Obras de Sandro Botticelli
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Sandro Botticelli (Florencia 1445-1510) es uno de los más señeros artistas del Renacimiento italiano y su obra se enmarca en la edad de oro de la pintura renacentista del Quattrocento, según la calificación de Giorgio Vasari. Pasó prácticamente toda su vida en Florencia, excepto una breve estadía en Roma entre 1481 y 1482 invitado por el Papa Sixto IV para realizar algunos de los frescos de la Capilla Sixtina. Gracias al mecenazgo de los todopoderosos Médici, que lo ayudaron incluso en los últimos años de vida alejándolo de la pobreza, pudo realizar decenas de pinturas que se encuentran entre lo más representativo del arte universal de todos los tiempos. Nunca se casó ni se conocen amores o amoríos más allá de su devoción (¿platónica?) por la joven aristócrata Simonetta Vespucci, quien abandonó este mundo con tan solo 23 años. Los elegantes y estilizados rasgos fisonómicos de la musa y modelo pasaron a convertirse en los cánones de belleza de los artistas del Renacimiento. Su rostro, además, aparece en las obras de Sandro Botticelli más importantes, como son La primavera o El nacimiento de Venus.
Aproximación a las obras de Sandro Botticelli
Muy resumidamente y de forma esquemática tenemos que anotar:
1.- Recupera, como el resto de los artistas plásticos, poetas, filósofos y personajes de la cultura, la tradición clásica grecolatina, especialmente los mitos con toda su fuerza simbólica.
2.- Trabaja la perspectiva geométrica en la que son protagonistas, para dar profundidad, tanto edificios tratados con todo lujo de detalles, como una naturaleza armónica y serena.
3.- La figura humana se convierte en protagonista abordada desde el realismo y siempre ataviada con los ropajes contemporáneos, incluso cuando la temática de la obra es histórica.
4.- La serenidad es la norma, el camino y el fin del arte del Renacimiento. Por eso, las obras de Sandro Botticelli, como la de otros pintores de la época, rezuman sobriedad (alejándose del dramatismo) y una intemporal elegancia.
5.- Sobresale el uso del color vibrante y brillante, así como unas veladuras magistralmente ejecutadas enmarcadas por un contorno oscuro.
6.- La geometría es también otra características de estas obras. La encontramos tanto en la obra en sí, que suele responder a un esquema bien planteado, como en el resto de los elementos que la componen.
7.- La grandeza de estas creaciones se magnifican por sus grandes dimensiones ya se trate de pintura al lienzo, sobre tabla o al fresco.
10 grandes obras de Sandro Botticelli
1.- La adoración de los Reyes Magos (1475)
El tratamiento religioso está contemporizado con el uso de las ruinas y los ropajes. Es en esta obra donde encontramos su posible autorretrato en la figura de la derecha que mira directamente al espectador y está ataviada con ropajes amarillos, símbolo del sol, de la vida y de la creación. La obra se guarda en la Galería de los Uffizi y mide 111 x 134 cm.
2.- Retrato de Simonetta Vespucci
Con toda probabilidad, fue realizado tras la muerte de la joven aristócrata, musa y modelo de buena parte de los artistas del Quattrocento florentino. En ella se representa el ideal sereno, elegante y canónicamente occidental de belleza renacentista que perduró hasta prácticamente el siglo XIX.
3.- La primavera de Botticelli (1482)
Es otra de las joyas de la corona de la Galería de los Uffizi y es una obra de grandes dimensiones (203 x 314 cm) con una temática clásica. Realizada siguiendo un esquema geométrico y estructurado, en el centro se sitúa la Primavera, alegoría del renacimiento, de la resurrección, del ciclo de la vida, de la procreación y de la creación… Las figuras humanas están encuadradas sobre una naturaleza tratada de forma utópica y hay que «leerla» de derecha a izquierda; desde el espacio simbólico de la oscuridad que se transforma, por medio de la gracia, hacia la luz espiritual, representada por el personaje de la izquierda que mira y eleva su mano hacia el cielo.
4.- Las pruebas de Moisés
Es una pintura al fresco que forma parte de la Capilla Sixtina y fue terminada en el año 1482. En la misma también encontramos todas las características de las obras de Sandro Botticelli con una composición geométrica en la que destaca el exquisito tratamiento de la naturaleza y de los elementos arquitectónicos. En ella se aborda un elegante acercamiento de la figura humana utilizando para los ropajes colores simbólicos: rojo, azul, amarillo o blanco.
