Judith Leyster, la pintora del Siglo de Oro Holandés
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Judith Leyster nace en Haarlem (Holanda) en 1609. No pertenecía a familia de artistas, tal como era frecuente entre las pintoras de la época (y solo hay que recordar los nombres de Artemisia Gentileschi, Lavinia Fontana o Marietta Robusti, hija de El Tintoretto). Su padre era cervecero y, al parecer, se introdujo en este oficio para ayudar a su familia a sobreponerse de una bancarrota. Tuvo un éxito discreto en vida, ya que, tras su matrimonio, se dedicó al cuidado del hogar y los hijos. El desbarajuste en el catálogo de sus obras, propició que, tras su muerte, buena parte de su opus fuera atribuido a Frans Hals (1582-1666) e, incluso, su firma ocultada con capas de pintura. Aún hoy en día siguen apareciendo obras de Judith Leyster que se creían salidas de los pinceles de artistas masculinos.
Un repaso a la biografía de Judith Leyster
Poco se sabe de su vida más allá de que era hija de un cervecero de Haarlem y que se inició en los pinceles en su ciudad natal. Al parecer, estudió con Frans Pietersz de Grebber (1573-1649) y con el ya mencionado Frans Hals, el máximo exponente de la pintura del Siglo de Oro Holandés. Tampoco está claro cómo la obra de Judith Leyster fue manipulada para que pareciera de este último artista.
En 1633 entra en la Orden de San Lucas de Haarlem, una especie de hermandad en la que orfebres, artesanos y pintores se apoyaban mutuamente. Judith fue una de las dos únicas mujeres admitidas en el grupo. Al parecer, su conocido Autorretrato (el que encabeza este texto) fue la obra que realizó como prueba de acceso. En 1636 se casa con Jan Miense Molenaer (1610-1668), un pintor conocido y la pareja se muda a Amsterdam para luego regresar a Haarlem. Con el matrimonio se termina la carrera artística de Judith ya que se dedica a las tareas del hogar y al cuidado de sus cinco hijos de los cuales solo dos llegaron a la edad adulta.
Tras su muerte, en 1660, la obra de Judith Leyster cayó completamente en el olvido, tanto que sus cuadros eran clasificados como “pertenecientes a la esposa de Molenaer”. Por si eso fuera poco, al parecer, en algún momento y debido a la semejanza de estilo con las obras de Frans Hals, las telas de nuestra protagonista fueron objeto de manipulación para hacerlas pasar por las del pintor con una cotización en el mercado del arte muy superior a la de nuestra protagonista. Su característica firma, en la que aparecen las iniciales JL rodeadas de una estrella, se cubrió sobre capas de pintura y esas obras fueron asignadas a otros artistas masculinos con mayor remate en las subastas.
El escándalo llegó en 1893, con juicio de por medio incluso. La obra objeto de la discordia fue La alegre pareja, hoy y en aquella época en el Museo del Louvre. En una limpieza salió la firma de la pintora dando lugar a un pleito entre los anteriores propietarios, la casa de subastas y el museo. A partir de esa atribución, se ha ido ampliando el catálogo de la artista encontrándose que buena parte de su obra ha sido objeto de la misma o similar manipulación. Hoy en día es considerada lo que es: una estrella de las artes holandesas y una de las pocas mujeres que tienen un lugar de honor en el Rijksmuseum de Ámsterdam.
Características artísticas de la pintora
Muy resumidamente y en plan esquemático tenemos:
1.- Aún no se conoce el catálogo completo de sus obras, ya que ni siquiera en vida se realizó uno. Tras su matrimonio, colaboró con los encargos de su esposo y es imposible dilucidar en qué lugar empieza y termina la mano de cada uno.
2.- Todos los cuadros son de pequeño formato y rara vez superan los 80 cms de alto.
3.- Apenas encontramos retratos de encargos que tan buenos ingresos permitían a los pintores de la época. Todos ellos son bodegones, naturalezas muertas o escenas de género en el que predominan personajes anónimos, sencillos y populares.
4.- Las obras de Judith Leyster nos retratan interiores con personajes alegres, sonrientes, vivaces, tocando instrumentos y todo con un estilo brillante, en movimiento y de espíritu positivo.
5.- Utiliza una rica paleta de colores y los personajes están retratados con realismo extremo captados realizando actividades divertidas o lúdicas. Predominan los músicos, interiores que se nos antojan de tabernas, niños riéndose con gatitos en sus brazos, bebedores o jugadores de cartas. Todo en la obra de Judith Leyster es un canto a la vida, a la cotidiana y sencilla de gentes sin más ambición que pasar lo mejor posible por este mundo.
6.- Los ambientes son siempre profanos, cotidianos y los protagonistas aparecen relajados, como si la pintora los hubiera pillado haciendo sus cosas. Hay que hacer notar que la artista trabaja mientras se desarrolla el arte barroco con su gusto por lo monstruoso, la tristeza y esa sensación de que la vida en la tierra no merece la pena ser vivida. La obra de nuestra artista se encuentra en la dirección contraria y todo en ella es un canto a la alegría y a la felicidad.
Obras de Judith Leyster y breve comentario
La alegre pareja (1630)
Actualmente se encuentra en el Museo del Louvre y fue la obra que abrió la polémica de las falsas atribuciones. La artista nos ha escamoteado el interior ya que los protagonistas se sitúan sobre un fondo negro. El hombre toca el violín mientras la mujer parece que escancia algo de vino mientras lo mira sonriente y con arrobo casi. El ambiente es de alegría y las ropas han sido reproducidas con un realismo casi táctil ya que adivinamos a la perfección los encajes, el lino o los terciopelos. La expresión de los rostros está reproducida con la habilidad de un miniaturista.
El concierto (1631)
Esta obra es de la misma línea, aunque el conjunto no presenta la misma brillantez y atención al detalle que la anterior. El tema es el mismo: una velada alegre amenizada con instrumentos musicales.
Serenata (1629)
Al parecer, para esta obra utilizó como modelo a su marido y de ella hay varias versiones, una incluso está en una colección particular de difícil identificación. El rostro y las manos reflejan ese momento alegre y feliz que tanto retrató la artista y lo hace con una pericia extrema, con brillantez y soltura. A la par, las ropas y el instrumento musical están reproducidos a la perfección. Todo en la obra nos remite a ese disfrute que han hecho famosas las obras de Judith Leyster.
El trío feliz (1630)
Del mismo tenor es esta última en la que tres muchachos cantan alegremente e, incluso, se nos antoja un principio de baile.
Autorretrato
Sorprende el tratamiento que de su persona da la artista. Aparece en actitud relajada, sonriente y en plena faena, aunque el traje que se ha colocado es el de gala con esa enorme gorguera que impide cualquier trabajo manual. La artista se aleja, así, de lo que hasta entonces venía siendo la norma: seriedad, elegancia y prestancia.
Las obras de Judith Leyster por su brillantez, vivacidad, sencillez y alegría están entre las más cotizadas al día de hoy. Lejos queda ya ese intento de apropiación por no sabemos quién ni con qué objetivo. Podemos intuir que, al renegar de la fama, incluso en vida, ella misma pudo contribuir a que alguien se aprovechara del talento que había desplegado en su pintura. Hoy, su producción es objeto minucioso de estudio y se espera que puedan salir más cuadros en los que, una mano interesada, haya tapado la firma JL rodeada de una estrella.
Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla
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Judith Leyster nace en Haarlem (Holanda) en 1609. No pertenecía a familia de artistas, tal como era frecuente entre las pintoras de la época (y solo hay que recordar los nombres de Artemisia Gentileschi, Lavinia Fontana o Marietta Robusti, hija de El Tintoretto). Su padre era cervecero y, al parecer, se introdujo en este oficio para ayudar a su familia a sobreponerse de una bancarrota. Tuvo un éxito discreto en vida, ya que, tras su matrimonio, se dedicó al cuidado del hogar y los hijos. El desbarajuste en el catálogo de sus obras, propició que, tras su muerte, buena parte de su opus fuera atribuido a Frans Hals (1582-1666) e, incluso, su firma ocultada con capas de pintura. Aún hoy en día siguen apareciendo obras de Judith Leyster que se creían salidas de los pinceles de artistas masculinos.
Un repaso a la biografía de Judith Leyster
Poco se sabe de su vida más allá de que era hija de un cervecero de Haarlem y que se inició en los pinceles en su ciudad natal. Al parecer, estudió con Frans Pietersz de Grebber (1573-1649) y con el ya mencionado Frans Hals, el máximo exponente de la pintura del Siglo de Oro Holandés. Tampoco está claro cómo la obra de Judith Leyster fue manipulada para que pareciera de este último artista.
En 1633 entra en la Orden de San Lucas de Haarlem, una especie de hermandad en la que orfebres, artesanos y pintores se apoyaban mutuamente. Judith fue una de las dos únicas mujeres admitidas en el grupo. Al parecer, su conocido Autorretrato (el que encabeza este texto) fue la obra que realizó como prueba de acceso. En 1636 se casa con Jan Miense Molenaer (1610-1668), un pintor conocido y la pareja se muda a Amsterdam para luego regresar a Haarlem. Con el matrimonio se termina la carrera artística de Judith ya que se dedica a las tareas del hogar y al cuidado de sus cinco hijos de los cuales solo dos llegaron a la edad adulta.
Tras su muerte, en 1660, la obra de Judith Leyster cayó completamente en el olvido, tanto que sus cuadros eran clasificados como “pertenecientes a la esposa de Molenaer”. Por si eso fuera poco, al parecer, en algún momento y debido a la semejanza de estilo con las obras de Frans Hals, las telas de nuestra protagonista fueron objeto de manipulación para hacerlas pasar por las del pintor con una cotización en el mercado del arte muy superior a la de nuestra protagonista. Su característica firma, en la que aparecen las iniciales JL rodeadas de una estrella, se cubrió sobre capas de pintura y esas obras fueron asignadas a otros artistas masculinos con mayor remate en las subastas.
El escándalo llegó en 1893, con juicio de por medio incluso. La obra objeto de la discordia fue La alegre pareja, hoy y en aquella época en el Museo del Louvre. En una limpieza salió la firma de la pintora dando lugar a un pleito entre los anteriores propietarios, la casa de subastas y el museo. A partir de esa atribución, se ha ido ampliando el catálogo de la artista encontrándose que buena parte de su obra ha sido objeto de la misma o similar manipulación. Hoy en día es considerada lo que es: una estrella de las artes holandesas y una de las pocas mujeres que tienen un lugar de honor en el Rijksmuseum de Ámsterdam.
Características artísticas de la pintora
Muy resumidamente y en plan esquemático tenemos:
1.- Aún no se conoce el catálogo completo de sus obras, ya que ni siquiera en vida se realizó uno. Tras su matrimonio, colaboró con los encargos de su esposo y es imposible dilucidar en qué lugar empieza y termina la mano de cada uno.
2.- Todos los cuadros son de pequeño formato y rara vez superan los 80 cms de alto.
3.- Apenas encontramos retratos de encargos que tan buenos ingresos permitían a los pintores de la época. Todos ellos son bodegones, naturalezas muertas o escenas de género en el que predominan personajes anónimos, sencillos y populares.
4.- Las obras de Judith Leyster nos retratan interiores con personajes alegres, sonrientes, vivaces, tocando instrumentos y todo con un estilo brillante, en movimiento y de espíritu positivo.
5.- Utiliza una rica paleta de colores y los personajes están retratados con realismo extremo captados realizando actividades divertidas o lúdicas. Predominan los músicos, interiores que se nos antojan de tabernas, niños riéndose con gatitos en sus brazos, bebedores o jugadores de cartas. Todo en la obra de Judith Leyster es un canto a la vida, a la cotidiana y sencilla de gentes sin más ambición que pasar lo mejor posible por este mundo.
6.- Los ambientes son siempre profanos, cotidianos y los protagonistas aparecen relajados, como si la pintora los hubiera pillado haciendo sus cosas. Hay que hacer notar que la artista trabaja mientras se desarrolla el arte barroco con su gusto por lo monstruoso, la tristeza y esa sensación de que la vida en la tierra no merece la pena ser vivida. La obra de nuestra artista se encuentra en la dirección contraria y todo en ella es un canto a la alegría y a la felicidad.
Obras de Judith Leyster y breve comentario
La alegre pareja (1630)
Actualmente se encuentra en el Museo del Louvre y fue la obra que abrió la polémica de las falsas atribuciones. La artista nos ha escamoteado el interior ya que los protagonistas se sitúan sobre un fondo negro. El hombre toca el violín mientras la mujer parece que escancia algo de vino mientras lo mira sonriente y con arrobo casi. El ambiente es de alegría y las ropas han sido reproducidas con un realismo casi táctil ya que adivinamos a la perfección los encajes, el lino o los terciopelos. La expresión de los rostros está reproducida con la habilidad de un miniaturista.
El concierto (1631)
Esta obra es de la misma línea, aunque el conjunto no presenta la misma brillantez y atención al detalle que la anterior. El tema es el mismo: una velada alegre amenizada con instrumentos musicales.
Serenata (1629)
Al parecer, para esta obra utilizó como modelo a su marido y de ella hay varias versiones, una incluso está en una colección particular de difícil identificación. El rostro y las manos reflejan ese momento alegre y feliz que tanto retrató la artista y lo hace con una pericia extrema, con brillantez y soltura. A la par, las ropas y el instrumento musical están reproducidos a la perfección. Todo en la obra nos remite a ese disfrute que han hecho famosas las obras de Judith Leyster.
El trío feliz (1630)
Del mismo tenor es esta última en la que tres muchachos cantan alegremente e, incluso, se nos antoja un principio de baile.
Autorretrato
Sorprende el tratamiento que de su persona da la artista. Aparece en actitud relajada, sonriente y en plena faena, aunque el traje que se ha colocado es el de gala con esa enorme gorguera que impide cualquier trabajo manual. La artista se aleja, así, de lo que hasta entonces venía siendo la norma: seriedad, elegancia y prestancia.
Las obras de Judith Leyster por su brillantez, vivacidad, sencillez y alegría están entre las más cotizadas al día de hoy. Lejos queda ya ese intento de apropiación por no sabemos quién ni con qué objetivo. Podemos intuir que, al renegar de la fama, incluso en vida, ella misma pudo contribuir a que alguien se aprovechara del talento que había desplegado en su pintura. Hoy, su producción es objeto minucioso de estudio y se espera que puedan salir más cuadros en los que, una mano interesada, haya tapado la firma JL rodeada de una estrella.
Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla
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Fede Galizia nace en Milán (posiblemente) en 1578 y allí muere víctima de la epidemia de peste de 1630. No se casó. No tuvo hijos. Rechazó incorporarse a la corte de los Habsburgo como pintora de cámara. Tampoco buscó el apoyo económico de patrocinadores ni mecenas. Siendo niña se incorpora al taller de su padre, Nunzio Galizia, un miniaturista que aún seguía trabajando según la tradición de los libros medievales. Fede Galizia (o simplemente Galizia) se crío, por tanto, en un ambiente artístico. Y, como tantas otras pintoras (Lavinia Fontana, Catharina van Hemessen o Levina Teerlinc por poner un puñado de ejemplos) por esa razón pudo ejercer, ya que las mujeres, hasta prácticamente el siglo XX, tenían vetado el acceso a toda instrucción reglada. No es de extrañar, por tanto, que las pocas que despuntaban procedían de ambientes familiares artísticos.
¿Quién fue Fede Galizia?
Desde joven mostró habilidades para el dibujo y se formó en el detalle pictórico tal como manejaba su padre. Su primera obra catalogada es el Retrato de Gherardo Borgogni de 1592. Esto es, Galizia debía tener tan solo catorce años. Y ya en ella demuestra talento y soltura en la reproducción realista de rostros y vestidos. Este poeta elogiaría el talento de la joven pintora en unos versos que, posteriormente, incorporaría a uno de sus lienzos más conocidos: Retrato de Paolo Morigia. Otra obra de juventud es su conocido autorretrato como la Judith que da muerte a Holofernes. Está realizada antes de cumplir los veinte años. La artista aparece ricamente ataviada y ha logrado reproducir con mimo los encajes, las joyas y todos los detalles de la exquisita vestimenta con resultado casi fotográfico, como veremos a continuación.
Aunque gozó de notable éxito en vida, fue olvidada tras su muerte y no fue rehabilitada hasta bien entrado el siglo XX. Hay que tener en cuenta que, en ningún momento, buscó el amparo de poderosos o solicitó mecenazgo. Pasó toda su vida en su ciudad natal y rechazó incorporarse a la corte imperial de los Habsburgo como pintora de cámara. No conocemos las razones de esa decisión. Sí sabemos que su padre la animó desde niña a que se formara como pintora poniéndole como ejemplo a seguir a Sofonisba Anguissola (1535-1625), una de las primeras artistas citadas por Vasari, elogiada por el mismísimo Miguel Ángel y que llegó a ser pintora de la corte de Felipe II de España, uno de los reyes más poderosos de su tiempo.
De su habilidad para los pinceles nos da cuenta un contemporáneo, Gian Paolo Lomazzo, crítico artístico que muy pronto se fijó en el talento de Fede Galizia siendo, incluso, una niña:
Esta muchacha se dedica a imitar lo más extraordinario de nuestro arte. Siendo solo una niña adolescente, ya ha conseguido una reputación como artista internacional.
Estilo de Fede Galizia
A pesar de que es complicado identificar buena parte de su producción, se han catalogado sesenta y tres obras (con un porcentaje bastante alto en colecciones privadas). De ellas, cuarenta y cuatro son bodegones, género en el que no solo fue pionera sino que destacó de manera sobresaliente.
El opus artístico de Fede Galizia está clasificado en su totalidad dentro de las características de la pintura renacentista con su gusto por la composición serena, siguiendo un orden elegante y mimética de la realidad. Sin embargo, evoluciona hacia el primer manierismo, especialmente en el tratamiento realista de las vestimentas y el efecto tridimensional de los elementos de sus bodegones. Su pintura se caracteriza, por tanto, por un naturalismo y realismo extremo especialmente en los retratos. Estos están realizados con calidad fotográfica a la par que captura (en los trazos siguiendo delicados claroscuros) la personalidad de sus protagonistas.
Cuando aborda la temática de las naturalezas muertas o bodegones despliega una inusitada atención al detalle. Y lo hace al reflejar la carnosidad de las frutas, flores, ramas y hasta pequeños insectos. Así, nos ofrece incluso un efecto táctil ya que logra reproducir la piel, la textura o los relieves con sobresaliente acierto. Insistimos en su faceta de pintora de bodegones o de naturalezas muertas por el que ha sido especialmente conocida (aparte de los buenos retratos que nos han llegado). El hecho de que se adentrara en este género pictórico tiene su explicación en la imposibilidad de acceder a modelos humanos o de seguir formación académica reglada.
Obras de Fede Galizia
Judith con la cabeza de Holofernes
Este pequeña obra es un autorretrato realizado en 1596 en el que la artista toma el papel de la heroína bíblica. Recoge el momento posterior en el que Judith, tras ser abusada, con la ayuda de una sirvienta, decapita a Holofernes. Con esta acción libra al pueblo judío del tirano. El tema fue querido en el Renacimiento con su gusto no solo por los mitos clásicos sino también por las escenas del Antiguo Testamento. Fue favorito de las pintoras de la época y de las décadas inmediatamente posteriores. Fue tratado, también, por la contemporánea Bárbara Longhi (1552-1638) y, unas décadas más tarde, el tema llegó a su cenit de la mano de Artemisia Gentileschi (1593-1654) que trató el tema de Judith decapitando a Holofernes en varias obras. Esta última artista emplea una violencia en sus telas que va más allá del gusto del arte barroco por lo macabro o monstruoso. La pintora, en esas obras (como en otras de clara línea feminista), intenta conjurar los demonios de su vida atormentada. Sin embargo, Fede Galizia, sin llegar al hieratismo casi de la obra homónima de Bárbara Longhi, nos sitúa (no ante la acción misma como hace Gentileschi) sino a su resultado. Así nos libra de la sangre y de un relato agresivo. La crítica considera que la de Galizia es la primera obra de esta temática, ampliamente tratada posteriormente.
