios, las nuevas revistas o los iconos que se fueron formando en esta época.
2.- El pop art se nutre de todos esos nuevos productos, actitudes y personajes que formaban parte del conocimiento de la población en general: desde la coca cola, las sopas enlatadas hasta una diva del cine como fue Marilyn Monroe.
3.- Las técnicas y los modos de la comunicación comercial están presentes en estas obras desde el nuevo realismo, los colores vibrantes puros hasta los modelos de reproducción.
4.- Las temáticas son cotidianas, sin más sentido oculto que los objetos o los personajes que cualquiera pudiera reconocer. En este sentido, Andy Warhol afirmaría.
[nosotros pintamos lo que] “cualquiera que fuese paseando por Broadway reconocería al instante: tebeos, mesas de picnic, pantalones de hombre, celebridades, cortinas de baño, neveras, botellas de Coca-Cola”
5.- El pop art comienza a deshumanizar las figuras humanas que aparecen en sus obras en un proceso que aún al día de hoy, bien entrado el siglo XXI, no ha terminado. Los modelos se copian en una mimesis total pero, a la par, estos pierden cualquier atisbo de humanidad. Nada hay de drama, ensoñanción o espíritu crítico. La representación siempre se centra en escenas banales y sin importancia: una chica que se baña, una pareja en el coche, latas de sopa…
6.- Las obras del pop art son planas, con colores brillantes y tendentes al minimalismo. Algún crítico ha indicado que el pop art es un arte frío que no entra en lo profundo de los sentimientos humanos. Nada más lejos de la realidad, al presentar ese universo fácil, de consumo y de despreocupación, en el fondo, están también retratando una época con todos sus males dentro.
7.- Hay un rechazo a cualquier técnica que implicara la tradición. Aunque esto se venía haciendo desde hacía tiempo, especialmente por los artistas del cubismo, ahora es cuando entra en su apoteosis, formando parte de la obra modos que hasta entonces solo eran aceptados en las artes gráficas cuando se trataba de reproducción (libros, panfletos, publicidad…)
8.- En el pop art hay un gusto por las formas geométricas, por las líneas marcadas, por el puntillismo, por los objetos simples pero estos siempre son reconocidos y solo llegan a la abstracción en el último momento. Bien entrada la década de los sesenta, algunos artistas experimentan con formas geométricas ordenadas en una nueva vuelta de tuerca del dadaísmo.
9.- El espectador se convierte en parte activa de la obra abriendo la puerta a las instalaciones y performances de las últimas décadas del siglo XX. También la poesía visual participa de esta idea.
10.- Junto con las imágenes reconocibles de la publicidad y de los nuevos modos de consumo, en el pop art tienen una influencia tremenda todos los modos del cómic, desde la reproducción misma o los colores hasta la comunicación verbal de las tiras.
5 artistas del pop art, los creadores más importantes del arte pop
Aunque no están todos los que son sí son todos los que están. Si bien el movimiento tuvo buena acogida en Inglaterra, hoy voy a tratar solo los artistas del pop art más conocidos. Todos ellos, crean una obra alrededor de los postulados de la incipiente sociedad de consumo americana.
1.- Andy Warhol, uno de los artistas del pop art más reconocidos
Tanto que su nombre y su obra está en boca de quienes no manifiestan un mínimo interés por el arte. Convertido en icono del siglo XX, nació en 1928 de una familia de origen polaco. Murió en Nueva York en 1987. Se inició como artista publicitario y a partir de la década de los sesenta creó sus conocidas y reconocidas obras en las que se aprecia sin ambages los modos de la publicidad. De los objetos pasó a los grandes artistas del cine, a los políticos del momento (Mao, por ejemplo). A pesar de representar el arte “amable” de la época también se interesó por objetos más truculentos como una silla eléctrica en una clara crítica a la tortura de la pena de muerte. Logró amasar una considerable fortuna con sus obras y, al final de sus días, se dedicó a patrocinar artistas diversos tanto del mundo plástico como de la música.
2.- Roy Lichtenstein, el genio entre los artistas del pop art
Nacido en Nueva York en 1923, hizo estudios de Bellas Artes y se inició primero en el expresionismo aunque muy pronto comenzó a abrazar los postulados del pop art. Su estilo es icónico con obras que han entrado en el canon claramente influenciadas por la estética del cómic. Murió en 1997 en la misma ciudad que le vio nacer.
3.- Robert Rauschenberg y sus instalaciones
Oriundo de Texas donde nació en 1925, tuvo un primer contacto con la vanguardia parisina aunque muy pronto regresó a los Estados Unidos instalándose en Nueva York en 1945. Su originalidad radica en unas obras pictóricas que alcanzan la tercera dimensión al añadir objetos de diferente procedencia. Es considerado el precursor de las instalaciones que abundaron a finales del siglo XX.
4.- James Rosenquist, el más político del movimiento
Se inició en la publicidad como tantos artistas del pop art. En este caso, llegó a pintar vallas publicitarias. La sociedad de consumo, el hedonismo, la crítica al vacío de las personas que solo buscan llenarse con cosas son una constante en todas sus obras.
5.- Jasper Johns, el pionero del pop art
Aunque un poco más joven que todos los demás, ya que nació en 1930, sus banderas pintadas en la década de los cincuenta se consideran las obras precursoras del pop art o arte pop.
El movimiento puede darse por inaugurado en 1956 con un collage de Richard Halmiton y en los primeros años de 1970 se considera liquidado. Entre una fecha y otra tuvo lugar no solo la llegada a la Luna o el magnicidio de Kennedy o el asesinato de Martin L.King. Fue la década de los derechos civiles de la población negra, de un incipiente feminismo, de las drogas, de la revolución hippy que culminaría en el mayo del 68 parisino. Con estos mimbres levantaron sus obras los artistas del pop art o arte pop como se traduce en español.
Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla
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Pop art | características, obras y claves para entender el arte pop
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