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Nacido como Jean-Baptiste Poquelin en 1622 en París, Molière no solo es uno de los grandes representantes del teatro clásico francés sino de la literatura universal de todos los tiempos. Aunque su familia (formada por prósperos artesanos que proveían a la casa del rey) le dio una esmerada educación y encaminó a nuestro protagonista hacia los negocios, este muy pronto escogió otros derroteros vitales. Y en ellos no entraban los libros de cuentas sino las mieles del arte.
Biografía de Molière muy resumida
Sus primeros contactos con el teatro fueron a edad temprana, ya que en el colegio de los jesuitas en el que estudió pudo leer a Plauto y a Terencio. Se decide por la profesión a los veinte años a pesar de la oposición de su familia que no podía entender cómo se renunciaba a una cómoda vida burguesa para dedicarse a una profesión al margen de la sociedad. Y en este último extremo hay que indicar que la iglesia francesa mantenía en la excomunión a todos a aquellos que, de una manera u otra, se dedicaban al teatro. Funda su primera compañía en 1643 (con tan solo 21 años) a la par que adopta el nombre de Molière.
Anoto que el éxito no fue inmediato ya que sus primeras representaciones como actor no tuvieron el favor del público. A pesar de ello, nuestro protagonista no se achanta y sale fuera de la capital representando en pueblos y provincias. Esta etapa dura quince años. Este bagaje influirá positivamente en sus obras ya que entra en contacto con tipos y públicos de diferente carácter e índole que, de alguna manera u otra, serán futura inspiración para sus textos. Es en esta época, también, cuando se relaciona con las compañías nómadas al estilo de la commedia dell’arte. Aunque de ellas tomará el gusto por el enredo y las gracias fáciles, muy pronto supera estos modelos al crear personajes de fuerte carácter psicológico con personalidades muy definidas.
En 1658 está de vuelta en París y en 1659 estrena con muy buena acogida Las preciosas ridículas. A este éxito le siguen muchos más, tantos que los ataques (debido a la envidia y a su humor cínico que no deja títere con cabeza) fueron constantes con intentos de boicot incluidos. Sin embargo, la buena suerte se posicionó del lado de Molière ya que el rey Luis XIV fue un gran aficionado al teatro que gustaba de las obras de nuestro escritor. No dudó en brindarle pública protección y generoso mecenazgo. Sin embargo, el artista no se conformó con realizar obras para el público aristocrático formado en literatura. Su afán era llegar al mayor número posible de espectadores sin importar clase social alguna.
Después de estos primeros éxitos con las comedias ligeras, a partir de La escuela de las mujeres (1662), compone sus mejores obras, aquellas por las que ha pasado al canon: Tartufo, El misántropo, El avaro, Don Juan, El burgués gentilhombre…
Muere en 1673 prácticamente sobre el escenario ya que se empeñó en hacer el papel protagonista de su Enfermo imaginario. Molière lo estaba de verdad, tanto que tuvo que ser atendido de un síncope al no poder soportar la presión de la representación. Murió a las pocas horas.
Obras de Molière más importantes
1.- Farsas al estilo de la commedia dell’arte pertenecientes a la primera época y a los últimos años. Algunos títulos son:
- El enfermo imaginario
- El médico a palos
- El burgués gentilhombre
- Las preciosas ridícula
2.- Alta comedia con una transformación muy personal desde los rudimentos básicos del género. Así evoluciona desde las tramas de enredo básicas con un texto marcado por el chiste fácil hacia personajes complejos. Estos son siempre descritos en toda su extensión humana con su despliegue de contradicciones, vicios y virtudes. De hecho, las sutilezas psicológicas que desarrolla en sus protagonistas le han abierto las puertas de la literatura universal. A esta clasificación pertenecen las obras de la década de los sesenta y los pocos años de la de los setenta en activo hasta su muerte. Algunos títulos son:
- La escuela de mujeres de 1662 en el que se aboga por la libertad a la hora de contraer matrimonio.
- Don Juan de 1665 adaptación de El Burlador de Sevilla de Tirso de Molina.
- El misántropo de 1666.
- El avaro de 1668 cuyo protagonista es Harpagón, prototipo universal del tacaño.
- Tartufo de 1664 que ha entrado en el canon universal.
- El enfermo imaginario de 1673, la obra que estaba representando cuando le llegó la muerte.
Características de las obras de Molière
1.- A pesar del apoyo y mecenazgo real, el escritor se propuso llegar a un público amplio sin caer en las simplicidades de la comedia de enredo. Para ello, utilizó la naturalidad y la verosimilitud que le daban unos personajes cuyos vicios y/o virtudes eran reconocibles por todos.
2.- A pesar de que aceptó las reglas del teatro clásico francés, supo moverse con libertad. Eso sí, todas sus obras (al menos las de la última etapa) responden a las tres unidades: de acción, de tiempo y de trama. Además, están escritas en los cinco actos prescritos. Aún así, sus obras combinan la prosa con el verso. Tiene preferencia por los pareados alejandrinos de tan difícil traducción en español.
3.- Sus personajes se caracterizan por una fuerte caracterización psicológica fácilmente reconocibles en prototipos universales.
4.- Buscaba la naturalidad ante todo sin afectación de ningún tipo para poder llegar así a un público más amplio.