Retratos realizados por Fede Galizia
Retrato de Paolo Morigia (1592-1596)
Esta obra fue la que la encumbró a la fama, ya que fue realizada con apenas veinte años. El protagonista es el general de los jesuitas y es inmortalizado mientras ejerce tareas de intelectual. La tela nos devuelve una visión casi fotográfica del retratado captando hasta el último detalle expresivo. Además, se ha relacionado el tratamiento de la vestimenta con la conocida técnica del español Francisco de Zurbarán (1598-1664) quien la tomaría de la pintora italiana. Paolo Morigia, el retratado, luce unos anteojos y en ellos la artista, con la minuciosidad de un miniaturista, ha reflejado los cristales de las ventanas. Esa misma atención al detalle se encuentra en el papel en primer término que es un poema de Gherardo Borgogni (1526-1608) a quien ya retrató con anterioridad, como hemos apuntado. Los versos elogian la habilidad artística de Fede Galizia y aluden al cuadro. Por tanto, estamos no solo ante una eficaz operación de marketing por parte de la artista sino que, previsiblemente, este elemento fue añadido después.
Retrato de Federico Zuccari (1604)
Del mismo tenor es este retrato en el que se reproduce con minuciosidad no solo la doble cadena de oro sino también cada uno de los pliegues del rostro del protagonista. No hay idealismo en la obra y hasta las deformidades de Federico Zuccari han sido recogidas. Así, la artista se guía por ese afán de realismo que era una constante entre los artistas renacentistas. Como en el anterior, el rostro y el torso destaca sobre un fondo negro sin más decoración.
Bodegones o naturalezas muertas de Fede Galizia
Es en este género en el que destacó y brilló la artista. Todos ellos están realizados siguiendo una composición estructural tomada (según la crítica) de Caravaggio (1571-1610). Sobre un fondo negro siempre se dispone un cuenco de cristal (el cual reproduce a la perfección) o de porcelana. Encima se sitúan las frutas, flores o vegetales. No hay amontonamiento aunque sí abundancia. La artista muestra preferencia por obras con los mismos elementos que aparecen desde distintas perspectivas (mondados, cortados…) De Naturaleza muerta con manzanas y flores de 1607 (reproducido al inicio de este epígrafe) realizó otro igual en el que una de las flores ha sido sustituida por un grillo.
Las obras de Fede Galizia no tuvieron una importante repercusión tras su muerte, quizás porque no estaban al cuidado de una familia poderosa o importante. Quedó aparcada sin más trascendencia y no fue objeto de cuidado institucional. Quizás por eso pudo ser adquirida por coleccionistas particulares. Sin embargo, el Retrato de Paolo Morigia (que la llevó, en vida, a la fama) se encuentra en la Pinacoteca Ambrosiana de Milán para disfrute de todos.
Por Candela Vizcaíno | Doctora por la Universidad de Sevilla
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Fede Galizia nace en Milán (posiblemente) en 1578 y allí muere víctima de la epidemia de peste de 1630. No se casó. No tuvo hijos. Rechazó incorporarse a la corte de los Habsburgo como pintora de cámara. Tampoco buscó el apoyo económico de patrocinadores ni mecenas. Siendo niña se incorpora al taller de su padre, Nunzio Galizia, un miniaturista que aún seguía trabajando según la tradición de los libros medievales. Fede Galizia (o simplemente Galizia) se crío, por tanto, en un ambiente artístico. Y, como tantas otras pintoras (Lavinia Fontana, Catharina van Hemessen o Levina Teerlinc por poner un puñado de ejemplos) por esa razón pudo ejercer, ya que las mujeres, hasta prácticamente el siglo XX, tenían vetado el acceso a toda instrucción reglada. No es de extrañar, por tanto, que las pocas que despuntaban procedían de ambientes familiares artísticos.
¿Quién fue Fede Galizia?
Desde joven mostró habilidades para el dibujo y se formó en el detalle pictórico tal como manejaba su padre. Su primera obra catalogada es el Retrato de Gherardo Borgogni de 1592. Esto es, Galizia debía tener tan solo catorce años. Y ya en ella demuestra talento y soltura en la reproducción realista de rostros y vestidos. Este poeta elogiaría el talento de la joven pintora en unos versos que, posteriormente, incorporaría a uno de sus lienzos más conocidos: Retrato de Paolo Morigia. Otra obra de juventud es su conocido autorretrato como la Judith que da muerte a Holofernes. Está realizada antes de cumplir los veinte años. La artista aparece ricamente ataviada y ha logrado reproducir con mimo los encajes, las joyas y todos los detalles de la exquisita vestimenta con resultado casi fotográfico, como veremos a continuación.
Aunque gozó de notable éxito en vida, fue olvidada tras su muerte y no fue rehabilitada hasta bien entrado el siglo XX. Hay que tener en cuenta que, en ningún momento, buscó el amparo de poderosos o solicitó mecenazgo. Pasó toda su vida en su ciudad natal y rechazó incorporarse a la corte imperial de los Habsburgo como pintora de cámara. No conocemos las razones de esa decisión. Sí sabemos que su padre la animó desde niña a que se formara como pintora poniéndole como ejemplo a seguir a Sofonisba Anguissola (1535-1625), una de las primeras artistas citadas por Vasari, elogiada por el mismísimo Miguel Ángel y que llegó a ser pintora de la corte de Felipe II de España, uno de los reyes más poderosos de su tiempo.
De su habilidad para los pinceles nos da cuenta un contemporáneo, Gian Paolo Lomazzo, crítico artístico que muy pronto se fijó en el talento de Fede Galizia siendo, incluso, una niña:
Esta muchacha se dedica a imitar lo más extraordinario de nuestro arte. Siendo solo una niña adolescente, ya ha conseguido una reputación como artista internacional.
Estilo de Fede Galizia
A pesar de que es complicado identificar buena parte de su producción, se han catalogado sesenta y tres obras (con un porcentaje bastante alto en colecciones privadas). De ellas, cuarenta y cuatro son bodegones, género en el que no solo fue pionera sino que destacó de manera sobresaliente.
El opus artístico de Fede Galizia está clasificado en su totalidad dentro de las características de la pintura renacentista con su gusto por la composición serena, siguiendo un orden elegante y mimética de la realidad. Sin embargo, evoluciona hacia el primer manierismo, especialmente en el tratamiento realista de las vestimentas y el efecto tridimensional de los elementos de sus bodegones. Su pintura se caracteriza, por tanto, por un naturalismo y realismo extremo especialmente en los retratos. Estos están realizados con calidad fotográfica a la par que captura (en los trazos siguiendo delicados claroscuros) la personalidad de sus protagonistas.
Cuando aborda la temática de las naturalezas muertas o bodegones despliega una inusitada atención al detalle. Y lo hace al reflejar la carnosidad de las frutas, flores, ramas y hasta pequeños insectos. Así, nos ofrece incluso un efecto táctil ya que logra reproducir la piel, la textura o los relieves con sobresaliente acierto. Insistimos en su faceta de pintora de bodegones o de naturalezas muertas por el que ha sido especialmente conocida (aparte de los buenos retratos que nos han llegado). El hecho de que se adentrara en este género pictórico tiene su explicación en la imposibilidad de acceder a modelos humanos o de seguir formación académica reglada.
Obras de Fede Galizia
Judith con la cabeza de Holofernes
Este pequeña obra es un autorretrato realizado en 1596 en el que la artista toma el papel de la heroína bíblica. Recoge el momento posterior en el que Judith, tras ser abusada, con la ayuda de una sirvienta, decapita a Holofernes. Con esta acción libra al pueblo judío del tirano. El tema fue querido en el Renacimiento con su gusto no solo por los mitos clásicos sino también por las escenas del Antiguo Testamento. Fue favorito de las pintoras de la época y de las décadas inmediatamente posteriores. Fue tratado, también, por la contemporánea Bárbara Longhi (1552-1638) y, unas décadas más tarde, el tema llegó a su cenit de la mano de Artemisia Gentileschi (1593-1654) que trató el tema de Judith decapitando a Holofernes en varias obras. Esta última artista emplea una violencia en sus telas que va más allá del gusto del arte barroco por lo macabro o monstruoso. La pintora, en esas obras (como en otras de clara línea feminista), intenta conjurar los demonios de su vida atormentada. Sin embargo, Fede Galizia, sin llegar al hieratismo casi de la obra homónima de Bárbara Longhi, nos sitúa (no ante la acción misma como hace Gentileschi) sino a su resultado. Así nos libra de la sangre y de un relato agresivo. La crítica considera que la de Galizia es la primera obra de esta temática, ampliamente tratada posteriormente.
Retratos realizados por Fede Galizia
Retrato de Paolo Morigia (1592-1596)
Esta obra fue la que la encumbró a la fama, ya que fue realizada con apenas veinte años. El protagonista es el general de los jesuitas y es inmortalizado mientras ejerce tareas de intelectual. La tela nos devuelve una visión casi fotográfica del retratado captando hasta el último detalle expresivo. Además, se ha relacionado el tratamiento de la vestimenta con la conocida técnica del español Francisco de Zurbarán (1598-1664) quien la tomaría de la pintora italiana. Paolo Morigia, el retratado, luce unos anteojos y en ellos la artista, con la minuciosidad de un miniaturista, ha reflejado los cristales de las ventanas. Esa misma atención al detalle se encuentra en el papel en primer término que es un poema de Gherardo Borgogni (1526-1608) a quien ya retrató con anterioridad, como hemos apuntado. Los versos elogian la habilidad artística de Fede Galizia y aluden al cuadro. Por tanto, estamos no solo ante una eficaz operación de marketing por parte de la artista sino que, previsiblemente, este elemento fue añadido después.
Retrato de Federico Zuccari (1604)
Del mismo tenor es este retrato en el que se reproduce con minuciosidad no solo la doble cadena de oro sino también cada uno de los pliegues del rostro del protagonista. No hay idealismo en la obra y hasta las deformidades de Federico Zuccari han sido recogidas. Así, la artista se guía por ese afán de realismo que era una constante entre los artistas renacentistas. Como en el anterior, el rostro y el torso destaca sobre un fondo negro sin más decoración.
Bodegones o naturalezas muertas de Fede Galizia
Es en este género en el que destacó y brilló la artista. Todos ellos están realizados siguiendo una composición estructural tomada (según la crítica) de Caravaggio (1571-1610). Sobre un fondo negro siempre se dispone un cuenco de cristal (el cual reproduce a la perfección) o de porcelana. Encima se sitúan las frutas, flores o vegetales. No hay amontonamiento aunque sí abundancia. La artista muestra preferencia por obras con los mismos elementos que aparecen desde distintas perspectivas (mondados, cortados…) De Naturaleza muerta con manzanas y flores de 1607 (reproducido al inicio de este epígrafe) realizó otro igual en el que una de las flores ha sido sustituida por un grillo.
Las obras de Fede Galizia no tuvieron una importante repercusión tras su muerte, quizás porque no estaban al cuidado de una familia poderosa o importante. Quedó aparcada sin más trascendencia y no fue objeto de cuidado institucional. Quizás por eso pudo ser adquirida por coleccionistas particulares. Sin embargo, el Retrato de Paolo Morigia (que la llevó, en vida, a la fama) se encuentra en la Pinacoteca Ambrosiana de Milán para disfrute de todos.
Por Candela Vizcaíno | Doctora por la Universidad de Sevilla
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Fede Galizia, la primera pintora de bodegones
Fede Galizia nace en Milán (posiblemente) en 1578 y allí muere víctima de la epidemia de ...
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Y el sobrenombre le viene de su padre, el famoso pintor El Tintoretto (1518-1539) a cuya obra ya hemos dedicado estudio en este espacio. A pesar de que era hija nacida fuera del matrimonio, Marietta Robusti llevaba el apellido de su progenitor y es con el que ha pasado a la historia del arte.
Acercamiento a la vida de Marietta Robusti y la relación con su padre
Nació en Venecia en 1560 y allí murió en 1590. Era la primogénita e hija ilegítima del pintor El Tintoretto. A pesar de esta condición que, en la época, condenaba prácticamente a los pequeños, Marietta era la favorita de su padre y tuvieron un especial vínculo de por vida. Con tan solo siete años ya está la niña aprendiendo en el taller familiar y también recibe formación musical y en humanidades. Además, este se las ingenió, vistiéndola de chico, para que pudiera tener una instrucción reglada que, por entonces, estaba vetada a las mujeres. De hecho, buena parte de las pintoras, hasta prácticamente el siglo XX, o bien procedían de familias de artistas o de la élite intelectual. Es el caso de Artemisia Gentileschi, Catharina von Hemessen, Levina Teerlinc, Bárbara Longhi o Lavinia Fontana. A pesar del silencio sobre ellas y la dificultad para identificar sus obras (ya que, por imposición o por humildad, buena parte no están firmadas) han logrado un hueco en los libros de arte.
Marietta pertenece a esta estirpe femenina y también a la de los pintores de renombre. Muy pronto se convirtió en la asistente y ayudante de su padre destacando en el arte del retrato, género con alta demanda en la época. Por su talento y por ser quien era, desde joven ya era conocida como La Tintoretta. Se casó en 1586 con el joyero Jacopo d’Augusta. La relación con su progenitor era tan intensa que, a la muerte de Marietta en 1590 tras sufrir la pérdida de un bebé que no llegó al año de edad, el artista se sumió en una intensa depresión. Es más, a decir de biógrafos e investigadores, prácticamente no se recuperó en vida. Y con toda probabilidad este aspecto influyó en el sentido y cariz de su obra posterior.
La obra de Marietta Robusti
Fue conocida por la aristocracia de Venecia y alrededores por su pericia en el arte del retrato, muy demandado por la élite de la época. Marietta realizaba delicadas telas sobre un fondo negro en el que sus pinceles recogían la más mínima expresión de los que posaban para ella. Su fama traspasó las fronteras del Véneto y fue requerida por Maximiliano II de Austria y por Felipe II de España para que se incorporara como pintora de corte. Ambos son grandes honores ya que estamos hablando de dos de las monarquías más importantes del momento. Sin embargo, Marietta no quiso abandonar a su familia y se quedó ejerciendo en la rica Ciudad de los Canales sin más ambición que trabajar codo con codo su padre.
Quizás por eso, es difícil identificar su obra. Una de las más aclamadas es el Retrato de Ottavio Strada que reproducimos, realizado siendo muy joven y donde despliega toda su pericia con los pinceles siguiendo las características de la pintura renacentista. Esto es, busca sobriedad, elegancia, sencillez, armonía y una novedosa perspectiva que consigue con una original disposición de las figuras.
En Autorretrato con madrigal que abre este estudio, la artista se retrata, no con los pinceles, sino junto a un instrumento musical, que también maneja, tal como haría otra pintora casi contemporánea Lavinia Fontana. La crítica ve en este gesto un deseo de apartarse de la vanidad y la actitud narcisista de lo mejor que se sabe hacer. Sin embargo, ambas no renuncian a identificarse como mujeres cultas que saben tocar un instrumento o leer en distintas lenguas. En la obra de Marietta Robusti nos encontramos un delicado retrato en el que la artista ha utilizado una exquisita paleta de colores de la misma tonalidad (para el pelo y el vestido) y ha reproducido el ropaje con habilidad de miniaturista. A la par, la expresión y la reproducción del rostro está realizada con detalle y calidad casi fotográfica. Utiliza un pincelada muy pequeña, fluida y con una inteligente paleta de tonos de los mismos colores.
Marietta Robusti y los artistas del Romanticismo
La figura de la pintora fue retomada posteriormente por los artistas del Romanticismo. Fueron varios los que crearon obras inspiradas en su quehacer artístico. Así, la escritora francesa George Sand (1804-1876) escogió su figura para uno de los protagonistas de su obra Los maestros trabajadores del mosaico (1837). Posteriormente, el pintor francés Léon Cogniet (1794-1880) la hizo también protagonista de su más famosa obra: Tintoretto retrata a su hija muerta (1843). En ella asistimos a todas las características de la pintura del Romanticismo: patetismo, fuerte claroscuro, temática extrema (la muerte) y el dolor como trasfondo. La obra, por responder al espíritu de los tiempos, fue aclamada en la época y, por tanto, la figura de padre e hija revitalizada para un creciente público amante del arte. Además, fue elogiada por Charles Baudelaire (1821-1867) en uno de sus múltiples escritos críticos.
Marietta Robusti o La Tintoretta fue, en definitiva, una de esas artistas con talento sobresaliente que, a pesar de no poder formarse más allá de los muros de los talleres familiares, logró éxito en su día y fama perdurable.
Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla
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Y el sobrenombre le viene de su padre, el famoso pintor El Tintoretto (1518-1539) a cuya obra ya hemos dedicado estudio en este espacio. A pesar de que era hija nacida fuera del matrimonio, Marietta Robusti llevaba el apellido de su progenitor y es con el que ha pasado a la historia del arte.
Acercamiento a la vida de Marietta Robusti y la relación con su padre
Nació en Venecia en 1560 y allí murió en 1590. Era la primogénita e hija ilegítima del pintor El Tintoretto. A pesar de esta condición que, en la época, condenaba prácticamente a los pequeños, Marietta era la favorita de su padre y tuvieron un especial vínculo de por vida. Con tan solo siete años ya está la niña aprendiendo en el taller familiar y también recibe formación musical y en humanidades. Además, este se las ingenió, vistiéndola de chico, para que pudiera tener una instrucción reglada que, por entonces, estaba vetada a las mujeres. De hecho, buena parte de las pintoras, hasta prácticamente el siglo XX, o bien procedían de familias de artistas o de la élite intelectual. Es el caso de Artemisia Gentileschi, Catharina von Hemessen, Levina Teerlinc, Bárbara Longhi o Lavinia Fontana. A pesar del silencio sobre ellas y la dificultad para identificar sus obras (ya que, por imposición o por humildad, buena parte no están firmadas) han logrado un hueco en los libros de arte.
Marietta pertenece a esta estirpe femenina y también a la de los pintores de renombre. Muy pronto se convirtió en la asistente y ayudante de su padre destacando en el arte del retrato, género con alta demanda en la época. Por su talento y por ser quien era, desde joven ya era conocida como La Tintoretta. Se casó en 1586 con el joyero Jacopo d’Augusta. La relación con su progenitor era tan intensa que, a la muerte de Marietta en 1590 tras sufrir la pérdida de un bebé que no llegó al año de edad, el artista se sumió en una intensa depresión. Es más, a decir de biógrafos e investigadores, prácticamente no se recuperó en vida. Y con toda probabilidad este aspecto influyó en el sentido y cariz de su obra posterior.
La obra de Marietta Robusti
Fue conocida por la aristocracia de Venecia y alrededores por su pericia en el arte del retrato, muy demandado por la élite de la época. Marietta realizaba delicadas telas sobre un fondo negro en el que sus pinceles recogían la más mínima expresión de los que posaban para ella. Su fama traspasó las fronteras del Véneto y fue requerida por Maximiliano II de Austria y por Felipe II de España para que se incorporara como pintora de corte. Ambos son grandes honores ya que estamos hablando de dos de las monarquías más importantes del momento. Sin embargo, Marietta no quiso abandonar a su familia y se quedó ejerciendo en la rica Ciudad de los Canales sin más ambición que trabajar codo con codo su padre.
Quizás por eso, es difícil identificar su obra. Una de las más aclamadas es el Retrato de Ottavio Strada que reproducimos, realizado siendo muy joven y donde despliega toda su pericia con los pinceles siguiendo las características de la pintura renacentista. Esto es, busca sobriedad, elegancia, sencillez, armonía y una novedosa perspectiva que consigue con una original disposición de las figuras.
