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El 11 de octubre de 2013 la prestigiosa revista National Geographic publica una investigación, llevada a cabo bajo su mecenazgo, en algunas cuevas europeas decoradas con arte rupestre. Aunque el objetivo no está especificado en la exposición de motivos, quienes realizaron dicho trabajo se preguntan si, en realidad, estas pinturas no estarían realizadas por mujeres, por una suerte de chamanas femeninas que dejaron estas huellas (a veces en el sentido literal del término) en el interior de cavidades siguiendo algún tipo de rito de iniciación. La conclusión coincide con el título de dicho artículo divulgativo: los artistas prehistóricos podrían haber sido mujeres.  

Qué es el arte rupestre 

Aunque rupestre significa “en piedra” y etimológicamente podríamos incluso considerar  como tal algunas manifestaciones contemporáneas de land art, la denominación se acota a una época indeterminada en el cambio del Paleolítico al Neolítico. Estamos en un arco temporal que va desde el 40.000 a.C hasta el 3.000 a.C. De la época, a pesar de las numerosas excavaciones y de los estudios antropológicos, poco se sabe. Tanto es así que las nuevas investigaciones se empeñan en desmontar por completo las anteriores con cada nuevo hallazgo. Aunque poco se sepa del modelo social y cotidiano de los inicios de la humanidad, sí nos han llegado maravillosas obras de pinturas rupestres de indudable belleza e importancia. Solo hay que poner unos cuantos nombres: Lascaux en el sur de Francia, Altamira en el norte de España, la Cueva de las Manos en el sur de Argentina… Quizás porque estas obras comenzaron a estudiarse en el siglo XIX (marcada por una cerrada mentalidad patriarcal), sin fundamentos de ningún tipo se consideró que fueron creadas por pintores masculinos. Las últimas evidencias, sin embargo, apuntan a lo contrario: a que la pintura rupestre fue obra de mujeres. 

Cómo se realizan las pinturas rupestres 

La mayoría de estas enigmáticas obras se encuentran en cuevas de difícil acceso e, incluso, para su ejecución, con toda probabilidad, habría que forzar posturas incómodas. Y esto hay que tenerlo en cuenta a la hora de apuntar una finalidad, un objetivo, una intencionalidad.  Para su realización se utilizan elementos que quedan a mano: arcillas, minerales, grasas animales, huesos huecos o pinceles rústicos con pelo de animal. Los colores son los básicos: el ocre (de la tierra), el negro (hollín o mineral), blanco (de piedras) y rojos (de arcillas o minerales).

Las formas del arte rupestre son básicas y en ellas encontramos bisontes, caballos o ciervos e, incluso, esquemas de individuos con armas sencillas: arcos con flechas y lanzas. Este realismo contrasta, compartiendo espacio, con la multitud de manos realizadas por el método del estarcido. Con esta técnica, la mano se coloca sobre la pared y sobre ella, con un hueso hueco, se va soplando la pintura hasta delimitar por completo el contorno. También hay ejemplos en positivo. Esto es, se tiñe la mano con pintura y se imprime por presión la huella en la pared. Son. precisamente estas imágenes las que han sido estudiadas desde el punto de vista métrico y se afirma por parte de los investigadores involucrados que la mayoría pertenecen a mujeres. Las manos del arte rupestre presentan una morfología muy particular, ya que tanto los dedos índices como anular son de la misma longitud. Y esta característica (con sus matices) es esencialmente femenina. 

Cueva de las manos

La cueva de las manos de Argentina y la teoría que ha revolucionado el entendimiento del arte prehistórico 

Fue el psiquiatra Massimo Fagioli (1931-1917) quien apuntó la diferencia morfológica entre las manos femeninas y masculinas. Estos estudios fueron continuados por el biólogo John Maning. Fue este último el que demostró que las mujeres (con sus salvedades) tenemos el dedo índice y anular de la misma longitud. Los hombres tienen el anular más largo. Posteriormente, el antropólogo Dean Snow en la expedición financiada por National Geographic nombrada al principio corroboró esta hipótesis en las cuevas prehistóricas.  El objeto de estudio se basó en las huellas de manos de las cuevas de Lascaux en Francia y del Campillo en España. 

El revuelo de los resultados de la investigación estaba servido entre antropólogos y arqueólogos de todos los rincones del mundo. Y, a partir de esa fecha, se pusieron a comprobar esos parámetros métricos en las distintas cuevas desperdigadas por todos los rincones del planeta. Así, se ha podido corroborar también en las cuevas de México y, por supuesto, en una de las más famosas del mundo:  La Cueva de las Manos de Santa Cruz, en Argentina. Está situada a pocos kilómetros del conocido glaciar Perito Moreno. La obra está fechada entre el 13.000 y el 9.000 a.C. La cueva está a 24 metros de profundidad y tiene 10 metros de alto, aunque se va estrechando una vez dentro. Fue descubierta en 1876 y el grueso de los estudios se realizó durante los años sesenta del siglo XX. Aquí encontramos manos en las que se ha esparcido pintura sobre ellas. Los colores van del rojo al ocre pasando por el blanco y el negro. Algunas son de pequeño tamaño y no se descarta que pertenezcan a adolescentes implicados en algún rito de paso que no podemos dilucidar con los datos actuales. 

La Cueva de las Manos (como otras semejantes) se utilizaron durante siglos. Esto es, estuvieron en activo, con sus debidas transformaciones, por generaciones. Y es aquí donde cobra importancia la teoría que considera estos lugares como emplazamientos sagrados. Solo a este tipo de sitios se vuelve una y otra vez mientras es cuidado por la comunidad sin importar los años que pasen. Además, en este yacimiento argentino encontramos los animales autóctonos de la zona como los guanacos. Y hay más datos: entre el año 3000 y 1500 a.C. estas pinturas rupestres se transforman y pierden su realismo. De esta fecha son seres imaginados mezcla de animal y humano. Por tanto, la narración del mito, del símbolo y de lo irreal está servida. Es más, los investigadores apuntan a que estas cuevas estaban en uso por las poblaciones de cazadores recolectores de la zona en una edad tan temprana como el siglo XII. Y si lo estaba es porque el lugar era considerado ancestral y mágico.  

Arte rupestre y trascendencia 

Aunque las teorías sobre la finalidad de esta manifestación estilística no está clara, no podemos perder el foco con hipótesis mundanas. Una tarea tan compleja para la que se necesita adentrarse en una cueva donde incluso hoy en día (con nuestra cosmovisión desacralizada) se siente ese pellizco de lo otro, de lo espiritual, de lo incognoscible, solo puede entenderse en clave sagrada. Esto es, el arte rupestre no puede ser, como se ha apuntado, esquemas de caza que compartía toda la tribu. Para esa función, individuos primitivos con escasas herramientas no se adentran en cuevas complicadas. Esos croquis se harían alrededor del fuego sobre la arena en el caso de que algo así se hiciera. Estas manifestaciones artísticas hay que entenderlas como un deseo de congraciarse con los espíritus, con la magia que ya intuían puesto que tenían asimilado el concepto de finitud, de la muerte con toda su incomprensión.  

Hasta el interior de las cuevas se accedía portando antorchas y los útiles de pintor con el único fin de dejar plasmada una imagen, una representación, un símbolo, en definitiva, de aquello que era fundamental para la supervivencia del grupo. Con toda probabilidad, esos recintos servían como lugar de ofrendas, de rito o de comunión con la divinidad. No podemos saber si se desarrollaban ceremonias con la tribu al completo o, en su defecto, solo algunos elegidos accedían a este lugar. 

El arte primitivo y su relación con lo sagrado 

Esto último “parece” (con todas las salvedades de las hipótesis) lo que se representa en la Cueva de las Manos de Argentina. En ellas aparecen plasmadas manos femeninas (siguiendo el esquema de longitud apuntado al inicio) o de individuos adolescentes de ambos sexos. Las imágenes están superpuestas unas sobre otras y algunas incluso muestran el antebrazo. Se ven más apelotonadas las que se encuentran en el tercio inferior como si fuera más fácil acceder a esa zona para dejar marcada la huella. Algo de esta condición (en un espacio de complicado acceso y con un emplazamiento natural de radical y apabullante belleza) se realiza siguiendo parámetros mágicos, sagrados o de encuentro con la divinidad. Esas manos se nos antojan como una especie de firma, como el permiso de acceso a un lugar sagrado. Nos podemos imaginar una chamana que da paso a un adolescente o a una mujer joven para que, de algún modo u otro, oficie los ritos que allí tienen lugar. Estamos ya ante un pensamiento simbólico y mágico. 

Esas manos que se superponen unas a otras sería como el libro de firmas de todos los que, de alguna manera u otra, participan de esa narración sagrada. Si fuera así, deberían tener intuición de lo que supone la historia, de lo que supone que un miembro suceda a otro miembro, de lo fundamental de la supervivencia de la tribu a pesar de la muerte de algunas personas. Al superponer las manos sobre las existentes están formando comunidad y tendrían la concepción de la importancia del pasado sobre el futuro. 

Si esto fuera así (y es mi hipótesis personal), estas sociedades estarían más avanzadas de lo que normalmente se acepta y también explicaría las obras descomunales de la arquitectura prehistórica. Estos movimientos de piedra, aunque también tuvieran otro uso más mundano, estaban diseñados para ejercer una función sagrada y en comunidad. 

No podemos perder de vista que las cuevas que han sido utilizadas durante siglos han evolucionado hacia representaciones más abstractas. Esto supone un paso hacia adelante en el pensamiento simbólico. El símbolo es la representación de un más allá desconocido que se intenta aprehender y domeñar mediante imágenes del mundo natural. La narración de ese otro lado siempre se hace mediante el mito y este pertenece a la esfera de lo sagrado, de lo que está en el revés de la frontera que separa la vida y la muerte. A estas especificaciones tan generales y aceptadas desde la teoría del inconsciente colectivo según C.G Jung pertenecen estas muestras de arte prehistórico cuyas manos tienen la morfología femenina.  

Por Candela Vizcaíno | Doctora por la Universidad de Sevilla

 

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El arte es lo que queda cuando todo ha pasado. Es lo inmutable dentro del cambio. Es la belleza en un mundo en caos. El arte es parte importante de este sitio. Intentamos comprenderlo. 