5.- Las obras de Molière se caracterizan por la ironía y la sátira contra las miserias humanas sin llegar a la crítica social o política. Su máxima era que el teatro debía tener la misión de “corregir a los hombres divirtiéndolos”. Esto es, se propone un fin educativo o moral.
6.- Por sus títulos pasan todo tipo de personajes de condición diversa. Se detiene en profesiones distintas, en todas las capas sociales, en costumbres sin sentido y, especialmente, en los vicios más viles. Gusta de atacar a los usureros, a los impostores, a aquellos que solo se guían por las apariencias, a los que roban o engañan a los pobres, a los pedantes que esconden su desconocimiento, a la vanidad de los nuevos ricos, a la hipocresía de una religión que no se vive desde el convencimiento anímico y a la maldad de quienes ostentan el poder.
Más características
7.- Para poder desplegar toda esta panoplia de tipos psicológicos se sirve de ambientes diversos descritos con acierto, naturalidad y verosimilitud.
8.- En definitiva, Molière es el gran maestro de los personajes cómicos y lo son no porque su función sea hacer reír sino porque sus vicios llegan a conmover hasta la hilaridad. Para ello se sirve del ridículo pretendiendo, a la par, desenmascarar a narcisistas, malvados, hipócritas o snobs.
9.- Estos personajes miserables, además, en las obras de Molière se ponen en correlación con otros de altas virtudes morales. Así, el contraste se hace mayor.
10.- En las comedias de Molière ya se atisba los parámetros de la cultura del Neoclasicismo que tan buenos frutos dará en Francia. Hay una búsqueda de la verdad a través de la razón, del intelecto y del equilibrio. Por encima de todo el artista busca la mesura y se erige en abanderado de la libertad, a veces, a niveles extremos de los que se permitían por la sociedad de la época.
11.- En este sentido, algunos de sus personajes se erigen en defensores de la verdad íntima e individual más allá de imposturas sociales o de convencionalismos culturales. Este punto se hace extensible a la religión, criticando la beatería que impide tantas veces el libre encuentro con la esencia divina.
12.- El lenguaje que utiliza es sencillo, vivo, sin afectación y adaptado a la condición de los protagonistas.
Y, por último, no podemos dejar de recordar las veces que haga falta que las obras de Molière se caracterizan por la comicidad desplegada desde todas las perspectivas posibles. El objetivo es la risa aunque sea torcida porque nos topemos con un reconocible vicio humano. Para ello utiliza todos los recursos a su alcance, desde la bufonada hasta la crítica irónica pasando por el cinismo. Todos los estilos les son válidos a la hora de levantar personajes de fuerte carácter psicológico que despliegan ante el espectador tanto sus más altas virtudes como los vicios más atroces. Y lo hace sin apartarse de esas contradicciones anímicas que son inherentes a la raza humana.
Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla
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Nacido como Jean-Baptiste Poquelin en 1622 en París, Molière no solo es uno de los grandes representantes del teatro clásico francés sino de la literatura universal de todos los tiempos. Aunque su familia (formada por prósperos artesanos que proveían a la casa del rey) le dio una esmerada educación y encaminó a nuestro protagonista hacia los negocios, este muy pronto escogió otros derroteros vitales. Y en ellos no entraban los libros de cuentas sino las mieles del arte.
Biografía de Molière muy resumida
Sus primeros contactos con el teatro fueron a edad temprana, ya que en el colegio de los jesuitas en el que estudió pudo leer a Plauto y a Terencio. Se decide por la profesión a los veinte años a pesar de la oposición de su familia que no podía entender cómo se renunciaba a una cómoda vida burguesa para dedicarse a una profesión al margen de la sociedad. Y en este último extremo hay que indicar que la iglesia francesa mantenía en la excomunión a todos a aquellos que, de una manera u otra, se dedicaban al teatro. Funda su primera compañía en 1643 (con tan solo 21 años) a la par que adopta el nombre de Molière.
Anoto que el éxito no fue inmediato ya que sus primeras representaciones como actor no tuvieron el favor del público. A pesar de ello, nuestro protagonista no se achanta y sale fuera de la capital representando en pueblos y provincias. Esta etapa dura quince años. Este bagaje influirá positivamente en sus obras ya que entra en contacto con tipos y públicos de diferente carácter e índole que, de alguna manera u otra, serán futura inspiración para sus textos. Es en esta época, también, cuando se relaciona con las compañías nómadas al estilo de la commedia dell’arte. Aunque de ellas tomará el gusto por el enredo y las gracias fáciles, muy pronto supera estos modelos al crear personajes de fuerte carácter psicológico con personalidades muy definidas.
En 1658 está de vuelta en París y en 1659 estrena con muy buena acogida Las preciosas ridículas. A este éxito le siguen muchos más, tantos que los ataques (debido a la envidia y a su humor cínico que no deja títere con cabeza) fueron constantes con intentos de boicot incluidos. Sin embargo, la buena suerte se posicionó del lado de Molière ya que el rey Luis XIV fue un gran aficionado al teatro que gustaba de las obras de nuestro escritor. No dudó en brindarle pública protección y generoso mecenazgo. Sin embargo, el artista no se conformó con realizar obras para el público aristocrático formado en literatura. Su afán era llegar al mayor número posible de espectadores sin importar clase social alguna.