En Autorretrato con madrigal que abre este estudio, la artista se retrata, no con los pinceles, sino junto a un instrumento musical, que también maneja, tal como haría otra pintora casi contemporánea Lavinia Fontana. La crítica ve en este gesto un deseo de apartarse de la vanidad y la actitud narcisista de lo mejor que se sabe hacer. Sin embargo, ambas no renuncian a identificarse como mujeres cultas que saben tocar un instrumento o leer en distintas lenguas. En la obra de Marietta Robusti nos encontramos un delicado retrato en el que la artista ha utilizado una exquisita paleta de colores de la misma tonalidad (para el pelo y el vestido) y ha reproducido el ropaje con habilidad de miniaturista. A la par, la expresión y la reproducción del rostro está realizada con detalle y calidad casi fotográfica. Utiliza un pincelada muy pequeña, fluida y con una inteligente paleta de tonos de los mismos colores.
Marietta Robusti y los artistas del Romanticismo
La figura de la pintora fue retomada posteriormente por los artistas del Romanticismo. Fueron varios los que crearon obras inspiradas en su quehacer artístico. Así, la escritora francesa George Sand (1804-1876) escogió su figura para uno de los protagonistas de su obra Los maestros trabajadores del mosaico (1837). Posteriormente, el pintor francés Léon Cogniet (1794-1880) la hizo también protagonista de su más famosa obra: Tintoretto retrata a su hija muerta (1843). En ella asistimos a todas las características de la pintura del Romanticismo: patetismo, fuerte claroscuro, temática extrema (la muerte) y el dolor como trasfondo. La obra, por responder al espíritu de los tiempos, fue aclamada en la época y, por tanto, la figura de padre e hija revitalizada para un creciente público amante del arte. Además, fue elogiada por Charles Baudelaire (1821-1867) en uno de sus múltiples escritos críticos.
Marietta Robusti o La Tintoretta fue, en definitiva, una de esas artistas con talento sobresaliente que, a pesar de no poder formarse más allá de los muros de los talleres familiares, logró éxito en su día y fama perdurable.
Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla
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Sofonisba Anguissola (Cremona, 1535 - Palermo, 1625) puede considerarse una de las mujeres pintoras más importantes de la historia del arte. Así la trataron sus coetáneos y con esta calificación se ha estudiado su obra a lo largo de estos casi cinco siglos. Era hija de Almicare Anguisola (a quien retrató), un miembro de la nobleza genovesa que se abrió a las ideas aperturistas del Renacimiento. Por eso, la pequeña Sofonisba pudo estudiar y desarrollar con libertad su talento, a igual que sus cinco hermanas y su hermano, aunque éste no demostró la inclinación artística de la chicas.
Biografía de Sofonisba Anguissola
Educación y formación
Citada en vida por Giorgio Vasari en Las vidas de los más excelentes arquitectos y escultores italianos (1550), desde niña demostró dotes pictóricas. Se formó con los mejores maestros del momento, como el pintor lombardo Bernardino Campi (1522-1591) en cuyo taller aprendió las técnicas necesarias para llevar su arte al cenit. Sin embargo, hay un punto de inflexión en su biografía que explica (en parte) la fama y éxito que disfrutó en vida, a pesar de que cualquier actividad artística y/o pública estaba, en principio, vetada a las mujeres.
Antes de ser citada en la imprescindible obra de Vasari, recibió las alabanzas públicas, nada más y nada menos, que de Miguel Ángel Bounarroti (1475-1564). Eso fue en Roma a donde viajó en 1554 y, al parecer, recibió instrucción informal por parte del maestro. La obra que fue objeto de alabanzas de Miguel Ángel fue Niño mordido por un cangrejo que estudiaremos con un poco de detalle a continuación. Este reconocimiento de quien ya era considerado un genio, unido a su talento natural, a su exquisita formación y al hecho de que perteneciera a la nobleza, le abrió las puertas de una de las más importantes cortes de la época: la de Felipe II, rey de España y de más de la mitad de América.
Llegada a la corte española de Felipe II
Tenía veinticinco años cuando llegó a la corte española. Fue gracias a la intermediación del Duque de Alba (Fernando Álvarez de Toledo y Pimentel, 1507-1582) a quién conoció en Milán donde la pintora se trasladó en 1558. Sofonisba retrató al aristócrata y éste, conocedor del interés del rey por las bellas artes, gestionó su incorporación al cuerpo de damas de honor de la nueva reina, Isabel de Valois (1545-1568), tercera esposa de Felipe II (1527-1598). Aún no era Madrid la capital del reino que eso llegaría en 1561. Permaneció en la corte tras la muerte de la reina, ya que el rey, en reconocimiento a su talento, no solo la nombró pintora de cámara sino también instructora y maestra de sus hijas.
Probablemente en Madrid terminara su conocido Autorretrato con caballete que debió estar listo hacia 1565, un retrato de la reina que se conserva en el Museo del Prado y el conocido Retrato de Felipe II (1559) que hasta hace poco se había asignado a Alonso Sánchez Coello (1531-1588). También realizó un retrato doble de las Infantas Isabel Clara Eugenia y Catalina Micaela, hijas del rey y de Isabel de Valois.
El periodo italiano
El rey le busca “partido” y se casa (con dote y bodas a cargo de la corona) con el noble italiano Fabrizio Moncada en 1573. Con él se muda a Palermo donde pintaría otra de sus obras más conocidas, el óleo Madonna dell´Itria. Su esposo fallece en un naufragio en 1578 dejando a Sofonisba en una complicada situación económica a pesar de que es una pintora reconocida y reputada. Un año después decide abandonar Sicilia y viaja hacia Liguria. Es en ese viaje donde conoce a quién sería su segundo esposo, mucho más joven que ella y capitán de navío. Su nombre era Orazio Lomellini y sobrevivió a la pintora. Se casan con la desaprobación del rey y se mudan a Génova donde siguió retratando a las familias nobles de la zona. Ya anciana regresa a sus posesiones de Palermo donde fallece en 1625 y está enterrada.
Obras de Sofonisba Anguissola más importantes
Sobresalió en el retrato, el formato que demandaba la pujante nobleza y aristocracia renacentista. Aunque trató algunos temas religiosos, las obras de Sofonisba Anguissola están en el lado profano de la vida, cotidiano casi. La narración es serena, sin recurrir a los mitos clásicos que tanto gustaban en la época y deteniéndose en las expresiones y en los ropajes de una forma sencilla. He realizado una selección de cinco de sus creaciones más conocidas.
Retrato de Felipe II
Siguiendo la norma de la Edad Media, los artistas no firmaban todas sus obras, aunque esta tendencia se iría rompiendo poco a poco. Esto fue lo que sucedió con el Retrato de Felipe II que se ha adjudicado la autoría a la pintora únicamente tras la limpieza y restauración en época contemporánea. Tras estos trabajos salieron a la luz, de nuevo, las delicadas pinceladas de la artista, las mismas que otorga un elegante fondo al retrato sobrio y serio del monarca.
La partida de ajedrez
Es una de sus obras más conocidas y fue pintado en 1555 antes de llegar a España. Refleja un momento cotidiano, fugaz y sin más importancia. Las retratadas son sus hermanas que juegan una partida de ajedrez con las piezas dispuestas para el mate final. Las poses son relajadas, sonrientes y en actitud de complicidad. Ha colocado un fondo en el que sobresale la naturaleza y todo el conjunto es de una fuerte armonía con respecto a los colores y a la disposición. En él vemos ya todas las características de la pintura renacentista: la naturaleza como escenario, el foco en la figura humana (olvidándose de los asuntos religiosos que habían sido una constante en la época anterior), el uso de la perspectiva y la serenidad de todas las protagonistas.
Niño mordido por un cangrejo
A su llegada a Roma en 1554, Miguel Ángel propuso a la pintora una suerte de ejercicio para evaluar sus cualidades. La temática fue dada por el maestro: la obra debía girar alrededor de un niño llorando. Sofonisba Anguissola aceptó el reto y creó este cuadro en el que es protagonista su hermano pequeño Asdrubale mordido por un cangrejo. La reacción del maestro fue la de admiración y, con esta respuesta, abrió más de una puerta a la artista. Sin embargo, la importancia del cuadro no acaba aquí, ya que la crítica ve en esta obra inspiración para la aclamada obra Chico mordido por una lagartija (1595-1596) de Caravaggio, uno de los más importantes pintores barrocos y de todos los tiempos. Para ello no solo se basa en la temática y en la reacción de los personajes (exagerada en extremo en el caso del pintor italiano como corresponde al arte barroco) sino también en el tratamiento del fondo que aparece totalmente oscuro.
Maddonna dell´Iría
Es un óleo sobre tabla realizado en Sicilia entre 1578 y 1579. Es una de las pocas obras de temática religiosa de Sofonisba Anguisola y en ella se siguen la estructura y los cánones clásicos. La pintura puede dividirse en tres partes: en la inferior se detalla el mundo humano y mortal, la Virgen María se encuentra en el nivel intermedio, ya que es representada como la mediadora entre los creyentes y el mundo celestial, que se sitúa en el nivel superior.
Autorretrato con caballete
Poco se sabe del lugar de ejecución de una de las obras más conocidas de la pintora. Su realización se sitúa entre 1556 y 1565. Es, a la vez, un autorretrato y un cuadro devocional en el que se representa a la Virgen besando a Jesús. La pintora aparece en primer plano mirando al espectador con los utensilios necesarios para la realización de su arte, tal cual hubiera sido sorprendida en plena tarea. La espontaneidad y la serenidad van parejos en calidad así como el uso magistral de la luz que se concentra en el rostro de la artista para dirigirse posteriormente hacia la obra que está pintando.
Sin lugar a dudas, Sofonisba Anguissola y sus obras ocupan un lugar destacado en la historia del arte influyendo notablemente no solo en los artistas de su época sino también en los jóvenes que instruía en sus años de vejez en Palermo. Y todo ello a pesar de su condición femenina en una época en la que las mujeres tenían vetado la formación artística reglada e, incluso, las posibilidades de desarrollarse en cualquier profesión. Ella rompió esos moldes sin apenas rebeldía, simplemente imponiéndose con la calidad de su arte. Fue una persona inspiradora para las artistas que llegarían después, como la irrepetible Artemisia Gentileschi (1593-1654), Lavina Fontana (1552-1614), Josefa de Óbidos (1630-1684) o la escultora española conocida como La Roldana (1652-1706).
Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla
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Sofonisba Anguissola (Cremona, 1535 - Palermo, 1625) puede considerarse una de las mujeres pintoras más importantes de la historia del arte. Así la trataron sus coetáneos y con esta calificación se ha estudiado su obra a lo largo de estos casi cinco siglos. Era hija de Almicare Anguisola (a quien retrató), un miembro de la nobleza genovesa que se abrió a las ideas aperturistas del Renacimiento. Por eso, la pequeña Sofonisba pudo estudiar y desarrollar con libertad su talento, a igual que sus cinco hermanas y su hermano, aunque éste no demostró la inclinación artística de la chicas.
Biografía de Sofonisba Anguissola
Educación y formación
Citada en vida por Giorgio Vasari en Las vidas de los más excelentes arquitectos y escultores italianos (1550), desde niña demostró dotes pictóricas. Se formó con los mejores maestros del momento, como el pintor lombardo Bernardino Campi (1522-1591) en cuyo taller aprendió las técnicas necesarias para llevar su arte al cenit. Sin embargo, hay un punto de inflexión en su biografía que explica (en parte) la fama y éxito que disfrutó en vida, a pesar de que cualquier actividad artística y/o pública estaba, en principio, vetada a las mujeres.
Antes de ser citada en la imprescindible obra de Vasari, recibió las alabanzas públicas, nada más y nada menos, que de Miguel Ángel Bounarroti (1475-1564). Eso fue en Roma a donde viajó en 1554 y, al parecer, recibió instrucción informal por parte del maestro. La obra que fue objeto de alabanzas de Miguel Ángel fue Niño mordido por un cangrejo que estudiaremos con un poco de detalle a continuación. Este reconocimiento de quien ya era considerado un genio, unido a su talento natural, a su exquisita formación y al hecho de que perteneciera a la nobleza, le abrió las puertas de una de las más importantes cortes de la época: la de Felipe II, rey de España y de más de la mitad de América.
Llegada a la corte española de Felipe II
Tenía veinticinco años cuando llegó a la corte española. Fue gracias a la intermediación del Duque de Alba (Fernando Álvarez de Toledo y Pimentel, 1507-1582) a quién conoció en Milán donde la pintora se trasladó en 1558. Sofonisba retrató al aristócrata y éste, conocedor del interés del rey por las bellas artes, gestionó su incorporación al cuerpo de damas de honor de la nueva reina, Isabel de Valois (1545-1568), tercera esposa de Felipe II (1527-1598). Aún no era Madrid la capital del reino que eso llegaría en 1561. Permaneció en la corte tras la muerte de la reina, ya que el rey, en reconocimiento a su talento, no solo la nombró pintora de cámara sino también instructora y maestra de sus hijas.
Probablemente en Madrid terminara su conocido Autorretrato con caballete que debió estar listo hacia 1565, un retrato de la reina que se conserva en el Museo del Prado y el conocido Retrato de Felipe II (1559) que hasta hace poco se había asignado a Alonso Sánchez Coello (1531-1588). También realizó un retrato doble de las Infantas Isabel Clara Eugenia y Catalina Micaela, hijas del rey y de Isabel de Valois.
El periodo italiano
El rey le busca “partido” y se casa (con dote y bodas a cargo de la corona) con el noble italiano Fabrizio Moncada en 1573. Con él se muda a Palermo donde pintaría otra de sus obras más conocidas, el óleo Madonna dell´Itria. Su esposo fallece en un naufragio en 1578 dejando a Sofonisba en una complicada situación económica a pesar de que es una pintora reconocida y reputada. Un año después decide abandonar Sicilia y viaja hacia Liguria. Es en ese viaje donde conoce a quién sería su segundo esposo, mucho más joven que ella y capitán de navío. Su nombre era Orazio Lomellini y sobrevivió a la pintora. Se casan con la desaprobación del rey y se mudan a Génova donde siguió retratando a las familias nobles de la zona. Ya anciana regresa a sus posesiones de Palermo donde fallece en 1625 y está enterrada.
Obras de Sofonisba Anguissola más importantes
Sobresalió en el retrato, el formato que demandaba la pujante nobleza y aristocracia renacentista. Aunque trató algunos temas religiosos, las obras de Sofonisba Anguissola están en el lado profano de la vida, cotidiano casi. La narración es serena, sin recurrir a los mitos clásicos que tanto gustaban en la época y deteniéndose en las expresiones y en los ropajes de una forma sencilla. He realizado una selección de cinco de sus creaciones más conocidas.
Retrato de Felipe II
Siguiendo la norma de la Edad Media, los artistas no firmaban todas sus obras, aunque esta tendencia se iría rompiendo poco a poco. Esto fue lo que sucedió con el Retrato de Felipe II que se ha adjudicado la autoría a la pintora únicamente tras la limpieza y restauración en época contemporánea. Tras estos trabajos salieron a la luz, de nuevo, las delicadas pinceladas de la artista, las mismas que otorga un elegante fondo al retrato sobrio y serio del monarca.
La partida de ajedrez
Es una de sus obras más conocidas y fue pintado en 1555 antes de llegar a España. Refleja un momento cotidiano, fugaz y sin más importancia. Las retratadas son sus hermanas que juegan una partida de ajedrez con las piezas dispuestas para el mate final. Las poses son relajadas, sonrientes y en actitud de complicidad. Ha colocado un fondo en el que sobresale la naturaleza y todo el conjunto es de una fuerte armonía con respecto a los colores y a la disposición. En él vemos ya todas las características de la pintura renacentista: la naturaleza como escenario, el foco en la figura humana (olvidándose de los asuntos religiosos que habían sido una constante en la época anterior), el uso de la perspectiva y la serenidad de todas las protagonistas.
Niño mordido por un cangrejo
A su llegada a Roma en 1554, Miguel Ángel propuso a la pintora una suerte de ejercicio para evaluar sus cualidades. La temática fue dada por el maestro: la obra debía girar alrededor de un niño llorando. Sofonisba Anguissola aceptó el reto y creó este cuadro en el que es protagonista su hermano pequeño Asdrubale mordido por un cangrejo. La reacción del maestro fue la de admiración y, con esta respuesta, abrió más de una puerta a la artista. Sin embargo, la importancia del cuadro no acaba aquí, ya que la crítica ve en esta obra inspiración para la aclamada obra Chico mordido por una lagartija (1595-1596) de Caravaggio, uno de los más importantes pintores barrocos y de todos los tiempos. Para ello no solo se basa en la temática y en la reacción de los personajes (exagerada en extremo en el caso del pintor italiano como corresponde al arte barroco) sino también en el tratamiento del fondo que aparece totalmente oscuro.
Maddonna dell´Iría
Es un óleo sobre tabla realizado en Sicilia entre 1578 y 1579. Es una de las pocas obras de temática religiosa de Sofonisba Anguisola y en ella se siguen la estructura y los cánones clásicos. La pintura puede dividirse en tres partes: en la inferior se detalla el mundo humano y mortal, la Virgen María se encuentra en el nivel intermedio, ya que es representada como la mediadora entre los creyentes y el mundo celestial, que se sitúa en el nivel superior.
Autorretrato con caballete
Poco se sabe del lugar de ejecución de una de las obras más conocidas de la pintora. Su realización se sitúa entre 1556 y 1565. Es, a la vez, un autorretrato y un cuadro devocional en el que se representa a la Virgen besando a Jesús. La pintora aparece en primer plano mirando al espectador con los utensilios necesarios para la realización de su arte, tal cual hubiera sido sorprendida en plena tarea. La espontaneidad y la serenidad van parejos en calidad así como el uso magistral de la luz que se concentra en el rostro de la artista para dirigirse posteriormente hacia la obra que está pintando.
Sin lugar a dudas, Sofonisba Anguissola y sus obras ocupan un lugar destacado en la historia del arte influyendo notablemente no solo en los artistas de su época sino también en los jóvenes que instruía en sus años de vejez en Palermo. Y todo ello a pesar de su condición femenina en una época en la que las mujeres tenían vetado la formación artística reglada e, incluso, las posibilidades de desarrollarse en cualquier profesión. Ella rompió esos moldes sin apenas rebeldía, simplemente imponiéndose con la calidad de su arte. Fue una persona inspiradora para las artistas que llegarían después, como la irrepetible Artemisia Gentileschi (1593-1654), Lavina Fontana (1552-1614), Josefa de Óbidos (1630-1684) o la escultora española conocida como La Roldana (1652-1706).
Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla
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Nacida en Brujas en 1510 e hija del pintor Simon Benninck, Levina Teerlinc abandona los usos de la miniatura medieval en la que había sido instruida para convertirse en pintora real de una de las cortes más poderosas de la Europa de entonces, la de Enrique VIII. Comencemos por el principio.
Orígenes y formación artística de Levina Teerlinc
A inicios del siglo XVI se abandonan definitivamente los modelos artísticos vigentes durante toda la Edad Media. Anotemos que, debido a la escasez económica y al aislamiento de los centros culturales, el arte y la literatura quedaron recluidos entre los muros de conventos y monasterios. En estos denominados scriptoria, pacientemente se copiaban los retazos que llegaban de la cultura y literatura griega o romana. Se estudiaba la Biblia y se ahondaba en la vida de los santos. Y únicamente aquellos temas y ejemplares que (por su interés para la salvación eterna del alma) se consideraban de importancia se ilustraban con bellas miniaturas. Estos libros medievales tan especiales (como los beatos hispánicos) estaban embellecidos con ilustraciones a todo color realizadas con materiales nobles como el oro, la plata, el lapislázuli o la chinchilla. A esta tradición pertenecen los pocos nombres de pintoras de la Edad Media que han llegado hasta nosotros, como la monja Ende (ilustradora del Beato de Gerona). Además, para complicar aún más los estudios, a la poca actividad artística se unía la obligación del anonimato como una forma de demostrar humildad ante la gran obra divina.
