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¿Quién es Kaarina Kaikkonen, una artista cada día más reconocida?

Es la finlandesa Kaarina Kaikkonen una de las artistas más sugerentes del panorama internacional. Aunque se califica como escultora, sus obras responden, más bien, al concepto de instalación moderna. En ellas son protagonistas los restos de papel y sobre todo la ropa, mucha ropa, ropa de todos los tipos y colores, de hombre y de mujer, de niño y de bebé, ropa en desuso que nadie quiere y que Kaarina Kaikkonen rescata para darle una nueva oportunidad en sus grandes instalaciones públicas.

Allí, en la calle, en el espacio natural, montones de ropa, kilómetros y kilómetros de prendas engarzadas unas con otras, adquieren un nuevo sentido simbólico. Llevan la huella de lo que fuimos y lo que dejamos de ser o lo que no quisimos ser, pero al unirse, al incorporarse a un nuevo proyecto, eso que no pudimos ser adquiere un nuevo valor. 

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Las obras de Kaarina Kaikkonen en espacios públicos

Escoge emplazamientos diversos para sus obras. Se extienden por el foso de la Fortaleza de Soumenlinna como si de un puente se tratara, por los árboles desnudos de un paisaje nevado como si quisiera abrigar el frío ambiente, por las escalinatas de la blanca catedral luterana de Helsinki como si fueran fieles arrodillados ante Dios, uniendo como tendederos gigantes una calle de Finlandia o al viento en un anodino edificio de oficinas. 

La ropa que ya nadie usa interroga al que contempla, al viajero, al inquilino del lugar y le pregunta por sus vidas pasadas, por lo que pudo ser  y no fue (porque acabó en la basura). Las instalaciones de Kaarina Kaikkonen van más allá de los manidos tópicos de la transmodernidad sin fronteras y nos hablan del pasado, del futuro, del diálogo, de la comunicación, de la interrelación del arte con su entorno, de la obligación de preservar los espacios dotándolos de nueva vida, de la obligatoriedad de evolucionar sin destruir. 

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Towards Tomorrow de Kaarina Kaikkonen

En esta ocasión, la creadora ha seleccionado prendas de bebé previamente solicitadas a las familias. Estos particulares objetos que, a pesar de la corta edad de los pequeños, ya guardan una historia conforman una narración de apenas meses o unos cuantos años que se proyecta hacia el futuro. Los colores pastel o los tonos en blanco se recortan contra el paisaje para preguntar al visitante, al viajero, al mero curioso, por la simbólica inherente de la ropa que no solo nos abriga sino que, también, dice quiénes somos y esto que es unánime cuando se trata de un adulto, también es extensible a los pequeños. 

Es difícil encontrar la obra de Kaarina Kaikkonen en una galería de arte al uso. Por eso, si tienes la oportunidad, no te debes perder sus instalaciones. No tengo que decir que es muy difícil que deje indiferente a nadie. 

Por Candela Vizcaíno

  • Kaarina Kaikkonen y sus obras e instalaciones con ropa
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El arte es lo que queda cuando todo ha pasado. Es lo inmutable dentro del cambio. Es la belleza en un mundo en caos. El arte es parte importante de este sitio. Intentamos comprenderlo pero también hemos montado una galería con artistas emergentes. 

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¿Quién es Kaarina Kaikkonen, una artista cada día más reconocida?

Es la finlandesa Kaarina Kaikkonen una de las artistas más sugerentes del panorama internacional. Aunque se califica como escultora, sus obras responden, más bien, al concepto de instalación moderna. En ellas son protagonistas los restos de papel y sobre todo la ropa, mucha ropa, ropa de todos los tipos y colores, de hombre y de mujer, de niño y de bebé, ropa en desuso que nadie quiere y que Kaarina Kaikkonen rescata para darle una nueva oportunidad en sus grandes instalaciones públicas.

Allí, en la calle, en el espacio natural, montones de ropa, kilómetros y kilómetros de prendas engarzadas unas con otras, adquieren un nuevo sentido simbólico. Llevan la huella de lo que fuimos y lo que dejamos de ser o lo que no quisimos ser, pero al unirse, al incorporarse a un nuevo proyecto, eso que no pudimos ser adquiere un nuevo valor. 