Después de estos primeros éxitos con las comedias ligeras, a partir de La escuela de las mujeres (1662), compone sus mejores obras, aquellas por las que ha pasado al canon: Tartufo, El misántropo, El avaro, Don Juan, El burgués gentilhombre…
Muere en 1673 prácticamente sobre el escenario ya que se empeñó en hacer el papel protagonista de su Enfermo imaginario. Molière lo estaba de verdad, tanto que tuvo que ser atendido de un síncope al no poder soportar la presión de la representación. Murió a las pocas horas.
Obras de Molière más importantes
1.- Farsas al estilo de la commedia dell’arte pertenecientes a la primera época y a los últimos años. Algunos títulos son:
- El enfermo imaginario
- El médico a palos
- El burgués gentilhombre
- Las preciosas ridícula
2.- Alta comedia con una transformación muy personal desde los rudimentos básicos del género. Así evoluciona desde las tramas de enredo básicas con un texto marcado por el chiste fácil hacia personajes complejos. Estos son siempre descritos en toda su extensión humana con su despliegue de contradicciones, vicios y virtudes. De hecho, las sutilezas psicológicas que desarrolla en sus protagonistas le han abierto las puertas de la literatura universal. A esta clasificación pertenecen las obras de la década de los sesenta y los pocos años de la de los setenta en activo hasta su muerte. Algunos títulos son:
- La escuela de mujeres de 1662 en el que se aboga por la libertad a la hora de contraer matrimonio.
- Don Juan de 1665 adaptación de El Burlador de Sevilla de Tirso de Molina.
- El misántropo de 1666.
- El avaro de 1668 cuyo protagonista es Harpagón, prototipo universal del tacaño.
- Tartufo de 1664 que ha entrado en el canon universal.
- El enfermo imaginario de 1673, la obra que estaba representando cuando le llegó la muerte.
Características de las obras de Molière
1.- A pesar del apoyo y mecenazgo real, el escritor se propuso llegar a un público amplio sin caer en las simplicidades de la comedia de enredo. Para ello, utilizó la naturalidad y la verosimilitud que le daban unos personajes cuyos vicios y/o virtudes eran reconocibles por todos.
2.- A pesar de que aceptó las reglas del teatro clásico francés, supo moverse con libertad. Eso sí, todas sus obras (al menos las de la última etapa) responden a las tres unidades: de acción, de tiempo y de trama. Además, están escritas en los cinco actos prescritos. Aún así, sus obras combinan la prosa con el verso. Tiene preferencia por los pareados alejandrinos de tan difícil traducción en español.
3.- Sus personajes se caracterizan por una fuerte caracterización psicológica fácilmente reconocibles en prototipos universales.
4.- Buscaba la naturalidad ante todo sin afectación de ningún tipo para poder llegar así a un público más amplio.
5.- Las obras de Molière se caracterizan por la ironía y la sátira contra las miserias humanas sin llegar a la crítica social o política. Su máxima era que el teatro debía tener la misión de “corregir a los hombres divirtiéndolos”. Esto es, se propone un fin educativo o moral.
6.- Por sus títulos pasan todo tipo de personajes de condición diversa. Se detiene en profesiones distintas, en todas las capas sociales, en costumbres sin sentido y, especialmente, en los vicios más viles. Gusta de atacar a los usureros, a los impostores, a aquellos que solo se guían por las apariencias, a los que roban o engañan a los pobres, a los pedantes que esconden su desconocimiento, a la vanidad de los nuevos ricos, a la hipocresía de una religión que no se vive desde el convencimiento anímico y a la maldad de quienes ostentan el poder.
Más características
7.- Para poder desplegar toda esta panoplia de tipos psicológicos se sirve de ambientes diversos descritos con acierto, naturalidad y verosimilitud.
8.- En definitiva, Molière es el gran maestro de los personajes cómicos y lo son no porque su función sea hacer reír sino porque sus vicios llegan a conmover hasta la hilaridad. Para ello se sirve del ridículo pretendiendo, a la par, desenmascarar a narcisistas, malvados, hipócritas o snobs.
9.- Estos personajes miserables, además, en las obras de Molière se ponen en correlación con otros de altas virtudes morales. Así, el contraste se hace mayor.
10.- En las comedias de Molière ya se atisba los parámetros de la cultura del Neoclasicismo que tan buenos frutos dará en Francia. Hay una búsqueda de la verdad a través de la razón, del intelecto y del equilibrio. Por encima de todo el artista busca la mesura y se erige en abanderado de la libertad, a veces, a niveles extremos de los que se permitían por la sociedad de la época.
11.- En este sentido, algunos de sus personajes se erigen en defensores de la verdad íntima e individual más allá de imposturas sociales o de convencionalismos culturales. Este punto se hace extensible a la religión, criticando la beatería que impide tantas veces el libre encuentro con la esencia divina.
12.- El lenguaje que utiliza es sencillo, vivo, sin afectación y adaptado a la condición de los protagonistas.
Y, por último, no podemos dejar de recordar las veces que haga falta que las obras de Molière se caracterizan por la comicidad desplegada desde todas las perspectivas posibles. El objetivo es la risa aunque sea torcida porque nos topemos con un reconocible vicio humano. Para ello utiliza todos los recursos a su alcance, desde la bufonada hasta la crítica irónica pasando por el cinismo. Todos los estilos les son válidos a la hora de levantar personajes de fuerte carácter psicológico que despliegan ante el espectador tanto sus más altas virtudes como los vicios más atroces. Y lo hace sin apartarse de esas contradicciones anímicas que son inherentes a la raza humana.
Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla
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Aunque este surge a partir del siglo XVII (desde 1630 aproximadamente), las fuentes hasta llegar a lo que denominamos teatro clásico francés se retrotraen, incluso, a la Edad Media. En aquella época, los teatros (y sus representaciones) como tales no existían. Los modelos teatrales se reducían a las labores del mester de juglaría y los autos sacramentales, pequeñas piezas ligadas a la liturgia y representadas en días importantes. Sin embargo, en 1548 estos misterios quedan prohibidos porque, al parecer, no se hacían con el debido respeto. Y, como sucede con los caminos del arte tantas veces, una puerta se cierra y otra se abre. Así algunos autores empezaron a adaptar textos procedentes de la commedia dell’arte italiana y su gusto por las narraciones de enredos.
Orígenes del teatro clásico francés
1.- Por tanto, durante el siglo XVI y la primera parte del XVII las obras y los géneros están en línea con lo que sucede en otras partes de Europa. Recordemos que es la época del maravilloso teatro isabelino en Inglaterra con Shakespeare a la cabeza y la consolidación del teatro barroco en España con nombres imprescindibles como Lope de Vega o Pedro Calderón de la Barca.
2.- Son obras estas en las que se mezclan estilos, modelos, reglas y hasta géneros dificultando, a veces, la división entre comedia o tragedia. Se basan en el enredo, la confusión, los excesos llegando en Francia a lo inverosímil y sobrenatural.
3.- Todo ello es posible porque la escena no tiene decorado y los teatros se improvisan en plazas y lugares públicos. Por tanto, existe un pacto de ficción complejo entre los actores (profesionales e itinerantes) y el público. Estos aceptan cambios de lugares y de tiempo imposibles de realizar con tramoyas básicas. A la par exigen aventuras y tramas que inviten al entretenimiento sin más.
La transformaciones necesarias para entender el teatro clásico francés
4.- Sin embargo, todo esto va cambiando a finales del siglo XVI, en París. Van surgiendo locales fijos y con ellos la especialización. Así tenemos el Hotel de Bourgogne donde se representan tragedias por actores profesionales de tan buen hacer que consiguen el distintivo de “troupe royale”. En el Marais se programan farsas mientras que la monarquía, en sus palacios, levantan teatros lujosos para su disfrute personal.
5.- Todo ello contribuye a la especialización y también al desarrollo de obras complejas salidas de plumas exquisitas. Estas, además, disponen de actores profesionalizados para levantar las escenas. La industria, por tanto, está servida. Tanto es así que Luis XIV (1642-1715) da carta de protección a todos los del gremio. Por tanto, estos elementos, que están en la base, contribuyen a afianzar los modelos del teatro clásico francés.
6.- Con todos estos datos y las ayudas a más alto nivel se crean teatros fijos, cubiertos, con palcos para la aristocracia y escenas iluminadas con tramoyas complejas. Se cobra entrada y, además, cuentan con el patrocinio real. Con estos mimbres, autores, tropa y actores pueden desarrollar un estilo propio.
Características del teatro clásico francés
1.- Se asienta sobre lo conseguido en el Barroco a nivel de intendencia (teatros, artistas para la creación, para el atrezzo…) y de público. Sin embargo, al contrario de lo que sucede en otros puntos de Europa, muy pronto dejan de lado las historias de capa y espada, de enredo o de aventuras para crear obras con unidad estilística y con temáticas profundas.
2.- Gracias a la protección real, se van haciendo obras complejas y ordenadas más allá de las tramas cuyo único objetivo es sacar la risa fácil. Esto es, se imponen gustos aristocráticos formados en la literatura clásica. Y estos son adaptados por el espectador popular.
3.- Se mira hacia la literatura greco-latina, los preceptos y las reglas que conforman la cultura del Neoclasicismo de la que Francia fue abanderada. A esto se une la influencia del Discurso del Método de Descartes. Publicado en 1637, aboga por dejar todos los aspectos de la vida bajo los mandos de la razón. Y en ese todo se incluye el gusto y el arte.
4.- El punto de inflexión para el nuevo modelo dramático se sitúa en 1636 con el estreno de El Cid de Corneille. La obra recibió la crítica de los preceptistas y, a partir de ese momento, se adoptan las reglas y las características de la literatura neoclásica. Así, en Francia, el teatro barroco se abandona por completo.
5.- Bajo esta nueva estética se separan (casi con bisturí) los estilos y los géneros. Las tragedias siempre serán en verso, con voz grave y con temas encaminados a la reflexión espiritual o moral. No pueden entrar personajes reservados a la comedia. En este último género se refugian los personajes populares, los graciosos o los pequeños burgueses con sus preocupaciones cotidianas. Aquí sí se admite la mezcla de estilo, del verso y la prosa. También se recurre al lenguaje común.
6.- Se adopta el ritmo de los cinco actos tomado del latino Horacio.
7.- En nombre del buen gusto francés, que ya empezaba a cultivarse, se prohibe cualquier exceso y entre ellos se encuentran las muertes, los lances o la sangre.
8.- La unidad llega a las tres reglas clásicas que son las que siguen: a) unidad de acción y por tanto solo se admite una única trama; 2) unidad de lugar y 3) unidad de tiempo. Así, la narración al completo debe concentrarse en un solo día y en un único emplazamiento. Con ello se propician puestas en escenas gloriosas y extravagantes incluso desde el punto de vista formal.