A esta tradición, aunque ya estemos en pleno Renacimiento, pertenece Levina Teerlinc. Iniciada en el arte de la miniatura (probablemente con los Libros de Horas demandados por reyes y alta aristocracia), muy pronto evolucionó hacia el retrato. Y fue tal su pericia que su fama traspasó las fronteras de su Bélgica natal para llegar a oídos de la corte de Enrique VIII. Hasta allí se trasladó en 1547, acompañada de su esposo de quien adopta el apellido por el que ha pasado a la posteridad.
Levina Teerlinc pintora de la corte inglesa de Enrique VIII y sus descendientes
Aunque el anonimato en las obras seguía en uso, sí se tiene constancia (por un documento) que fue contratada para ser la retratista real. Le ofrecieron cuarenta libras esterlinas, una cantidad importante para la época e importe mayor que el que recibió su antecesor, Hans Holbein el Joven, fallecido en 1543. Esto demuestra la consideración y estima de su trabajo. En Inglaterra, Levina tenía por misión retratar los distintos miembros de la corte, tarea que llevó a cabo de una forma innovadora.
Y lo es porque sus obras están realizadas sobre tabla utilizando la acuarela y las personas protagonistas de sus cuadros miran de frente de manera serena y con porte elegante. Destaca el detalle de los interiores que son retratados con profusión, el detenimiento en los ropajes y la reproducción de joyas y objetos lujosos. Todo ello lo hace con detenimiento y utilizando colores sólidos y brillantes, tal como se hacía en los libros medievales en los que Levina Teerlinc había sido instruida. Las obras de Levina Teerlinc que han llegado hasta nosotros se aparta de la temática religiosa imperante y en todas ellas hay una narración profana, aristocrática y de exaltación de la corte y la monarquía inglesa. Esto es nuevo en ese cronotopo concreto en la historia del arte.
Isabel I y los embajadores holandeses, la obra más conocida de Levina Teerlinc
A la muerte de Enrique VIII, la pintora siguió trabajando para los sucesores del monarca a pesar de todos los avatares históricos de esa convulsa época: Eduardo VI, María I e Isabel I. De hecho uno de los cuadros más famosos de la artista es el titulado Isabel I y los embajadores holandeses. La obra está realizada como acto de propaganda de la nueva reina. Isabel es retratada con el cabello rojizo por la que es conocida, de pie y está ataviada con un suntuoso traje bordado que, por las texturas, se nos antoja de terciopelo y/o brocado. Está simbólicamente situada a la derecha (el espacio de la razón y la verdad) y proporcionalmente representada de mayor tamaño que los embajadores que le rinden pleitesía. Estos están de rodillas y son de menor tamaño que la reina, siguiendo así los moldes de la pintura religiosa, aunque ésta no tenga esta temática. En la obra, aparecen distintos personajes de la corte con ropajes sobrios y el decorado se ha reproducido con la misma profusión usada en la miniatura libresca medieval. En este sentido, nada más tenemos que observar el enrejado de las ventanas, el enlosado y el alto trono rojo.
Aunque ha sido difícil, por no estar firmadas, reconocer la autoría de las obras de Levina Teerlinc, a partir de la década de los ochenta, tras una amplia retrospectiva en el Victoria & Albert Museum de Londres, se realizó una investigación detallada de su opus artístico. Por la técnica y la época en la que trabajó por contrato para la corte inglesa, se ha logrado asignar un amplio número de retratos salidos de su mano. Murió en Londres en 1576.
Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla
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Nacida en Brujas en 1510 e hija del pintor Simon Benninck, Levina Teerlinc abandona los usos de la miniatura medieval en la que había sido instruida para convertirse en pintora real de una de las cortes más poderosas de la Europa de entonces, la de Enrique VIII. Comencemos por el principio.
Orígenes y formación artística de Levina Teerlinc
A inicios del siglo XVI se abandonan definitivamente los modelos artísticos vigentes durante toda la Edad Media. Anotemos que, debido a la escasez económica y al aislamiento de los centros culturales, el arte y la literatura quedaron recluidos entre los muros de conventos y monasterios. En estos denominados scriptoria, pacientemente se copiaban los retazos que llegaban de la cultura y literatura griega o romana. Se estudiaba la Biblia y se ahondaba en la vida de los santos. Y únicamente aquellos temas y ejemplares que (por su interés para la salvación eterna del alma) se consideraban de importancia se ilustraban con bellas miniaturas. Estos libros medievales tan especiales (como los beatos hispánicos) estaban embellecidos con ilustraciones a todo color realizadas con materiales nobles como el oro, la plata, el lapislázuli o la chinchilla. A esta tradición pertenecen los pocos nombres de pintoras de la Edad Media que han llegado hasta nosotros, como la monja Ende (ilustradora del Beato de Gerona). Además, para complicar aún más los estudios, a la poca actividad artística se unía la obligación del anonimato como una forma de demostrar humildad ante la gran obra divina.
A esta tradición, aunque ya estemos en pleno Renacimiento, pertenece Levina Teerlinc. Iniciada en el arte de la miniatura (probablemente con los Libros de Horas demandados por reyes y alta aristocracia), muy pronto evolucionó hacia el retrato. Y fue tal su pericia que su fama traspasó las fronteras de su Bélgica natal para llegar a oídos de la corte de Enrique VIII. Hasta allí se trasladó en 1547, acompañada de su esposo de quien adopta el apellido por el que ha pasado a la posteridad.
Levina Teerlinc pintora de la corte inglesa de Enrique VIII y sus descendientes
Aunque el anonimato en las obras seguía en uso, sí se tiene constancia (por un documento) que fue contratada para ser la retratista real. Le ofrecieron cuarenta libras esterlinas, una cantidad importante para la época e importe mayor que el que recibió su antecesor, Hans Holbein el Joven, fallecido en 1543. Esto demuestra la consideración y estima de su trabajo. En Inglaterra, Levina tenía por misión retratar los distintos miembros de la corte, tarea que llevó a cabo de una forma innovadora.
Y lo es porque sus obras están realizadas sobre tabla utilizando la acuarela y las personas protagonistas de sus cuadros miran de frente de manera serena y con porte elegante. Destaca el detalle de los interiores que son retratados con profusión, el detenimiento en los ropajes y la reproducción de joyas y objetos lujosos. Todo ello lo hace con detenimiento y utilizando colores sólidos y brillantes, tal como se hacía en los libros medievales en los que Levina Teerlinc había sido instruida. Las obras de Levina Teerlinc que han llegado hasta nosotros se aparta de la temática religiosa imperante y en todas ellas hay una narración profana, aristocrática y de exaltación de la corte y la monarquía inglesa. Esto es nuevo en ese cronotopo concreto en la historia del arte.
Isabel I y los embajadores holandeses, la obra más conocida de Levina Teerlinc
A la muerte de Enrique VIII, la pintora siguió trabajando para los sucesores del monarca a pesar de todos los avatares históricos de esa convulsa época: Eduardo VI, María I e Isabel I. De hecho uno de los cuadros más famosos de la artista es el titulado Isabel I y los embajadores holandeses. La obra está realizada como acto de propaganda de la nueva reina. Isabel es retratada con el cabello rojizo por la que es conocida, de pie y está ataviada con un suntuoso traje bordado que, por las texturas, se nos antoja de terciopelo y/o brocado. Está simbólicamente situada a la derecha (el espacio de la razón y la verdad) y proporcionalmente representada de mayor tamaño que los embajadores que le rinden pleitesía. Estos están de rodillas y son de menor tamaño que la reina, siguiendo así los moldes de la pintura religiosa, aunque ésta no tenga esta temática. En la obra, aparecen distintos personajes de la corte con ropajes sobrios y el decorado se ha reproducido con la misma profusión usada en la miniatura libresca medieval. En este sentido, nada más tenemos que observar el enrejado de las ventanas, el enlosado y el alto trono rojo.
Aunque ha sido difícil, por no estar firmadas, reconocer la autoría de las obras de Levina Teerlinc, a partir de la década de los ochenta, tras una amplia retrospectiva en el Victoria & Albert Museum de Londres, se realizó una investigación detallada de su opus artístico. Por la técnica y la época en la que trabajó por contrato para la corte inglesa, se ha logrado asignar un amplio número de retratos salidos de su mano. Murió en Londres en 1576.
Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla
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Catalina de Bolonia (1413-1463) es una de las pintoras de la Eda Media (junto con María Ormani y Properzia de’ Rossi) a caballo entre el Medievo y el arte del Renacimiento. Nacida en Bolonia, fue hija de un jurista de prestigio que le ofreció, desde la más tierna infancia, la más exquisita educación disponible en la época.
Infancia y educación de Santa Catalina de Bolonia
Con nueve años, se traslada a la rica corte de Ferrara donde su padre entró al servicio del duque Nicolás III de Este, un protector de artistas y generoso mecenas. Encontramos a la pequeña Catalina, con tan solo diez años, como una de las damas de la corte, al servicio de Margarita, la hija del duque. Y, como todo el séquito, es instruida en artes diversas por los mejores maestros: música, poesía, pintura, danza, caligrafía, latín… Sin embargo, este mundo cortesano y rico saltó por los aires al morir su padre y quedarse prácticamente desamparada. Catalina tenía catorce años. Regresa de nuevo a Bolonia y allí entra en la comunidad religiosa fundada por la noble Lucía Mascheroni. Allí prosigue sus estudios, ahora centrados en los asuntos religiosos. Con tan solo diecinueve años, como tantas jóvenes huérfanas e instruidas de la época, se decide por la clausura entrando en el convento de las clarisas de la ciudad de Ferrara donde fue feliz de niña.
De vuelta a Ferrara, su quehacer artístico comenzó a llegar a oídos de los nobles italianos que demandaban sus obras. Esto propició un enriquecimiento del convento y, con esas plusvalías, Catalina fundo otro en Bolonia. Eso fue en 1456. Se traslada, una vez más, a su ciudad de nacimiento convirtiéndose en la abadesa de ese nuevo centro religioso. Fue allí donde evolucionó desde la miniatura eminentemente medieval hacia la pintura de cuadros siguiendo los gustos renacentistas de los nobles italianos. Llegados a este punto hay que recordar que durante, toda la Edad Media, el arte plástico estaba centrado en la ilustración de libros. El modelo económico de la época daba para pocos dispendios y solo se podían permitir gastos algunas comunidades, las misma que levantaron la sencilla arquitectura románica. Mención aparte fue la labor de los scriptoria de los monasterios.
La miniatura en la Edad Media, una aclaración
Es en estos espacios donde se desarrollaban los artistas de la época iluminando los libros medievales especialmente escogidos por su importancia y que se guardaban celosamente en las bibliotecas. Las obras más importantes para la salvación del alma (la Biblia, la vida de los santos o los maravilloso beatos) se copiaban con una caligrafía primorosa. Y, si el monasterio y el convento disponía de algún miembro con talento artístico y, además, de superávit económico, se iluminaban con materiales nobles como la plata, el oro o el lapislázuli. Es en este emplazamiento donde encontramos el devenir artístico de Catalina de Bolonia.
Santa Catalina de Bolonia y su trabajo artístico y literario
Sin embargo, el quehacer de quien acabaría siendo santa no solo se circunscribía a la miniatura sino que también se adentró en la incipiente pintura sobre tabla. Esta, a igual que los frescos, era demandada por la rica nobleza italiana que invertían sus beneficios financieros en grandes empresas artísticas. Además, ya asentada en el nuevo convento de Bolonia bautizado con el nombre de Corpus Domini, Catalina se dedicó al estudio, a la escritura y a la investigación. Redactó textos educativos para su congregación en el latín que había aprendido en la corte de Ferrara cuando, siendo niña, era dama de honor. Escribió, además, un relato de la Pasión de Cristo en cinco mil versos en latín y un breviario bilingüe.
Muerte, santificación e importancia para la historia del arte
En este convento le llegó la muerte el 9 de marzo de 1463, con cincuenta años. Al parecer, fue sepultada en la tierra y, dieciocho días más tarde, por razones que se desconocen, fue exhumada. Es en ese momento cuando la congregación constata que el cuerpo está incorrupto. Por tanto, la fama de mujer sabia y de santa que tuvo en vida se acrecentó tras su muerte. Fue canonizada el 22 de mayo de 1712 por Clemente XI, tras un farragoso proceso en el que tanto los conventos de Ferrara como el de Bolonia se arrogaban el mérito de haber cobijado a la santa. A partir de entonces es considerada la santa patrona de los pintores, cuya efeméride se celebra cada 9 de marzo, aniversario de su fallecimiento.
Por supuesto, toda la obra de Catalina de Bolonia es de temática religiosa. Son especialmente famosos los cuadros de Santa Úrsula en el que la artista se retrata junto a sus compañeras del convento de las clarisas y Virgen con Niño Jesús y Fruta que encabeza este texto. La obra, a pesar de responder a los cánones clásicos, en los que siempre se apelan a los símbolos y alegorías, está realizada con una visión dulcificada de la maternidad. Esto le otorga sencillez, humanidad y humildad. Logra dar movimiento con el gesto de la Virgen ofreciendo la fruta a Jesús y este, a su vez, se nos presenta en toda su grandeza humana al agarrarse a la toca de la Virgen, cuyas transparencias se han realizado con notable acierto.
A pesar de que son pocos los nombres de mujeres pintoras de la época que nos han llegado, el de Catalina de Bolina es uno de los imprescindibles, junto con Herrada de Landsberg, la monja Ende (que llegó a firmar uno de los libros medievales más hermosos, el Beato de Gerona), Maria Ormani y la escultura Properzia d´Rossi. Con el Renacimiento y abandonada ese afán de santidad a través de la obra anónima que caracterizó la Edad Media, llegarían otras notables artistas de la que daré debida cuenta en el futuro más inmediato.
Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla
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Catalina de Bolonia (1413-1463) es una de las pintoras de la Eda Media (junto con María Ormani y Properzia de’ Rossi) a caballo entre el Medievo y el arte del Renacimiento. Nacida en Bolonia, fue hija de un jurista de prestigio que le ofreció, desde la más tierna infancia, la más exquisita educación disponible en la época.
Infancia y educación de Santa Catalina de Bolonia
Con nueve años, se traslada a la rica corte de Ferrara donde su padre entró al servicio del duque Nicolás III de Este, un protector de artistas y generoso mecenas. Encontramos a la pequeña Catalina, con tan solo diez años, como una de las damas de la corte, al servicio de Margarita, la hija del duque. Y, como todo el séquito, es instruida en artes diversas por los mejores maestros: música, poesía, pintura, danza, caligrafía, latín… Sin embargo, este mundo cortesano y rico saltó por los aires al morir su padre y quedarse prácticamente desamparada. Catalina tenía catorce años. Regresa de nuevo a Bolonia y allí entra en la comunidad religiosa fundada por la noble Lucía Mascheroni. Allí prosigue sus estudios, ahora centrados en los asuntos religiosos. Con tan solo diecinueve años, como tantas jóvenes huérfanas e instruidas de la época, se decide por la clausura entrando en el convento de las clarisas de la ciudad de Ferrara donde fue feliz de niña.
De vuelta a Ferrara, su quehacer artístico comenzó a llegar a oídos de los nobles italianos que demandaban sus obras. Esto propició un enriquecimiento del convento y, con esas plusvalías, Catalina fundo otro en Bolonia. Eso fue en 1456. Se traslada, una vez más, a su ciudad de nacimiento convirtiéndose en la abadesa de ese nuevo centro religioso. Fue allí donde evolucionó desde la miniatura eminentemente medieval hacia la pintura de cuadros siguiendo los gustos renacentistas de los nobles italianos. Llegados a este punto hay que recordar que durante, toda la Edad Media, el arte plástico estaba centrado en la ilustración de libros. El modelo económico de la época daba para pocos dispendios y solo se podían permitir gastos algunas comunidades, las misma que levantaron la sencilla arquitectura románica. Mención aparte fue la labor de los scriptoria de los monasterios.
La miniatura en la Edad Media, una aclaración
Es en estos espacios donde se desarrollaban los artistas de la época iluminando los libros medievales especialmente escogidos por su importancia y que se guardaban celosamente en las bibliotecas. Las obras más importantes para la salvación del alma (la Biblia, la vida de los santos o los maravilloso beatos) se copiaban con una caligrafía primorosa. Y, si el monasterio y el convento disponía de algún miembro con talento artístico y, además, de superávit económico, se iluminaban con materiales nobles como la plata, el oro o el lapislázuli. Es en este emplazamiento donde encontramos el devenir artístico de Catalina de Bolonia.
Santa Catalina de Bolonia y su trabajo artístico y literario
Sin embargo, el quehacer de quien acabaría siendo santa no solo se circunscribía a la miniatura sino que también se adentró en la incipiente pintura sobre tabla. Esta, a igual que los frescos, era demandada por la rica nobleza italiana que invertían sus beneficios financieros en grandes empresas artísticas. Además, ya asentada en el nuevo convento de Bolonia bautizado con el nombre de Corpus Domini, Catalina se dedicó al estudio, a la escritura y a la investigación. Redactó textos educativos para su congregación en el latín que había aprendido en la corte de Ferrara cuando, siendo niña, era dama de honor. Escribió, además, un relato de la Pasión de Cristo en cinco mil versos en latín y un breviario bilingüe.
Muerte, santificación e importancia para la historia del arte
En este convento le llegó la muerte el 9 de marzo de 1463, con cincuenta años. Al parecer, fue sepultada en la tierra y, dieciocho días más tarde, por razones que se desconocen, fue exhumada. Es en ese momento cuando la congregación constata que el cuerpo está incorrupto. Por tanto, la fama de mujer sabia y de santa que tuvo en vida se acrecentó tras su muerte. Fue canonizada el 22 de mayo de 1712 por Clemente XI, tras un farragoso proceso en el que tanto los conventos de Ferrara como el de Bolonia se arrogaban el mérito de haber cobijado a la santa. A partir de entonces es considerada la santa patrona de los pintores, cuya efeméride se celebra cada 9 de marzo, aniversario de su fallecimiento.
Por supuesto, toda la obra de Catalina de Bolonia es de temática religiosa. Son especialmente famosos los cuadros de Santa Úrsula en el que la artista se retrata junto a sus compañeras del convento de las clarisas y Virgen con Niño Jesús y Fruta que encabeza este texto. La obra, a pesar de responder a los cánones clásicos, en los que siempre se apelan a los símbolos y alegorías, está realizada con una visión dulcificada de la maternidad. Esto le otorga sencillez, humanidad y humildad. Logra dar movimiento con el gesto de la Virgen ofreciendo la fruta a Jesús y este, a su vez, se nos presenta en toda su grandeza humana al agarrarse a la toca de la Virgen, cuyas transparencias se han realizado con notable acierto.
A pesar de que son pocos los nombres de mujeres pintoras de la época que nos han llegado, el de Catalina de Bolina es uno de los imprescindibles, junto con Herrada de Landsberg, la monja Ende (que llegó a firmar uno de los libros medievales más hermosos, el Beato de Gerona), Maria Ormani y la escultura Properzia d´Rossi. Con el Renacimiento y abandonada ese afán de santidad a través de la obra anónima que caracterizó la Edad Media, llegarían otras notables artistas de la que daré debida cuenta en el futuro más inmediato.
Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla
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Son solo algunos los nombres o referencias a las pintoras de la Edad Media que nos ha llegado al día de hoy. Y eso que, según los últimos descubrimientos, no fueron pocas las que alcanzaron cierta importancia. La cultura medieval se caracteriza no solo por estar enraizada y protagonizada por el cristianismo (empapando todos los aspectos de la vida cotidiana) sino por su familiaridad con lo santo. Colapsado el Imperio Romano y destruidas las vías de comunicación y comerciales, la población se agrupa en pequeños núcleos rurales alrededor de un castillo y/o un monasterio. La economía se empobrece destruyendo el nivel de vida alcanzado en siglos anteriores. Paralelamente, crece el analfabetismo entre todos los estratos de población, incluso entre la nobleza. Así, los conocimientos acuñados en la antigüedad (buena prueba de ello es la existencia misma de la mítica Biblioteca de Alejandría) se pierden en gran parte. Y lo poco que nos ha llegado fue por la labor paciente en los scriptoria de los monasterios y conventos. Allí, sin descanso, monjes y monjas con cultura clásica rescataban aquello que quedaba de la literatura griega o latina. También se recogen retazos de la filosofía, de la historia, de la farmacopea o de la medicina.
Los libros, eje de la cultura y el arte en la Edad Media
Los recursos económicos eran escasos. Al hambre por las malas cosechas y a las enfermedades infecciosas (en parte debido a la falta de higiene) se unen las constantes guerras entre los señores feudales que empobrecen aún más a la población. Como ya he apuntado, las vías de comunicación habían quedado abandonadas y se llenaron de bandidos. Con este panorama pocos eran los valientes o atrevidos que viajaban más allá de su terruño de nacimiento. El conocimiento, por tanto, no se transmitía y a lo único que se aspiraba era a conservar aquello que quedaba del pasado. Estos textos, junto con la Biblia o la vida de los santos, se copiaban pacientemente en los monasterios. Y los libros medievales que resultaban de esta tarea se guardaban celosamente. No obstante, se realizaban algunos intercambios y, además, los centros religiosos con solvencia económica elegían algunos títulos para crear entre sus páginas bellas miniaturas.
Este es el caso de los Beatos hispánicos. Estos ejemplares recogen los Comentarios al Apocalipsis de Beato de Liébana que vivió en dicho monasterio (donde se guarda un trozo de la cruz de Cristo) en el siglo VIII. Antes del año 1000 la situación era tan desastrosa que existía el convencimiento de que el fin del mundo estaba cerca, tal como había relatado y expuesto el monje Beato. Al no producirse la catástrofe, el texto se escogió para copiarlo profusamente con bellas caligrafías y con miniaturas de gran belleza. Estas obras rara vez se firmaban ya que el anonimato era considerado una manera de manifestar humildad ante la gran obra divina. Y es en este contexto donde insertamos a las pintoras de la Edad Media, mujeres todas ellas de amplia cultura y refugiadas (por razones diversas más allá de la fe personal) en centros religiosos donde podían dar riendas a su creatividad, entendida esta siempre con matices.
La monja Ende, la primera pintora de la Edad Media
Poco se sabe de ella, más allá de que vivió en el siglo X y que trabajó en el llamado Beato de Gerona. En la obra misma se olvida el precepto del trabajo anónimo y lo firman todos los participantes, tanto el que realiza la caligrafía (Senior) como los dos ilustradores: Ende y Emeterio. El nombre de ella aparece en primer lugar. Por tanto, debemos entender que el segundo era un ayudante. El libro es uno de los más hermosos de su género con maravillosas ilustraciones realizadas a todo color y con materiales nobles como el lapislázuli, el pan de oro o el bermellón extraído de la cochinilla.
Estos productos eran carísimos y solo podían permitirse afrontar su coste los monasterios o conventos más ricos. Por eso, únicamente trabajaban con ellos quienes demostraban pericia en las labor de iluminación de los libros. Ende fue una de ellas, como la monja anónima de la que da cuenta la revista Science Advances (en enero de 2019). Con métodos contemporáneos avanzados, se ha identificado tanto lapislázuli como pan de oro entre los dientes de una monja que vivió entre el siglo XI y XII en el monasterio de Dalheim, Alemania. Estos datos demuestran que, para la creación de esas obras tan importantes que trataban de la salvación del alma, se escogía a pintoras que habían demostrado en su comunidad una especial pericia artística.
Hidelgarda de Bingen
La iglesia y su papel en la difusión de la cultura medieval permitió que muchas mujeres encontraran en los centros religiosos el refugio y el ambiente propicio para la actividad artística o la escritura. Este fue el caso de la alemana Hidelgarda de Bingen (1908-1179) que vivió en la época de las cruzadas. Según su propio testimonio, desde niña tenía visiones en las que veía el futuro o el designio divino.
En mi quinto año de vida vi una luz tan grande que hizo temblar mi alma, pero debido a mi tierna edad no podía hablar de ello.
Estas experiencias vinculadas a la mística (aunque hoy en día quizás identifiquemos algún trastorno psiquiátrico) lo plasmó en sus escritos, los mismos que iluminó personalmente. El más hermoso es el conocido como Scivias (compuesto entre 1141 y 1150). En él narra veintiséis visiones de carácter religioso. Las iluminaciones tienen forma de mandala circular y son claros ejemplos de alegoría que tan bien conocía el público medieval perteneciente a todos los estratos sociales.
Hidelgarda de Bingen está considerada santa y su tarea artística se completa con estudios de música y poesía. Todo esto lo mezclaba en sus libros donde se adentraba también en los entresijos de la lingüística y la filosofía. Consideraba que el cuerpo era un universo en sí y, por medio de él, se manifestaba la creación, grandeza y belleza de Dios. Su obra, por tanto, está repleta de símbolos comunes del acervo medieval así como de una preclara visión de la naturaleza. 
Herrada de Landsberg, una de las pintoras de la Edad Media más importantes
Nació en 1130 y murió en 1195. Fue una mujer de gran cultura que se enfrascó en la creación de una gran enciclopedia con los saberes al alcance de su tiempo. Su título ya nos indica el complejo carácter de esta auténtica sabia: Hortus deliciarum o Jardín de las Delicias. Está escrito en latín, la lengua de la ciencia y de la cultura en la Edad Media y que permitía la difusión de los escritos cuando ya despuntaban las lenguas romances y vulgares. Fue abadesa del monasterio de Honenbourg, en Asalcia. Empezó a escribir el libro en 1175 y muy pronto su fama traspasó los muros del convento.
La obra tiene las características de los libros medievales. Por eso se basa en el concepto de autoridad, es eminentemente religiosa y en alabanza a Cristo y en ella predominan las mezclas. Junto con los textos de la Biblia y una historia del Cristianismo, inserta poemas y creaciones musicales. Está ilustrada con 334 miniaturas de gran belleza y siguiendo las alegorías y símbolos medievales. Lo más triste de este maravilloso ejemplo de la pintura en la Edad Media es que lo conocemos por copias. El original se perdió en 1870 en un incendio en el contexto de la guerra francoprusiana.
María Ormani (1428-1470), otra monja miniaturista y calígrafa
Con tan solo diez años, la pequeña María (procedente de una influyente familia florentina) ingresa en el convento de Santa Catalina del Monte de su ciudad. Allí se recluían las hijas de las más ricas familias. Por eso, la institución poseía una biblioteca bien surtida con biblias y misales iluminados. Esto atrajo el interés de la joven y en 1449 ya estaba destinada al scriptorium que no abandonaría jamás. Entre sus muros compuso el Breviarium cum Calendarium ad usum Ordinis San Augustini donde dejó su autorretrato contraviniendo la norma debida de humildad que se cumplía con el anonimato del trabajo artístico.
Catalina de Bolonia, la santa patrona de los pintores
Nació en 1413 en Bolonia hija de un famoso jurista. Creció en los estertores de la Edad Media en un ambiente propicio al desarrollo artístico e intelectual. Con tan solo nueve años es dama de la corte de Margarita de Ferrara y recibe una exquisita formación: música, pintura, danza, poesía… Con catorce años muere su padre y regresa a Bolonia sin encontrar acomodo en ningún sitio. Con apenas diecinueve años entra en la clausura de Santa Clara de la orden franciscana donde es nombrada abadesa en 1456.
No solo pintó ya que compuso textos educativos para su comunidad. Su labor artística no solo se circunscribe a la miniatura de libros y nos han llegado varios cuadros de temática religiosa. Por su sabiduría, fue considerada santa en vida, extremo este acrecentado tras su muerte. Su cuerpo incorrupto se encuentra en el monasterio de las clarisas de Bolonia y fue canonizada el 22 de mayo de 1712 tras un farragoso proceso.
La actividad artística medieval no se queda únicamente en la ilustración de bellos libros sagrados en pergamino. Y, aunque la producción es escasa porque o bien no se produjo o bien se ha perdido, aún nos quedan originales ejemplos creativos salidos de manos femeninas. Uno de ellos es el tapiz de Bayeux realizado por la reina Matilde, esposa de Guillermo el Conquistador. Es un bordado sobre lino de cincuenta centímetros de ancho y más de 68 metros de largo en el que se narra el acceso al trono del duque Guillermo de Normandía, conocido con el sobrenombre de El Conquistador. Es otra creación femenina que se suma a esta lista de pintoras de la Edad Media cuyos nombres han llegado hasta nosotros.
Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla
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Son solo algunos los nombres o referencias a las pintoras de la Edad Media que nos ha llegado al día de hoy. Y eso que, según los últimos descubrimientos, no fueron pocas las que alcanzaron cierta importancia. La cultura medieval se caracteriza no solo por estar enraizada y protagonizada por el cristianismo (empapando todos los aspectos de la vida cotidiana) sino por su familiaridad con lo santo. Colapsado el Imperio Romano y destruidas las vías de comunicación y comerciales, la población se agrupa en pequeños núcleos rurales alrededor de un castillo y/o un monasterio. La economía se empobrece destruyendo el nivel de vida alcanzado en siglos anteriores. Paralelamente, crece el analfabetismo entre todos los estratos de población, incluso entre la nobleza. Así, los conocimientos acuñados en la antigüedad (buena prueba de ello es la existencia misma de la mítica Biblioteca de Alejandría) se pierden en gran parte. Y lo poco que nos ha llegado fue por la labor paciente en los scriptoria de los monasterios y conventos. Allí, sin descanso, monjes y monjas con cultura clásica rescataban aquello que quedaba de la literatura griega o latina. También se recogen retazos de la filosofía, de la historia, de la farmacopea o de la medicina.
Los libros, eje de la cultura y el arte en la Edad Media
Los recursos económicos eran escasos. Al hambre por las malas cosechas y a las enfermedades infecciosas (en parte debido a la falta de higiene) se unen las constantes guerras entre los señores feudales que empobrecen aún más a la población. Como ya he apuntado, las vías de comunicación habían quedado abandonadas y se llenaron de bandidos. Con este panorama pocos eran los valientes o atrevidos que viajaban más allá de su terruño de nacimiento. El conocimiento, por tanto, no se transmitía y a lo único que se aspiraba era a conservar aquello que quedaba del pasado. Estos textos, junto con la Biblia o la vida de los santos, se copiaban pacientemente en los monasterios. Y los libros medievales que resultaban de esta tarea se guardaban celosamente. No obstante, se realizaban algunos intercambios y, además, los centros religiosos con solvencia económica elegían algunos títulos para crear entre sus páginas bellas miniaturas.
Este es el caso de los Beatos hispánicos. Estos ejemplares recogen los Comentarios al Apocalipsis de Beato de Liébana que vivió en dicho monasterio (donde se guarda un trozo de la cruz de Cristo) en el siglo VIII. Antes del año 1000 la situación era tan desastrosa que existía el convencimiento de que el fin del mundo estaba cerca, tal como había relatado y expuesto el monje Beato. Al no producirse la catástrofe, el texto se escogió para copiarlo profusamente con bellas caligrafías y con miniaturas de gran belleza. Estas obras rara vez se firmaban ya que el anonimato era considerado una manera de manifestar humildad ante la gran obra divina. Y es en este contexto donde insertamos a las pintoras de la Edad Media, mujeres todas ellas de amplia cultura y refugiadas (por razones diversas más allá de la fe personal) en centros religiosos donde podían dar riendas a su creatividad, entendida esta siempre con matices.
La monja Ende, la primera pintora de la Edad Media
Poco se sabe de ella, más allá de que vivió en el siglo X y que trabajó en el llamado Beato de Gerona. En la obra misma se olvida el precepto del trabajo anónimo y lo firman todos los participantes, tanto el que realiza la caligrafía (Senior) como los dos ilustradores: Ende y Emeterio. El nombre de ella aparece en primer lugar. Por tanto, debemos entender que el segundo era un ayudante. El libro es uno de los más hermosos de su género con maravillosas ilustraciones realizadas a todo color y con materiales nobles como el lapislázuli, el pan de oro o el bermellón extraído de la cochinilla.
Estos productos eran carísimos y solo podían permitirse afrontar su coste los monasterios o conventos más ricos. Por eso, únicamente trabajaban con ellos quienes demostraban pericia en las labor de iluminación de los libros. Ende fue una de ellas, como la monja anónima de la que da cuenta la revista Science Advances (en enero de 2019). Con métodos contemporáneos avanzados, se ha identificado tanto lapislázuli como pan de oro entre los dientes de una monja que vivió entre el siglo XI y XII en el monasterio de Dalheim, Alemania. Estos datos demuestran que, para la creación de esas obras tan importantes que trataban de la salvación del alma, se escogía a pintoras que habían demostrado en su comunidad una especial pericia artística.
Hidelgarda de Bingen
La iglesia y su papel en la difusión de la cultura medieval permitió que muchas mujeres encontraran en los centros religiosos el refugio y el ambiente propicio para la actividad artística o la escritura. Este fue el caso de la alemana Hidelgarda de Bingen (1908-1179) que vivió en la época de las cruzadas. Según su propio testimonio, desde niña tenía visiones en las que veía el futuro o el designio divino.
En mi quinto año de vida vi una luz tan grande que hizo temblar mi alma, pero debido a mi tierna edad no podía hablar de ello.
Estas experiencias vinculadas a la mística (aunque hoy en día quizás identifiquemos algún trastorno psiquiátrico) lo plasmó en sus escritos, los mismos que iluminó personalmente. El más hermoso es el conocido como Scivias (compuesto entre 1141 y 1150). En él narra veintiséis visiones de carácter religioso. Las iluminaciones tienen forma de mandala circular y son claros ejemplos de alegoría que tan bien conocía el público medieval perteneciente a todos los estratos sociales.
Hidelgarda de Bingen está considerada santa y su tarea artística se completa con estudios de música y poesía. Todo esto lo mezclaba en sus libros donde se adentraba también en los entresijos de la lingüística y la filosofía. Consideraba que el cuerpo era un universo en sí y, por medio de él, se manifestaba la creación, grandeza y belleza de Dios. Su obra, por tanto, está repleta de símbolos comunes del acervo medieval así como de una preclara visión de la naturaleza.
Herrada de Landsberg, una de las pintoras de la Edad Media más importantes
Nació en 1130 y murió en 1195. Fue una mujer de gran cultura que se enfrascó en la creación de una gran enciclopedia con los saberes al alcance de su tiempo. Su título ya nos indica el complejo carácter de esta auténtica sabia: Hortus deliciarum o Jardín de las Delicias. Está escrito en latín, la lengua de la ciencia y de la cultura en la Edad Media y que permitía la difusión de los escritos cuando ya despuntaban las lenguas romances y vulgares. Fue abadesa del monasterio de Honenbourg, en Asalcia. Empezó a escribir el libro en 1175 y muy pronto su fama traspasó los muros del convento.
La obra tiene las características de los libros medievales. Por eso se basa en el concepto de autoridad, es eminentemente religiosa y en alabanza a Cristo y en ella predominan las mezclas. Junto con los textos de la Biblia y una historia del Cristianismo, inserta poemas y creaciones musicales. Está ilustrada con 334 miniaturas de gran belleza y siguiendo las alegorías y símbolos medievales. Lo más triste de este maravilloso ejemplo de la pintura en la Edad Media es que lo conocemos por copias. El original se perdió en 1870 en un incendio en el contexto de la guerra francoprusiana.
María Ormani (1428-1470), otra monja miniaturista y calígrafa
Con tan solo diez años, la pequeña María (procedente de una influyente familia florentina) ingresa en el convento de Santa Catalina del Monte de su ciudad. Allí se recluían las hijas de las más ricas familias. Por eso, la institución poseía una biblioteca bien surtida con biblias y misales iluminados. Esto atrajo el interés de la joven y en 1449 ya estaba destinada al scriptorium que no abandonaría jamás. Entre sus muros compuso el Breviarium cum Calendarium ad usum Ordinis San Augustini donde dejó su autorretrato contraviniendo la norma debida de humildad que se cumplía con el anonimato del trabajo artístico.
Catalina de Bolonia, la santa patrona de los pintores
Nació en 1413 en Bolonia hija de un famoso jurista. Creció en los estertores de la Edad Media en un ambiente propicio al desarrollo artístico e intelectual. Con tan solo nueve años es dama de la corte de Margarita de Ferrara y recibe una exquisita formación: música, pintura, danza, poesía… Con catorce años muere su padre y regresa a Bolonia sin encontrar acomodo en ningún sitio. Con apenas diecinueve años entra en la clausura de Santa Clara de la orden franciscana donde es nombrada abadesa en 1456.
No solo pintó ya que compuso textos educativos para su comunidad. Su labor artística no solo se circunscribe a la miniatura de libros y nos han llegado varios cuadros de temática religiosa. Por su sabiduría, fue considerada santa en vida, extremo este acrecentado tras su muerte. Su cuerpo incorrupto se encuentra en el monasterio de las clarisas de Bolonia y fue canonizada el 22 de mayo de 1712 tras un farragoso proceso.
La actividad artística medieval no se queda únicamente en la ilustración de bellos libros sagrados en pergamino. Y, aunque la producción es escasa porque o bien no se produjo o bien se ha perdido, aún nos quedan originales ejemplos creativos salidos de manos femeninas. Uno de ellos es el tapiz de Bayeux realizado por la reina Matilde, esposa de Guillermo el Conquistador. Es un bordado sobre lino de cincuenta centímetros de ancho y más de 68 metros de largo en el que se narra el acceso al trono del duque Guillermo de Normandía, conocido con el sobrenombre de El Conquistador. Es otra creación femenina que se suma a esta lista de pintoras de la Edad Media cuyos nombres han llegado hasta nosotros.
Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla
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Pintoras de la Edad Media
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De todos los poemas de Sor Juana Inés de la Cruz (1651-1695), ha superado con creces las brumas del tiempo el que comienza con los versos Hombres necios que acusáis | a la mujer sin razón. Y lo ha hecho, como veremos, por múltiples razones: por su belleza estilística, su perfección formal utilizando las redondillas y por el abordaje (rabiosamente contemporáneo) de la temática feminista. Y, además, lo hace una monja que vivió en el siglo XVII siguiendo los parámetros del arte barroco mexicano.
Introducción a la obra de Sor Juana Inés de la Cruz
Nació el 12 de noviembre de 1651 en una hacienda cercana a México, por entonces, capital del virreinato a las órdenes de la corona española. La sociedad de la época estaba estratificada en extremo y la escritora tuvo que zafarse de múltiples capas de convenciones sociales. Era una mujer, hija natural (ya que sus padres, al parecer, no estaban casados), criolla (esto es, mestiza de español y progenitora local) en un emplazamiento dirigido por una élite llegada de España. Poco podía hacer con esos mimbres y, sin embargo, un mero acercamiento a la biografía de Sor Juana Inés de la Cruz nos devuelve el reflejo de una muchacha de fuerte carácter, convencida de su misión en el mundo. Además, acabó convirtiéndose en la escritora más importante del barroco español (o en español) codeándose, por mérito propio, con sus colegas varones, que no lo tuvieron tan difícil como ella. La época daba nulas oportunidades a las mujeres (incluso de la élite culta y adinerada) para llevar una vida que no fuera el matrimonio. Juana lo tuvo presente. Por eso, ingresó por propia voluntad, primero, en las Carmelitas y, posteriormente, en la orden de los Jerónimos. Era la única vía permitida para llevar una vida con cierta libertad intelectual.