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Las obras de Kaarina Kaikkonen en espacios públicos

Escoge emplazamientos diversos para sus obras. Se extienden por el foso de la Fortaleza de Soumenlinna como si de un puente se tratara, por los árboles desnudos de un paisaje nevado como si quisiera abrigar el frío ambiente, por las escalinatas de la blanca catedral luterana de Helsinki como si fueran fieles arrodillados ante Dios, uniendo como tendederos gigantes una calle de Finlandia o al viento en un anodino edificio de oficinas. 

La ropa que ya nadie usa interroga al que contempla, al viajero, al inquilino del lugar y le pregunta por sus vidas pasadas, por lo que pudo ser  y no fue (porque acabó en la basura). Las instalaciones de Kaarina Kaikkonen van más allá de los manidos tópicos de la transmodernidad sin fronteras y nos hablan del pasado, del futuro, del diálogo, de la comunicación, de la interrelación del arte con su entorno, de la obligación de preservar los espacios dotándolos de nueva vida, de la obligatoriedad de evolucionar sin destruir. 

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Towards Tomorrow de Kaarina Kaikkonen

En esta ocasión, la creadora ha seleccionado prendas de bebé previamente solicitadas a las familias. Estos particulares objetos que, a pesar de la corta edad de los pequeños, ya guardan una historia conforman una narración de apenas meses o unos cuantos años que se proyecta hacia el futuro. Los colores pastel o los tonos en blanco se recortan contra el paisaje para preguntar al visitante, al viajero, al mero curioso, por la simbólica inherente de la ropa que no solo nos abriga sino que, también, dice quiénes somos y esto que es unánime cuando se trata de un adulto, también es extensible a los pequeños. 

Es difícil encontrar la obra de Kaarina Kaikkonen en una galería de arte al uso. Por eso, si tienes la oportunidad, no te debes perder sus instalaciones. No tengo que decir que es muy difícil que deje indiferente a nadie. 

Por Candela Vizcaíno

  • Kaarina Kaikkonen y sus obras e instalaciones con ropa
    Kaarina Kaikkonen y sus obras e instalaciones con ropa
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Cómo llegar y qué ver en el Bosque de Oma, creación del artista vasco Agustín Ibarrola y situado en la Reserva de  Urdaibai.

Es arte. Es naturaleza. Es mágico. Es simbólico. Es (casi) inaccesible. Es un emplazamiento situado en el corazón boscoso de una montaña intervenido por el pintor y escultor Agustín Ibarrola. Es el Bosque Pintado de Oma, un lugar especial que aúna lo mejor del ser humano cuando es capaz de actuar en sinergia con las criaturas naturales. Si en españa hay espectaculares bosques en otoño (cuando la naturaleza estalla con un haz de colores ocres), el de Oma es para vivirlo en cualquier época del año. 

Bosque Oma 3

El Bosque de Oma, cómo es y dónde está

Está situado en el centro de la Reserva de Urdaibai, allí donde descansan aves del norte de Europa en su viaje hacia la Curva del Níger o donde nuestros antepasados ensayaron una galería de arte muy especial hoy resguardada bajo siete llaves: las Cuevas de Santimamiñe. Pero que el viajero entusiasta de los espacios naturales no se llame a engaño.  La ascensión (y posterior bajada) hacia este emplazamiento singular no es apta para todas las piernas y todas las edades.

Gernika-Lumo es la población de importancia más cercana al Bosque de Oma. Desde aquí se puede llegar en coche hasta el aparcamiento que se encuentra al borde del sendero. Al lado están, además, el Centro de Recuperación de Animales de Basondo y las citadas Cuevas de Santimamiñe.