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El 11 de octubre de 2013 la prestigiosa revista National Geographic publica una investigación, llevada a cabo bajo su mecenazgo, en algunas cuevas europeas decoradas con arte rupestre. Aunque el objetivo no está especificado en la exposición de motivos, quienes realizaron dicho trabajo se preguntan si, en realidad, estas pinturas no estarían realizadas por mujeres, por una suerte de chamanas femeninas que dejaron estas huellas (a veces en el sentido literal del término) en el interior de cavidades siguiendo algún tipo de rito de iniciación. La conclusión coincide con el título de dicho artículo divulgativo: los artistas prehistóricos podrían haber sido mujeres.  

Qué es el arte rupestre 

Aunque rupestre significa “en piedra” y etimológicamente podríamos incluso considerar  como tal algunas manifestaciones contemporáneas de land art, la denominación se acota a una época indeterminada en el cambio del Paleolítico al Neolítico. Estamos en un arco temporal que va desde el 40.000 a.C hasta el 3.000 a.C. De la época, a pesar de las numerosas excavaciones y de los estudios antropológicos, poco se sabe. Tanto es así que las nuevas investigaciones se empeñan en desmontar por completo las anteriores con cada nuevo hallazgo. Aunque poco se sepa del modelo social y cotidiano de los inicios de la humanidad, sí nos han llegado maravillosas obras de pinturas rupestres de indudable belleza e importancia. Solo hay que poner unos cuantos nombres: Lascaux en el sur de Francia, Altamira en el norte de España, la Cueva de las Manos en el sur de Argentina… Quizás porque estas obras comenzaron a estudiarse en el siglo XIX (marcada por una cerrada mentalidad patriarcal), sin fundamentos de ningún tipo se consideró que fueron creadas por pintores masculinos. Las últimas evidencias, sin embargo, apuntan a lo contrario: a que la pintura rupestre fue obra de mujeres. 

Cómo se realizan las pinturas rupestres 

La mayoría de estas enigmáticas obras se encuentran en cuevas de difícil acceso e, incluso, para su ejecución, con toda probabilidad, habría que forzar posturas incómodas. Y esto hay que tenerlo en cuenta a la hora de apuntar una finalidad, un objetivo, una intencionalidad.  Para su realización se utilizan elementos que quedan a mano: arcillas, minerales, grasas animales, huesos huecos o pinceles rústicos con pelo de animal. Los colores son los básicos: el ocre (de la tierra), el negro (hollín o mineral), blanco (de piedras) y rojos (de arcillas o minerales).

Las formas del arte rupestre son básicas y en ellas encontramos bisontes, caballos o ciervos e, incluso, esquemas de individuos con armas sencillas: arcos con flechas y lanzas. Este realismo contrasta, compartiendo espacio, con la multitud de manos realizadas por el método del estarcido. Con esta técnica, la mano se coloca sobre la pared y sobre ella, con un hueso hueco, se va soplando la pintura hasta delimitar por completo el contorno. También hay ejemplos en positivo. Esto es, se tiñe la mano con pintura y se imprime por presión la huella en la pared. Son. precisamente estas imágenes las que han sido estudiadas desde el punto de vista métrico y se afirma por parte de los investigadores involucrados que la mayoría pertenecen a mujeres. Las manos del arte rupestre presentan una morfología muy particular, ya que tanto los dedos índices como anular son de la misma longitud. Y esta característica (con sus matices) es esencialmente femenina. 

Cueva de las manos

La cueva de las manos de Argentina y la teoría que ha revolucionado el entendimiento del arte prehistórico 

Fue el psiquiatra Massimo Fagioli (1931-1917) quien apuntó la diferencia morfológica entre las manos femeninas y masculinas. Estos estudios fueron continuados por el biólogo John Maning. Fue este último el que demostró que las mujeres (con sus salvedades) tenemos el dedo índice y anular de la misma longitud. Los hombres tienen el anular más largo. Posteriormente, el antropólogo Dean Snow en la expedición financiada por National Geographic nombrada al principio corroboró esta hipótesis en las cuevas prehistóricas.  El objeto de estudio se basó en las huellas de manos de las cuevas de Lascaux en Francia y del Campillo en España. 

El revuelo de los resultados de la investigación estaba servido entre antropólogos y arqueólogos de todos los rincones del mundo. Y, a partir de esa fecha, se pusieron a comprobar esos parámetros métricos en las distintas cuevas desperdigadas por todos los rincones del planeta. Así, se ha podido corroborar también en las cuevas de México y, por supuesto, en una de las más famosas del mundo:  La Cueva de las Manos de Santa Cruz, en Argentina. Está situada a pocos kilómetros del conocido glaciar Perito Moreno. La obra está fechada entre el 13.000 y el 9.000 a.C. La cueva está a 24 metros de profundidad y tiene 10 metros de alto, aunque se va estrechando una vez dentro. Fue descubierta en 1876 y el grueso de los estudios se realizó durante los años sesenta del siglo XX. Aquí encontramos manos en las que se ha esparcido pintura sobre ellas. Los colores van del rojo al ocre pasando por el blanco y el negro. Algunas son de pequeño tamaño y no se descarta que pertenezcan a adolescentes implicados en algún rito de paso que no podemos dilucidar con los datos actuales. 

La Cueva de las Manos (como otras semejantes) se utilizaron durante siglos. Esto es, estuvieron en activo, con sus debidas transformaciones, por generaciones. Y es aquí donde cobra importancia la teoría que considera estos lugares como emplazamientos sagrados. Solo a este tipo de sitios se vuelve una y otra vez mientras es cuidado por la comunidad sin importar los años que pasen. Además, en este yacimiento argentino encontramos los animales autóctonos de la zona como los guanacos. Y hay más datos: entre el año 3000 y 1500 a.C. estas pinturas rupestres se transforman y pierden su realismo. De esta fecha son seres imaginados mezcla de animal y humano. Por tanto, la narración del mito, del símbolo y de lo irreal está servida. Es más, los investigadores apuntan a que estas cuevas estaban en uso por las poblaciones de cazadores recolectores de la zona en una edad tan temprana como el siglo XII. Y si lo estaba es porque el lugar era considerado ancestral y mágico.  

Arte rupestre y trascendencia 

Aunque las teorías sobre la finalidad de esta manifestación estilística no está clara, no podemos perder el foco con hipótesis mundanas. Una tarea tan compleja para la que se necesita adentrarse en una cueva donde incluso hoy en día (con nuestra cosmovisión desacralizada) se siente ese pellizco de lo otro, de lo espiritual, de lo incognoscible, solo puede entenderse en clave sagrada. Esto es, el arte rupestre no puede ser, como se ha apuntado, esquemas de caza que compartía toda la tribu. Para esa función, individuos primitivos con escasas herramientas no se adentran en cuevas complicadas. Esos croquis se harían alrededor del fuego sobre la arena en el caso de que algo así se hiciera. Estas manifestaciones artísticas hay que entenderlas como un deseo de congraciarse con los espíritus, con la magia que ya intuían puesto que tenían asimilado el concepto de finitud, de la muerte con toda su incomprensión.  

Hasta el interior de las cuevas se accedía portando antorchas y los útiles de pintor con el único fin de dejar plasmada una imagen, una representación, un símbolo, en definitiva, de aquello que era fundamental para la supervivencia del grupo. Con toda probabilidad, esos recintos servían como lugar de ofrendas, de rito o de comunión con la divinidad. No podemos saber si se desarrollaban ceremonias con la tribu al completo o, en su defecto, solo algunos elegidos accedían a este lugar. 

El arte primitivo y su relación con lo sagrado 

Esto último “parece” (con todas las salvedades de las hipótesis) lo que se representa en la Cueva de las Manos de Argentina. En ellas aparecen plasmadas manos femeninas (siguiendo el esquema de longitud apuntado al inicio) o de individuos adolescentes de ambos sexos. Las imágenes están superpuestas unas sobre otras y algunas incluso muestran el antebrazo. Se ven más apelotonadas las que se encuentran en el tercio inferior como si fuera más fácil acceder a esa zona para dejar marcada la huella. Algo de esta condición (en un espacio de complicado acceso y con un emplazamiento natural de radical y apabullante belleza) se realiza siguiendo parámetros mágicos, sagrados o de encuentro con la divinidad. Esas manos se nos antojan como una especie de firma, como el permiso de acceso a un lugar sagrado. Nos podemos imaginar una chamana que da paso a un adolescente o a una mujer joven para que, de algún modo u otro, oficie los ritos que allí tienen lugar. Estamos ya ante un pensamiento simbólico y mágico. 

Esas manos que se superponen unas a otras sería como el libro de firmas de todos los que, de alguna manera u otra, participan de esa narración sagrada. Si fuera así, deberían tener intuición de lo que supone la historia, de lo que supone que un miembro suceda a otro miembro, de lo fundamental de la supervivencia de la tribu a pesar de la muerte de algunas personas. Al superponer las manos sobre las existentes están formando comunidad y tendrían la concepción de la importancia del pasado sobre el futuro. 

Si esto fuera así (y es mi hipótesis personal), estas sociedades estarían más avanzadas de lo que normalmente se acepta y también explicaría las obras descomunales de la arquitectura prehistórica. Estos movimientos de piedra, aunque también tuvieran otro uso más mundano, estaban diseñados para ejercer una función sagrada y en comunidad. 

No podemos perder de vista que las cuevas que han sido utilizadas durante siglos han evolucionado hacia representaciones más abstractas. Esto supone un paso hacia adelante en el pensamiento simbólico. El símbolo es la representación de un más allá desconocido que se intenta aprehender y domeñar mediante imágenes del mundo natural. La narración de ese otro lado siempre se hace mediante el mito y este pertenece a la esfera de lo sagrado, de lo que está en el revés de la frontera que separa la vida y la muerte. A estas especificaciones tan generales y aceptadas desde la teoría del inconsciente colectivo según C.G Jung pertenecen estas muestras de arte prehistórico cuyas manos tienen la morfología femenina.  

Por Candela Vizcaíno | Doctora por la Universidad de Sevilla

 

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Las más antiguas manifestaciones de arte prehistórico se remontan hacia el 70.000 a. C. Se trata de una pequeña piedra coloreada y encontrada recientemente en África. Más allá de este hallazgo extraordinario, ya en el Paleolítico, los hombres primitivos dejaron una serie de dibujos pintados toscamente en cuevas que fueron abandonados en el Neolítico en favor de la escultura, la cerámica (incluso coloreada) para terminar con las grandes construcciones megalíticas que hoy son Patrimonio de la Humanidad por la Unesco. 