Así, a pesar de amoldarse (porque no había otra) a todas las imposiciones sociales que le tocó soportar, logró levantar una obra fresca, original y con tintes radicalmente feministas. En múltiples retazos de la obra de Sor Juana Inés de la Cruz deja clara su posición acerca del papel de la mujer en la sociedad, apoyándose incluso en escritos de autoridad. La escritora, tal cual hace en Hombres necios que acusáis, defiende a las mujeres de la estructura a la que estaban férreamente sometidas. Paralelamente, aboga por la educación de las niñas no solo como un bien para ellas mismas sino también para toda la sociedad. Se duele de que no haya mujeres sabias que pudieran hacerse cargo (como sucedió un siglo más tarde con los primeros colegios anglosajones de élite) de la formación femenina. Es contraria a la prostitución mostrando un pensamiento progresista y rompedor para los parámetros de la época y se duele de la dificultad a la hora de poder llevar a cabo cualquier papel intelectual.
Sor Juana Inés de la Cruz, a pesar de amoldarse a la disciplina (de todo tipo) de la orden de los Jerónimos, recibió presiones durante toda su vida para que se aviniera a comportarse como una monja sumisa dejando de lado cualquier interés intelectual, literario o científico. De alguna manera u otra, consiguieron su objetivo ya que, al final de su vida, reduce el ritmo de su escritura y permite que se venda su biblioteca y sus instrumentos científicos. Afortunadamente, la obra de Sor Juana Inés de la Cruz se editó tras su muerte prácticamente sin interrupción. Y su poema Hombres necios que acusáis se ha convertido en un himno feminista a pesar de haber sido escrito en el siglo XVII, o quizás por ello.
Hombres necios que acusáis y el feminismo de Sor Juana Inés de la Cruz
[192]
Arguye de inconsecuentes el gusto y la censura de los hombres que en las mujeres acusan lo que causan
HOMBRES NECIOS que acusáis
a la mujer sin razón,
sin ver que sois la ocasión
de lo mismo que culpáis:
si con ansia sin igual
solicitáis su desdén,
¿por qué queréis que obren bien
si la incitáis al mal?
Combatís su resistencia
y luego, con gravedad,
decís que fue liviandad
lo que hizo la diligencia.
Parecer quiere el denuedo
de vuestro parecer loco,
al niño que pone el coco
y luego le tiene miedo.
Queréis, con presunción necia,
hallar a la que buscáis,
para pretendida, Thais,
y en la posesión, Lucrecia.
¿Qué humor puede ser más raro
Que el que, falto de consejo,
él mismo empaña el espejo,
y siente que no esté claro?
Con el favor y el desdén
tenéis condición igual,
quejándoos, si os tratan mal,
burlándoos, si os quieren bien.
Opinión, ninguna gana:
pues la que más se recata,
si no os admite, es ingrata,
y si os admite, es liviana.
Siempre tan necios andáis
que, con desigual nivel,
a una culpáis por crüel
y otra por fácil culpáis.
¿Pues cómo ha de estar templada
la que vuestro amor pretende,
si la que es ingrata, ofende,
y la que es fácil, enfada?
Mas, entre el enfado y pena
que vuestro gusto refiere,
bien haya la que no os quiere
y quejaos en hora buena.
Dan vuestras amantes penas
a sus libertades alas,
y después de hacerlas malas
las queréis hallar muy buenas.
¿Cuál mayor culpa ha tenido
en una pasión errada:
la que cae de rogada,
o el que ruega de caído?
¿O cuál es más de culpar,
aunque cualquiera mal haga:
la que peca por la paga,
o el que paga por pecar?
Pues ¿para qué os espantáis
de la culpa que tenéis?
Queredlas cual las hacéis
o hacedlas cual las buscáis.
Dejad de solicitar,
y después, con más razón,
acusaréis la afición
de la que os fuere a rogar.
Bien con muchas armas fundo
que lidia vuestra arrogancia,
pues en promesa e instancia
juntáis diablo, carne y mundo.
Análisis formal, estilístico y temático de Hombres necios que acusáis | a la mujer sin razón
1.- El poema está formado por 17 redondillas.
2.- Las estrofas llevan cuatro versos cada uno con rima en consonante A-D ; B-C y están compuestos en octosílabos perfectos.
3.- Todo ello le confiere un ritmo trepidantemente sonoro que incide en el significado del mismo.
4.- Se utiliza un lenguaje sencillo, directo, sin rodeos y claro al máximo.
5.- A pesar de que hay que encuadrar a Sor Juana Inés de la Cruz en el arte barroco, el poema está despojado de tropos complicados y no encontramos metáforas rebuscadas.
6.- El poema sí se sirve de los recursos a la historia y a la mitología clásica a la hora de plantear su sentido último. Esto sí es una de las características de la literatura barroca. Anoto que en él se alude a Lucrecia, personaje de la antigüedad clásica que, ante una violación, se decidió por el suicidio. Y la contrapone a Thais, una cortesana que acompañó a los ejércitos de Alejandro. El personaje de Lucrecia fue querido por las artistas de la época ya que es también protagonista de una de las obras de Artemisia Gentileschi.
7.- La temática es rabiosamente feminista e, incluso, combativa contra el machismo imperante en la época que ofrecía escaso margen (más bien nulo) a las mujeres. De hecho, salta a la vista, cuando abordamos la biografía de Sor Juana Inés de la Cruz, que las únicas opciones para las mujeres fuera del matrimonio se reducían a las clausuras del convento. Esta última fue la que eligió nuestra protagonista para poder dedicarse a sus pasiones intelectuales. Y desde esos muros lanzó una obra feminista en la que defendía el derecho a la educación de las niñas y las muchachas como paso previo para el desarrollo de ellas mismas y de la sociedad. Se dolía por su obligado papel de sumisión y era combativa contra el machismo imperante y la prostitución. En esta línea hay que entender el Hombres necios que acusáis.
Breve comentario del poema de Sor Juana Inés de la Cruz
Hombres necios que acusáis tiene todos los mimbres para ser precisamente lo que se ha convertido: en un himno en favor de las mujeres y en contra de su utilización por los hombres. Desde el primer verso se achaca a los hombres el uso del poder que la sociedad entera le otorgaba para usar a su antojo a la mujer. Tanto era así (y lo sigue siendo en distintos emplazamientos contemporáneos) que poco margen se le ofrecía a las féminas. El poema, además, se estructura alrededor de una contraposición: entre Thais, la prostituta, y Lucrecia, la suicida que no puede soportar el deshonor de la violación. Sor Juana Inés de la Cruz no hace juicio de ninguno de los comportamientos. Nos da a entender que los asume a ambos como válidos ya que pocas opciones se abren a las mujeres al negarse su libertad. Por tanto, tanto Thais, la cortesana, como Lucrecia, la suicida, aparecen bajo el yugo de la peor violencia masculina. La mujer, por tanto, poco o nada puede hacer para satisfacer las ansias masculinas que no duda en ejercer su poder (por la fuerza, por el juicio o por la exclusión social) contra las mujeres que no se amoldan a su capricho.
En este mismo sentido, en la carta titulada Respuesta a Sor Filotea, la escritora incide en este aspecto presentado en Hombres necios que acusáis: en la desigualdad femenina con respecto a los hombres. Y esta, como es de común aceptación, viene por la desigual educación, en la época (y hoy en día en medio planeta) muy limitada para niñas y muchachas. La misoginia atroz del siglo XVII condenaba a las mujeres a una vida sin libertad alguna y subyugada a la opinión de esos hombres necios que acusáis que Sor Juana Inés de la Cruz destripa en este poema.
Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla
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De todos los poemas de Sor Juana Inés de la Cruz (1651-1695), ha superado con creces las brumas del tiempo el que comienza con los versos Hombres necios que acusáis | a la mujer sin razón. Y lo ha hecho, como veremos, por múltiples razones: por su belleza estilística, su perfección formal utilizando las redondillas y por el abordaje (rabiosamente contemporáneo) de la temática feminista. Y, además, lo hace una monja que vivió en el siglo XVII siguiendo los parámetros del arte barroco mexicano.
Introducción a la obra de Sor Juana Inés de la Cruz
Nació el 12 de noviembre de 1651 en una hacienda cercana a México, por entonces, capital del virreinato a las órdenes de la corona española. La sociedad de la época estaba estratificada en extremo y la escritora tuvo que zafarse de múltiples capas de convenciones sociales. Era una mujer, hija natural (ya que sus padres, al parecer, no estaban casados), criolla (esto es, mestiza de español y progenitora local) en un emplazamiento dirigido por una élite llegada de España. Poco podía hacer con esos mimbres y, sin embargo, un mero acercamiento a la biografía de Sor Juana Inés de la Cruz nos devuelve el reflejo de una muchacha de fuerte carácter, convencida de su misión en el mundo. Además, acabó convirtiéndose en la escritora más importante del barroco español (o en español) codeándose, por mérito propio, con sus colegas varones, que no lo tuvieron tan difícil como ella. La época daba nulas oportunidades a las mujeres (incluso de la élite culta y adinerada) para llevar una vida que no fuera el matrimonio. Juana lo tuvo presente. Por eso, ingresó por propia voluntad, primero, en las Carmelitas y, posteriormente, en la orden de los Jerónimos. Era la única vía permitida para llevar una vida con cierta libertad intelectual.
Así, a pesar de amoldarse (porque no había otra) a todas las imposiciones sociales que le tocó soportar, logró levantar una obra fresca, original y con tintes radicalmente feministas. En múltiples retazos de la obra de Sor Juana Inés de la Cruz deja clara su posición acerca del papel de la mujer en la sociedad, apoyándose incluso en escritos de autoridad. La escritora, tal cual hace en Hombres necios que acusáis, defiende a las mujeres de la estructura a la que estaban férreamente sometidas. Paralelamente, aboga por la educación de las niñas no solo como un bien para ellas mismas sino también para toda la sociedad. Se duele de que no haya mujeres sabias que pudieran hacerse cargo (como sucedió un siglo más tarde con los primeros colegios anglosajones de élite) de la formación femenina. Es contraria a la prostitución mostrando un pensamiento progresista y rompedor para los parámetros de la época y se duele de la dificultad a la hora de poder llevar a cabo cualquier papel intelectual.
Sor Juana Inés de la Cruz, a pesar de amoldarse a la disciplina (de todo tipo) de la orden de los Jerónimos, recibió presiones durante toda su vida para que se aviniera a comportarse como una monja sumisa dejando de lado cualquier interés intelectual, literario o científico. De alguna manera u otra, consiguieron su objetivo ya que, al final de su vida, reduce el ritmo de su escritura y permite que se venda su biblioteca y sus instrumentos científicos. Afortunadamente, la obra de Sor Juana Inés de la Cruz se editó tras su muerte prácticamente sin interrupción. Y su poema Hombres necios que acusáis se ha convertido en un himno feminista a pesar de haber sido escrito en el siglo XVII, o quizás por ello.
Hombres necios que acusáis y el feminismo de Sor Juana Inés de la Cruz
[192]
Arguye de inconsecuentes el gusto y la censura de los hombres que en las mujeres acusan lo que causan
HOMBRES NECIOS que acusáis
a la mujer sin razón,
sin ver que sois la ocasión
de lo mismo que culpáis:
si con ansia sin igual
solicitáis su desdén,
¿por qué queréis que obren bien
si la incitáis al mal?
Combatís su resistencia
y luego, con gravedad,
decís que fue liviandad
lo que hizo la diligencia.
Parecer quiere el denuedo
de vuestro parecer loco,
al niño que pone el coco
y luego le tiene miedo.
Queréis, con presunción necia,
hallar a la que buscáis,
para pretendida, Thais,
y en la posesión, Lucrecia.
¿Qué humor puede ser más raro
Que el que, falto de consejo,
él mismo empaña el espejo,
y siente que no esté claro?
Con el favor y el desdén
tenéis condición igual,
quejándoos, si os tratan mal,
burlándoos, si os quieren bien.
Opinión, ninguna gana:
pues la que más se recata,
si no os admite, es ingrata,
y si os admite, es liviana.
Siempre tan necios andáis
que, con desigual nivel,
a una culpáis por crüel
y otra por fácil culpáis.
¿Pues cómo ha de estar templada
la que vuestro amor pretende,
si la que es ingrata, ofende,
y la que es fácil, enfada?
Mas, entre el enfado y pena
que vuestro gusto refiere,
bien haya la que no os quiere
y quejaos en hora buena.
Dan vuestras amantes penas
a sus libertades alas,
y después de hacerlas malas
las queréis hallar muy buenas.
¿Cuál mayor culpa ha tenido
en una pasión errada:
la que cae de rogada,
o el que ruega de caído?
¿O cuál es más de culpar,
aunque cualquiera mal haga:
la que peca por la paga,
o el que paga por pecar?
Pues ¿para qué os espantáis
de la culpa que tenéis?
Queredlas cual las hacéis
o hacedlas cual las buscáis.
Dejad de solicitar,
y después, con más razón,
acusaréis la afición
de la que os fuere a rogar.
Bien con muchas armas fundo
que lidia vuestra arrogancia,
pues en promesa e instancia
juntáis diablo, carne y mundo.
Análisis formal, estilístico y temático de Hombres necios que acusáis | a la mujer sin razón
1.- El poema está formado por 17 redondillas.
2.- Las estrofas llevan cuatro versos cada uno con rima en consonante A-D ; B-C y están compuestos en octosílabos perfectos.
3.- Todo ello le confiere un ritmo trepidantemente sonoro que incide en el significado del mismo.
4.- Se utiliza un lenguaje sencillo, directo, sin rodeos y claro al máximo.
5.- A pesar de que hay que encuadrar a Sor Juana Inés de la Cruz en el arte barroco, el poema está despojado de tropos complicados y no encontramos metáforas rebuscadas.
6.- El poema sí se sirve de los recursos a la historia y a la mitología clásica a la hora de plantear su sentido último. Esto sí es una de las características de la literatura barroca. Anoto que en él se alude a Lucrecia, personaje de la antigüedad clásica que, ante una violación, se decidió por el suicidio. Y la contrapone a Thais, una cortesana que acompañó a los ejércitos de Alejandro. El personaje de Lucrecia fue querido por las artistas de la época ya que es también protagonista de una de las obras de Artemisia Gentileschi.
7.- La temática es rabiosamente feminista e, incluso, combativa contra el machismo imperante en la época que ofrecía escaso margen (más bien nulo) a las mujeres. De hecho, salta a la vista, cuando abordamos la biografía de Sor Juana Inés de la Cruz, que las únicas opciones para las mujeres fuera del matrimonio se reducían a las clausuras del convento. Esta última fue la que eligió nuestra protagonista para poder dedicarse a sus pasiones intelectuales. Y desde esos muros lanzó una obra feminista en la que defendía el derecho a la educación de las niñas y las muchachas como paso previo para el desarrollo de ellas mismas y de la sociedad. Se dolía por su obligado papel de sumisión y era combativa contra el machismo imperante y la prostitución. En esta línea hay que entender el Hombres necios que acusáis.
Breve comentario del poema de Sor Juana Inés de la Cruz
Hombres necios que acusáis tiene todos los mimbres para ser precisamente lo que se ha convertido: en un himno en favor de las mujeres y en contra de su utilización por los hombres. Desde el primer verso se achaca a los hombres el uso del poder que la sociedad entera le otorgaba para usar a su antojo a la mujer. Tanto era así (y lo sigue siendo en distintos emplazamientos contemporáneos) que poco margen se le ofrecía a las féminas. El poema, además, se estructura alrededor de una contraposición: entre Thais, la prostituta, y Lucrecia, la suicida que no puede soportar el deshonor de la violación. Sor Juana Inés de la Cruz no hace juicio de ninguno de los comportamientos. Nos da a entender que los asume a ambos como válidos ya que pocas opciones se abren a las mujeres al negarse su libertad. Por tanto, tanto Thais, la cortesana, como Lucrecia, la suicida, aparecen bajo el yugo de la peor violencia masculina. La mujer, por tanto, poco o nada puede hacer para satisfacer las ansias masculinas que no duda en ejercer su poder (por la fuerza, por el juicio o por la exclusión social) contra las mujeres que no se amoldan a su capricho.
En este mismo sentido, en la carta titulada Respuesta a Sor Filotea, la escritora incide en este aspecto presentado en Hombres necios que acusáis: en la desigualdad femenina con respecto a los hombres. Y esta, como es de común aceptación, viene por la desigual educación, en la época (y hoy en día en medio planeta) muy limitada para niñas y muchachas. La misoginia atroz del siglo XVII condenaba a las mujeres a una vida sin libertad alguna y subyugada a la opinión de esos hombres necios que acusáis que Sor Juana Inés de la Cruz destripa en este poema.
Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla
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La lista tiene los 10 nombres de mujeres pintoras famosas, pero, por supuesto, fueron muchas más. Si traigo este número (diez) es, sencillamente, porque la enumeración y mínimo abordaje de todas las que son (aunque no estén) superaría con creces el espacio de un artículo divulgativo online. Y todo ello a pesar de que las condiciones sociales, culturales y políticas no han sido las adecuadas para el desarrollo femenino hasta hace escasas décadas. Sin embargo, todas ellas lograron abrirse un hueco (incluso disfrutando de merecida fama en vida) en los libros de historia. Otras, como el caso de Bárbara Longhi (1552-1638), ofrecieron de forma casi anónima su trabajo al taller familiar. Si sigo con los ejemplos, la labor callada de los scriptoria de la cultura medieval no era el propicio para la vanidad de la firma. Aun así, nos ha llegado el buen hacer de la monja Ende (que vivió en el siglo X), iluminadora de uno de los Beatos más hermosos que han llegado hasta nosotros: el de Gerona. Y eso sin contar que fueron muchas las que sufrieron la apropiación de su trabajo, fuerza y talento llegando, incluso, a situaciones de tragedia, como el caso de Camille Claudel (1864-1943), encerrada en un manicomio por orden de su familia. Porque a lo largo de la historia, las mujeres pintoras, artistas, literatas o, simplemente, de corazón salvaje, tuvieron que hacer frente a innumerables retos más allá del requerido por su trabajo creativo. Hoy tenemos esta lista de las diez imprescindibles mujeres pintoras famosas que hay que conocer sí o sí.
1.- Sofonisba Anguissola (1535-1625)
Si los impedimentos fueron múltiples a la hora de desarrollar el talento creativo femenino, no fue el caso de Sofonisba Anguissola, perteneciente a una familia noble que alentó la formación artística de todos sus vástagos. Ya desde niña demostró sus cualidades para el dibujo y su padre se encargó de enseñar parte de sus trabajos a Miguel Ángel Buonarroti que alabó públicamente la calidad de los mismos. Tanto se abrió desde joven las puertas de los encargos y del éxito que fue llamada por el rey Felipe II. A la corte española llegó con tan solo veinte años y allí realizó retratos de la familia real a la par que se desempeñaba como dama de compañía de la reina Isabel de Valois. Vuelve a Italia en 1568. Se casa con Fabrizio Moncada y, con su esposo, se instala en Sicilia continuando con su tarea de pintora. Logra encargos religiosos (los mejores pagados en la época) como la Madonna dell’Itria. En 1572 se encuentra viuda y se instala en Liguria. Se vuelve a casar con Orazio Lomellini. El matrimonio monta casa en Génova. Y allí Sofonisba Anguissola se vale del ambiente enriquecido con el comercio al retratar (por encargo y previo pago) a los miembros de la aristocracia local. Muere a la edad de 90 años.