Lo que viene después (una vez te has bajado del coche y te has calzado adecuadamente) es una empinada ascensión (como corresponde a los lugares de importancia o sagrados) de, al menos, una hora, a no ser que seas un consumado deportista. ¡Cuidado con las aventuras con niños! Aunque mi princesa (¡con tan solo 4 años!) alcanzó el lugar con ilusión, los papás (la mamá, en este caso) deben estar preparados para el camino de vuelta. Se hace necesario una botella de agua y, si acaso, algo de picoteo.Los árboles pintados de Oma de Agustín Ibarrola: características y estilo

Una vez se ha conseguido llegar al corazón del bosque, para acceder al lugar donde están los árboles pintados de Ibarrola hay que bajar unas rústicas y empinadas escaleras. Sin más estructura que la que da la naturaleza, unos troncos hacen las veces de mamperlán que sujeta unos escalones de alturas imposibles. Lo bueno es que hay una barandilla del mismo material para no desbocarse.

Una vez has llegado al lugar, la vista de este primer espacio compensa todo el esfuerzo. Ante tus ojos se muestran los distintos árboles con símbolos y dibujos coloridos que una cuadrilla de voluntarios se afanan por conservar de los embates de la intemperie.

Hay que seguir el esquema mostrado y deleitarse con las raíces que sobresalen del terreno y sujetan esta peculiar obra natural y, a la vez, artística. Unos dibujos parecen arañazos de un monstruo sobrenatural, otros delimitan una silueta humana en disposición de huída, al inicio nos esperan unos labios y un beso, un árbol muestra la imagen de un “personaje que no quiere ser mitológico”…

El recorrido continúa por entre los árboles pareciendo que nos miran o interrogan como corresponde a cualquier obra de arte que se precie de llamarse así.

Bosque Oma 6

Agustín Ibarrola, entre el Art Land y el Expresionismo

El autor de esta peculiar obra, a medio camino entre el expresionismo abstracto o esa corriente surgida de la poesía visual que se denomina Art Land, nació bajo el signo de Leo en 1930 en el corazón de Vizcaya.   

Formado en los circuitos artísticos del Madrid de los años 50, pudo conectar con otros pintores nacionales en su viaje de estudios a París. Sin obviar otras de sus obras, es conocido sobre todo por sus intervenciones en espacios naturales o públicos. El Bosque de Oma fue creado a inicios de los años 80, los Cubos de la Memoria (en la escollera de hormigón del pueblo asturiano de Llanes) en los primeros años del siglo XXI y, en la actualidad, remata su particular Stonehenge en Garoza de Bracamonte, en Ávila. En este último emplazamiento son las enormes piedras las que sirven de soporte para la intervención del artista.

  • Bosque de Oma de Agustín Ibarrola
    Bosque de Oma de Agustín Ibarrola
  • Bosque pintado de Oma de Agustín Ibarrola
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  • Bosque pintado
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  • Bosque pintado de Oma de Agustín Ibarrola en Euskadi
    Bosque pintado de Oma de Agustín Ibarrola en Euskadi

Datos de carácter práctico para llegar al Bosque de Oma

Árbol, piedra, hormigón o metal sirve a este artista vasco para realizar sus originales obras que a muy pocos van a dejar indiferente. Para llegar hasta allí, como he apuntado antes, hay que tener una buena forma física y, también, muchas ganas. Puedes acceder desde Gernika o bien intentar buscar algún apartamento de vacaciones en la zona, que los hay muy buenos. Esto es imprescindible, ya que, al final del día, vas a necesitar descansar o echarte una larga siesta.

Se llega en coche hasta el aparcamiento del Restaurante Lezika (con buenas carnes a la brasa) al que se accede por la BI-2238. A partir de aquí comienza la ascensión, la cual es mejor realizarla por la mañana. Y, por último, recuerda que  los 20 minutos que se reseñan en algunos sitios online solo son para deportistas consumados. Además, la pista de senderismo que conecta el lugar con la carretera no es apta para carritos de bebés o sillas de ruedas.

A veces sueño con el Bosque de Oma y me digo que tengo que volver. ¿Te animas? ¿Has ido? Recuerda que la casilla comentarios está abierta a tus impresiones.

Por Candela Vizcaíno

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Cómo llegar y qué ver en el Bosque de Oma, creación del artista vasco Agustín Ibarrola y situado en la Reserva de  Urdaibai.