5.- El nacimiento de Venus de Botticelli (1485)
Esta obra de gran tamaño (172 x 278 cm) y quizás sea una de las más famosas y reconocidas del artista. El eje conductor es un tema de la antigüedad clásica desde una perspectiva simbólica. Asistimos al nacimiento de la diosa Venus (Afrodita) según el relato de los mitos clásicos que apuntan a que nació de la espuma del mar. La figura femenina, tratada con esmero y delicadeza, se localiza en el espacio central siguiendo ese gusto por la geometría característico del arte del Renacimiento. En la obra están presentes los cuatro elementos de la naturaleza. Flora, ataviada con un traje adornado con elementos vegetales, es el símbolo de la tierra que otorga frutos, cosechas, alimentos y vida. El agua, origen primigenio de todo lo creado, es omnipresente, incluso en la temática misma, ya que es el medio en el que es creada Venus, la diosa del amor, de la pasión, de la belleza y del arrebato. El tercer elemento es el aire, que encontramos en la zona derecha. Y, el fuego, elemento tanto de destrucción como de vida, reside en la diosa misma, que se arropa con un manto rojo (color de este elemento) nada más salir, desnuda y ya bella, de las aguas que la crearon.
6.- Venus y Marte
Es una obra de un tamaño extraño, ya que mide 70 x 173 cm. Se custodia en la National Gallery de Londres y fue realizada en 1485. En ella se narran los amores adúlteros entre los dioses Venus (Afrodita) y Marte (Ares), el señor de la guerra. Humillados en público por el dios Hefesto, el marido de la diosa, sus amores se han representado a lo largo de la historia como un símbolo de la pasión desenfrenada por encima del orden y la ley. La pareja está rodeada por faunos, seres mitológicos considerados deidades menores híbridas (mitad animal y mitad humano) que protegen y cuidan de las criaturas de la naturaleza.
7.- Anunciación de Cestello
Es otra de las obras señeras de la Galería de los Uffizi de Florencia. Fue realizada en 1489 y tiene un formato medio (150 x 156 cm). Aunque el tema es central para el cristianismo, está tratado desde una perspectiva profana. El ángel Gabriel está plasmado de una forma bellísima con ropajes de color intenso que nos obliga a dirigir la mirada hacia el vestido parcialmente oculto de María. Así se incide en la intención semántica del «mensaje» en toda la amplitud del término. A través de la ventana abierta, disfrutamos de la representación de una ciudad renacentista utópicamente ordenada. Con esta técnica, a la par, se aporta una peculiar perspectiva a una escena que es de interior.
8.- El suicidio de Lucrecia
También se guarda en los Uffizi y es de tamaño medio (83 x 176 cm) realizada entre 1496 y 1504. En ella encontramos buena parte de las características de las obras de Sandro Botticelli que estamos tratando hasta hora. En un ambiente clásico, abigarrado con figuras humanas que se disponen de forma geométrica, es protagonista Lucrecia, ya fallecida. Era la heroína esposa de un general romano vencido en la guerra. Lucrecia simboliza la libertad plena, ya que se da muerte con un cuchillo para no sufrir la violencia y el oprobio de una segura violación y posterior esclavitud.
9.- La calumnia de Apelles
En esta pequeña obra (62 x 90 cm) realizada en 1495 y guardada en los Uffizi también se trata otro tema antropológico: el dolor por las mentiras vertidas sobre un inocente. Como en otras obras de Botticelli, la lectura de la narración se realiza de derecha a izquierda y la figura del artista, desnudo, humillado y vencido, se encuentra en el centro. De las calumnias, representadas por las mujeres oscuras de la derecha que murmuran entre sí, se va evolucionando hacia la figura de la izquierda, tratada de manera luminosa, que mira y se dirige con su mano hacia el cielo, en un claro símbolo de reparación espiritual.
10.- Cristo de las penas
Este pequeño cuadro es probablemente la última de las obras de Botticelli. Está actualmente en manos particulares y en dirección desconocida. De ella hay que destacar la fuerza expresiva del rostro y de las manos, así como las sublimes veladuras que aportan profundidad a un retrato que adelanta los modos de la pintura barroca al utilizar el fondo negro para resaltar el protagonismo humano.
Aunque las obras de Botticelli están repartidas por todo el mundo, el grueso de las mismas se encuentran en la Galería de los Uffizi de Florencia, el lugar origen del llamado Síndrome de Stendhal al que sucumbió el escritor francés por no poder «soportar» tal amontonamiento de belleza.
Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla
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Sandro Botticelli (Florencia 1445-1510) es uno de los más señeros artistas del Renacimiento italiano y su obra se enmarca en la edad de oro de la pintura renacentista del Quattrocento, según la calificación de Giorgio Vasari. Pasó prácticamente toda su vida en Florencia, excepto una breve estadía en Roma entre 1481 y 1482 invitado por el Papa Sixto IV para realizar algunos de los frescos de la Capilla Sixtina. Gracias al mecenazgo de los todopoderosos Médici, que lo ayudaron incluso en los últimos años de vida alejándolo de la pobreza, pudo realizar decenas de pinturas que se encuentran entre lo más representativo del arte universal de todos los tiempos. Nunca se casó ni se conocen amores o amoríos más allá de su devoción (¿platónica?) por la joven aristócrata Simonetta Vespucci, quien abandonó este mundo con tan solo 23 años. Los elegantes y estilizados rasgos fisonómicos de la musa y modelo pasaron a convertirse en los cánones de belleza de los artistas del Renacimiento. Su rostro, además, aparece en las obras de Sandro Botticelli más importantes, como son La primavera o El nacimiento de Venus.
Aproximación a las obras de Sandro Botticelli
Muy resumidamente y de forma esquemática tenemos que anotar:
1.- Recupera, como el resto de los artistas plásticos, poetas, filósofos y personajes de la cultura, la tradición clásica grecolatina, especialmente los mitos con toda su fuerza simbólica.
2.- Trabaja la perspectiva geométrica en la que son protagonistas, para dar profundidad, tanto edificios tratados con todo lujo de detalles, como una naturaleza armónica y serena.
3.- La figura humana se convierte en protagonista abordada desde el realismo y siempre ataviada con los ropajes contemporáneos, incluso cuando la temática de la obra es histórica.
4.- La serenidad es la norma, el camino y el fin del arte del Renacimiento. Por eso, las obras de Sandro Botticelli, como la de otros pintores de la época, rezuman sobriedad (alejándose del dramatismo) y una intemporal elegancia.
5.- Sobresale el uso del color vibrante y brillante, así como unas veladuras magistralmente ejecutadas enmarcadas por un contorno oscuro.
6.- La geometría es también otra características de estas obras. La encontramos tanto en la obra en sí, que suele responder a un esquema bien planteado, como en el resto de los elementos que la componen.
7.- La grandeza de estas creaciones se magnifican por sus grandes dimensiones ya se trate de pintura al lienzo, sobre tabla o al fresco.
10 grandes obras de Sandro Botticelli
1.- La adoración de los Reyes Magos (1475)
El tratamiento religioso está contemporizado con el uso de las ruinas y los ropajes. Es en esta obra donde encontramos su posible autorretrato en la figura de la derecha que mira directamente al espectador y está ataviada con ropajes amarillos, símbolo del sol, de la vida y de la creación. La obra se guarda en la Galería de los Uffizi y mide 111 x 134 cm.
2.- Retrato de Simonetta Vespucci
Con toda probabilidad, fue realizado tras la muerte de la joven aristócrata, musa y modelo de buena parte de los artistas del Quattrocento florentino. En ella se representa el ideal sereno, elegante y canónicamente occidental de belleza renacentista que perduró hasta prácticamente el siglo XIX.
3.- La primavera de Botticelli (1482)
Es otra de las joyas de la corona de la Galería de los Uffizi y es una obra de grandes dimensiones (203 x 314 cm) con una temática clásica. Realizada siguiendo un esquema geométrico y estructurado, en el centro se sitúa la Primavera, alegoría del renacimiento, de la resurrección, del ciclo de la vida, de la procreación y de la creación… Las figuras humanas están encuadradas sobre una naturaleza tratada de forma utópica y hay que «leerla» de derecha a izquierda; desde el espacio simbólico de la oscuridad que se transforma, por medio de la gracia, hacia la luz espiritual, representada por el personaje de la izquierda que mira y eleva su mano hacia el cielo.
4.- Las pruebas de Moisés
Es una pintura al fresco que forma parte de la Capilla Sixtina y fue terminada en el año 1482. En la misma también encontramos todas las características de las obras de Sandro Botticelli con una composición geométrica en la que destaca el exquisito tratamiento de la naturaleza y de los elementos arquitectónicos. En ella se aborda un elegante acercamiento de la figura humana utilizando para los ropajes colores simbólicos: rojo, azul, amarillo o blanco.