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Susana y los viejos (1610) de Artemisia Gentileschi
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Jael y Sisara (1620) de Artemisia Gentileschi
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Cleopatra de Artemisia Gentileschi
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Judith y su sirvienta de Artemisia Gentileschi
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María Magdalena en éxtasis de Artemisia Gentileschi
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Sansón y Dalila de Artemisia Gentileschi
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Lucrecia de Artimesia Gentileschi
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Judith decapitando a Holofernes de Artemisia Gentileschi
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Nacimiento de San Juan Bautista
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Salomé con la cabeza de San Juan de Artemisa Gentileschi
2.- Artemisia Gentileschi (1593-1654)
La figura de una de los grandes pintores barrocos (de cualquier lugar y condición) está siendo rehabilitada en las últimas décadas ocupando el trono que se merece en los libros de arte. Hija del pintor Orazio Gentileschi, se inició en los rudimentos de la pintura en el estudio de su padre siguiendo la técnica de Caravaggio. Desde sus inicios trató los temas bíblicos desde una vertiente femenina. Y esta se convirtió en feminista (y vengadora casi) tras sufrir una terrible violación por parte de un discípulo de su padre antes de cumplir los 18 años. A pesar de los gritos de auxilio, no fue socorrida por las mujeres de la casa. Y, a pesar de ser una víctima, fue sometida a un juicio humillante y bajo tortura con el fin de doblegar su voluntad. No lo hizo. Y tampoco abandonó los pinceles. Es más, ese trauma lo transformó de tal modo que las mejores obras de Artemisia Gentileschi (como Judith decapitando a Holofernes) nos muestran una combinación aterradora de sangre, violencia y fuerza difíciles de encasillar incluso en el arte barroco más monstruoso y grotesco. Y todo ello fue ejecutado con una técnica sublime en la que los claroscuros toman forma y las escenas brillan a pesar del dramatismo y la brutal narración. Artemisia logró criar dos hijas ella sola y vivir con cierta comodidad y de forma independiente únicamente con los beneficios económicos que le reportaba su oficio artístico. Hoy es unánime insertar la mayor parte de sus obras en la lista de las mejores pinturas barrocas de la historia.
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Mary Cassat: La hora del té (1880)
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Mary Cassat: Mujer con sombrero negro y verde (1890)
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Niña en sillón azul 1878
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Mary Cassat: La fiesta en el barco (1893-1894)
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Mary Cassat: Madre e hija (1902)
3.- Mary Cassat (1844-1926)
Incluso en una fecha tan cercana a la nuestra como el siglo XIX las mujeres tenían vetada todo tipo de educación superior. Recluidas en el entorno del hogar, únicamente las que provenían de familias adineradas podían recibir algún tipo de instrucción. Este es el caso de una de las mujeres pintoras famosas perteneciente al impresionismo. Nacida en Estados Unidos, Mary Cassat se formó en París donde aprendió las técnicas novedosas que, por entonces, trabajaban los artistas del Salón de los Independientes. Si bien trabaja la pincelada suelta y las posibilidades de la luz, no sigue a rajatabla las características del impresionismo, ya que sus obras muestran preferencias por interiores hogareños en lugar del gusto por la naturaleza de sus compañeros. Se vuelca, así, en narrar un mundo femenino, maternal, hogareño, sencillo y relajado donde el color toma protagonismo por sí solo. Es una de las mujeres pintoras famosas que han tenido mayor proyección internacional incluso tras su muerte.
4.- Berthe Morisot (1841-1895)
Inserta también en la corriente impresionista, Berthe Morisot es una de las pintoras que pudo acceder a formación reglada. Perteneciente a una familia adinerada, estudió en la École des Beaux-Arts de París y también directamente con Corot. Expuso en el Salón en 1864 con críticas negativas y, al año siguiente, ya formaba parte del círculo de Manet, tanto que se casó con su hermano pequeño, Eugène. Su obra es de una sutil delicadeza caracterizada por la pincelada sutil propia del impresionismo. Sus lienzos giran alrededor de la figura humana tanto inserta en interiores (como La cuna de 1872) como en un ambiente natural o de jardín (ejemplo de ello es Día de Verano que reproduzco en la entrada). Sin embargo, al contrario que sus compañeros masculinos que se regodean en grandes paisajes, el universo pictórico de Morisot es, esencialmente, doméstico, de jardín, de elegantes figuras femeninas pertenecientes a la alta sociedad de la que ella misma provenía. Sus obras rezuman delicadeza, tranquilidad, sencillez y serenidad.
5.- Sonia Delaunay (1885-1979)
La vida de una de las más reconocidas pintoras de las vanguardias históricas comienza por un peregrinaje entre distintos puntos de Europa. Nace en Odessa. Sus estudios básicos se desarrollan en San Petersburgo. Continúa su formación en la escuela Karlsruhe de Alemania hasta recalar en París en 1906. Allí (por entonces emplazamiento ombligo del mundo en todos los aspectos), se casa con el también pintor Robert Delaunay, adoptando su apellido. Su obra pictórica bebe del cubismo órfico, con características del arte abstracto y con un gusto por los colores fuertes, brillantes y contrastados. También trabajó en el campo de la moda, utilizando los vestidos como fórmula de expresión artística. La acogida de una de las mujeres pintoras famosas de la historia se materializa en este hecho: disfrutó de de una exposición en vida (nada más y nada menos que en el Museo del Louvre). Murió a los noventa y cuatro años.
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Música Azul y Verde (1921) de Giorgia O'Keeffe
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Dos calas sobre fondo rosa (1928) de Giorgia O'Keeffe
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Número 8 especial (1916) de Giorgia O'Keeffe
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Giorgia O'Keeffe: MI chabola
6.- Georgia O´Keeffe (1887-1986)
He tratado la vida y la obra de esta original pintora norteamericana en otro espacio de este sitio. Estudió en la School of Art Institute de Chicago y muy pronto expuso en los círculos vanguardistas de New York con notable éxito. El opus artístico de Georgia O’Keeffe se centra en la reproducción de maravillosas flores que actúan como auténticos símbolos sexuales. Estas aparecen ampliadas y amplificadas utilizando un trazo suave y elegante. Dicho esto, sus últimas obras (menos conocidas que las primeras) reflejan el sobrecogedor paisaje desértico de Nuevo México donde tuvo, primero, una casa y, posteriormente, residencia fija. Este espacio salvaje es retratado de forma naturalista, exento de cualquier figura o presencia humana y con un profundo despojo de todo artificio. Son también famosos los trabajos en los que los cráneos, huesos y cornamentas de animales cobran protagonismo. Tras su muerte, su obra fue adquirida por grandes museos internacionales.
7.- Tamara de Lempicka (1898-1980)
Exponente máximo del art decó de las primeras décadas del siglo XX, sus obras presentan figuras humanas en un ambiente sofisticado y desinhibido. El uso del color y de la posición es extremadamente novedoso así como la narrativa de algunas de sus obras. Ejemplo de este extremo es la pieza reproducida en la entrada: Autorretrato en verde conduciendo un Bugatti. La artista, con esta visión y narrativa de su vida, se convierte, así, en icono feminista ofreciendo una imagen de un ser independiente que conduce (con todo lo que implica simbólicamente) y que se maneja por sí misma. A pesar del éxito de sus primeros años, su vida se deslizó por una pendiente destructiva de fiestas, alcohol y drogas.
8.- Remedios Varo (1908-1963)
Nacida en un pueblo de Gerona, con 15 años se matricula en la Academia de Arte de Madrid para después continuar su formación en París. A su regreso, forma parte del grupo Logicofobista, en la vanguardia de la vanguardia. De ideas republicanas, se involucra en este bando durante la Guerra Civil y luego se exilia, primero, a Francia, y posteriormente, con el nazismo, a México. Allí crea lo mejor de su obra ya inserta en las principales características del surrealismo, el movimiento más importante de la segunda mitad del siglo XX. Su obra, al día de hoy, es motivo de litigio económico y legal.
9.- Maruja Mallo (1902-1995)
Una de las mejores representantes del surrealismo, es la primera mujer pintora española admitida en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando y tiene presencia propia en ese templo del arte moderno que es el Museo Reina Sofía de Madrid. Sus primeras obras son coloridas y optimistas para ir apagándose conforme va pasando el tiempo y los avatares históricos. Tras la Guerra Civil, huyó a Argentina. Regresó a España en 1962 donde murió en 1995. Sus últimos trabajos, con un claro referente político y de compromiso social, están impregnados de un fuerte simbolismo.
10.- Frida Kahlo (1907-1954)
Es quizás la gran pintora de todo el siglo XX y uno de los referentes internacionales de la historia del arte. Tanto es así que sus autorretratos actúan como iconos simbólicos o referenciales. Además, sus obras son símbolos universales que representan la trascendencia del dolor tanto en el plano físico como en el anímico. Aquejada de polio desde pequeña, sufrió un terrible accidente con tan solo 18 años rompiéndose la columna y debatiéndose un tiempo entre la vida y la muerte. A lo largo de su vida tuvo más de treinta operaciones con la tecnología de la época. Tal grado de sufrimiento físico lo sublimó en sus obras. A igual que el dolor anímico de una auténtica relación tóxica con el también pintor Diego Rivera. Sus lienzos son de una personalidad única e irrepetible al impregnarse de los relatos míticos mexicanos y de los símbolos universales que conforman el arquetipo de Jung. El realismo y el trazo firme de los mismos participan tanto del surrealismo como del muralismo que tanta acogida tuvo (y tiene) en su país, México. Sin embargo, su trascendencia llega por su difícil clasificación y originalidad. Frida Kahlo, al día de hoy, no solo es referente universal dentro de las mujeres pintoras famosas sino de un feminismo que encuentra en su obra una sublimación de cualquier tipo de dolor.
Ni que decir tiene que esta corta lista de las mujeres pintoras famosas más importantes de la historia no se acaba en esta enumeración. Las creadoras que, a lo largo de los siglos, han impuesto una visión novedosa de una realidad que nos concierne a todos, son muchas más, incluso tras sufrir una reiterada política de cancelación en forma de silencio en los libros de arte. Sin embargo, las diez que traigo hoy han aportado un legado de tal envergadura que sus nombres son imprescindibles de la cultura general.
Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla
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1.- Sofonisba Anguissola (1535-1625)
Si los impedimentos fueron múltiples a la hora de desarrollar el talento creativo femenino, no fue el caso de Sofonisba Anguissola, perteneciente a una familia noble que alentó la formación artística de todos sus vástagos. Ya desde niña demostró sus cualidades para el dibujo y su padre se encargó de enseñar parte de sus trabajos a Miguel Ángel Buonarroti que alabó públicamente la calidad de los mismos. Tanto se abrió desde joven las puertas de los encargos y del éxito que fue llamada por el rey Felipe II. A la corte española llegó con tan solo veinte años y allí realizó retratos de la familia real a la par que se desempeñaba como dama de compañía de la reina Isabel de Valois. Vuelve a Italia en 1568. Se casa con Fabrizio Moncada y, con su esposo, se instala en Sicilia continuando con su tarea de pintora. Logra encargos religiosos (los mejores pagados en la época) como la Madonna dell’Itria. En 1572 se encuentra viuda y se instala en Liguria. Se vuelve a casar con Orazio Lomellini. El matrimonio monta casa en Génova. Y allí Sofonisba Anguissola se vale del ambiente enriquecido con el comercio al retratar (por encargo y previo pago) a los miembros de la aristocracia local. Muere a la edad de 90 años.
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Susana y los viejos (1610) de Artemisia Gentileschi
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Jael y Sisara (1620) de Artemisia Gentileschi
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Cleopatra de Artemisia Gentileschi
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Judith y su sirvienta de Artemisia Gentileschi
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María Magdalena en éxtasis de Artemisia Gentileschi
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Sansón y Dalila de Artemisia Gentileschi
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Lucrecia de Artimesia Gentileschi
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Judith decapitando a Holofernes de Artemisia Gentileschi
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Nacimiento de San Juan Bautista
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Salomé con la cabeza de San Juan de Artemisa Gentileschi
2.- Artemisia Gentileschi (1593-1654)
La figura de una de los grandes pintores barrocos (de cualquier lugar y condición) está siendo rehabilitada en las últimas décadas ocupando el trono que se merece en los libros de arte. Hija del pintor Orazio Gentileschi, se inició en los rudimentos de la pintura en el estudio de su padre siguiendo la técnica de Caravaggio. Desde sus inicios trató los temas bíblicos desde una vertiente femenina. Y esta se convirtió en feminista (y vengadora casi) tras sufrir una terrible violación por parte de un discípulo de su padre antes de cumplir los 18 años. A pesar de los gritos de auxilio, no fue socorrida por las mujeres de la casa. Y, a pesar de ser una víctima, fue sometida a un juicio humillante y bajo tortura con el fin de doblegar su voluntad. No lo hizo. Y tampoco abandonó los pinceles. Es más, ese trauma lo transformó de tal modo que las mejores obras de Artemisia Gentileschi (como Judith decapitando a Holofernes) nos muestran una combinación aterradora de sangre, violencia y fuerza difíciles de encasillar incluso en el arte barroco más monstruoso y grotesco. Y todo ello fue ejecutado con una técnica sublime en la que los claroscuros toman forma y las escenas brillan a pesar del dramatismo y la brutal narración. Artemisia logró criar dos hijas ella sola y vivir con cierta comodidad y de forma independiente únicamente con los beneficios económicos que le reportaba su oficio artístico. Hoy es unánime insertar la mayor parte de sus obras en la lista de las mejores pinturas barrocas de la historia.
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Mary Cassat: La hora del té (1880)
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Mary Cassat: Mujer con sombrero negro y verde (1890)
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Niña en sillón azul 1878
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Mary Cassat: La fiesta en el barco (1893-1894)
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Mary Cassat: Madre e hija (1902)
3.- Mary Cassat (1844-1926)
Incluso en una fecha tan cercana a la nuestra como el siglo XIX las mujeres tenían vetada todo tipo de educación superior. Recluidas en el entorno del hogar, únicamente las que provenían de familias adineradas podían recibir algún tipo de instrucción. Este es el caso de una de las mujeres pintoras famosas perteneciente al impresionismo. Nacida en Estados Unidos, Mary Cassat se formó en París donde aprendió las técnicas novedosas que, por entonces, trabajaban los artistas del Salón de los Independientes. Si bien trabaja la pincelada suelta y las posibilidades de la luz, no sigue a rajatabla las características del impresionismo, ya que sus obras muestran preferencias por interiores hogareños en lugar del gusto por la naturaleza de sus compañeros. Se vuelca, así, en narrar un mundo femenino, maternal, hogareño, sencillo y relajado donde el color toma protagonismo por sí solo. Es una de las mujeres pintoras famosas que han tenido mayor proyección internacional incluso tras su muerte.
4.- Berthe Morisot (1841-1895)
Inserta también en la corriente impresionista, Berthe Morisot es una de las pintoras que pudo acceder a formación reglada. Perteneciente a una familia adinerada, estudió en la École des Beaux-Arts de París y también directamente con Corot. Expuso en el Salón en 1864 con críticas negativas y, al año siguiente, ya formaba parte del círculo de Manet, tanto que se casó con su hermano pequeño, Eugène. Su obra es de una sutil delicadeza caracterizada por la pincelada sutil propia del impresionismo. Sus lienzos giran alrededor de la figura humana tanto inserta en interiores (como La cuna de 1872) como en un ambiente natural o de jardín (ejemplo de ello es Día de Verano que reproduzco en la entrada). Sin embargo, al contrario que sus compañeros masculinos que se regodean en grandes paisajes, el universo pictórico de Morisot es, esencialmente, doméstico, de jardín, de elegantes figuras femeninas pertenecientes a la alta sociedad de la que ella misma provenía. Sus obras rezuman delicadeza, tranquilidad, sencillez y serenidad.
5.- Sonia Delaunay (1885-1979)
La vida de una de las más reconocidas pintoras de las vanguardias históricas comienza por un peregrinaje entre distintos puntos de Europa. Nace en Odessa. Sus estudios básicos se desarrollan en San Petersburgo. Continúa su formación en la escuela Karlsruhe de Alemania hasta recalar en París en 1906. Allí (por entonces emplazamiento ombligo del mundo en todos los aspectos), se casa con el también pintor Robert Delaunay, adoptando su apellido. Su obra pictórica bebe del cubismo órfico, con características del arte abstracto y con un gusto por los colores fuertes, brillantes y contrastados. También trabajó en el campo de la moda, utilizando los vestidos como fórmula de expresión artística. La acogida de una de las mujeres pintoras famosas de la historia se materializa en este hecho: disfrutó de de una exposición en vida (nada más y nada menos que en el Museo del Louvre). Murió a los noventa y cuatro años.
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Música Azul y Verde (1921) de Giorgia O'Keeffe
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Dos calas sobre fondo rosa (1928) de Giorgia O'Keeffe
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Número 8 especial (1916) de Giorgia O'Keeffe
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Giorgia O'Keeffe: MI chabola
6.- Georgia O´Keeffe (1887-1986)
He tratado la vida y la obra de esta original pintora norteamericana en otro espacio de este sitio. Estudió en la School of Art Institute de Chicago y muy pronto expuso en los círculos vanguardistas de New York con notable éxito. El opus artístico de Georgia O’Keeffe se centra en la reproducción de maravillosas flores que actúan como auténticos símbolos sexuales. Estas aparecen ampliadas y amplificadas utilizando un trazo suave y elegante. Dicho esto, sus últimas obras (menos conocidas que las primeras) reflejan el sobrecogedor paisaje desértico de Nuevo México donde tuvo, primero, una casa y, posteriormente, residencia fija. Este espacio salvaje es retratado de forma naturalista, exento de cualquier figura o presencia humana y con un profundo despojo de todo artificio. Son también famosos los trabajos en los que los cráneos, huesos y cornamentas de animales cobran protagonismo. Tras su muerte, su obra fue adquirida por grandes museos internacionales.
7.- Tamara de Lempicka (1898-1980)
Exponente máximo del art decó de las primeras décadas del siglo XX, sus obras presentan figuras humanas en un ambiente sofisticado y desinhibido. El uso del color y de la posición es extremadamente novedoso así como la narrativa de algunas de sus obras. Ejemplo de este extremo es la pieza reproducida en la entrada: Autorretrato en verde conduciendo un Bugatti. La artista, con esta visión y narrativa de su vida, se convierte, así, en icono feminista ofreciendo una imagen de un ser independiente que conduce (con todo lo que implica simbólicamente) y que se maneja por sí misma. A pesar del éxito de sus primeros años, su vida se deslizó por una pendiente destructiva de fiestas, alcohol y drogas.
8.- Remedios Varo (1908-1963)
Nacida en un pueblo de Gerona, con 15 años se matricula en la Academia de Arte de Madrid para después continuar su formación en París. A su regreso, forma parte del grupo Logicofobista, en la vanguardia de la vanguardia. De ideas republicanas, se involucra en este bando durante la Guerra Civil y luego se exilia, primero, a Francia, y posteriormente, con el nazismo, a México. Allí crea lo mejor de su obra ya inserta en las principales características del surrealismo, el movimiento más importante de la segunda mitad del siglo XX. Su obra, al día de hoy, es motivo de litigio económico y legal.
9.- Maruja Mallo (1902-1995)
Una de las mejores representantes del surrealismo, es la primera mujer pintora española admitida en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando y tiene presencia propia en ese templo del arte moderno que es el Museo Reina Sofía de Madrid. Sus primeras obras son coloridas y optimistas para ir apagándose conforme va pasando el tiempo y los avatares históricos. Tras la Guerra Civil, huyó a Argentina. Regresó a España en 1962 donde murió en 1995. Sus últimos trabajos, con un claro referente político y de compromiso social, están impregnados de un fuerte simbolismo.
