El vizconde demediado de Italo Calvino
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El vizconde demediado (1952) de Italo Calvino (1923-1985) es una de las obras de la colección Nuestros Antepasados. En ella se aborda, en clave de humor, a pesar de los hechos trágicos que se narran, las luces y las sombras inherentes a la naturaleza humana. El protagonista es Medardo de Torralba, un joven noble italiano enfrentado a una brutal prueba. La acción tiene lugar en un momento histórico indeterminado que, por las características del relato, podría estar situado en Italia entre el siglo XV y el XVII.
Personajes de El vizconde demediado
1.- El narrador, sobrino del protagonista, del que no conocemos su nombre. Actúa como una voz omnisciente. De él sabemos que es un individuo fronterizo, ya que es el único hijo de la hermana mayor de Medardo. Esta es calificada como una descarriada, como una mujer que quiso saltarse las normas. Al quedarse huérfano, fue acogido por la familia de una manera un poco desordenada y negligente, ya que nadie se ocupó de su educación. No pertenece a lugar alguno. Por eso, se mueve con libertad en todos los emplazamientos de la obra e interactuando con todos los personajes sean estos de la condición social que sean. Es, de alguna manera, aceptado por todos sin pertenecer a ninguna de las familias.
2.- Medardo de Torralba, el vizconde demediado y debido a una acción de guerra, convertido en dos personas. Contamos su aventura en el resumen posterior. Es el protagonista de la obra de Calvino.
3- Doctor Trelawney, médico entrado en años, de origen inglés (esto es, un forastero) de ánimo cobarde que demuestra talento científico, el mismo que, al final de la obra, salva al protagonista o a los protagonistas. Y eso a pesar del poco arrojo del personaje.
4.- Pamela, una rústica pastora objeto de los amores de los “dos vizcondes”. A pesar de presentarse como una joven sencilla y simple, hace gala de buenas dosis de inteligencia emocional a lo largo de la obra.
5.- Sebastiana, la nodriza y, como el narrador, un personaje independiente y transfronterizo. Es independiente y de criterio propio, el cual no abandona bajo ninguna circunstancia.
6.- El maestro Pietrochiodo, artesano creador y simbolización de los trabajadores del castillo.
7.- Ezequiel, jefe de los hugonotes, apartados del resto de los habitantes del pueblo. Se rigen por una estricta religiosidad sin base en los preceptos de La Biblia, libro que ni siquiera poseen ni leen.
8.- Galateo, el leproso intermediario entre las gentes del pueblo y la leprosería, comunidad al margen de las leyes sociales.
Resumen de El vizconde demediado de Italo Calvino
Medardo de Torralba es un joven noble italiano que parte a la guerra. Nada más llegar, debido a la inexperiencia y a su espíritu imprudente, es herido de gravedad. Es recogido por los médicos militares quienes solo pueden salvar del muchacho una sola mitad. El resto ha desaparecido entre los despojos de la batalla. De esta guisa regresa a su pueblo natal donde todos le esperan. Entre ellos su padre ansía su regreso, aunque muere de pena inmediatamente al percatarse (antes que nadie) de la naturaleza maligna que la guerra ha dejado en su hijo.
Muy pronto, Medardo da muestras de una crueldad extrema ajusticiando a diestro y a siniestro sin miramientos. Encarga al maestro Pietrochiodo la creación de nuevos inventos de tortura y muerte. El artesano, a pesar de que está orgulloso de sus obras, se duele por el fin de las mismas confesándole al sobrino de Medardo, el muchacho narrador de la trama, sus contradicciones emocionales. Medardo va causando dolor gratuito allí por donde pasa y, además, deja una firma característica: plantas, flores y animales aparecen, como él, partidos por la mitad.
El único lugar que está a salvo de la violencia del vizconde es la leprosería, donde envía a la nodriza Sebastiana por haberse atrevido a recriminarle su actitud. La mujer, inteligente y libre, gracias a sus conocimientos sobre las plantas medicinales, logra salir indemne de la enfermedad. Calvino, con ironía y maestría nos retrata, el ambiente libertino entre los miembros de la leprosería que viven ajenos a las normas sociales y de la caridad de las gentes del pueblo. También, con sorna, nos introduce en la asfixiante comunidad de hugonotes que se rigen por estrictos preceptos bíblicos sin base alguna, ya que no poseen ni leen un solo libro, ni siquiera la Biblia a la que dicen obedecer.