5.- El nacimiento de Venus de Botticelli (1485)
Esta obra de gran tamaño (172 x 278 cm) y quizás sea una de las más famosas y reconocidas del artista. El eje conductor es un tema de la antigüedad clásica desde una perspectiva simbólica. Asistimos al nacimiento de la diosa Venus (Afrodita) según el relato de los mitos clásicos que apuntan a que nació de la espuma del mar. La figura femenina, tratada con esmero y delicadeza, se localiza en el espacio central siguiendo ese gusto por la geometría característico del arte del Renacimiento. En la obra están presentes los cuatro elementos de la naturaleza. Flora, ataviada con un traje adornado con elementos vegetales, es el símbolo de la tierra que otorga frutos, cosechas, alimentos y vida. El agua, origen primigenio de todo lo creado, es omnipresente, incluso en la temática misma, ya que es el medio en el que es creada Venus, la diosa del amor, de la pasión, de la belleza y del arrebato. El tercer elemento es el aire, que encontramos en la zona derecha. Y, el fuego, elemento tanto de destrucción como de vida, reside en la diosa misma, que se arropa con un manto rojo (color de este elemento) nada más salir, desnuda y ya bella, de las aguas que la crearon.
6.- Venus y Marte
Es una obra de un tamaño extraño, ya que mide 70 x 173 cm. Se custodia en la National Gallery de Londres y fue realizada en 1485. En ella se narran los amores adúlteros entre los dioses Venus (Afrodita) y Marte (Ares), el señor de la guerra. Humillados en público por el dios Hefesto, el marido de la diosa, sus amores se han representado a lo largo de la historia como un símbolo de la pasión desenfrenada por encima del orden y la ley. La pareja está rodeada por faunos, seres mitológicos considerados deidades menores híbridas (mitad animal y mitad humano) que protegen y cuidan de las criaturas de la naturaleza.
7.- Anunciación de Cestello
Es otra de las obras señeras de la Galería de los Uffizi de Florencia. Fue realizada en 1489 y tiene un formato medio (150 x 156 cm). Aunque el tema es central para el cristianismo, está tratado desde una perspectiva profana. El ángel Gabriel está plasmado de una forma bellísima con ropajes de color intenso que nos obliga a dirigir la mirada hacia el vestido parcialmente oculto de María. Así se incide en la intención semántica del «mensaje» en toda la amplitud del término. A través de la ventana abierta, disfrutamos de la representación de una ciudad renacentista utópicamente ordenada. Con esta técnica, a la par, se aporta una peculiar perspectiva a una escena que es de interior.
8.- El suicidio de Lucrecia
También se guarda en los Uffizi y es de tamaño medio (83 x 176 cm) realizada entre 1496 y 1504. En ella encontramos buena parte de las características de las obras de Sandro Botticelli que estamos tratando hasta hora. En un ambiente clásico, abigarrado con figuras humanas que se disponen de forma geométrica, es protagonista Lucrecia, ya fallecida. Era la heroína esposa de un general romano vencido en la guerra. Lucrecia simboliza la libertad plena, ya que se da muerte con un cuchillo para no sufrir la violencia y el oprobio de una segura violación y posterior esclavitud.
9.- La calumnia de Apelles
En esta pequeña obra (62 x 90 cm) realizada en 1495 y guardada en los Uffizi también se trata otro tema antropológico: el dolor por las mentiras vertidas sobre un inocente. Como en otras obras de Botticelli, la lectura de la narración se realiza de derecha a izquierda y la figura del artista, desnudo, humillado y vencido, se encuentra en el centro. De las calumnias, representadas por las mujeres oscuras de la derecha que murmuran entre sí, se va evolucionando hacia la figura de la izquierda, tratada de manera luminosa, que mira y se dirige con su mano hacia el cielo, en un claro símbolo de reparación espiritual.
10.- Cristo de las penas
Este pequeño cuadro es probablemente la última de las obras de Botticelli. Está actualmente en manos particulares y en dirección desconocida. De ella hay que destacar la fuerza expresiva del rostro y de las manos, así como las sublimes veladuras que aportan profundidad a un retrato que adelanta los modos de la pintura barroca al utilizar el fondo negro para resaltar el protagonismo humano.
Aunque las obras de Botticelli están repartidas por todo el mundo, el grueso de las mismas se encuentran en la Galería de los Uffizi de Florencia, el lugar origen del llamado Síndrome de Stendhal al que sucumbió el escritor francés por no poder «soportar» tal amontonamiento de belleza.
Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla
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