10.- Frida Kahlo (1907-1954)
Es quizás la gran pintora de todo el siglo XX y uno de los referentes internacionales de la historia del arte. Tanto es así que sus autorretratos actúan como iconos simbólicos o referenciales. Además, sus obras son símbolos universales que representan la trascendencia del dolor tanto en el plano físico como en el anímico. Aquejada de polio desde pequeña, sufrió un terrible accidente con tan solo 18 años rompiéndose la columna y debatiéndose un tiempo entre la vida y la muerte. A lo largo de su vida tuvo más de treinta operaciones con la tecnología de la época. Tal grado de sufrimiento físico lo sublimó en sus obras. A igual que el dolor anímico de una auténtica relación tóxica con el también pintor Diego Rivera. Sus lienzos son de una personalidad única e irrepetible al impregnarse de los relatos míticos mexicanos y de los símbolos universales que conforman el arquetipo de Jung. El realismo y el trazo firme de los mismos participan tanto del surrealismo como del muralismo que tanta acogida tuvo (y tiene) en su país, México. Sin embargo, su trascendencia llega por su difícil clasificación y originalidad. Frida Kahlo, al día de hoy, no solo es referente universal dentro de las mujeres pintoras famosas sino de un feminismo que encuentra en su obra una sublimación de cualquier tipo de dolor.
Ni que decir tiene que esta corta lista de las mujeres pintoras famosas más importantes de la historia no se acaba en esta enumeración. Las creadoras que, a lo largo de los siglos, han impuesto una visión novedosa de una realidad que nos concierne a todos, son muchas más, incluso tras sufrir una reiterada política de cancelación en forma de silencio en los libros de arte. Sin embargo, las diez que traigo hoy han aportado un legado de tal envergadura que sus nombres son imprescindibles de la cultura general.
Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla
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10 mujeres pintoras famosas de la historia
La lista tiene los 10 nombres de mujeres pintoras famosas, pero, por supuesto, fueron muchas...
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Entre 1915 y 1936 existió en Madrid (en el Barrio de Salamanca) una institución educativa novedosa, rompedora para los parámetros de la época y empeñada en iniciar un mínimo empoderamiento femenino: la Residencia de Señoritas dirigida por María de Maeztu (1881-1948). El proyecto estaba abierto a todas aquellas que habían cumplido los 17 años. Aquí podían completar estudios de carácter universitario centrados, sobre todo, en la biblioteconomía, la farmacia y la pedagogía. Disponían de instalaciones deportivas, dormitorios, comedor, aulas, salas de conferencia, laboratorio… La lista de sus avances no acaba en esta corta descripción ya que hasta aquí se acercaron las Premios Nobel Gabriela Mistral (1889-1957) o Marie Curie (1867-1934) para impartir charlas y encuentros. Se convirtió así, en los pocos años que estuvo activa, en un lugar de puertas y ventanas abiertas para todas aquellas mujeres que, siguiendo las ideas pedagógicas de María de Maeztu, se atrevieran a romper los mandatos de la época. Y todo ello tenía la finalidad de adentrarse en el saber, vía directa de aporte a la sociedad y, por tanto, la única forma que hay de ocupar, por derecho propio, espacios públicos y de liderazgo.
Breve historia de la breve existencia de la Residencia de Señoritas
En paralelo y a semejanza de la Residencia de Estudiantes, se crea en el 1915, en el madrileño barrio de Salamanca, la Residencia de Señoritas. La institución, a la par que da cobijo a las jóvenes llegadas desde cualquier punto del país, actúa como centro educativo, de conferencias, científico, cultural e, incluso, deportivo. Dicho así y bajo los parámetros del siglo XXI, se diluye su importancia, la misma que entendemos cuando comparamos. Muy pronto el centro (con todo lo que implica) se convierte en un mundo aparte donde las residentes llegan a ser auténticas pioneras del feminismo por el único método posible: la educación propia y el posterior aporte a la sociedad. La España de las primeras décadas del Siglo XX, si por algo se caracterizaba, era por la decadencia más absoluta, la cerrazón, el ensimismamiento y una incultura galopante tal como ponían de manifiesto los autores de la Generación del 98 e, incluso, los representantes del realismo literario. El analfabetismo campaba a sus anchas alimentando pobreza e intolerancia. La cortedad de miras sociales se cebaba con las mujeres que estaban vetadas a cualquier espacio público o proyecto propio más allá del matrimonio y la familia.
En este panorama, la Residencia de Señoritas supuso un ariete en el incipiente feminismo español (que a su vez se surtía del europeo). María de Maeztu, su impulsora y directora, defendía a ultranza la educación como única vía para el progreso en todos los órdenes de la vida: social, cultural, económico, personal… La pedagoga (consciente de su misión e imbuida de ese espíritu crítico, positivo y penetrante con el que la describen quienes la conocieron) imprimió sus ideas en las estudiantes que pasaron por la institución. Y la educación tenía que devolverse a la sociedad amplificando virtudes de entrega, a la par, que de conquista culturales o sociales.
Muy pronto, las instalaciones se quedaron pequeñas para la gran demanda, ya que llegaron estudiantes desde todos los puntos de España. Se fueron alquilando los edificios de alrededor y organizando archivos o biblioteca (paralelamente a unos incipientes estudios de biblioteconomía), laboratorio (para los ensayos de farmacia), pistas de tenis, salas de conferencias y aulas donde las estudiantes tomaban apuntes. En este sentido se seguía el método de María Montessori (1867-1934) que también recaló por las instituciones. Con los apuntes se pretendía que el alumno elaborara su propio contenido más allá de la memorización de los libros de texto. Sería un primer paso para el pensamiento crítico que era el objetivo de las enseñanzas de la Residencia de Señoritas. A pesar de lo que supuso, no podemos olvidar que esta punta de lanza para el necesario progreso femenino (a pesar de estar abierto a cualquier muchacha mayor de 17 años) acogió (especialmente) a las hijas de las élites educadas en un ambiente cultural radicalmente distinto al de la mayoría de la población. Además, también hay que tener en cuenta que, entre sus filas se infiltraron las denominadas “maridas”, esposas de donantes que no comulgaban con las ideas altamente progresistas de la institución.
Todo se torció, como tantos emprendimientos de cualquier cariz en España, con el inicio de la guerra. En 1936 las puertas de la Residencia de Señoritas se cerraron para siempre. El archivo fue empaquetado y arrinconado para ser destruido y el tímido avance que supuso la institución, a posta, silenciado. Tuvieron que pasar décadas para que estudiosas e investigadoras rescataran el archivo arrinconado y con él las cartas que su directora enviaba a las familias, a científicas, literatas o pensadoras europeas con las que compartía inquietudes y novedades. Y solo con ese estudio nos dimos cuenta de la importancia de un proyecto que quería abrir para todas las mujeres las puertas de la formación superior, por primera vez en España. Desafortunadamente, habría que esperar a finales de los setenta e, incluso, a los ochenta, para que esa realidad se materializara.
La importancia de María de Maeztu en el desarrollo de la Residencia de Señoritas
El proyecto y la realidad del mismo (a pesar de su corta duración) no puede entenderse sin la arrolladora personalidad de María de Maeztu. Fue hija de una familia acomodada vasca cuyo padre hizo negocios en Cuba y su madre, de ascendencia inglesa, se empeñó en ofrecer una rica instrucción a todos sus vástagos. De hecho, uno de los hermanos fue el pintor Gustavo de Maeztu, adscrito a la corriente realista de principios de siglo. Con estos mimbres pudo estudiar disciplinas diversas, crecer como políglota y viajar a distintos países europeos (Bélgica, Inglaterra o Francia). Todo ello contribuyó a una apertura mental de difícil parangón en la época. María, según los escritos de aquellos que la conocieron, estaba convencida de la importancia de su misión pedagógica. Y defendía sus ideas con vehemencia, carácter, rapidez, brillantez y hasta un punto de nerviosismo. Su capacidad de trabajo la llevó a cartearse con eminencias literarias o científicas de la época (Marie Curie o Gabriela Mistral por poner dos ejemplos).
Alrededor de su persona además se congregaban todas aquellas mujeres que tanto en el campo de la política como en de las artes o la ciencia tenían algo que aportar al feminismo. Por eso, no conforme con los enormes avances de la Residencia de Señoritas, funda en 1926 el Lyceum Club Femenino el cual preside hasta su disolución que también llega con el estallido de la guerra. Esta asociación, que tenía como vicepresidenta a Victoria Kent y como secretaria a Zenobia Camprubí, comenzó con la agrupación de más de 100 mujeres de la élite económica y social española. A semejanza de los existentes en Europa, pretendía ser un espacio de debate, discusión, educación e, incluso, apoyo emocional para todas aquellas mujeres interesadas en el progreso y este solo puede venir a través de la formación, la cultura y el estudio de las artes y las ciencias.
La existencia de María de Maeztu, como la de la Residencia de Señoritas o el Lyceum Club Femenino, se truncó con la guerra. Las instituciones se cerraron para siempre y se silenció su importancia. La pedagoga emigró a Argentina, recalando antes en Estados Unidos donde fue invitada a impartir conferencias. Allí incansablemente escribió libros y artículos defendiendo sus ideas pedagógicas. Y allí falleció en 1948. A pesar de que su legado se dispersó tras su muerte, ha podido ser recuperado en los albores del siglo XXI.
¿Qué supuso la Residencia de Señoritas para los parámetros de la época?
Con todos estos datos, es fácil entender el giro radical que se les ofrecía a todas las jóvenes que tenían la suerte de acceder a la institución. A pesar de que la gran mayoría de ellas pertenecían a la élite social y procedían de familias de mentalidad abierta, la Residencia de Señoritas era un pasaje a otro mundo, el de la libertad que da la educación. Aquí estudiaban, se formaban, tomaban contacto con las nuevas ideas europeas, se codeaban con sus compañeros masculinos de la Residencia de Estudiantes en igualdad de condiciones, hacían deporte y relegaban incómodos vestidos que impedían los movimientos. Todo ello para escándalo de la bienpensante sociedad tradicional que la formaba, todo hay que decirlo, la inmensa mayoría de la población.
Ese reducto de posibilidad y de libertad se convirtió muy pronto en un frente abierto para el incipiente feminismo. María de Maeztu era consciente (y así lo defendía, a veces, con vehemencia extrema) que no se podía avanzar como país si las mujeres no se incorporaban a la vida pública ofreciendo lo mejor de sí mediante una esmerada educación. Y, a la par, debían ser modelo de inspiración para todas aquellas que venían detrás. El régimen que llegó después (y su defensa ciega de un tradicionalismo paleto y cruel) no podía consentir que lo que supuso la Residencia de Señoritas (y la figura de María de Maeztu) germinara en la sociedad. Por eso, quiso (sin conseguirlo) eliminar el archivo y silenciar de los libros esta semilla en el corazón del incipiente feminismo en España. La Historia (con mayúsculas) no contaba con las actuales investigaciones que están sacando a la luz la vida de estas mujeres (privilegiadas, eso sí) que quisieron ofrecer nuevos rumbos y aportes a una nación sumida en miserias de todo tipo.
Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla
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Entre 1915 y 1936 existió en Madrid (en el Barrio de Salamanca) una institución educativa novedosa, rompedora para los parámetros de la época y empeñada en iniciar un mínimo empoderamiento femenino: la Residencia de Señoritas dirigida por María de Maeztu (1881-1948). El proyecto estaba abierto a todas aquellas que habían cumplido los 17 años. Aquí podían completar estudios de carácter universitario centrados, sobre todo, en la biblioteconomía, la farmacia y la pedagogía. Disponían de instalaciones deportivas, dormitorios, comedor, aulas, salas de conferencia, laboratorio… La lista de sus avances no acaba en esta corta descripción ya que hasta aquí se acercaron las Premios Nobel Gabriela Mistral (1889-1957) o Marie Curie (1867-1934) para impartir charlas y encuentros. Se convirtió así, en los pocos años que estuvo activa, en un lugar de puertas y ventanas abiertas para todas aquellas mujeres que, siguiendo las ideas pedagógicas de María de Maeztu, se atrevieran a romper los mandatos de la época. Y todo ello tenía la finalidad de adentrarse en el saber, vía directa de aporte a la sociedad y, por tanto, la única forma que hay de ocupar, por derecho propio, espacios públicos y de liderazgo.
Breve historia de la breve existencia de la Residencia de Señoritas
En paralelo y a semejanza de la Residencia de Estudiantes, se crea en el 1915, en el madrileño barrio de Salamanca, la Residencia de Señoritas. La institución, a la par que da cobijo a las jóvenes llegadas desde cualquier punto del país, actúa como centro educativo, de conferencias, científico, cultural e, incluso, deportivo. Dicho así y bajo los parámetros del siglo XXI, se diluye su importancia, la misma que entendemos cuando comparamos. Muy pronto el centro (con todo lo que implica) se convierte en un mundo aparte donde las residentes llegan a ser auténticas pioneras del feminismo por el único método posible: la educación propia y el posterior aporte a la sociedad. La España de las primeras décadas del Siglo XX, si por algo se caracterizaba, era por la decadencia más absoluta, la cerrazón, el ensimismamiento y una incultura galopante tal como ponían de manifiesto los autores de la Generación del 98 e, incluso, los representantes del realismo literario. El analfabetismo campaba a sus anchas alimentando pobreza e intolerancia. La cortedad de miras sociales se cebaba con las mujeres que estaban vetadas a cualquier espacio público o proyecto propio más allá del matrimonio y la familia.
En este panorama, la Residencia de Señoritas supuso un ariete en el incipiente feminismo español (que a su vez se surtía del europeo). María de Maeztu, su impulsora y directora, defendía a ultranza la educación como única vía para el progreso en todos los órdenes de la vida: social, cultural, económico, personal… La pedagoga (consciente de su misión e imbuida de ese espíritu crítico, positivo y penetrante con el que la describen quienes la conocieron) imprimió sus ideas en las estudiantes que pasaron por la institución. Y la educación tenía que devolverse a la sociedad amplificando virtudes de entrega, a la par, que de conquista culturales o sociales.
Muy pronto, las instalaciones se quedaron pequeñas para la gran demanda, ya que llegaron estudiantes desde todos los puntos de España. Se fueron alquilando los edificios de alrededor y organizando archivos o biblioteca (paralelamente a unos incipientes estudios de biblioteconomía), laboratorio (para los ensayos de farmacia), pistas de tenis, salas de conferencias y aulas donde las estudiantes tomaban apuntes. En este sentido se seguía el método de María Montessori (1867-1934) que también recaló por las instituciones. Con los apuntes se pretendía que el alumno elaborara su propio contenido más allá de la memorización de los libros de texto. Sería un primer paso para el pensamiento crítico que era el objetivo de las enseñanzas de la Residencia de Señoritas. A pesar de lo que supuso, no podemos olvidar que esta punta de lanza para el necesario progreso femenino (a pesar de estar abierto a cualquier muchacha mayor de 17 años) acogió (especialmente) a las hijas de las élites educadas en un ambiente cultural radicalmente distinto al de la mayoría de la población. Además, también hay que tener en cuenta que, entre sus filas se infiltraron las denominadas “maridas”, esposas de donantes que no comulgaban con las ideas altamente progresistas de la institución.
Todo se torció, como tantos emprendimientos de cualquier cariz en España, con el inicio de la guerra. En 1936 las puertas de la Residencia de Señoritas se cerraron para siempre. El archivo fue empaquetado y arrinconado para ser destruido y el tímido avance que supuso la institución, a posta, silenciado. Tuvieron que pasar décadas para que estudiosas e investigadoras rescataran el archivo arrinconado y con él las cartas que su directora enviaba a las familias, a científicas, literatas o pensadoras europeas con las que compartía inquietudes y novedades. Y solo con ese estudio nos dimos cuenta de la importancia de un proyecto que quería abrir para todas las mujeres las puertas de la formación superior, por primera vez en España. Desafortunadamente, habría que esperar a finales de los setenta e, incluso, a los ochenta, para que esa realidad se materializara.
La importancia de María de Maeztu en el desarrollo de la Residencia de Señoritas
El proyecto y la realidad del mismo (a pesar de su corta duración) no puede entenderse sin la arrolladora personalidad de María de Maeztu. Fue hija de una familia acomodada vasca cuyo padre hizo negocios en Cuba y su madre, de ascendencia inglesa, se empeñó en ofrecer una rica instrucción a todos sus vástagos. De hecho, uno de los hermanos fue el pintor Gustavo de Maeztu, adscrito a la corriente realista de principios de siglo. Con estos mimbres pudo estudiar disciplinas diversas, crecer como políglota y viajar a distintos países europeos (Bélgica, Inglaterra o Francia). Todo ello contribuyó a una apertura mental de difícil parangón en la época. María, según los escritos de aquellos que la conocieron, estaba convencida de la importancia de su misión pedagógica. Y defendía sus ideas con vehemencia, carácter, rapidez, brillantez y hasta un punto de nerviosismo. Su capacidad de trabajo la llevó a cartearse con eminencias literarias o científicas de la época (Marie Curie o Gabriela Mistral por poner dos ejemplos).
Alrededor de su persona además se congregaban todas aquellas mujeres que tanto en el campo de la política como en de las artes o la ciencia tenían algo que aportar al feminismo. Por eso, no conforme con los enormes avances de la Residencia de Señoritas, funda en 1926 el Lyceum Club Femenino el cual preside hasta su disolución que también llega con el estallido de la guerra. Esta asociación, que tenía como vicepresidenta a Victoria Kent y como secretaria a Zenobia Camprubí, comenzó con la agrupación de más de 100 mujeres de la élite económica y social española. A semejanza de los existentes en Europa, pretendía ser un espacio de debate, discusión, educación e, incluso, apoyo emocional para todas aquellas mujeres interesadas en el progreso y este solo puede venir a través de la formación, la cultura y el estudio de las artes y las ciencias.
La existencia de María de Maeztu, como la de la Residencia de Señoritas o el Lyceum Club Femenino, se truncó con la guerra. Las instituciones se cerraron para siempre y se silenció su importancia. La pedagoga emigró a Argentina, recalando antes en Estados Unidos donde fue invitada a impartir conferencias. Allí incansablemente escribió libros y artículos defendiendo sus ideas pedagógicas. Y allí falleció en 1948. A pesar de que su legado se dispersó tras su muerte, ha podido ser recuperado en los albores del siglo XXI.
¿Qué supuso la Residencia de Señoritas para los parámetros de la época?
Con todos estos datos, es fácil entender el giro radical que se les ofrecía a todas las jóvenes que tenían la suerte de acceder a la institución. A pesar de que la gran mayoría de ellas pertenecían a la élite social y procedían de familias de mentalidad abierta, la Residencia de Señoritas era un pasaje a otro mundo, el de la libertad que da la educación. Aquí estudiaban, se formaban, tomaban contacto con las nuevas ideas europeas, se codeaban con sus compañeros masculinos de la Residencia de Estudiantes en igualdad de condiciones, hacían deporte y relegaban incómodos vestidos que impedían los movimientos. Todo ello para escándalo de la bienpensante sociedad tradicional que la formaba, todo hay que decirlo, la inmensa mayoría de la población.
Ese reducto de posibilidad y de libertad se convirtió muy pronto en un frente abierto para el incipiente feminismo. María de Maeztu era consciente (y así lo defendía, a veces, con vehemencia extrema) que no se podía avanzar como país si las mujeres no se incorporaban a la vida pública ofreciendo lo mejor de sí mediante una esmerada educación. Y, a la par, debían ser modelo de inspiración para todas aquellas que venían detrás. El régimen que llegó después (y su defensa ciega de un tradicionalismo paleto y cruel) no podía consentir que lo que supuso la Residencia de Señoritas (y la figura de María de Maeztu) germinara en la sociedad. Por eso, quiso (sin conseguirlo) eliminar el archivo y silenciar de los libros esta semilla en el corazón del incipiente feminismo en España. La Historia (con mayúsculas) no contaba con las actuales investigaciones que están sacando a la luz la vida de estas mujeres (privilegiadas, eso sí) que quisieron ofrecer nuevos rumbos y aportes a una nación sumida en miserias de todo tipo.
Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla
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La Residencia de Señoritas dirigida por María de Maeztu
Entre 1915 y 1936 existió en Madrid (en el Barrio de Salamanca) una institución educativa ...