Este estado de cosas se ve alterado cuando Medardo se queda prendado de Pamela, una rústica pastora, que hace gala de una natural inteligencia emocional. Paralelamente, parece que un nuevo Medardo se muestra ante su gente. Es este bondad extrema, sencillo, humilde y se conduce como un pordiosero. Es Pamela la que se da cuenta que este nuevo Medardo es la otra mitad del vizconde demediado que se quedó olvidada en el campo de batalla. Si el primero que llegó a Torralba solo tenía la parte mala, este (cuidado por unos monjes) lleva en sí todo lo bueno. Sin embargo, las cosas no son tan fáciles, ya que este nuevo Medardo, queriendo impartir justicia, se inmiscuye en el status quo de todas las comunidades, alterándolas y generando malestar entre sus habitantes.
Este nuevo Medardo también se enamora de Pamela e intenta casarse con ella. El rifirrafe con su otro yo está servido y, además, en la misma iglesia. Llega un punto que ambos acuerdan que la única manera que tienen de desenredar el entuerto es batirse en duelo. Y aquí entra el borrachuzo y cobarde Doctor Trelawney. Era, según nuestro narrador, un médico aprensivo que aborrecía la sangre. Sin embargo, disfrutaba con el estudio y la innovación científica. Desde que llegó el segundo Medardo, la otra parte del vizconde demediado, estuvo en secreto investigando. Así, el día del duelo se presenta con todo el instrumental a su disposición y muchas gasas. Heridos ambos Medardo por la cicatriz que los mantenía separados, el buen doctor se la ingenia para coserlos y unirlos de nuevo. Así, al cabo de los días, la sangre buena se mezcla con la mala dando como resultado un ser único, sin partir, y con las luces y sombras inherentes a todos los miembros de la raza humana.
Sobre el bien y el mal en la naturaleza humana según la obra
El vizconde demediado de Italo Calvino nos adentra en la temática de la dualidad espiritual, en la oscuridad y la luz que habita en el interior del ser humano. Aunque la narración nos previene, incluso, de los precipicios peligrosos a los que pueden llevar las, a priori, buenas acciones, este corto relato tiene un final feliz. Y este no es otro que la unión de las dos partes: la luminosa y la oscura, el bien (que había caído en la mendicidad y que se entrometía en la vida cotidiana de todos los habitantes de la aldea causando malestar) y el mal que, desde el principio, acusaba crueldad extrema. La única manera de vivir en un término de recta justicia es unir esas dos partes que, en la obra, aparecen como dos personajes distintos, aunque no lo sean. Es Pamela la que se da cuenta de que hay dos vizcondes con naturalezas antagónicas cuando todos habían caído en la confusión.
- Me encanta que estés alegre, muchacha -dijo el vizconde- pero, ¿por qué te ríes?, si se me permite la pregunta.
- Río porque he comprendido lo que trae locos a todos mis paisanos.
- ¿Qué?
- Que sois un poco bueno y un poco malo. Ahora todo es natural.
- ¿Y por qué?
- Porque me he dado cuenta de que sois la otra mitad. El vizconde que vive en el castillo, el malo, es una mitad. Y vos sois la otra mitad, que se creía perdida en la guerra y que ahora ha regresado. Es una mitad buena.
Y el otro tema (paralelo) de la obra se adentra en la unicidad de la persona. Todos somos únicos e irrepetibles. Si es así: ¿quiénes somos cuando se nos extirpa una parte importante de nuestro espíritu? Durante la refriega en la iglesia, las dos partes del desdichado vizconde demediado se arrogan ser el auténtico Medardo. Sin embargo, no hay ninguno que sea el que partió (entero) a la guerra. Ambos son esa persona y ninguno de ellos (partidos y divididos) pueden ser el auténtico señor de Torralba. La disputa solo podía arreglarla un médico extranjero que llegó al pueblo por casualidad y, como alguien que toma distancia, entendió la problemática y puso la solución.
Y en estas, por el fondo de la nave, sosteniéndose en su muleta, entró el vizconde, con el traje nuevo de terciopelo con bullones empapado en agua y roto, y dijo:
-Medardo de Torralba soy yo y Pamela es mi mujer.
El Bueno renqueó hacia él.
-No, el Medardo que se ha casado con Pamela soy yo.
El Doliente tiró la muleta y echó mano a la espada. Al Bueno no le quedaba más remedio que hacer otro tanto.