1.- Pinturas rupestres en cuevas y cavernas 

Son las primeras manifestaciones del arte prehistórico y su fecha de datación corresponde al Paleolítico cuando la humanidad al completo llevaba una existencia recolectora y cazadora. Obligados a la vida nómada para conseguir el sustento, estas pequeñas tribus o grupos familiares se las arreglaron para dejar unas pinturas cuyos mejores ejemplos son Altamira o Lascaux. Las más antiguas tienen alrededor de 40.000 años de antigüedad. En líneas generales estas pinturas rupestres tienen las siguientes características: 

Pinturas rupestres de las Cuevas de Altamira  

1.-  Están realizadas en cuevas, grutas o cavernas a veces de difícil acceso. Para realizarlas el artista debía portar algún tipo de antorcha o de lámpara básica realizada con tuétano de animal. 

2.- Se utilizaba madera carbonizada a modo de lápiz y también barros mezclados con grasas y tinturas minerales que se extendían con la mano o con un pincel básico. Los colores más frecuentes son el negro, granate, ocres, marrones y blancos. También se delimitaba con líneas los contornos de las manos humanas e, incluso, utilizaban una extraña técnica que consistía en escupir (mediante un tubo hueco vegetal) esta tintura sobre la pared. Además, podían extenderse los pigmentos con las manos dando volúmenes y un amago de textura. 

3.- En el arte prehistórico de las pinturas rupestres se representan figuras animales como caballos, bisontes o ciervos junto con figuras antropomorfas estilizadas en actitud de cazar. También son frecuentes manos humanas bien lineadas o representadas en su plenitud. En alguna ocasión se utilizaban los bordes, salientes y texturas de las cuevas para dar un aspecto tridimensional a las figuras. 

4.- Las imágenes están representadas, a veces, como una escena de caza,  pero lo común es que estén colocadas sin orden aparente sobre un fondo vacío. 

5.- Los investigadores encuentran en este tipo de arte prehistórico alrededor de las pinturas rupestres un sentido mágico, ritual o religioso. Ya que se encuentran en lugares escondidos de las cuevas de difícil acceso y que obligaba al artista a una posición incómoda, su función no podía ser profana.  Y, con toda probabilidad, estas obras tenían el objetivo de atraer abundancia, prosperidad y una buena caza al grupo, clan familiar o tribu. 

6.- Con la revolución del Neolítico, cuando la humanidad se vuelve sedentaria y agrícola, se abandona la pintura rupestre por otras manifestaciones de arte prehistórico.  

2.- Esculturas y las Venus en el arte prehistórico 

El Neolítico supuso un cambio de concepto con el abandono paulatino de la vida nómada. Ahora la humanidad se asienta durante un mayor tiempo, construyendo toscas cabañas y organizándose en sociedades más o menos complejas. Con el trabajo agrícola se van descubriendo los ciclos de la naturaleza y se empiezan a interpretar los ritmos solares, de las estrellas e, incluso, de los eclipses. Todo ello conlleva un culto hacia la fecundidad, hacia el nacimiento y la reproducción cuya manifestación más obvia son las Venus prehistóricas

 Venus de Willendorf

Son estas esculturas labradas en piedra, a veces exentas y otras formando parte de otras construcciones, bastante obvias en su sentido. Las Venus prehistóricas representan figuras femeninas en toda su apoteosis maternal con grandes senos, anchas caderas, cabello estilizado y sin ningún rasgo facial o individual. Todas en ellas remiten al símbolo de la madre nutricia, la misma que posibilitaba hijos (y estos son brazos para trabajar o luchar) a la sociedad. Todo ello nos remite a ese poder necesario en una sociedad básica y vulnerable. 

Aunque la gran mayoría se presenta sin ningún adorno, sí hay casos en los que estas figuras portan algún elemento. Tal es el ejemplo de la Venus de Lassel, esculpida siguiendo la técnica del bajorrelieve, la cual muestra un cuerno de bovino, símbolo también del poder que otorga la abundancia. En otros casos, como las italianas de la Edad de Cobre, estas Venus se han convertido en estelas de gran tamaño (algunas llegan a alcanzar hasta los 150 cms de altura) que recuerdan el mismo símbolo del ciclo de fecundidad, prosperidad y abundancia. 

3.- Cerámica y objetos de uso cotidiano en el arte prehistórico

No aparecen hasta el Neolítico, aunque sí se han encontrado algunos elementos tallados en madera, hueso o sílex pertenecientes al Paleolítico. Se realizaban con instrumentos cortantes y el objeto mismo normalmente se usaba para la vida cotidiana, especialmente para la caza. Con toda probabilidad, no solo se buscaba la belleza en la pieza en sí sino la atracción mágica a partir de la representación del animal a abatir como si fuera un amuleto que regala buenos augurios a su poseedor. 

En el Neolítico estos ejemplos se estilizan aún más y se diseñan sin la tosquedad anterior. Paulatinamente se van encontrando ejemplos en otros utensilios, muebles o adornos ya desligados de la actividad cazadora. 

Un paso más es el descubrimiento de la cerámica con todo su proceso que se concentra en la elaboración de vasijas y objetos de la vida cotidiana. Estos, a veces, se colorean con los mismos tonos que los pertenecientes a las pinturas rupestres: granates, ocres, marrones y negro. En estos utensilios ya se adivina una función estética que no parece tener (per se) las primeras manifestaciones del arte prehistórico, el cual, con toda probabilidad tal como hemos anotado, tenía un fin ritual.  

4.- La arquitectura prehistórica, el último eslabón del arte prehistórico

Paulatinamente y con la llegada de sociedades organizadas y asentadas en un lugar concreto surge la arquitectura prehistórica megalítica centrada en dólmenes y cromlech. Estas son los más recientes en el tiempo ya que los ejemplos más conocidos datan alrededor del quinto milenio y suponen, por su dificultad de elaboración, una evolución en el conocimiento que no tenía el hombre paleolítico. El arte prehistórico con estas construcciones ya denota no solo la capacidad de mover grandes piedras en estructuras que hoy se nos antojan casi imposibles sino también estudios de astronomía y de los ciclos de la naturaleza. 

 Stonehenge Condado de Wiltshire Inglaterra

El carácter ritual de este tipo de arquitectura es obvio para los ojos contemporáneos. En los dólmenes de Antequera (en Andalucía, sur de España), por poner un caso, se ha realizado una auténtica cámara revestida con grandes bloques de piedra que mira a un lugar natural que adquiere una forma antropomorfa. Esto es, sus constructores, de alguna manera u otra, querían dejar constancia de la unificación del elemento natural (una montaña) y su propia creación. A través de este acto, con toda probabilidad, había un intento de congraciarse con los favores de las fuerzas de la naturaleza.  

En el impresionante Stonehenge, en Gran Bretaña y levantado hacia el 2000 a.C., se ha encontrado una cuádruple estructura circular e incluso un altar. El monumento está orientado de tal manera que los rayos del sol penetran hasta el interior en fechas señaladas (el solsticio de verano). Además, con métodos contemporáneos, se ha encontrado una especie de ruta ceremonial. Esto unido a los restos de animales y de sacrificios nos dicen de su carácter ritual, religioso y mágico.  

5.- El sentido mágico del arte prehistórico 

En definitiva, el arte prehistórico surge cuando el hombre se da cuenta de su finitud y toma conciencia de la muerte. Con ella se mira a un más allá intangible y a fuerzas incontrolables con las que se quieren congraciar a través de la creación. En ello les va la vida, ya que una buena caza era imprescindible para el sustento de la tribu. En otro orden de cosas, en un época en la que llegar a la edad adulta era difícil, se hacía necesaria una prole abundante para la supervivencia tribal. La conciencia de ese más allá, de un fin en contra de una naturaleza inmutable, es la que desencadena todas las manifestaciones artísticas de la prehistoria.  

De alguna manera u otra, todas están ligadas a la presencia de la piedra (símbolo primigenio de lo permanente, inmutable y de difícil transformación). Si las pinturas rupestres se realizan en el interior de la cavernas, las esculturas femeninas que aún hoy subyugan están ejecutadas con el mismo material. Y de grandes bloques de piedra están realizados los cromlech, menhires o dólmenes que nos han llegado.  

El arte prehistórico, así, gira en torno a la finitud humana y alrededor de una inmutabilidad que entienden de manera religiosa o mágica, la cual está representada en la piedra omnipresente en cualquier manifestación creativa. Todo en él quiere dejar atrás el ciclo de muerte y vida de la humanidad (y de otros seres) para aprehender, tomar o hacerse con lo intemporal del granito, la montaña o la roca.  

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

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El arte es lo que queda cuando todo ha pasado. Es lo inmutable dentro del cambio. Es la belleza en un mundo en caos. El arte es parte importante de este sitio. Intentamos comprenderlo. 

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Las más antiguas manifestaciones de arte prehistórico se remontan hacia el 70.000 a. C. Se trata de una pequeña piedra coloreada y encontrada recientemente en África. Más allá de este hallazgo extraordinario, ya en el Paleolítico, los hombres primitivos dejaron una serie de dibujos pintados toscamente en cuevas que fueron abandonados en el Neolítico en favor de la escultura, la cerámica (incluso coloreada) para terminar con las grandes construcciones megalíticas que hoy son Patrimonio de la Humanidad por la Unesco. 

1.- Pinturas rupestres en cuevas y cavernas 

Son las primeras manifestaciones del arte prehistórico y su fecha de datación corresponde al Paleolítico cuando la humanidad al completo llevaba una existencia recolectora y cazadora. Obligados a la vida nómada para conseguir el sustento, estas pequeñas tribus o grupos familiares se las arreglaron para dejar unas pinturas cuyos mejores ejemplos son Altamira o Lascaux. Las más antiguas tienen alrededor de 40.000 años de antigüedad. En líneas generales estas pinturas rupestres tienen las siguientes características: 

Pinturas rupestres de las Cuevas de Altamira  

1.-  Están realizadas en cuevas, grutas o cavernas a veces de difícil acceso. Para realizarlas el artista debía portar algún tipo de antorcha o de lámpara básica realizada con tuétano de animal. 

2.- Se utilizaba madera carbonizada a modo de lápiz y también barros mezclados con grasas y tinturas minerales que se extendían con la mano o con un pincel básico. Los colores más frecuentes son el negro, granate, ocres, marrones y blancos. También se delimitaba con líneas los contornos de las manos humanas e, incluso, utilizaban una extraña técnica que consistía en escupir (mediante un tubo hueco vegetal) esta tintura sobre la pared. Además, podían extenderse los pigmentos con las manos dando volúmenes y un amago de textura. 

3.- En el arte prehistórico de las pinturas rupestres se representan figuras animales como caballos, bisontes o ciervos junto con figuras antropomorfas estilizadas en actitud de cazar. También son frecuentes manos humanas bien lineadas o representadas en su plenitud. En alguna ocasión se utilizaban los bordes, salientes y texturas de las cuevas para dar un aspecto tridimensional a las figuras. 