Es arte. Es naturaleza. Es mágico. Es simbólico. Es (casi) inaccesible. Es un emplazamiento situado en el corazón boscoso de una montaña intervenido por el pintor y escultor Agustín Ibarrola. Es el Bosque Pintado de Oma, un lugar especial que aúna lo mejor del ser humano cuando es capaz de actuar en sinergia con las criaturas naturales. Si en españa hay espectaculares bosques en otoño (cuando la naturaleza estalla con un haz de colores ocres), el de Oma es para vivirlo en cualquier época del año. 

Bosque Oma 3

El Bosque de Oma, cómo es y dónde está

Está situado en el centro de la Reserva de Urdaibai, allí donde descansan aves del norte de Europa en su viaje hacia la Curva del Níger o donde nuestros antepasados ensayaron una galería de arte muy especial hoy resguardada bajo siete llaves: las Cuevas de Santimamiñe. Pero que el viajero entusiasta de los espacios naturales no se llame a engaño.  La ascensión (y posterior bajada) hacia este emplazamiento singular no es apta para todas las piernas y todas las edades.

Gernika-Lumo es la población de importancia más cercana al Bosque de Oma. Desde aquí se puede llegar en coche hasta el aparcamiento que se encuentra al borde del sendero. Al lado están, además, el Centro de Recuperación de Animales de Basondo y las citadas Cuevas de Santimamiñe.

Lo que viene después (una vez te has bajado del coche y te has calzado adecuadamente) es una empinada ascensión (como corresponde a los lugares de importancia o sagrados) de, al menos, una hora, a no ser que seas un consumado deportista. ¡Cuidado con las aventuras con niños! Aunque mi princesa (¡con tan solo 4 años!) alcanzó el lugar con ilusión, los papás (la mamá, en este caso) deben estar preparados para el camino de vuelta. Se hace necesario una botella de agua y, si acaso, algo de picoteo.Los árboles pintados de Oma de Agustín Ibarrola: características y estilo

Una vez se ha conseguido llegar al corazón del bosque, para acceder al lugar donde están los árboles pintados de Ibarrola hay que bajar unas rústicas y empinadas escaleras. Sin más estructura que la que da la naturaleza, unos troncos hacen las veces de mamperlán que sujeta unos escalones de alturas imposibles. Lo bueno es que hay una barandilla del mismo material para no desbocarse.

Una vez has llegado al lugar, la vista de este primer espacio compensa todo el esfuerzo. Ante tus ojos se muestran los distintos árboles con símbolos y dibujos coloridos que una cuadrilla de voluntarios se afanan por conservar de los embates de la intemperie.

Hay que seguir el esquema mostrado y deleitarse con las raíces que sobresalen del terreno y sujetan esta peculiar obra natural y, a la vez, artística. Unos dibujos parecen arañazos de un monstruo sobrenatural, otros delimitan una silueta humana en disposición de huída, al inicio nos esperan unos labios y un beso, un árbol muestra la imagen de un “personaje que no quiere ser mitológico”…

El recorrido continúa por entre los árboles pareciendo que nos miran o interrogan como corresponde a cualquier obra de arte que se precie de llamarse así.

Bosque Oma 6

Agustín Ibarrola, entre el Art Land y el Expresionismo

El autor de esta peculiar obra, a medio camino entre el expresionismo abstracto o esa corriente surgida de la poesía visual que se denomina Art Land, nació bajo el signo de Leo en 1930 en el corazón de Vizcaya.   

Formado en los circuitos artísticos del Madrid de los años 50, pudo conectar con otros pintores nacionales en su viaje de estudios a París. Sin obviar otras de sus obras, es conocido sobre todo por sus intervenciones en espacios naturales o públicos. El Bosque de Oma fue creado a inicios de los años 80, los Cubos de la Memoria (en la escollera de hormigón del pueblo asturiano de Llanes) en los primeros años del siglo XXI y, en la actualidad, remata su particular Stonehenge en Garoza de Bracamonte, en Ávila. En este último emplazamiento son las enormes piedras las que sirven de soporte para la intervención del artista.