El vizconde demediado de Italo Calvino es una obra clásica que nos dice, con un estilo directo, sencillo, irónico y, a veces, hasta cínico de los límites de la naturaleza humana. Para que exista luz en nuestro espíritu tenemos que reconocer y aceptar la sombra. De lo contrario, deviene el caos y la violencia que ambos Medardo derramaban por su pueblo.
Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla
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El vizconde demediado (1952) de Italo Calvino (1923-1985) es una de las obras de la colección Nuestros Antepasados. En ella se aborda, en clave de humor, a pesar de los hechos trágicos que se narran, las luces y las sombras inherentes a la naturaleza humana. El protagonista es Medardo de Torralba, un joven noble italiano enfrentado a una brutal prueba. La acción tiene lugar en un momento histórico indeterminado que, por las características del relato, podría estar situado en Italia entre el siglo XV y el XVII.
Personajes de El vizconde demediado
1.- El narrador, sobrino del protagonista, del que no conocemos su nombre. Actúa como una voz omnisciente. De él sabemos que es un individuo fronterizo, ya que es el único hijo de la hermana mayor de Medardo. Esta es calificada como una descarriada, como una mujer que quiso saltarse las normas. Al quedarse huérfano, fue acogido por la familia de una manera un poco desordenada y negligente, ya que nadie se ocupó de su educación. No pertenece a lugar alguno. Por eso, se mueve con libertad en todos los emplazamientos de la obra e interactuando con todos los personajes sean estos de la condición social que sean. Es, de alguna manera, aceptado por todos sin pertenecer a ninguna de las familias.
2.- Medardo de Torralba, el vizconde demediado y debido a una acción de guerra, convertido en dos personas. Contamos su aventura en el resumen posterior. Es el protagonista de la obra de Calvino.
3- Doctor Trelawney, médico entrado en años, de origen inglés (esto es, un forastero) de ánimo cobarde que demuestra talento científico, el mismo que, al final de la obra, salva al protagonista o a los protagonistas. Y eso a pesar del poco arrojo del personaje.
4.- Pamela, una rústica pastora objeto de los amores de los “dos vizcondes”. A pesar de presentarse como una joven sencilla y simple, hace gala de buenas dosis de inteligencia emocional a lo largo de la obra.
5.- Sebastiana, la nodriza y, como el narrador, un personaje independiente y transfronterizo. Es independiente y de criterio propio, el cual no abandona bajo ninguna circunstancia.
6.- El maestro Pietrochiodo, artesano creador y simbolización de los trabajadores del castillo.
7.- Ezequiel, jefe de los hugonotes, apartados del resto de los habitantes del pueblo. Se rigen por una estricta religiosidad sin base en los preceptos de La Biblia, libro que ni siquiera poseen ni leen.
8.- Galateo, el leproso intermediario entre las gentes del pueblo y la leprosería, comunidad al margen de las leyes sociales.
Resumen de El vizconde demediado de Italo Calvino
Medardo de Torralba es un joven noble italiano que parte a la guerra. Nada más llegar, debido a la inexperiencia y a su espíritu imprudente, es herido de gravedad. Es recogido por los médicos militares quienes solo pueden salvar del muchacho una sola mitad. El resto ha desaparecido entre los despojos de la batalla. De esta guisa regresa a su pueblo natal donde todos le esperan. Entre ellos su padre ansía su regreso, aunque muere de pena inmediatamente al percatarse (antes que nadie) de la naturaleza maligna que la guerra ha dejado en su hijo.
Muy pronto, Medardo da muestras de una crueldad extrema ajusticiando a diestro y a siniestro sin miramientos. Encarga al maestro Pietrochiodo la creación de nuevos inventos de tortura y muerte. El artesano, a pesar de que está orgulloso de sus obras, se duele por el fin de las mismas confesándole al sobrino de Medardo, el muchacho narrador de la trama, sus contradicciones emocionales. Medardo va causando dolor gratuito allí por donde pasa y, además, deja una firma característica: plantas, flores y animales aparecen, como él, partidos por la mitad.