4.- Las imágenes están representadas, a veces, como una escena de caza,  pero lo común es que estén colocadas sin orden aparente sobre un fondo vacío. 

5.- Los investigadores encuentran en este tipo de arte prehistórico alrededor de las pinturas rupestres un sentido mágico, ritual o religioso. Ya que se encuentran en lugares escondidos de las cuevas de difícil acceso y que obligaba al artista a una posición incómoda, su función no podía ser profana.  Y, con toda probabilidad, estas obras tenían el objetivo de atraer abundancia, prosperidad y una buena caza al grupo, clan familiar o tribu. 

6.- Con la revolución del Neolítico, cuando la humanidad se vuelve sedentaria y agrícola, se abandona la pintura rupestre por otras manifestaciones de arte prehistórico.  

2.- Esculturas y las Venus en el arte prehistórico 

El Neolítico supuso un cambio de concepto con el abandono paulatino de la vida nómada. Ahora la humanidad se asienta durante un mayor tiempo, construyendo toscas cabañas y organizándose en sociedades más o menos complejas. Con el trabajo agrícola se van descubriendo los ciclos de la naturaleza y se empiezan a interpretar los ritmos solares, de las estrellas e, incluso, de los eclipses. Todo ello conlleva un culto hacia la fecundidad, hacia el nacimiento y la reproducción cuya manifestación más obvia son las Venus prehistóricas

 Venus de Willendorf

Son estas esculturas labradas en piedra, a veces exentas y otras formando parte de otras construcciones, bastante obvias en su sentido. Las Venus prehistóricas representan figuras femeninas en toda su apoteosis maternal con grandes senos, anchas caderas, cabello estilizado y sin ningún rasgo facial o individual. Todas en ellas remiten al símbolo de la madre nutricia, la misma que posibilitaba hijos (y estos son brazos para trabajar o luchar) a la sociedad. Todo ello nos remite a ese poder necesario en una sociedad básica y vulnerable. 

Aunque la gran mayoría se presenta sin ningún adorno, sí hay casos en los que estas figuras portan algún elemento. Tal es el ejemplo de la Venus de Lassel, esculpida siguiendo la técnica del bajorrelieve, la cual muestra un cuerno de bovino, símbolo también del poder que otorga la abundancia. En otros casos, como las italianas de la Edad de Cobre, estas Venus se han convertido en estelas de gran tamaño (algunas llegan a alcanzar hasta los 150 cms de altura) que recuerdan el mismo símbolo del ciclo de fecundidad, prosperidad y abundancia. 

3.- Cerámica y objetos de uso cotidiano en el arte prehistórico

No aparecen hasta el Neolítico, aunque sí se han encontrado algunos elementos tallados en madera, hueso o sílex pertenecientes al Paleolítico. Se realizaban con instrumentos cortantes y el objeto mismo normalmente se usaba para la vida cotidiana, especialmente para la caza. Con toda probabilidad, no solo se buscaba la belleza en la pieza en sí sino la atracción mágica a partir de la representación del animal a abatir como si fuera un amuleto que regala buenos augurios a su poseedor. 

En el Neolítico estos ejemplos se estilizan aún más y se diseñan sin la tosquedad anterior. Paulatinamente se van encontrando ejemplos en otros utensilios, muebles o adornos ya desligados de la actividad cazadora. 

Un paso más es el descubrimiento de la cerámica con todo su proceso que se concentra en la elaboración de vasijas y objetos de la vida cotidiana. Estos, a veces, se colorean con los mismos tonos que los pertenecientes a las pinturas rupestres: granates, ocres, marrones y negro. En estos utensilios ya se adivina una función estética que no parece tener (per se) las primeras manifestaciones del arte prehistórico, el cual, con toda probabilidad tal como hemos anotado, tenía un fin ritual.  

4.- La arquitectura prehistórica, el último eslabón del arte prehistórico

Paulatinamente y con la llegada de sociedades organizadas y asentadas en un lugar concreto surge la arquitectura prehistórica megalítica centrada en dólmenes y cromlech. Estas son los más recientes en el tiempo ya que los ejemplos más conocidos datan alrededor del quinto milenio y suponen, por su dificultad de elaboración, una evolución en el conocimiento que no tenía el hombre paleolítico. El arte prehistórico con estas construcciones ya denota no solo la capacidad de mover grandes piedras en estructuras que hoy se nos antojan casi imposibles sino también estudios de astronomía y de los ciclos de la naturaleza. 

 Stonehenge Condado de Wiltshire Inglaterra

El carácter ritual de este tipo de arquitectura es obvio para los ojos contemporáneos. En los dólmenes de Antequera (en Andalucía, sur de España), por poner un caso, se ha realizado una auténtica cámara revestida con grandes bloques de piedra que mira a un lugar natural que adquiere una forma antropomorfa. Esto es, sus constructores, de alguna manera u otra, querían dejar constancia de la unificación del elemento natural (una montaña) y su propia creación. A través de este acto, con toda probabilidad, había un intento de congraciarse con los favores de las fuerzas de la naturaleza.  

En el impresionante Stonehenge, en Gran Bretaña y levantado hacia el 2000 a.C., se ha encontrado una cuádruple estructura circular e incluso un altar. El monumento está orientado de tal manera que los rayos del sol penetran hasta el interior en fechas señaladas (el solsticio de verano). Además, con métodos contemporáneos, se ha encontrado una especie de ruta ceremonial. Esto unido a los restos de animales y de sacrificios nos dicen de su carácter ritual, religioso y mágico.  

5.- El sentido mágico del arte prehistórico 

En definitiva, el arte prehistórico surge cuando el hombre se da cuenta de su finitud y toma conciencia de la muerte. Con ella se mira a un más allá intangible y a fuerzas incontrolables con las que se quieren congraciar a través de la creación. En ello les va la vida, ya que una buena caza era imprescindible para el sustento de la tribu. En otro orden de cosas, en un época en la que llegar a la edad adulta era difícil, se hacía necesaria una prole abundante para la supervivencia tribal. La conciencia de ese más allá, de un fin en contra de una naturaleza inmutable, es la que desencadena todas las manifestaciones artísticas de la prehistoria.  

De alguna manera u otra, todas están ligadas a la presencia de la piedra (símbolo primigenio de lo permanente, inmutable y de difícil transformación). Si las pinturas rupestres se realizan en el interior de la cavernas, las esculturas femeninas que aún hoy subyugan están ejecutadas con el mismo material. Y de grandes bloques de piedra están realizados los cromlech, menhires o dólmenes que nos han llegado.  

El arte prehistórico, así, gira en torno a la finitud humana y alrededor de una inmutabilidad que entienden de manera religiosa o mágica, la cual está representada en la piedra omnipresente en cualquier manifestación creativa. Todo en él quiere dejar atrás el ciclo de muerte y vida de la humanidad (y de otros seres) para aprehender, tomar o hacerse con lo intemporal del granito, la montaña o la roca.  

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

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Arte prehistórico

  Las más antiguas manifestaciones de arte prehistórico se remontan hacia el 70.000 a. C. Se...

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Nace en el cambio de cosmovisión que supone una sociedad cazadora o recolectora hacia otra más compleja. Si las pinturas rupestres en cuevas, cavernas y abrigos apuntan a una intencionalidad mágica, religiosa o ritual, un tanto de lo mismo sucede con los restos que podemos observar de la arquitectura prehistórica. Concentrada en grande cúmulos de piedra dispuestas de distintas formas, la gran mayoría de las interpretaciones que giran en torno a estos restos nos indican que estas sociedades ya tenían un fuerte concepto religioso en torno a los ciclos de la naturaleza, los eclipses y las estaciones. 

 

1.- La arquitectura prehistórica nace en el Neolítico 

El Paleolítico evidencia una sociedad elemental en todos los sentidos, centrada en la caza, la recolección, el nomadismo y la búsqueda de refugio en los elementos naturales disponibles. En estas cuevas u oquedales se realizan toscas pinturas con figuras de animales y de líneas antropomorfas que, con toda probabilidad, buscaban el buen augurio en la provisión de alimentos. El Neolítico supone, por contra, un cambio trascendental ya que la humanidad se asienta en lugares concretos, construyendo toscas cabañas donde se refugian mientras pastorean o se dedican a la agricultura. Se supone que habría ya una mínima división de clases y aparecen elementos más elaborados de cerámica, esculturas (como las Venus prehistóricas) y la arquitectura en piedra. En este sentido, todos los restos que nos han llegado son grandes construcciones en piedra, o bien con un diseño elemental (dos verticales y una horizontal cerrando), o bien tremendamente más complejas (como las de Antequera, en Andalucía, en las que hay un proyecto arquitectónico propiamente dicho). Las más fascinantes responden al tipo de cromlech (como Stonehenge en Inglaterra o el de Évora en Portugal). Ni que decir tiene que estas construcciones suponen un gran esfuerzo constructivo y su intención es, con toda probabilidad, religiosa.  

2.- Las construcciones de arquitectura prehistórica están realizadas en piedra

No hay elaboración de arcilla, ladrillo u otras composiciones. El cien por cien de los monumentos que nos han llegado supone el movimiento de grandes bloques de piedra que se levantan en vertical cerrando con otros bloques en horizontal. En algunos puntos (como en Antequera) estos edificios aparecen completamente cerrados con bloques de piedra constituyendo una auténtica cámara con varios espacios diferenciados. Para el hombre prehistórico la piedra ya había entrado en lo que C.G. Jung en el siglo XX denominó imaginario colectivo. Ya por entonces era el símbolo de lo eterno, de lo permanente y de lo indestructible. Por eso, estos pueblos, con toda probabilidad, tenían una intención ritual, mágica o religiosa a la hora de levantar estas complicadas estructuras.  

3.- La roca simboliza lo eterno 

Y con ello ya hay una conciencia de lo mudable en este mundo y la esperanza puesta en un más allá desconocido. Este tipo de construcciones de arquitectura prehistórica no se ejecutó, por tanto, con fines comerciales, lúdicos o de ocio. Nada de eso importaba en la época. Todas estas estructuras nos indican un intento por entender, domeñar y aprehender la naturaleza. Esto podría hacerse realizando una obra con claros fines astrológicos, tal es el caso de Stonehenge, diseñado para que los rayos de sol en el solsticio de verano se trasladaran por un espacio concreto. También se han encontrado lugares (y Antequera es el más fascinante) donde los dólmenes están orientados a un espacio natural en el que se adivina un rostro humano. Con esta construcción, por tanto, estos hombres prehistóricos, con toda probabilidad, intentaban unirse con la naturaleza cuyos ciclos ya conocían. 