  • Bosque de Oma de Agustín Ibarrola
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  • Bosque pintado de Oma de Agustín Ibarrola en Euskadi
    Bosque pintado de Oma de Agustín Ibarrola en Euskadi

Datos de carácter práctico para llegar al Bosque de Oma

Árbol, piedra, hormigón o metal sirve a este artista vasco para realizar sus originales obras que a muy pocos van a dejar indiferente. Para llegar hasta allí, como he apuntado antes, hay que tener una buena forma física y, también, muchas ganas. Puedes acceder desde Gernika o bien intentar buscar algún apartamento de vacaciones en la zona, que los hay muy buenos. Esto es imprescindible, ya que, al final del día, vas a necesitar descansar o echarte una larga siesta.

Se llega en coche hasta el aparcamiento del Restaurante Lezika (con buenas carnes a la brasa) al que se accede por la BI-2238. A partir de aquí comienza la ascensión, la cual es mejor realizarla por la mañana. Y, por último, recuerda que  los 20 minutos que se reseñan en algunos sitios online solo son para deportistas consumados. Además, la pista de senderismo que conecta el lugar con la carretera no es apta para carritos de bebés o sillas de ruedas.

A veces sueño con el Bosque de Oma y me digo que tengo que volver. ¿Te animas? ¿Has ido? Recuerda que la casilla comentarios está abierta a tus impresiones.

Por Candela Vizcaíno

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Conocido por sus inquietantes desnudos femeninos de cuello largo, al final de su vida, Modigliani realizó a la que fuera madre de su única hija más de 25 retratos.

Amadeo Modigliani (1884-1920) pertenece a esa extirpe de artistas malditos que tanto gustan en los circuitos académicos del arte. Paralelismos vitales aparte, toda su obra, por la fuerza expresiva de sus modelos, la originalidad en la composición, el primitivismo en la ejecución y una peculiar manera de encarar el color, se ha puesta en correlación con la de otro pintor desafortunado y perteneciente a una generación anterior, con la del holandés Vincent Van Gogh.

Biografía mínima de Amadeo Modigliani

Pintor de vida mundana, abocado irremediablemente a la bohemia por sus desórdenes psicológicos (producidos, en parte, por su adicción a las drogas y al alcohol), vivió el loco París de las primeras décadas del siglo XX. Acosado constantemente por los acreedores y obligado a saldar deudas en los cafés que frecuentaba haciendo retratos ligeros de la clientela, vivió siempre de prestado y situaba su estudio allí donde le dejaban, entre Montparnasse y Montmartre.

Muchos críticos han querido ver las razones del cierre y prohibición –por impúdica y amoral- de la primera y única exposición individual en vida del pintor como una consecuencia inevitable de la fama de mujeriego que le perseguía (por otro lado, y según los testimonios de la época, bastante merecida), más que en la forma de presentar sus obras. Hay que tener en cuenta que, en la época, era bastante inusual y, por tanto, objeto de escándalo, que las modelos de los desnudos miraran al espectador con toda franqueza exhibiendo sin pudor todos y cada uno de sus atributos.

Durante los primeros años del siglo XX y antes del estallido de la primera Guerra Mundial, Modigliani se enfrascó en la ejecución de una obra totalmente personal ajena a cualquier moda o movimiento artístico. Aunque, prácticamente, convivió con los cubistas (abanderados por Picasso y Braque), no participó de círculo artístico alguno, creando sus retratos y composiciones totalmente al margen de la vanguardia de entonces. Ni que decir tiene que un creador de tal talla artística no podía acercarse a los pintores de movimientos ya consagrados como podría ser el impresionismo que, por aquellos años, comenzaba a ser aceptado académica y culturalmente.

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Las obras de Modigliani realizadas en La Costa Azul

A comienzos de 1918 la Primera Guerra Mundial se había recrudecido considerablemente. Comenzaron a producirse los primeros ataques sobre la población y, cuando las tropas alemanas avanzaron sobre París, fueron muchos los que decidieron poner rumbo hacia el sur, hacia La Provenza o La Costa Azul.