El único lugar que está a salvo de la violencia del vizconde es la leprosería, donde envía a la nodriza Sebastiana por haberse atrevido a recriminarle su actitud. La mujer, inteligente y libre, gracias a sus conocimientos sobre las plantas medicinales, logra salir indemne de la enfermedad. Calvino, con ironía y maestría nos retrata, el ambiente libertino entre los miembros de la leprosería que viven ajenos a las normas sociales y de la caridad de las gentes del pueblo. También, con sorna, nos introduce en la asfixiante comunidad de hugonotes que se rigen por estrictos preceptos bíblicos sin base alguna, ya que no poseen ni leen un solo libro, ni siquiera la Biblia a la que dicen obedecer.
Este estado de cosas se ve alterado cuando Medardo se queda prendado de Pamela, una rústica pastora, que hace gala de una natural inteligencia emocional. Paralelamente, parece que un nuevo Medardo se muestra ante su gente. Es este bondad extrema, sencillo, humilde y se conduce como un pordiosero. Es Pamela la que se da cuenta que este nuevo Medardo es la otra mitad del vizconde demediado que se quedó olvidada en el campo de batalla. Si el primero que llegó a Torralba solo tenía la parte mala, este (cuidado por unos monjes) lleva en sí todo lo bueno. Sin embargo, las cosas no son tan fáciles, ya que este nuevo Medardo, queriendo impartir justicia, se inmiscuye en el status quo de todas las comunidades, alterándolas y generando malestar entre sus habitantes.
Este nuevo Medardo también se enamora de Pamela e intenta casarse con ella. El rifirrafe con su otro yo está servido y, además, en la misma iglesia. Llega un punto que ambos acuerdan que la única manera que tienen de desenredar el entuerto es batirse en duelo. Y aquí entra el borrachuzo y cobarde Doctor Trelawney. Era, según nuestro narrador, un médico aprensivo que aborrecía la sangre. Sin embargo, disfrutaba con el estudio y la innovación científica. Desde que llegó el segundo Medardo, la otra parte del vizconde demediado, estuvo en secreto investigando. Así, el día del duelo se presenta con todo el instrumental a su disposición y muchas gasas. Heridos ambos Medardo por la cicatriz que los mantenía separados, el buen doctor se la ingenia para coserlos y unirlos de nuevo. Así, al cabo de los días, la sangre buena se mezcla con la mala dando como resultado un ser único, sin partir, y con las luces y sombras inherentes a todos los miembros de la raza humana.
Sobre el bien y el mal en la naturaleza humana según la obra
El vizconde demediado de Italo Calvino nos adentra en la temática de la dualidad espiritual, en la oscuridad y la luz que habita en el interior del ser humano. Aunque la narración nos previene, incluso, de los precipicios peligrosos a los que pueden llevar las, a priori, buenas acciones, este corto relato tiene un final feliz. Y este no es otro que la unión de las dos partes: la luminosa y la oscura, el bien (que había caído en la mendicidad y que se entrometía en la vida cotidiana de todos los habitantes de la aldea causando malestar) y el mal que, desde el principio, acusaba crueldad extrema. La única manera de vivir en un término de recta justicia es unir esas dos partes que, en la obra, aparecen como dos personajes distintos, aunque no lo sean. Es Pamela la que se da cuenta de que hay dos vizcondes con naturalezas antagónicas cuando todos habían caído en la confusión.
- Me encanta que estés alegre, muchacha -dijo el vizconde- pero, ¿por qué te ríes?, si se me permite la pregunta.
- Río porque he comprendido lo que trae locos a todos mis paisanos.
- ¿Qué?
- Que sois un poco bueno y un poco malo. Ahora todo es natural.
- ¿Y por qué?
- Porque me he dado cuenta de que sois la otra mitad. El vizconde que vive en el castillo, el malo, es una mitad. Y vos sois la otra mitad, que se creía perdida en la guerra y que ahora ha regresado. Es una mitad buena.
Y el otro tema (paralelo) de la obra se adentra en la unicidad de la persona. Todos somos únicos e irrepetibles. Si es así: ¿quiénes somos cuando se nos extirpa una parte importante de nuestro espíritu? Durante la refriega en la iglesia, las dos partes del desdichado vizconde demediado se arrogan ser el auténtico Medardo. Sin embargo, no hay ninguno que sea el que partió (entero) a la guerra. Ambos son esa persona y ninguno de ellos (partidos y divididos) pueden ser el auténtico señor de Torralba. La disputa solo podía arreglarla un médico extranjero que llegó al pueblo por casualidad y, como alguien que toma distancia, entendió la problemática y puso la solución.