 Stonehenge Condado de Wiltshire Inglaterra

4.- La arquitectura prehistórica gira en torno a espacios sagrados y de culto  

Nada en ella invita a pensar que se dedicaran a otros menesteres. En Stonehenge se han encontrado enterramientos y hasta un altar. Se supone que allí se ofrecían sacrificios y que se realizaban fiestas. En Antequera se ha excavado un pozo que también podría tener esta finalidad y miles de dólmenes repartidos por el mundo indican también la finalidad de cementerio. Con la conciencia y el culto a la muerte llega la percepción de algo sagrado, de un más allá inasible e incomprensible que se pretender ordenar y hacer suyo para que ayude a los que se encuentran en este plano. Son todos lugares rituales vinculados a la luz solar, a los eclipses, a las montañas con formas humanas y nunca a los bosques o a los árboles que se antojaban mudables como la existencia humana.  

5.- Los restos que nos han llegado sugieren conocimientos astronómicos 

Se conocían de manera precisa los ciclos de las estaciones, las estrellas y el movimiento solar. Eso ya indica un estudio concienzudo que va de la mano del avance de la agricultura. Si en el  Paleolítico, la caza y el nomadismo era la norma, ahora nos encontramos sociedades complejas que dedica la fuerza de algunos de sus miembros al estudio, a la organización y a la construcción de estructuras gigantescas con el fin de aunar a la tribu, el clan o a varios pueblos. Todo ello se realizaba, con toda probabilidad, en días concretos poniendo las bases de los primeros calendarios y, con ellos, las agendas para las labores humanas. 

6.- La arquitectura prehistórica y el intento de control de la naturaleza 

Si bien la escultura que nos ha llegado nos llevan por un culto a la fecundidad, las demás manifestaciones artísticas de la Prehistoria inciden siempre en lo mismo: en una conciencia de lo mudable de lo natural pero, a la vez, en un conocimiento de su carácter cíclico. Con ello, pudieron mantener un mínimo control sobre lo que sucedía alrededor y, por tanto, un desarrollo en todos los órdenes vitales.  

7.- Las dificultades de estudio de la arquitectura prehistórica 

Estos restos estaban sepultados, en su mayoría, sobre capas de tierra superpuestas por el paso de los milenios y olvidadas para ojos expertos. Solo bien entrado el siglo XX se puso atención a este tipo de construcciones de manera general, aunque otras por su monumentalidad o situación siempre estuvieron a la vista humana. Ello supone no solo un deterioro sino también un movimiento de los distintos elementos. Un caso extremo de esto último es el cromlech de Évora en el que el dueño de la finca primitiva movió las piedras de su emplazamiento original colocándolas siguiendo la forma en la que se creyó que fueron levantadas. Esto, ni que decir tiene, supone una interpretación (y en un caso extremo una invención).  Su lectura, por tanto, está realizada según la cosmovisión contemporánea. Esto implica una distorsión del sentido simbólico o final que le dieron sus constructores originales. En algunas de estas construcciones desperdigadas por otras partes del mundo, además, se han realizado grabados o incisiones (Valcamonica) en la estructura en una época posterior. Con ello se evidencia que los usos pudieron ser superpuestos y, por tanto, transformando el espacio primitivo. 

La arquitectura prehistórica, por tanto, no solo se manifiesta por sus carácter monumental con grandes bloques de piedra sino por ser espacios simbólicos, rituales, mágicos o sagrados ligados a los ritos de la naturaleza. Todos ellos nos indican (porque hay enterramientos o restos festivos) que ya se tenía una arraigada conciencia de lo mudable del tiempo y del fin terrenal con unas miras en un más allá etéreo y eterno. 

 

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

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Nace en el cambio de cosmovisión que supone una sociedad cazadora o recolectora hacia otra más compleja. Si las pinturas rupestres en cuevas, cavernas y abrigos apuntan a una intencionalidad mágica, religiosa o ritual, un tanto de lo mismo sucede con los restos que podemos observar de la arquitectura prehistórica. Concentrada en grande cúmulos de piedra dispuestas de distintas formas, la gran mayoría de las interpretaciones que giran en torno a estos restos nos indican que estas sociedades ya tenían un fuerte concepto religioso en torno a los ciclos de la naturaleza, los eclipses y las estaciones. 

 

1.- La arquitectura prehistórica nace en el Neolítico 

El Paleolítico evidencia una sociedad elemental en todos los sentidos, centrada en la caza, la recolección, el nomadismo y la búsqueda de refugio en los elementos naturales disponibles. En estas cuevas u oquedales se realizan toscas pinturas con figuras de animales y de líneas antropomorfas que, con toda probabilidad, buscaban el buen augurio en la provisión de alimentos. El Neolítico supone, por contra, un cambio trascendental ya que la humanidad se asienta en lugares concretos, construyendo toscas cabañas donde se refugian mientras pastorean o se dedican a la agricultura. Se supone que habría ya una mínima división de clases y aparecen elementos más elaborados de cerámica, esculturas (como las Venus prehistóricas) y la arquitectura en piedra. En este sentido, todos los restos que nos han llegado son grandes construcciones en piedra, o bien con un diseño elemental (dos verticales y una horizontal cerrando), o bien tremendamente más complejas (como las de Antequera, en Andalucía, en las que hay un proyecto arquitectónico propiamente dicho). Las más fascinantes responden al tipo de cromlech (como Stonehenge en Inglaterra o el de Évora en Portugal). Ni que decir tiene que estas construcciones suponen un gran esfuerzo constructivo y su intención es, con toda probabilidad, religiosa.  

2.- Las construcciones de arquitectura prehistórica están realizadas en piedra

No hay elaboración de arcilla, ladrillo u otras composiciones. El cien por cien de los monumentos que nos han llegado supone el movimiento de grandes bloques de piedra que se levantan en vertical cerrando con otros bloques en horizontal. En algunos puntos (como en Antequera) estos edificios aparecen completamente cerrados con bloques de piedra constituyendo una auténtica cámara con varios espacios diferenciados. Para el hombre prehistórico la piedra ya había entrado en lo que C.G. Jung en el siglo XX denominó imaginario colectivo. Ya por entonces era el símbolo de lo eterno, de lo permanente y de lo indestructible. Por eso, estos pueblos, con toda probabilidad, tenían una intención ritual, mágica o religiosa a la hora de levantar estas complicadas estructuras.  

3.- La roca simboliza lo eterno 

Y con ello ya hay una conciencia de lo mudable en este mundo y la esperanza puesta en un más allá desconocido. Este tipo de construcciones de arquitectura prehistórica no se ejecutó, por tanto, con fines comerciales, lúdicos o de ocio. Nada de eso importaba en la época. Todas estas estructuras nos indican un intento por entender, domeñar y aprehender la naturaleza. Esto podría hacerse realizando una obra con claros fines astrológicos, tal es el caso de Stonehenge, diseñado para que los rayos de sol en el solsticio de verano se trasladaran por un espacio concreto. También se han encontrado lugares (y Antequera es el más fascinante) donde los dólmenes están orientados a un espacio natural en el que se adivina un rostro humano. Con esta construcción, por tanto, estos hombres prehistóricos, con toda probabilidad, intentaban unirse con la naturaleza cuyos ciclos ya conocían. 

 Stonehenge Condado de Wiltshire Inglaterra

4.- La arquitectura prehistórica gira en torno a espacios sagrados y de culto  

Nada en ella invita a pensar que se dedicaran a otros menesteres. En Stonehenge se han encontrado enterramientos y hasta un altar. Se supone que allí se ofrecían sacrificios y que se realizaban fiestas. En Antequera se ha excavado un pozo que también podría tener esta finalidad y miles de dólmenes repartidos por el mundo indican también la finalidad de cementerio. Con la conciencia y el culto a la muerte llega la percepción de algo sagrado, de un más allá inasible e incomprensible que se pretender ordenar y hacer suyo para que ayude a los que se encuentran en este plano. Son todos lugares rituales vinculados a la luz solar, a los eclipses, a las montañas con formas humanas y nunca a los bosques o a los árboles que se antojaban mudables como la existencia humana.  

5.- Los restos que nos han llegado sugieren conocimientos astronómicos 

Se conocían de manera precisa los ciclos de las estaciones, las estrellas y el movimiento solar. Eso ya indica un estudio concienzudo que va de la mano del avance de la agricultura. Si en el  Paleolítico, la caza y el nomadismo era la norma, ahora nos encontramos sociedades complejas que dedica la fuerza de algunos de sus miembros al estudio, a la organización y a la construcción de estructuras gigantescas con el fin de aunar a la tribu, el clan o a varios pueblos. Todo ello se realizaba, con toda probabilidad, en días concretos poniendo las bases de los primeros calendarios y, con ellos, las agendas para las labores humanas. 

6.- La arquitectura prehistórica y el intento de control de la naturaleza 

Si bien la escultura que nos ha llegado nos llevan por un culto a la fecundidad, las demás manifestaciones artísticas de la Prehistoria inciden siempre en lo mismo: en una conciencia de lo mudable de lo natural pero, a la vez, en un conocimiento de su carácter cíclico. Con ello, pudieron mantener un mínimo control sobre lo que sucedía alrededor y, por tanto, un desarrollo en todos los órdenes vitales.  

7.- Las dificultades de estudio de la arquitectura prehistórica 

Estos restos estaban sepultados, en su mayoría, sobre capas de tierra superpuestas por el paso de los milenios y olvidadas para ojos expertos. Solo bien entrado el siglo XX se puso atención a este tipo de construcciones de manera general, aunque otras por su monumentalidad o situación siempre estuvieron a la vista humana. Ello supone no solo un deterioro sino también un movimiento de los distintos elementos. Un caso extremo de esto último es el cromlech de Évora en el que el dueño de la finca primitiva movió las piedras de su emplazamiento original colocándolas siguiendo la forma en la que se creyó que fueron levantadas. Esto, ni que decir tiene, supone una interpretación (y en un caso extremo una invención).  Su lectura, por tanto, está realizada según la cosmovisión contemporánea. Esto implica una distorsión del sentido simbólico o final que le dieron sus constructores originales. En algunas de estas construcciones desperdigadas por otras partes del mundo, además, se han realizado grabados o incisiones (Valcamonica) en la estructura en una época posterior. Con ello se evidencia que los usos pudieron ser superpuestos y, por tanto, transformando el espacio primitivo. 