Entre aquellos que abandonaron la capital se encontraba Amadeo Modigliani quien iba acompañado por una joven estudiante de apenas diecisiete años: Jean Hébuterne. Una chica tímida, recatada, callada, con tendencias depresivas que le daría a Modigliani su única hija: Jean Modigliani. Nacida en Niza en 1919, se convertiría, más tarde, en la mejor biógrafa de su padre.

En Niza, Modigliani pinta sus cuadros más conocidos, aquellos que han alcanzado en las subastas importes astronómicos. Son retratos muy cercanos a los prototipos psicológicos (el muchacho, la madre, el campesino, el soldado…) para los que posaron jóvenes locales y personas anónimas. Los personajes se muestran con serenidad, con las manos en el regazo y con la mirada perdida. Admirador de Cezánne, el pintor realiza en estas obras un uso extremo del color y del contraste de los tonos puros en un mismo lienzo. El amarillo, el rojo, el verde y al azul se presentan en una paleta contrapuesta, plana y sin matices. 

Modigiliani 1

Modigliani y Jeanne Hébuterne

Siguiendo este estilo, aborda Modigliani los más de veinticinco retratos que realizó en menos de dos años a su compañera. En ellos la joven aparece ensimismada, perdida en su interior, como si el tiempo se hubiera detenido y nada más que tuviera que esperar el hecho de ser retratada. El pintor se recrea en la mata de pelo pelirrojo, en la actitud plácida, quieta y expectante. Son retratos de frente y de perfil que, a pesar de la fuerza expresiva que emanan, ni siquiera se molestan en interrogarnos.

La frágil personalidad de Jean Hébuterne no pudo hacer frente a la muerte de Modigliani, quien sucumbía a la tuberculosis un frío día de enero del año 1920 en el Hospital de la Caridad de París. Al día siguiente, decide poner fin a su vida y a la del bebé que gestaba arrojándose por una ventana. De ella quedan más de veinticinco retratos disputados por coleccionistas privados y los mejores museos del mundo. 


Por Candela Vizcaíno

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El arte es lo que queda cuando todo ha pasado. Es lo inmutable dentro del cambio. Es la belleza en un mundo en caos. El arte es parte importante de este sitio. Intentamos comprenderlo pero también hemos montado una galería con artistas emergentes. 

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Conocido por sus inquietantes desnudos femeninos de cuello largo, al final de su vida, Modigliani realizó a la que fuera madre de su única hija más de 25 retratos.

Amadeo Modigliani (1884-1920) pertenece a esa extirpe de artistas malditos que tanto gustan en los circuitos académicos del arte. Paralelismos vitales aparte, toda su obra, por la fuerza expresiva de sus modelos, la originalidad en la composición, el primitivismo en la ejecución y una peculiar manera de encarar el color, se ha puesta en correlación con la de otro pintor desafortunado y perteneciente a una generación anterior, con la del holandés Vincent Van Gogh.

Biografía mínima de Amadeo Modigliani

Pintor de vida mundana, abocado irremediablemente a la bohemia por sus desórdenes psicológicos (producidos, en parte, por su adicción a las drogas y al alcohol), vivió el loco París de las primeras décadas del siglo XX. Acosado constantemente por los acreedores y obligado a saldar deudas en los cafés que frecuentaba haciendo retratos ligeros de la clientela, vivió siempre de prestado y situaba su estudio allí donde le dejaban, entre Montparnasse y Montmartre.

Muchos críticos han querido ver las razones del cierre y prohibición –por impúdica y amoral- de la primera y única exposición individual en vida del pintor como una consecuencia inevitable de la fama de mujeriego que le perseguía (por otro lado, y según los testimonios de la época, bastante merecida), más que en la forma de presentar sus obras. Hay que tener en cuenta que, en la época, era bastante inusual y, por tanto, objeto de escándalo, que las modelos de los desnudos miraran al espectador con toda franqueza exhibiendo sin pudor todos y cada uno de sus atributos.