Y en estas, por el fondo de la nave, sosteniéndose en su muleta, entró el vizconde, con el traje nuevo de terciopelo con bullones empapado en agua y roto, y dijo:
-Medardo de Torralba soy yo y Pamela es mi mujer.
El Bueno renqueó hacia él.
-No, el Medardo que se ha casado con Pamela soy yo.
El Doliente tiró la muleta y echó mano a la espada. Al Bueno no le quedaba más remedio que hacer otro tanto.
El vizconde demediado de Italo Calvino es una obra clásica que nos dice, con un estilo directo, sencillo, irónico y, a veces, hasta cínico de los límites de la naturaleza humana. Para que exista luz en nuestro espíritu tenemos que reconocer y aceptar la sombra. De lo contrario, deviene el caos y la violencia que ambos Medardo derramaban por su pueblo.
Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla
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El proceso de desarrollo de la denominada commedia dell’arte italiana a partir del siglo XVI, llegando sus coletazos incluso en el siglo XIX, no puede entenderse sin conocer el estado del teatro europeo medieval y su desarrollo posterior siguiendo los nuevos gustos de la época.
Antecedentes de la commedia dell’arte
Aunque hay autores que apuntan, incluso, a los modelos del teatro cómico de la literatura griega y romana, bien es verdad que el empuje de este fenómeno surge con la evolución de las ciudades, el auge de las exquisitas cortes y el nuevo gusto por la cultura clásica. Poniendo un poco de orden tenemos que, durante la Edad Media, el teatro estuvo restringido a los autos sacramentales con motivo de festividades importantes. Eran representaciones muy sencillas que no se apartaban de los textos bíblicos. Los modelos populares se reducían a las buenas artes de los juglares que, con la recitación de sus cantares de gesta, introducían una pequeña coreografía en un intento por imprimir un sello teatral. El gran modelo clásico (el de un Plauto o de un Terencio o el de los dramas que llenaban los teatros romanos que aún hoy en día nos dice de su pasado esplendor) había quedado sepultado en los lodos del olvido. Si bien la cultura medieval con sus scriptoria en los monasterios, pudo rescatar parte de esta obra, sin embargo, no era accesible a público alguno. Estaban allí, en las bibliotecas, esperando una nueva mirada, extremo que sucedió, como con otros retazos de la cultura grecolatina, a partir del siglo XVI.
En esta fecha, con el auge del Renacimiento literario, artístico y cultural se pone en valor los fundamentos de un pueblo pagano bajo el auspicio de las ricas cortes italianas y europeas de la época. El avance de la imprenta contribuyó a dar a conocer textos de todo tipo entre los que se encontraban los teatrales. Así, podemos dividir esta producción en tres apartados claramente diferenciados:
1.- Teatro eclesiástico desarrollado en el interior de las iglesias con motivo de festividades importantes (Pasión, Navidad, Ascensión…) y se reducía a los autos sacramentales o misterios que poco se apartaban de las palabras bíblicas.
2.- Teatro aristocrático o cortesano que se desarrollaba en los interiores suntuosos de los palacios de los nuevos señores. Hay un gusto por las recién rescatadas (de las bibliotecas medievales) obras de la literatura clásica. A menudo eran los mismos miembros de las familias pudientes los que levantaban estas puestas en escena como forma de ocio o dentro de un programa para agasajar invitados. Este modelo teatral tendrá mayor predicamento en Francia a partir de 1630.
3.- Teatro popular en el que se basa tanto la commedia dell’arte (como el posterior y brillante teatro barroco en España). Este estaba organizado por cómicos profesionales e itinerantes que llevaban tramas de enredo allí donde se les demandaban. No había teatros como tal ya que las funciones se improvisaban en plazas o posadas y, posteriormente, en España en los famosos corrales de comedia. Recordemos que las primeras construcciones teatrales, los edificios diseñados y levantados con tal propósito, no proliferan en Europa (y después en toda América) hasta la cultura del Neoclasicismo. Y para eso hay que esperar a finales del siglo XVII e, incluso, el XVIII. Del teatro popular no solo se surte la commedia dell’arte sino también los grandes títulos de W. Shakespeare o todas las obras de Lope de Vega por poner los ejemplos más importantes.
Características de la commedia dell’arte italiana
1.- Tal como he anotado, la base es el teatro popular europeo, itinerante y llevado a cabo por cómicos profesionales.