9.- Esto último, además, favoreció la concentración temática y la intensidad dramática. A la par, obliga al creador de los libretos a presentar crisis importantes. Estas deben describirse y resolverse utilizando potentes recursos literarios si quiere seguir los rígidos preceptos de las reglas.
10.- Con estas imposiciones se desarrolló especialmente la tragedia que, con el teatro clásico francés, llegó a cotas de calidad universal.
Autores del teatro clásico francés
1.- Pierre Corneille (1606-1684)
Iniciado en el teatro barroco, el punto de inflexión hacia el nuevo modelo fue el fracaso de El Cid en 1636. A partir de ese momento busca la inspiración en las tragedias de la literatura greco-romana. Sus temas favoritos son la libertad y la gloria siempre en conflicto con el deber para con la sociedad. Eso crea una profunda crisis en los personajes que normalmente se decantan por el civismo. Títulos a tener en cuenta son Horace, Polyeucte, Cinna…
2.- Jean Racine (1639-1699)
Nació cuando el teatro clásico francés comenzaba a afianzarse y siempre se decantó por las tragedias. A estas imprime un sello pesimista, doloroso y casi sin salida. Parece que así era el carácter del artista educado en los rigores moralistas. Sus héroes están malditos ya desde el nacimiento y siempre se debaten entre esa imposición heredada o impuestas por instancias superiores y su pasión interior. Todo ello hace posible la creación de personajes modernos, pasionales y de fuertes contradicciones. Maneja un estilo sobrio, sencillo y regido por el seguimiento a rajatabla de las reglas impuestas por el teatro clásico francés. Títulos del artista a tener en cuenta son especialmente Fedra, Andromaque, Berenice, Esther y Athalie…
3.- Jean Molière (1622-1673)
Es uno de los grandes escritores no solo del teatro clásico francés sino de la literatura universal. Por eso, merece estudio aparte más allá de estas notas imprescindibles para encuadrarlo en el movimiento al que pertenece. Actor tan entusiasta que murió en el escenario realizando precisamente el papel de un enfermo, tuvo un profundo contacto con las comedias populares basadas en los enredos de la commedia dell’arte. Su primer éxito fue en París en 1659 precisamente con una comedia, Las preciosas ridículas. A esta le seguiría la famosa La escuela de mujeres (1662). En todas ellas se transparenta una misoginia que era norma en la sociedad de la época. Sin embargo, el éxito de Molière y por el que ha pasado a la historia de la literatura universal radica en sus tragedias: Don Juan, Tartufo, El misántropo, El avaro...
En estas obras, Molière alcanza la cima del teatro clásico francés creando prototipos universales al presentar personajes con una fuerte contradicción interna. Al contrario que Racine o Corneille, estos están humanizados completamente presentándonos valores (los menos) y vicios (los más) morales que son comunes a la raza humana. Todo ello, por supuesto, con la grandeza temática, narrativa y estilística que nos reclama la literatura.
Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla
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Aunque este surge a partir del siglo XVII (desde 1630 aproximadamente), las fuentes hasta llegar a lo que denominamos teatro clásico francés se retrotraen, incluso, a la Edad Media. En aquella época, los teatros (y sus representaciones) como tales no existían. Los modelos teatrales se reducían a las labores del mester de juglaría y los autos sacramentales, pequeñas piezas ligadas a la liturgia y representadas en días importantes. Sin embargo, en 1548 estos misterios quedan prohibidos porque, al parecer, no se hacían con el debido respeto. Y, como sucede con los caminos del arte tantas veces, una puerta se cierra y otra se abre. Así algunos autores empezaron a adaptar textos procedentes de la commedia dell’arte italiana y su gusto por las narraciones de enredos.
Orígenes del teatro clásico francés
1.- Por tanto, durante el siglo XVI y la primera parte del XVII las obras y los géneros están en línea con lo que sucede en otras partes de Europa. Recordemos que es la época del maravilloso teatro isabelino en Inglaterra con Shakespeare a la cabeza y la consolidación del teatro barroco en España con nombres imprescindibles como Lope de Vega o Pedro Calderón de la Barca.
2.- Son obras estas en las que se mezclan estilos, modelos, reglas y hasta géneros dificultando, a veces, la división entre comedia o tragedia. Se basan en el enredo, la confusión, los excesos llegando en Francia a lo inverosímil y sobrenatural.
3.- Todo ello es posible porque la escena no tiene decorado y los teatros se improvisan en plazas y lugares públicos. Por tanto, existe un pacto de ficción complejo entre los actores (profesionales e itinerantes) y el público. Estos aceptan cambios de lugares y de tiempo imposibles de realizar con tramoyas básicas. A la par exigen aventuras y tramas que inviten al entretenimiento sin más.
La transformaciones necesarias para entender el teatro clásico francés
4.- Sin embargo, todo esto va cambiando a finales del siglo XVI, en París. Van surgiendo locales fijos y con ellos la especialización. Así tenemos el Hotel de Bourgogne donde se representan tragedias por actores profesionales de tan buen hacer que consiguen el distintivo de “troupe royale”. En el Marais se programan farsas mientras que la monarquía, en sus palacios, levantan teatros lujosos para su disfrute personal.