Durante los primeros años del siglo XX y antes del estallido de la primera Guerra Mundial, Modigliani se enfrascó en la ejecución de una obra totalmente personal ajena a cualquier moda o movimiento artístico. Aunque, prácticamente, convivió con los cubistas (abanderados por Picasso y Braque), no participó de círculo artístico alguno, creando sus retratos y composiciones totalmente al margen de la vanguardia de entonces. Ni que decir tiene que un creador de tal talla artística no podía acercarse a los pintores de movimientos ya consagrados como podría ser el impresionismo que, por aquellos años, comenzaba a ser aceptado académica y culturalmente.

Modigiliani 2

Las obras de Modigliani realizadas en La Costa Azul

A comienzos de 1918 la Primera Guerra Mundial se había recrudecido considerablemente. Comenzaron a producirse los primeros ataques sobre la población y, cuando las tropas alemanas avanzaron sobre París, fueron muchos los que decidieron poner rumbo hacia el sur, hacia La Provenza o La Costa Azul.

Entre aquellos que abandonaron la capital se encontraba Amadeo Modigliani quien iba acompañado por una joven estudiante de apenas diecisiete años: Jean Hébuterne. Una chica tímida, recatada, callada, con tendencias depresivas que le daría a Modigliani su única hija: Jean Modigliani. Nacida en Niza en 1919, se convertiría, más tarde, en la mejor biógrafa de su padre.

En Niza, Modigliani pinta sus cuadros más conocidos, aquellos que han alcanzado en las subastas importes astronómicos. Son retratos muy cercanos a los prototipos psicológicos (el muchacho, la madre, el campesino, el soldado…) para los que posaron jóvenes locales y personas anónimas. Los personajes se muestran con serenidad, con las manos en el regazo y con la mirada perdida. Admirador de Cezánne, el pintor realiza en estas obras un uso extremo del color y del contraste de los tonos puros en un mismo lienzo. El amarillo, el rojo, el verde y al azul se presentan en una paleta contrapuesta, plana y sin matices. 

Modigiliani 1

Modigliani y Jeanne Hébuterne

Siguiendo este estilo, aborda Modigliani los más de veinticinco retratos que realizó en menos de dos años a su compañera. En ellos la joven aparece ensimismada, perdida en su interior, como si el tiempo se hubiera detenido y nada más que tuviera que esperar el hecho de ser retratada. El pintor se recrea en la mata de pelo pelirrojo, en la actitud plácida, quieta y expectante. Son retratos de frente y de perfil que, a pesar de la fuerza expresiva que emanan, ni siquiera se molestan en interrogarnos.

La frágil personalidad de Jean Hébuterne no pudo hacer frente a la muerte de Modigliani, quien sucumbía a la tuberculosis un frío día de enero del año 1920 en el Hospital de la Caridad de París. Al día siguiente, decide poner fin a su vida y a la del bebé que gestaba arrojándose por una ventana. De ella quedan más de veinticinco retratos disputados por coleccionistas privados y los mejores museos del mundo. 


Por Candela Vizcaíno

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El pintor andaluz Guillermo Pérez Villalta (1948) es uno de los máximos exponentes actuales de la permanencia del denominado estilo figurativo en las artes plásticas. 

Abanderado de la filosofía de la deconstrucción, uno de los más conocidos integrantes del movimiento underground la década de los ochenta conocida como Movida Madrileña, en sus cuadros –muchos de ellos autorretratos- abundan los personajes míticos y bíblicos.

  • Guillermo Pérez Villalta
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    Guillermo Pérez Villalta
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    Guillermo Pérez Villalta

 Guillermo Pérez Villalta

Hay quienes desde muy jóvenes tienen clara su vocación creadora aún sin saber muy bien por el camino que deben dirigirse. Algo parecido debió suceder con Guillermo Pérez Villalta al iniciar sus estudios de Arquitectura, carrera que concluyó y que le ha servido para firmar varios proyectos ubicados, sobre todo, en Andalucía (el edificio denominado El Kursaal de Algeciras – en la provincia de Cádiz- es uno de ellos), pero su vocación artística aparcó, en sus inicios, estos asuntos de la construcción para dedicarse casi de lleno a la pintura.