2.- Se desarrolla en las distintas ciudades-estado de Italia a partir del siglo XVI y llega incluso a las primeras décadas del siglo XIX.
3.- Va a tener una enorme influencia en los grandes autores de la época desde el teatro de Lope de Vega hasta Shakespeare o Molière.
4.- Convive con las sacre representazioni en las iglesias y el teatro humanístico. Este es de corte culto y con un claro sustrato de la literatura greco-romana. Los nombres fundamentales de este estilo son Ariosto (1474-1533) y Maquiavelo (1469-1527) con su obra La Mandrágola.
5.- Aparece el enredo (embroglio en italiano) como eje temático de las representaciones. Este concepto, además, será fundamental en la commedia dell’arte. El enredo consiste en fundamentar la trama en malentendidos, personas que desaparecen, dobles que no se conocen, secuestros, falsas muertes y confusiones de todo tipo. Todo ello tiene un fin cómico inmediato.
6.- Sin embargo, la comedia dell’arte, aunque se basa en el enredo como el teatro humanístico culto, es un modelo cien por cien popular. Al parecer retoma modelos basados en los juglares medievales e, incluso, en algunas fórmulas orales de la cultura clásica.
7.- No hay texto como tal más allá de un guión conocido por todos los implicados. El resto se deja a la improvisación y al ingenio de los comediantes.
8- Los personajes tenían unas características fijas y eran plenamente identificados por el público gracias al atuendo y a las máscaras que lucían.
9.- Se podían dividir en los siguientes grupos: a) viejos antipáticos siempre anteponiendo la moral social al deseo del resto de los implicados (Pantalón y Doctor); b) criados y sirvientas muy simples encargados de las notas cómicas y sencillas (Arlequín, zanni, servetta); c) Capitán Sapavento siguiendo el modelo del Miles glorioso de Plauto, un narcisista fanfarrón que alardea de valentía pero es, simplemente, un charlatán cobarde: d) los enamorados que no pueden desarrollar su pasión por imposiciones sociales y conforman la nota grave de la trama.
10.- Todo ello se completaba con una fuerte mímica, las bufonadas, las zancadillas, cabriolas o los efectos para sacar la risa fácil entre los espectadores. Como todo se dejaba al genio, ingenio y a la improvisación, la calidad de las compañías de cómicos era dispar demandándose las que más acierto conseguían a la hora de pasar ese rato de ocio. La commedia dell’arte puede compararse (con las debidas distancias) a los monólogos televisivos actuales, aunque estos están previamente ensayados y la commedia dell’arte tenía un fuerte componente de improvisación.
Influencia de la commedia dell’arte en el teatro europeo posterior
1.- Desde Italia, la fama de este modelo teatral se expandió por toda Europa a partir de mediados del siglo XVI.
2.- El personaje más imitado (y presente en el teatro español hasta bien entrado el siglo XVIII) es el del gracioso, el criado chistoso y simple que solo busca satisfacer los instintos más básicos y no tiene ninguna altura moral o ética.
3.- El modelo de enredo y de esta forma de hacer teatro se introdujo en España con Lope de Rueda que llegó a traducir algunos temas famosos en Italia. A partir de él, comenzaría a desarrollarse con la dramaturgia barroca llegando a su cenit con Lope de Vega pero tampoco podemos olvidar las obras de Calderón de la Barca. Esta fórmula literaria tenía un fuerte componente de evasión en una nación que iba decayendo por décadas. Por eso, se mantuvo (ya sin el frescor de estos grandes nombres) hasta bien entrado el siglo XVIII. Comedias se hacían en todos los lugares posibles: en las plazas de los pueblos o en los fastuosos jardines de la aristocracia. Los corrales de comedia se fueron conformando a partir de espacios más o menos cerrados para dar cabida a una demanda en aumento constante.
4.- El gran Shakespeare (1564-1616) no tiene reparos en aceptar la base de la commedia dell’arte en sus grandes comedias.
5.- Y, por último, hay que señalar el importante influjo que tuvo la commedia dell’arte en un creador de la talla de Molière (1622-1673). Actor y dramaturgo que murió prácticamente en escena, reformó de tal manera los fundamentos del teatro francés que puede decirse que hay un antes y un después. Creó las denominadas comédies-ballet (que pueden asemejarse a los musicales). Y de sus farsas elementales llegó a las denominadas altas comedias en las que desarrolló unos personajes con tal fondo ideológico que han entrado en el canon literario universal.