La arquitectura prehistórica, por tanto, no solo se manifiesta por sus carácter monumental con grandes bloques de piedra sino por ser espacios simbólicos, rituales, mágicos o sagrados ligados a los ritos de la naturaleza. Todos ellos nos indican (porque hay enterramientos o restos festivos) que ya se tenía una arraigada conciencia de lo mudable del tiempo y del fin terrenal con unas miras en un más allá etéreo y eterno. 

 

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

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Hasta el año 40.000 a.C. se encuentran una serie de esculturas talladas en piedra que representan una figura femenina con generosos senos y anchas caderas. Son las Venus prehistóricas simbolizadoras de la fertilidad, la prosperidad y la abundancia.  

¿Qué son las Venus prehistóricas y cuándo surgen? 

Se encuentran por todo el planeta Tierra y son de difícil datación. La más antiguas llegan hasta el 40.000 a. C y son la representación más importantes de la escultura prehistórica. Al tiempo que se realizan las enigmáticas pinturas rupestres en cuevas, abrigos y cavernas se han encontrado una serie de estatuillas femeninas con grandes senos y caderas. Algunas de ellas son exentas, esto es son esculturas independientes, otras están talladas en las rocas y plenamente visibles y otras son solo trazos en dólmenes, cuevas y cromeleques. Aunque las más frecuentes están ejecutadas en piedra, también se han encontrado en hueso y madera. Todas ellas, con toda probabilidad, son figuras realizadas con un fin mágico, ritual o religioso y, además, en las mismas se adivina claramente un fuerte símbolo de la fertilidad. 

En el Paleolítico la humanidad cazadora y recolectora encuentra una causa-efecto entre la vida y la muerte. Esa conciencia del final y la desazón que provoca desata todas las manifestaciones artísticas conocidas. Entre ellas se encuentran las Venus prehistóricas tan enigmáticas como subyugadoras cuyo alcance ha llegado hasta el arte contemporáneo con influencias en artistas pertenecientes a las vanguardias históricas. Caso claro de ello son los representantes del cubismo

Características de las Venus prehistóricas 

1.- Están realizadas, en su mayoría, utilizando piedra tanto como figuras exentas como talladas en la roca. Este es el caso de la encontrada en Laussel, Dordoña, y fechada entre el 27.000 hasta el 18.000 a.C. Claramente reconocible, lleva un cuerno de bisonte en la mano. 

2.- También hay ejemplos en otros materiales, como marfil y madera, aunque estos son menos frecuentes por el desgaste que han sufrido a lo largo de los milenios. Eso no quita para que se tallaran incluso con más frecuencia.

3.- Son perfectamente reconocibles los grandes senos y anchas caderas mientras que la cabeza es representada toscamente con el cabello a modo de trenza, rastas o rizos. Rara vez aparecen rasgos faciales, pero sí es frecuente la incisión que representa el ombligo. 

4- La proporción hace hincapié en la parte del abdomen y en las zonas corporales que propician la procreación y el alimento de los hijos. 

5.- Las Venus prehistóricas son el ejemplo más claro del símbolo de fertilidad y abundancia de estas manifestaciones artísticas primitivas. 

Venus de Willendorf

6.- Estas sociedades eran conscientes del valor de la fertilidad como un modo no solo de perpetuarse sino también de protegerse (cuantos más mejor) y de enriquecerse (más brazos para el trabajo o para la caza). En este contexto primitivo, la madre se convierte en uno de los símbolos esenciales, antes que la casa, las montañas, el agua o el mar. 

7.- La fecundidad es la gran representación de la vida en contraposición a la muerte. 

8.- Con toda probabilidad estas tallas tenían una función mágica, religiosa o ritual, bien para conjurar esos nacimientos necesarios o bien como proveedora del alimento a los más débiles. 

9.- Las figuras están toscamente talladas y centradas en la representación general. Por eso, no se entretienen en rasgos individuales. 

10.- Hacia la Edad de Cobre (entre el IV-III milenio a.C) surgen en Italia unas estelas que representan estas figuras pero ya han sido estilizadas y recogidas con los símbolos más importantes (los senos). Aparece un amago de rostro y líneas que quieren imitar un tejido somero. La altura es considerable ya que alcanzan la de un humano actual.  

Símbolos, ritos y magia alrededor de las Venus prehistóricas

Aunque el término de inconsciente colectivo propuesto por C.G. Jung es de mediados del siglo XX, este tipo de esculturas responde a esta definición. El hombre primitivo que se abre a la sabiduría tiene, en primera instancia, conciencia de la muerte. Con el fin del cuerpo llega la pregunta por un posible más allá en el que lo incorpóreo se transforme en algo anímico o espiritual. Toda ello implica un proceso complejo de abstracción en el que aparece, casi a la vez, un sentido religioso, otro de pertenencia y un afán por controlar un proceso desconocido. En este contexto aparecen las Venus prehistóricas, las primeras manifestaciones escultóricas de la humanidad y todas ellas remiten al concepto de la fertilidad. 

Ahora bien, la fertilidad no solo hay que entenderla como el símbolo de la abundancia en todos los órdenes vitales sino también en su aspecto de protección. Es más, si nos vamos más allá en el símbolo, la procreación es una manera de vencer a la muerte ya que la genética (aunque nada de eso se supiera entonces) continúa en la progenie. Al fin y al cabo, un hijo es una forma más de vivir más tiempo una vez hayamos desaparecido. 

Las Venus prehistóricas se insertan en sociedades tribales, pequeñas, cazadoras y recolectoras que empezaban a dar forma a los clanes, a los lazos de familia, al trabajo en grupo y a la necesidad de evitar la muerte. Con toda probabilidad, junto con la danza y la música (de percusión en la tierra) nacieron estas figuras que tendrían un carácter ritual o mágico. Con ellas se invocaría la riqueza que suponen los hijos, las crías, los brazos para el trabajo, la caza o la defensa de los enemigos. En este sentido, estas figuras femeninas (y lo mismo las mujeres que respondían al prototipo físico) eran consideradas como esenciales para la supervivencia de la comunidad. 

Todo en ellas es explícito en lo importante. Las caderas son anchas y los senos enormes. En algunas se vislumbra un ombligo mientras que la cabeza muestra un tosco peinado. No conocemos ni ojos ni boca ya que la expresión o los sentimientos de estas Venus prehistóricas no eran determinantes para los pueblos que lo crearon. 

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

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El arte es lo que queda cuando todo ha pasado. Es lo inmutable dentro del cambio. Es la belleza en un mundo en caos. El arte es parte importante de este sitio. Intentamos comprenderlo. 

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Hasta el año 40.000 a.C. se encuentran una serie de esculturas talladas en piedra que representan una figura femenina con generosos senos y anchas caderas. Son las Venus prehistóricas simbolizadoras de la fertilidad, la prosperidad y la abundancia.  

¿Qué son las Venus prehistóricas y cuándo surgen? 

Se encuentran por todo el planeta Tierra y son de difícil datación. La más antiguas llegan hasta el 40.000 a. C y son la representación más importantes de la escultura prehistórica. Al tiempo que se realizan las enigmáticas pinturas rupestres en cuevas, abrigos y cavernas se han encontrado una serie de estatuillas femeninas con grandes senos y caderas. Algunas de ellas son exentas, esto es son esculturas independientes, otras están talladas en las rocas y plenamente visibles y otras son solo trazos en dólmenes, cuevas y cromeleques. Aunque las más frecuentes están ejecutadas en piedra, también se han encontrado en hueso y madera. Todas ellas, con toda probabilidad, son figuras realizadas con un fin mágico, ritual o religioso y, además, en las mismas se adivina claramente un fuerte símbolo de la fertilidad. 

En el Paleolítico la humanidad cazadora y recolectora encuentra una causa-efecto entre la vida y la muerte. Esa conciencia del final y la desazón que provoca desata todas las manifestaciones artísticas conocidas. Entre ellas se encuentran las Venus prehistóricas tan enigmáticas como subyugadoras cuyo alcance ha llegado hasta el arte contemporáneo con influencias en artistas pertenecientes a las vanguardias históricas. Caso claro de ello son los representantes del cubismo

Características de las Venus prehistóricas 

1.- Están realizadas, en su mayoría, utilizando piedra tanto como figuras exentas como talladas en la roca. Este es el caso de la encontrada en Laussel, Dordoña, y fechada entre el 27.000 hasta el 18.000 a.C. Claramente reconocible, lleva un cuerno de bisonte en la mano. 

2.- También hay ejemplos en otros materiales, como marfil y madera, aunque estos son menos frecuentes por el desgaste que han sufrido a lo largo de los milenios. Eso no quita para que se tallaran incluso con más frecuencia.

3.- Son perfectamente reconocibles los grandes senos y anchas caderas mientras que la cabeza es representada toscamente con el cabello a modo de trenza, rastas o rizos. Rara vez aparecen rasgos faciales, pero sí es frecuente la incisión que representa el ombligo. 

4- La proporción hace hincapié en la parte del abdomen y en las zonas corporales que propician la procreación y el alimento de los hijos. 

5.- Las Venus prehistóricas son el ejemplo más claro del símbolo de fertilidad y abundancia de estas manifestaciones artísticas primitivas. 

Venus de Willendorf

6.- Estas sociedades eran conscientes del valor de la fertilidad como un modo no solo de perpetuarse sino también de protegerse (cuantos más mejor) y de enriquecerse (más brazos para el trabajo o para la caza). En este contexto primitivo, la madre se convierte en uno de los símbolos esenciales, antes que la casa, las montañas, el agua o el mar. 

7.- La fecundidad es la gran representación de la vida en contraposición a la muerte. 

8.- Con toda probabilidad estas tallas tenían una función mágica, religiosa o ritual, bien para conjurar esos nacimientos necesarios o bien como proveedora del alimento a los más débiles. 

9.- Las figuras están toscamente talladas y centradas en la representación general. Por eso, no se entretienen en rasgos individuales. 

10.- Hacia la Edad de Cobre (entre el IV-III milenio a.C) surgen en Italia unas estelas que representan estas figuras pero ya han sido estilizadas y recogidas con los símbolos más importantes (los senos). Aparece un amago de rostro y líneas que quieren imitar un tejido somero. La altura es considerable ya que alcanzan la de un humano actual.  