5.- Todo ello contribuye a la especialización y también al desarrollo de obras complejas salidas de plumas exquisitas. Estas, además, disponen de actores profesionalizados para levantar las escenas. La industria, por tanto, está servida. Tanto es así que Luis XIV (1642-1715) da carta de protección a todos los del gremio. Por tanto, estos elementos, que están en la base, contribuyen a afianzar los modelos del teatro clásico francés.
6.- Con todos estos datos y las ayudas a más alto nivel se crean teatros fijos, cubiertos, con palcos para la aristocracia y escenas iluminadas con tramoyas complejas. Se cobra entrada y, además, cuentan con el patrocinio real. Con estos mimbres, autores, tropa y actores pueden desarrollar un estilo propio.
Características del teatro clásico francés
1.- Se asienta sobre lo conseguido en el Barroco a nivel de intendencia (teatros, artistas para la creación, para el atrezzo…) y de público. Sin embargo, al contrario de lo que sucede en otros puntos de Europa, muy pronto dejan de lado las historias de capa y espada, de enredo o de aventuras para crear obras con unidad estilística y con temáticas profundas.
2.- Gracias a la protección real, se van haciendo obras complejas y ordenadas más allá de las tramas cuyo único objetivo es sacar la risa fácil. Esto es, se imponen gustos aristocráticos formados en la literatura clásica. Y estos son adaptados por el espectador popular.
3.- Se mira hacia la literatura greco-latina, los preceptos y las reglas que conforman la cultura del Neoclasicismo de la que Francia fue abanderada. A esto se une la influencia del Discurso del Método de Descartes. Publicado en 1637, aboga por dejar todos los aspectos de la vida bajo los mandos de la razón. Y en ese todo se incluye el gusto y el arte.
4.- El punto de inflexión para el nuevo modelo dramático se sitúa en 1636 con el estreno de El Cid de Corneille. La obra recibió la crítica de los preceptistas y, a partir de ese momento, se adoptan las reglas y las características de la literatura neoclásica. Así, en Francia, el teatro barroco se abandona por completo.
5.- Bajo esta nueva estética se separan (casi con bisturí) los estilos y los géneros. Las tragedias siempre serán en verso, con voz grave y con temas encaminados a la reflexión espiritual o moral. No pueden entrar personajes reservados a la comedia. En este último género se refugian los personajes populares, los graciosos o los pequeños burgueses con sus preocupaciones cotidianas. Aquí sí se admite la mezcla de estilo, del verso y la prosa. También se recurre al lenguaje común.
6.- Se adopta el ritmo de los cinco actos tomado del latino Horacio.
7.- En nombre del buen gusto francés, que ya empezaba a cultivarse, se prohibe cualquier exceso y entre ellos se encuentran las muertes, los lances o la sangre.
8.- La unidad llega a las tres reglas clásicas que son las que siguen: a) unidad de acción y por tanto solo se admite una única trama; 2) unidad de lugar y 3) unidad de tiempo. Así, la narración al completo debe concentrarse en un solo día y en un único emplazamiento. Con ello se propician puestas en escenas gloriosas y extravagantes incluso desde el punto de vista formal.
9.- Esto último, además, favoreció la concentración temática y la intensidad dramática. A la par, obliga al creador de los libretos a presentar crisis importantes. Estas deben describirse y resolverse utilizando potentes recursos literarios si quiere seguir los rígidos preceptos de las reglas.
10.- Con estas imposiciones se desarrolló especialmente la tragedia que, con el teatro clásico francés, llegó a cotas de calidad universal.
Autores del teatro clásico francés
1.- Pierre Corneille (1606-1684)
Iniciado en el teatro barroco, el punto de inflexión hacia el nuevo modelo fue el fracaso de El Cid en 1636. A partir de ese momento busca la inspiración en las tragedias de la literatura greco-romana. Sus temas favoritos son la libertad y la gloria siempre en conflicto con el deber para con la sociedad. Eso crea una profunda crisis en los personajes que normalmente se decantan por el civismo. Títulos a tener en cuenta son Horace, Polyeucte, Cinna…
2.- Jean Racine (1639-1699)
Nació cuando el teatro clásico francés comenzaba a afianzarse y siempre se decantó por las tragedias. A estas imprime un sello pesimista, doloroso y casi sin salida. Parece que así era el carácter del artista educado en los rigores moralistas. Sus héroes están malditos ya desde el nacimiento y siempre se debaten entre esa imposición heredada o impuestas por instancias superiores y su pasión interior. Todo ello hace posible la creación de personajes modernos, pasionales y de fuertes contradicciones. Maneja un estilo sobrio, sencillo y regido por el seguimiento a rajatabla de las reglas impuestas por el teatro clásico francés. Títulos del artista a tener en cuenta son especialmente Fedra, Andromaque, Berenice, Esther y Athalie…
3.- Jean Molière (1622-1673)
Es uno de los grandes escritores no solo del teatro clásico francés sino de la literatura universal. Por eso, merece estudio aparte más allá de estas notas imprescindibles para encuadrarlo en el movimiento al que pertenece. Actor tan entusiasta que murió en el escenario realizando precisamente el papel de un enfermo, tuvo un profundo contacto con las comedias populares basadas en los enredos de la commedia dell’arte. Su primer éxito fue en París en 1659 precisamente con una comedia, Las preciosas ridículas. A esta le seguiría la famosa La escuela de mujeres (1662). En todas ellas se transparenta una misoginia que era norma en la sociedad de la época. Sin embargo, el éxito de Molière y por el que ha pasado a la historia de la literatura universal radica en sus tragedias: Don Juan, Tartufo, El misántropo, El avaro...