En definitiva, aunque el teatro posterior logró cotas de calidad insuperables en la literatura europea de todos los tiempos, buena parte de sus fundamentos se encuentran en la commedia dell’arte italiana. Fue una fórmula popular, ingeniosa e itinerante que se apartaba de las representaciones llevadas a cabo en las cultivadas cortes del momento.
Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla
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El proceso de desarrollo de la denominada commedia dell’arte italiana a partir del siglo XVI, llegando sus coletazos incluso en el siglo XIX, no puede entenderse sin conocer el estado del teatro europeo medieval y su desarrollo posterior siguiendo los nuevos gustos de la época.
Antecedentes de la commedia dell’arte
Aunque hay autores que apuntan, incluso, a los modelos del teatro cómico de la literatura griega y romana, bien es verdad que el empuje de este fenómeno surge con la evolución de las ciudades, el auge de las exquisitas cortes y el nuevo gusto por la cultura clásica. Poniendo un poco de orden tenemos que, durante la Edad Media, el teatro estuvo restringido a los autos sacramentales con motivo de festividades importantes. Eran representaciones muy sencillas que no se apartaban de los textos bíblicos. Los modelos populares se reducían a las buenas artes de los juglares que, con la recitación de sus cantares de gesta, introducían una pequeña coreografía en un intento por imprimir un sello teatral. El gran modelo clásico (el de un Plauto o de un Terencio o el de los dramas que llenaban los teatros romanos que aún hoy en día nos dice de su pasado esplendor) había quedado sepultado en los lodos del olvido. Si bien la cultura medieval con sus scriptoria en los monasterios, pudo rescatar parte de esta obra, sin embargo, no era accesible a público alguno. Estaban allí, en las bibliotecas, esperando una nueva mirada, extremo que sucedió, como con otros retazos de la cultura grecolatina, a partir del siglo XVI.
En esta fecha, con el auge del Renacimiento literario, artístico y cultural se pone en valor los fundamentos de un pueblo pagano bajo el auspicio de las ricas cortes italianas y europeas de la época. El avance de la imprenta contribuyó a dar a conocer textos de todo tipo entre los que se encontraban los teatrales. Así, podemos dividir esta producción en tres apartados claramente diferenciados:
1.- Teatro eclesiástico desarrollado en el interior de las iglesias con motivo de festividades importantes (Pasión, Navidad, Ascensión…) y se reducía a los autos sacramentales o misterios que poco se apartaban de las palabras bíblicas.
2.- Teatro aristocrático o cortesano que se desarrollaba en los interiores suntuosos de los palacios de los nuevos señores. Hay un gusto por las recién rescatadas (de las bibliotecas medievales) obras de la literatura clásica. A menudo eran los mismos miembros de las familias pudientes los que levantaban estas puestas en escena como forma de ocio o dentro de un programa para agasajar invitados. Este modelo teatral tendrá mayor predicamento en Francia a partir de 1630.
3.- Teatro popular en el que se basa tanto la commedia dell’arte (como el posterior y brillante teatro barroco en España). Este estaba organizado por cómicos profesionales e itinerantes que llevaban tramas de enredo allí donde se les demandaban. No había teatros como tal ya que las funciones se improvisaban en plazas o posadas y, posteriormente, en España en los famosos corrales de comedia. Recordemos que las primeras construcciones teatrales, los edificios diseñados y levantados con tal propósito, no proliferan en Europa (y después en toda América) hasta la cultura del Neoclasicismo. Y para eso hay que esperar a finales del siglo XVII e, incluso, el XVIII. Del teatro popular no solo se surte la commedia dell’arte sino también los grandes títulos de W. Shakespeare o todas las obras de Lope de Vega por poner los ejemplos más importantes.
Características de la commedia dell’arte italiana
1.- Tal como he anotado, la base es el teatro popular europeo, itinerante y llevado a cabo por cómicos profesionales.
2.- Se desarrolla en las distintas ciudades-estado de Italia a partir del siglo XVI y llega incluso a las primeras décadas del siglo XIX.
3.- Va a tener una enorme influencia en los grandes autores de la época desde el teatro de Lope de Vega hasta Shakespeare o Molière.
4.- Convive con las sacre representazioni en las iglesias y el teatro humanístico. Este es de corte culto y con un claro sustrato de la literatura greco-romana. Los nombres fundamentales de este estilo son Ariosto (1474-1533) y Maquiavelo (1469-1527) con su obra La Mandrágola.