Símbolos, ritos y magia alrededor de las Venus prehistóricas

Aunque el término de inconsciente colectivo propuesto por C.G. Jung es de mediados del siglo XX, este tipo de esculturas responde a esta definición. El hombre primitivo que se abre a la sabiduría tiene, en primera instancia, conciencia de la muerte. Con el fin del cuerpo llega la pregunta por un posible más allá en el que lo incorpóreo se transforme en algo anímico o espiritual. Toda ello implica un proceso complejo de abstracción en el que aparece, casi a la vez, un sentido religioso, otro de pertenencia y un afán por controlar un proceso desconocido. En este contexto aparecen las Venus prehistóricas, las primeras manifestaciones escultóricas de la humanidad y todas ellas remiten al concepto de la fertilidad. 

Ahora bien, la fertilidad no solo hay que entenderla como el símbolo de la abundancia en todos los órdenes vitales sino también en su aspecto de protección. Es más, si nos vamos más allá en el símbolo, la procreación es una manera de vencer a la muerte ya que la genética (aunque nada de eso se supiera entonces) continúa en la progenie. Al fin y al cabo, un hijo es una forma más de vivir más tiempo una vez hayamos desaparecido. 

Las Venus prehistóricas se insertan en sociedades tribales, pequeñas, cazadoras y recolectoras que empezaban a dar forma a los clanes, a los lazos de familia, al trabajo en grupo y a la necesidad de evitar la muerte. Con toda probabilidad, junto con la danza y la música (de percusión en la tierra) nacieron estas figuras que tendrían un carácter ritual o mágico. Con ellas se invocaría la riqueza que suponen los hijos, las crías, los brazos para el trabajo, la caza o la defensa de los enemigos. En este sentido, estas figuras femeninas (y lo mismo las mujeres que respondían al prototipo físico) eran consideradas como esenciales para la supervivencia de la comunidad. 

Todo en ellas es explícito en lo importante. Las caderas son anchas y los senos enormes. En algunas se vislumbra un ombligo mientras que la cabeza muestra un tosco peinado. No conocemos ni ojos ni boca ya que la expresión o los sentimientos de estas Venus prehistóricas no eran determinantes para los pueblos que lo crearon. 

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

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Se conocen como pinturas rupestres prehistóricas todas aquellas manifestaciones artísticas realizadas especialmente en cuevas con colores muy sencillos, técnica elemental y representando  de manera esquemática animales o figuras antropomorfas. Aunque la fecha de datación es complicada, los arqueólogos especialistas retrotraen las primeras a 40.000 años antes de Cristo. 

¿Qué entendemos por pinturas rupestres? 

Las pinturas rupestres no son exclusivas de la Prehistoria ya que esta forma artística se refiere a cualquier dibujo, trazo, grabado o figuras coloreadas realizadas en piedra. Por tanto, pueden ser, incluso, contemporáneas aunque el término, por extensión, se refiere a las realizadas en cuevas por los hombres prehistóricos.  

El homo sapiens sapiens es eminentemente recolector (de frutos, granos, bayas…) y, especialmente, cazador. Aunque, con toda probabilidad, se las ingeniaba para capturar pequeñas piezas de animales también se atrevía con ejemplares más grandes como bisontes, ciervos e, incluso, mamuts. Si las tareas para encontrar frutas o pequeños animales no implicarían demasiado riesgo, sí tendría que ser complicado una caza de las grandes especies que aparecen en las cuevas más conocidas (bisontes, ciervos, caballos…) Evolucionado de tal manera que podía tallar lanzas, cuchillos u objetos pequeños, este hombre primitivo ya debería tener algún tipo de conciencia de la muerte. Y las pinturas rupestres prehistóricas, de alguna manera u otra, están vinculadas a ese hecho, el mismo que nos diferencia de las criaturas de la naturaleza. 

Es imposible saber si las pinturas rupestres se generaron en espacios más abiertos de los que han llegado hasta nosotros. Los que tenemos están en cuevas o abrigos, incluso de difícil acceso, cuyo descubrimiento fue casi por casualidad.  

Pinturas rupestres del paleolítico, características generales

Bien es verdad que se ha encontrado un dibujo en una piedra africana que se ha datado en una fecha alrededor del 70.000 antes de Cristo, sin embargo, las primeras manifestaciones importantes de este tipo de arte son del 40.000 a.C. Dicho esto, es imposible saber la fecha exacta de su ejecución o si las muestras que nos han llegado pertenecen a una misma mano o época. A pesar de tan poca concreción, los investigadores están de acuerdo en estos puntos: 

 Pinturas rupestres de Lascaux

1.- Las pinturas rupestres que nos han llegado están realizadas en cuevas o abrigos, algunos de difícil acceso y descubiertos por casualidad. 

2.- El creador de las mismas tenía que trabajar tumbado o en cuclillas para poder realizar los dibujos. 

3.- Seguramente se hacía llevar algún tipo de antorcha o de linterna elemental realizada con el tuétano de algún animal. 

4.- Para realizar la pintura se utilizaba un aglutinante procedente de los animales. 

5.- Las pinturas rupestres pueden estar hechas con unos pinceles básicos, removiendo con los dedos los pimientos e, incluso, sorbiendo esta mezcla y después escupiendo sobre la roca. 

6.- Los colores son primitivos procedentes de las tierras o minerales que se tenían a mano. Predomina el negro, realizado con carbón, el ocre, los cobrizos, marrones, granates… 

7.- La representación se basa en animales que servían de caza (bisontes, ciervos, caballos) y también líneas básicas antropomórficas así como huellas completas de manos que aparecen delineadas. 

8.- Las figuras están dispuestas sin un orden aparente. 

9.- En ocasiones, el artista ha utilizado algún relieve preexistente en la roca para delimitar en ese espacio algunas de esas figuras. 

10.- Las de mayor calidad que se han encontrado (Lascaux, Altamira…) pertenecen al período Magdaleniense, el cual se extiende entre el 20.000 hasta el 10.000 a.c.  

El cambio en las pinturas rupestres al llegar el Neolítico

1.- La transformación supuso que los hombres prehistóricos abandonaran las cuevas, la vida nómada y relegaran la actividad cazadora en favor de una incipiente agricultura y ganadería. La humanidad se asienta y construye básicas viviendas en las que se espera pasar más tiempo para completar el ciclo de la naturaleza. 

2.- Con esta revolución se da paso a la investigación y se descubre la alfarería y los primeros trabajos en cantería. 

3.- Las pinturas rupestres que antes se hacían en cuevas con pigmentos, barros y aglutinantes se transforman en escisiones en las piedras. Aquí se representan muy someramente y esquemáticamente figuras humanas. 

4.- Con posterioridad, este conocimiento se aplica al embellecimiento de vasijas y cerámica diversa pero, para eso habría que llegar hasta la Edad de Bronce cuando se comienza a doblegar y trabajar los metales. Para esa época, las pinturas rupestres de cuevas, abrigos y cavernas habían quedado totalmente olvidadas, abandonadas e, incluso, clausuradas por fenómenos meteorológicos diversos.  

La intencionalidad de las pinturas rupestres

Y en este sentido trae de cabeza a más de un investigador. El trabajo a realizar (al menos en los ejemplos que nos han llegado) era arduo, fatigoso y complicado. Amén de la pericia del creador del mismo se necesitaba adentrarse en cuevas oscuras provistos de antorchas muy rudimentarias con el consiguiente riesgo de accidente. Todo ello invita a pensar que dicha tarea tenía una finalidad importante para la cosmovisión de las tribus que las crearon. En este sentido se han defendido tres teorías distintas, entrelazadas entre sí.   

1.- Las pinturas rupestres fueron creadas con una intención religiosa 

En este caso, hay que aceptar que este hombre prehistórico ya tenía un asentado concepto de la muerte y lo que ello implica. También hay que reconocerle que había llegado a entender la relación causa-efecto. Y, además, con toda probabilidad, había desarrollado un pensamiento mágico primitivo en el que, con seguridad, un chamán (lo cual implica una mínima división de trabajo o de clases) instaba realizar estas obras para congraciarse con fuerzas naturales incontrolables. Las pinturas rupestres muestran animales que participaban en la caza mayor, la cual podía ser, incluso, de carácter ritual enfocada a estrechar los lazos tribales. Por tanto, podrían ser imágenes con poderes mágicos y con un fuerte simbolismo. El animal representado y encerrado en una cueva se convertía, por tanto y según este esquema, en el trasunto del que estaba en libertad. 

 Bisonte de Altamira

2.- Pinturas rupestres como esquemas didácticos para la caza

Otra teoría apunta a que esas imágenes eran muestras didácticas donde se explicaba a la comunidad una suerte de método de caza. Sin embargo, esta idea tiene en su contra la dificultad de acceso de algunas de las pinturas más conocidas. Y no se va a colocar una clase es un sitio donde hay posibilidad de perderse o de despeñarse. En el otro lado, nos encontramos las pinturas rupestres más esquemáticas en las que parecen representarse un grupo de cazadores como si fuera un código de signos. Son estas las que apoyan esta teoría. Si bien es verdad, que esta propuesta es más mundana, hay que recordar que, con toda probabilidad, solo la diferencia entre la vida y la muerte importaba para estos hombres.

3.- La teoría aglutinadora que quiere explicar el origen de las pinturas rupestres 

En un punto entre ambas se encuentran quienes explican estas obras como el fruto evolutivo de estos hombres prehistóricos. Si bien, con toda probabilidad ya habían desarrollado un pensamiento mágico o religioso primitivo, también serían conscientes de la importancia de la unión de la tribu para la supervivencia. Si la unión hace la fuerza, se dieron cuenta, a la par, de que había más probabilidades de éxito con el conocimiento conjunto que con el desorden. Las pinturas rupestres no son la única manifestación artística de la Prehistoria. Conviven con las esculturas símbolos de la fecundidad. Son estas pequeñas figuras o tallas en la roca en las que se representan imágenes femeninas en toda su rotundidad matriarcal con caderas y senos generosos. Si la caza, para el hombre primitivo, era esencial para el sustento, no se quedaba atrás la capacidad de procreación, ya que las probabilidades de llegar a la edad adulta serían muy escasas. 

Visitar las pinturas rupestres de la Prehistoria más famosas

Este tipo de arte elemental realizado de una manera realista, sencilla, esquemática y desordenada nace, por tanto, a la par que el sentido de comunidad. Esto es, implica un elemental orden social en el que, al menos, se ha elegido un miembro para que realizara estas pinturas rituales o didácticas. Como son pocas las que nos han llegado y son tantos los siglos que hay sobre ellas, es complicada una teoría que nos muestre la cosmovisión de estos individuos. 