En estas obras, Molière alcanza la cima del teatro clásico francés creando prototipos universales al presentar personajes con una fuerte contradicción interna. Al contrario que Racine o Corneille, estos están humanizados completamente presentándonos valores (los menos) y vicios (los más) morales que son comunes a la raza humana. Todo ello, por supuesto, con la grandeza temática, narrativa y estilística que nos reclama la literatura.
Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla
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Tras la epidemia por Covid-19, la obra El estado de sitio de Albert Camus, publicada en 1948, se encuentra de plena actualidad. Nos adentramos y hacemos una reseña de la misma.
En la obra, como en la actualidad, un hecho histórico trastoca los planes de sus protagonistas poniéndolos al límite de sí mismos. El estado de sitio de Albert Camus fue publicada nada más termina la Segunda Guerra Mundial y hoy se encuentra de plena actualidad. Y ello a pesar de los condicionantes tan dispares de ambas épocas.
Introducción a El estado de sitio de Albert Camus
El estado de sitio (1948) es una obra teatral de Albert Camus que recrea el Cádiz de las Cortes Constituyentes y el corto periodo liberal que terminó con la vuelta al absolutismo de Fernando VII. Ni que decir tiene que es el período más vergonzoso de la historia española. Estos ilustrados españoles del llamado Siglo de las Luces se esforzaron por llevar a todos los ámbitos sociales la cultura del Neoclasicismo con sus libertades y afán de cambio. El resultado es de todos conocidos, con una involución desastrosa que, de alguna manera u otra, condicionó los avatares vitales en los siguientes siglos. La obra está escrita en tres actos y ha sido llevada a escena en innumerables ocasiones por su rabiosa contemporaneidad. Hoy, tras la epidemia de Covid19, se encuentra de plena actualidad. Y máxime cuando ya hay voces que indican que ha habido un retroceso social importante, especialmente a la hora de considerar la brecha en la desigualdad social, la cual se ha agrandado aún más.
El francés y premio Nobel Albert Camus, en El estado de sitio desarrolla un tema similar al de su obra emblemática La peste. Aún así hay diferencias. En esta última es la enfermedad física (basada en un acontecimiento histórico) la que ahoga, asfixia, encierra y mata a los personajes de un Argel acosado por la epidemia. Sin embargo, en El estado de sitio es una situación política aterradora la que tiene encarcelada a todo un país. Camus aborda ese cerco al corto periodo liberal español, que culmina en una tiranía atroz y absurda, como si se tratara de una epidemia vírica. La muerte (debido a la acción de los poderosos) acorraló a la sociedad y con ella todo lo que supone de fracaso económico, espiritual y de avances en derechos. El pesimismo, a partir de entonces, sería unas de las señas de identidad españolas.
El estado de sitio, con un estilo novedoso, en el que se mezclan géneros de todo tipo, a pesar de ser una obra teatral y reconocible como tal, está protagonizado por la Peste y la Muerte. Son símbolos en la obra del francés de la tiranía y la sinrazón. Estos merodean alrededor de un pueblo que, a duras penas, puede deshacerse de la opresión, del oscurantismo y de la falta de recursos de todo tipo para salir adelante. En el texto se transparenta todo el trasfondo nihilista que embarga la obra de Albert Camus, a la par que se hace un fuerte alegato a favor de la libertad. Aunque pueda parecer lejano, el trasfondo temático de la obra, con otros condicionantes históricos, por supuesto, se encuentra, al día de hoy, de plena actualidad.
Un recuerdo de la Constitución de 1812 o de Cádiz para entender El estado de sitio de Albert Camus
El Neoclasicismo español se desarrolló más tarde que en el resto de Europa pero podemos decir que llegó a su cenit con la Constitución española de 1812. Fue el primer intento (totalmente fallido en la praxis) por instaurar un estado moderno. Aunque estuvo en vigor durante unos cuantos años con interrupciones, de hecho no llegó a desarrollarse, ya que fue abolida con la restauración de Fernando VII. Con ese intento frustrado por generar una débil democracia, con su separación de poderes y una libertad de imprenta (antecedente de la libertad de expresión), España perdió su primera oportunidad histórica de convertirse en un estado moderno regido por leyes liberales y, a la par, basado en el mérito y la educación. No sucedió tal cosa. Y habrá que esperar hasta finales del siglo XX casi para encontrarnos con una nación abierta que abraza la democracia.
De esta obra de Albert Camus se ha dicho que:
“Es intensa y ecléctica; una mezcla de Eurípides con el auto sacramental y los ecos del Camus de La Peste. Los parlamentos hablan de las reiteradas preocupaciones del autor: la libertad, la tiranía, la muerte, el amor y la fe en la luz del Mediterráneo como cura para los males del espíritu en Occidente”.
Hoy, los condicionantes para el confinamiento son distintos a los expuestos en El estado de sitio de Albert Camus. Aún así, ya son muchas las voces que este encierro impuesto a nivel global ya se manifiesta en un retroceso en las condiciones de vida, ánimo individual y libertades públicas. Es, en definitiva, una obra que nos alerta de los graves peligros a la hora de aparcar derechos y nos advierte de posibles graves consecuencias sociales. Al día de hoy, por anotar solo un punto, ya es evidente (por múltiples indicadores) que se ha agrandado aún más la desigualdad social. Por eso es recomendable, más que nunca, la lectura de El estado de sitio de Albert Camus disponible en ediciones de grandes grupos.
Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla
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Tras la epidemia por Covid-19, la obra El estado de sitio de Albert Camus, publicada en 1948, se encuentra de plena actualidad. Nos adentramos y hacemos una reseña de la misma.
En la obra, como en la actualidad, un hecho histórico trastoca los planes de sus protagonistas poniéndolos al límite de sí mismos. El estado de sitio de Albert Camus fue publicada nada más termina la Segunda Guerra Mundial y hoy se encuentra de plena actualidad. Y ello a pesar de los condicionantes tan dispares de ambas épocas.
Introducción a El estado de sitio de Albert Camus
El estado de sitio (1948) es una obra teatral de Albert Camus que recrea el Cádiz de las Cortes Constituyentes y el corto periodo liberal que terminó con la vuelta al absolutismo de Fernando VII. Ni que decir tiene que es el período más vergonzoso de la historia española. Estos ilustrados españoles del llamado Siglo de las Luces se esforzaron por llevar a todos los ámbitos sociales la cultura del Neoclasicismo con sus libertades y afán de cambio. El resultado es de todos conocidos, con una involución desastrosa que, de alguna manera u otra, condicionó los avatares vitales en los siguientes siglos. La obra está escrita en tres actos y ha sido llevada a escena en innumerables ocasiones por su rabiosa contemporaneidad. Hoy, tras la epidemia de Covid19, se encuentra de plena actualidad. Y máxime cuando ya hay voces que indican que ha habido un retroceso social importante, especialmente a la hora de considerar la brecha en la desigualdad social, la cual se ha agrandado aún más.
El francés y premio Nobel Albert Camus, en El estado de sitio desarrolla un tema similar al de su obra emblemática La peste. Aún así hay diferencias. En esta última es la enfermedad física (basada en un acontecimiento histórico) la que ahoga, asfixia, encierra y mata a los personajes de un Argel acosado por la epidemia. Sin embargo, en El estado de sitio es una situación política aterradora la que tiene encarcelada a todo un país. Camus aborda ese cerco al corto periodo liberal español, que culmina en una tiranía atroz y absurda, como si se tratara de una epidemia vírica. La muerte (debido a la acción de los poderosos) acorraló a la sociedad y con ella todo lo que supone de fracaso económico, espiritual y de avances en derechos. El pesimismo, a partir de entonces, sería unas de las señas de identidad españolas.
El estado de sitio, con un estilo novedoso, en el que se mezclan géneros de todo tipo, a pesar de ser una obra teatral y reconocible como tal, está protagonizado por la Peste y la Muerte. Son símbolos en la obra del francés de la tiranía y la sinrazón. Estos merodean alrededor de un pueblo que, a duras penas, puede deshacerse de la opresión, del oscurantismo y de la falta de recursos de todo tipo para salir adelante. En el texto se transparenta todo el trasfondo nihilista que embarga la obra de Albert Camus, a la par que se hace un fuerte alegato a favor de la libertad. Aunque pueda parecer lejano, el trasfondo temático de la obra, con otros condicionantes históricos, por supuesto, se encuentra, al día de hoy, de plena actualidad.
Un recuerdo de la Constitución de 1812 o de Cádiz para entender El estado de sitio de Albert Camus
El Neoclasicismo español se desarrolló más tarde que en el resto de Europa pero podemos decir que llegó a su cenit con la Constitución española de 1812. Fue el primer intento (totalmente fallido en la praxis) por instaurar un estado moderno. Aunque estuvo en vigor durante unos cuantos años con interrupciones, de hecho no llegó a desarrollarse, ya que fue abolida con la restauración de Fernando VII. Con ese intento frustrado por generar una débil democracia, con su separación de poderes y una libertad de imprenta (antecedente de la libertad de expresión), España perdió su primera oportunidad histórica de convertirse en un estado moderno regido por leyes liberales y, a la par, basado en el mérito y la educación. No sucedió tal cosa. Y habrá que esperar hasta finales del siglo XX casi para encontrarnos con una nación abierta que abraza la democracia.
De esta obra de Albert Camus se ha dicho que:
“Es intensa y ecléctica; una mezcla de Eurípides con el auto sacramental y los ecos del Camus de La Peste. Los parlamentos hablan de las reiteradas preocupaciones del autor: la libertad, la tiranía, la muerte, el amor y la fe en la luz del Mediterráneo como cura para los males del espíritu en Occidente”.
Hoy, los condicionantes para el confinamiento son distintos a los expuestos en El estado de sitio de Albert Camus. Aún así, ya son muchas las voces que este encierro impuesto a nivel global ya se manifiesta en un retroceso en las condiciones de vida, ánimo individual y libertades públicas. Es, en definitiva, una obra que nos alerta de los graves peligros a la hora de aparcar derechos y nos advierte de posibles graves consecuencias sociales. Al día de hoy, por anotar solo un punto, ya es evidente (por múltiples indicadores) que se ha agrandado aún más la desigualdad social. Por eso es recomendable, más que nunca, la lectura de El estado de sitio de Albert Camus disponible en ediciones de grandes grupos.
Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla
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