5.- Aparece el enredo (embroglio en italiano) como eje temático de las representaciones. Este concepto, además, será fundamental en la commedia dell’arte. El enredo consiste en fundamentar la trama en malentendidos, personas que desaparecen, dobles que no se conocen, secuestros, falsas muertes y confusiones de todo tipo. Todo ello tiene un fin cómico inmediato.
6.- Sin embargo, la comedia dell’arte, aunque se basa en el enredo como el teatro humanístico culto, es un modelo cien por cien popular. Al parecer retoma modelos basados en los juglares medievales e, incluso, en algunas fórmulas orales de la cultura clásica.
7.- No hay texto como tal más allá de un guión conocido por todos los implicados. El resto se deja a la improvisación y al ingenio de los comediantes.
8- Los personajes tenían unas características fijas y eran plenamente identificados por el público gracias al atuendo y a las máscaras que lucían.
9.- Se podían dividir en los siguientes grupos: a) viejos antipáticos siempre anteponiendo la moral social al deseo del resto de los implicados (Pantalón y Doctor); b) criados y sirvientas muy simples encargados de las notas cómicas y sencillas (Arlequín, zanni, servetta); c) Capitán Sapavento siguiendo el modelo del Miles glorioso de Plauto, un narcisista fanfarrón que alardea de valentía pero es, simplemente, un charlatán cobarde: d) los enamorados que no pueden desarrollar su pasión por imposiciones sociales y conforman la nota grave de la trama.
10.- Todo ello se completaba con una fuerte mímica, las bufonadas, las zancadillas, cabriolas o los efectos para sacar la risa fácil entre los espectadores. Como todo se dejaba al genio, ingenio y a la improvisación, la calidad de las compañías de cómicos era dispar demandándose las que más acierto conseguían a la hora de pasar ese rato de ocio. La commedia dell’arte puede compararse (con las debidas distancias) a los monólogos televisivos actuales, aunque estos están previamente ensayados y la commedia dell’arte tenía un fuerte componente de improvisación.
Influencia de la commedia dell’arte en el teatro europeo posterior
1.- Desde Italia, la fama de este modelo teatral se expandió por toda Europa a partir de mediados del siglo XVI.
2.- El personaje más imitado (y presente en el teatro español hasta bien entrado el siglo XVIII) es el del gracioso, el criado chistoso y simple que solo busca satisfacer los instintos más básicos y no tiene ninguna altura moral o ética.
3.- El modelo de enredo y de esta forma de hacer teatro se introdujo en España con Lope de Rueda que llegó a traducir algunos temas famosos en Italia. A partir de él, comenzaría a desarrollarse con la dramaturgia barroca llegando a su cenit con Lope de Vega pero tampoco podemos olvidar las obras de Calderón de la Barca. Esta fórmula literaria tenía un fuerte componente de evasión en una nación que iba decayendo por décadas. Por eso, se mantuvo (ya sin el frescor de estos grandes nombres) hasta bien entrado el siglo XVIII. Comedias se hacían en todos los lugares posibles: en las plazas de los pueblos o en los fastuosos jardines de la aristocracia. Los corrales de comedia se fueron conformando a partir de espacios más o menos cerrados para dar cabida a una demanda en aumento constante.
4.- El gran Shakespeare (1564-1616) no tiene reparos en aceptar la base de la commedia dell’arte en sus grandes comedias.
5.- Y, por último, hay que señalar el importante influjo que tuvo la commedia dell’arte en un creador de la talla de Molière (1622-1673). Actor y dramaturgo que murió prácticamente en escena, reformó de tal manera los fundamentos del teatro francés que puede decirse que hay un antes y un después. Creó las denominadas comédies-ballet (que pueden asemejarse a los musicales). Y de sus farsas elementales llegó a las denominadas altas comedias en las que desarrolló unos personajes con tal fondo ideológico que han entrado en el canon literario universal.
En definitiva, aunque el teatro posterior logró cotas de calidad insuperables en la literatura europea de todos los tiempos, buena parte de sus fundamentos se encuentran en la commedia dell’arte italiana. Fue una fórmula popular, ingeniosa e itinerante que se apartaba de las representaciones llevadas a cabo en las cultivadas cortes del momento.
Por Candela Vizcaíno | Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla
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Commedia dell’arte | características, antecedentes e influencia
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