Aunque hay pinturas rupestres desperdigadas por todo el planeta Tierra, las más conocidas y de mayor calidad se encuentran en Europa. Son las de Lascaux, en la Dordoña francesa, y las de Altamira en el norte de España las que se han organizado con una gestión más eficaz para una visita a los no especialistas. Alrededor de ellas se encuentran museos, estudios y protección máxima (Patrimonio de la Humanidad por la Unesco) y una larga lista de espera para acceder a las cavidades originales. 

Las pinturas rupestres tienen el mismo nivel de enigma que los grandes conglomerados de piedras de la época, como el de Stonehenge, en Inglaterra. Supusieron un trabajo arduo para sus creadores y algo así no se crea para regocijo o estética cuando la existencia siempre estaba pendiendo de un hilo. Este tipo de recintos, como los dólmenes de Antequera, Évora o de otros emplazamientos europeos, cumplían funciones diversas en las que no había diferencias entre el cementerio, el centro astrológico, el templo religioso, el rito mágico o de poder e, incluso, el abrigo de inclemencias o refugio de enemigos. 

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

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Se conocen como pinturas rupestres prehistóricas todas aquellas manifestaciones artísticas realizadas especialmente en cuevas con colores muy sencillos, técnica elemental y representando  de manera esquemática animales o figuras antropomorfas. Aunque la fecha de datación es complicada, los arqueólogos especialistas retrotraen las primeras a 40.000 años antes de Cristo. 

¿Qué entendemos por pinturas rupestres? 

Las pinturas rupestres no son exclusivas de la Prehistoria ya que esta forma artística se refiere a cualquier dibujo, trazo, grabado o figuras coloreadas realizadas en piedra. Por tanto, pueden ser, incluso, contemporáneas aunque el término, por extensión, se refiere a las realizadas en cuevas por los hombres prehistóricos.  

El homo sapiens sapiens es eminentemente recolector (de frutos, granos, bayas…) y, especialmente, cazador. Aunque, con toda probabilidad, se las ingeniaba para capturar pequeñas piezas de animales también se atrevía con ejemplares más grandes como bisontes, ciervos e, incluso, mamuts. Si las tareas para encontrar frutas o pequeños animales no implicarían demasiado riesgo, sí tendría que ser complicado una caza de las grandes especies que aparecen en las cuevas más conocidas (bisontes, ciervos, caballos…) Evolucionado de tal manera que podía tallar lanzas, cuchillos u objetos pequeños, este hombre primitivo ya debería tener algún tipo de conciencia de la muerte. Y las pinturas rupestres prehistóricas, de alguna manera u otra, están vinculadas a ese hecho, el mismo que nos diferencia de las criaturas de la naturaleza. 

Es imposible saber si las pinturas rupestres se generaron en espacios más abiertos de los que han llegado hasta nosotros. Los que tenemos están en cuevas o abrigos, incluso de difícil acceso, cuyo descubrimiento fue casi por casualidad.  

Pinturas rupestres del paleolítico, características generales

Bien es verdad que se ha encontrado un dibujo en una piedra africana que se ha datado en una fecha alrededor del 70.000 antes de Cristo, sin embargo, las primeras manifestaciones importantes de este tipo de arte son del 40.000 a.C. Dicho esto, es imposible saber la fecha exacta de su ejecución o si las muestras que nos han llegado pertenecen a una misma mano o época. A pesar de tan poca concreción, los investigadores están de acuerdo en estos puntos: 

 Pinturas rupestres de Lascaux

1.- Las pinturas rupestres que nos han llegado están realizadas en cuevas o abrigos, algunos de difícil acceso y descubiertos por casualidad. 

2.- El creador de las mismas tenía que trabajar tumbado o en cuclillas para poder realizar los dibujos. 

3.- Seguramente se hacía llevar algún tipo de antorcha o de linterna elemental realizada con el tuétano de algún animal. 

4.- Para realizar la pintura se utilizaba un aglutinante procedente de los animales. 

5.- Las pinturas rupestres pueden estar hechas con unos pinceles básicos, removiendo con los dedos los pimientos e, incluso, sorbiendo esta mezcla y después escupiendo sobre la roca. 

6.- Los colores son primitivos procedentes de las tierras o minerales que se tenían a mano. Predomina el negro, realizado con carbón, el ocre, los cobrizos, marrones, granates… 

7.- La representación se basa en animales que servían de caza (bisontes, ciervos, caballos) y también líneas básicas antropomórficas así como huellas completas de manos que aparecen delineadas. 

8.- Las figuras están dispuestas sin un orden aparente. 

9.- En ocasiones, el artista ha utilizado algún relieve preexistente en la roca para delimitar en ese espacio algunas de esas figuras. 

10.- Las de mayor calidad que se han encontrado (Lascaux, Altamira…) pertenecen al período Magdaleniense, el cual se extiende entre el 20.000 hasta el 10.000 a.c.  

El cambio en las pinturas rupestres al llegar el Neolítico

1.- La transformación supuso que los hombres prehistóricos abandonaran las cuevas, la vida nómada y relegaran la actividad cazadora en favor de una incipiente agricultura y ganadería. La humanidad se asienta y construye básicas viviendas en las que se espera pasar más tiempo para completar el ciclo de la naturaleza. 

2.- Con esta revolución se da paso a la investigación y se descubre la alfarería y los primeros trabajos en cantería. 

3.- Las pinturas rupestres que antes se hacían en cuevas con pigmentos, barros y aglutinantes se transforman en escisiones en las piedras. Aquí se representan muy someramente y esquemáticamente figuras humanas. 

4.- Con posterioridad, este conocimiento se aplica al embellecimiento de vasijas y cerámica diversa pero, para eso habría que llegar hasta la Edad de Bronce cuando se comienza a doblegar y trabajar los metales. Para esa época, las pinturas rupestres de cuevas, abrigos y cavernas habían quedado totalmente olvidadas, abandonadas e, incluso, clausuradas por fenómenos meteorológicos diversos.  

La intencionalidad de las pinturas rupestres

Y en este sentido trae de cabeza a más de un investigador. El trabajo a realizar (al menos en los ejemplos que nos han llegado) era arduo, fatigoso y complicado. Amén de la pericia del creador del mismo se necesitaba adentrarse en cuevas oscuras provistos de antorchas muy rudimentarias con el consiguiente riesgo de accidente. Todo ello invita a pensar que dicha tarea tenía una finalidad importante para la cosmovisión de las tribus que las crearon. En este sentido se han defendido tres teorías distintas, entrelazadas entre sí.   

1.- Las pinturas rupestres fueron creadas con una intención religiosa 

En este caso, hay que aceptar que este hombre prehistórico ya tenía un asentado concepto de la muerte y lo que ello implica. También hay que reconocerle que había llegado a entender la relación causa-efecto. Y, además, con toda probabilidad, había desarrollado un pensamiento mágico primitivo en el que, con seguridad, un chamán (lo cual implica una mínima división de trabajo o de clases) instaba realizar estas obras para congraciarse con fuerzas naturales incontrolables. Las pinturas rupestres muestran animales que participaban en la caza mayor, la cual podía ser, incluso, de carácter ritual enfocada a estrechar los lazos tribales. Por tanto, podrían ser imágenes con poderes mágicos y con un fuerte simbolismo. El animal representado y encerrado en una cueva se convertía, por tanto y según este esquema, en el trasunto del que estaba en libertad. 

 Bisonte de Altamira

2.- Pinturas rupestres como esquemas didácticos para la caza

Otra teoría apunta a que esas imágenes eran muestras didácticas donde se explicaba a la comunidad una suerte de método de caza. Sin embargo, esta idea tiene en su contra la dificultad de acceso de algunas de las pinturas más conocidas. Y no se va a colocar una clase es un sitio donde hay posibilidad de perderse o de despeñarse. En el otro lado, nos encontramos las pinturas rupestres más esquemáticas en las que parecen representarse un grupo de cazadores como si fuera un código de signos. Son estas las que apoyan esta teoría. Si bien es verdad, que esta propuesta es más mundana, hay que recordar que, con toda probabilidad, solo la diferencia entre la vida y la muerte importaba para estos hombres.

3.- La teoría aglutinadora que quiere explicar el origen de las pinturas rupestres 

En un punto entre ambas se encuentran quienes explican estas obras como el fruto evolutivo de estos hombres prehistóricos. Si bien, con toda probabilidad ya habían desarrollado un pensamiento mágico o religioso primitivo, también serían conscientes de la importancia de la unión de la tribu para la supervivencia. Si la unión hace la fuerza, se dieron cuenta, a la par, de que había más probabilidades de éxito con el conocimiento conjunto que con el desorden. Las pinturas rupestres no son la única manifestación artística de la Prehistoria. Conviven con las esculturas símbolos de la fecundidad. Son estas pequeñas figuras o tallas en la roca en las que se representan imágenes femeninas en toda su rotundidad matriarcal con caderas y senos generosos. Si la caza, para el hombre primitivo, era esencial para el sustento, no se quedaba atrás la capacidad de procreación, ya que las probabilidades de llegar a la edad adulta serían muy escasas. 

Visitar las pinturas rupestres de la Prehistoria más famosas

Este tipo de arte elemental realizado de una manera realista, sencilla, esquemática y desordenada nace, por tanto, a la par que el sentido de comunidad. Esto es, implica un elemental orden social en el que, al menos, se ha elegido un miembro para que realizara estas pinturas rituales o didácticas. Como son pocas las que nos han llegado y son tantos los siglos que hay sobre ellas, es complicada una teoría que nos muestre la cosmovisión de estos individuos. 

Aunque hay pinturas rupestres desperdigadas por todo el planeta Tierra, las más conocidas y de mayor calidad se encuentran en Europa. Son las de Lascaux, en la Dordoña francesa, y las de Altamira en el norte de España las que se han organizado con una gestión más eficaz para una visita a los no especialistas. Alrededor de ellas se encuentran museos, estudios y protección máxima (Patrimonio de la Humanidad por la Unesco) y una larga lista de espera para acceder a las cavidades originales. 

Las pinturas rupestres tienen el mismo nivel de enigma que los grandes conglomerados de piedras de la época, como el de Stonehenge, en Inglaterra. Supusieron un trabajo arduo para sus creadores y algo así no se crea para regocijo o estética cuando la existencia siempre estaba pendiendo de un hilo. Este tipo de recintos, como los dólmenes de Antequera, Évora o de otros emplazamientos europeos, cumplían funciones diversas en las que no había diferencias entre el cementerio, el centro astrológico, el templo religioso, el rito mágico o de poder e, incluso, el abrigo de inclemencias o refugio de enemigos. 

Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

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el bosque de las respuestas

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