Esto no ha impedido que, a lo largo de su carrera, se pudiera permitir pequeñas o medianas incursiones en campos tan dispares como la escultura, el diseño de mobiliario o la colaboración en grandes obras de bibliofilia. En esta última faceta, el de la ilustración de títulos literarios clásicos, destacan sus intervenciones plásticas editadas por firmas tan señeras como Turner (La Odisea homéricaEl Faetón del Conde Villamediana) y Galaxia Gutenberg/Círculo de Lectores (Los viajes de Gulliver de Jonathan Swift).

La movida madrileña y Guillermo Pérez Villalta 


El artista gaditano empezó a ser conocido por su plena implicación en el movimiento socio-cultural conocido en la década de los ochenta como Movida Madrileña, la primera manifestación underground reconocida como tal en España.

Las ansias de apertura, de libertad y de democracia de la juventud de entonces encontró un cauce de expresión en la capital española donde la estética punk se mezclaba con un afán aperturista y los nuevos modelos de creación tanto musicales (Los secretos sería el grupo emblemático), cinematográficos (abanderado por Pedro Almodóvar), televisivos (La bola de cristal y la artista Alaska), comunicativos en todas las áreas y, por supuesto, artísticos. Es aquí donde encontró acomodo, junto a los también pintores Luis Gordillo, Carlos Franco y Manolo Quejido, el entonces joven Guillermo Pérez Villalta.

 

Obras de Guillermo Pérez Villalta

Es el suyo un arte totalmente original en el que se transparentan influencias de los maniquíes silenciosos de Giorgio de Chirino, del surrealismo de Dalí, de las primeras performances de Marcel Duchamp o la estética kirsch de la factoría Disney. 

Catalogado como barroco e, incluso, manierista, en sus cuadros predomina la figura humana, la cual es tratada con redondeces, con excesivas curvas y prestancias mientras que el paisaje (en el que predominan los elementos arquitectónicos clásicos) es representado con tintes evocadores y oníricos

Muy imbuido por los mitos de la Antigüedad Clásica y por las parábolas bíblicas, en sus cuadros aparecen los grandes personajes que han conformado la civilización occidental tratados, en ocasiones, de forma irreverente, pero siempre con un punto audaz y personal. Los títulos de sus últimas creaciones lo dicen todo: Ninfa y sátiroLa venganza de Letona, Salomé con la cabeza del bautista y Hombre luchando contra un dragón

Reconocido por la crítica, favorito de los coleccionistas privados, sus obras forman parte del fondo permanente de las grandes pinacotecas de España comenzando por el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y el Museo de Bellas Artes de Bilbao para terminar por el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo de Sevilla o la Fundación Juan March de Palma de Mallorca, por solo citar algunos. 

Premio Nacional de Artes Plásticas (galardón que recibe en 1985), Guillermo Pérez Villalta es, hoy por hoy, uno de los mejores exponentes en el campo de la expresión plástica de la posmodernidad española.

¿Has visto alguna exposición suya? ¿Te gusta? Tienes la casilla comentarios para tus impresiones.

Por Candela Vizcaíno

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El arte es lo que queda cuando todo ha pasado. Es lo inmutable dentro del cambio. Es la belleza en un mundo en caos. El arte es parte importante de este sitio. Intentamos comprenderlo pero también hemos montado una galería con artistas emergentes. 

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El pintor andaluz Guillermo Pérez Villalta (1948) es uno de los máximos exponentes actuales de la permanencia del denominado estilo figurativo en las artes plásticas. 

Abanderado de la filosofía de la deconstrucción, uno de los más conocidos integrantes del movimiento underground la década de los ochenta conocida como Movida Madrileña, en sus cuadros –muchos de ellos autorretratos- abundan los personajes míticos y bíblicos.

  • Guillermo Pérez Villalta
    Guillermo Pérez Villalta
  • Guillermo Pérez Villalta
    Guillermo Pérez Villalta
  • Guillermo Pérez Villalta
    Guillermo Pérez Villalta
  • Guillermo Pérez Villalta
    Guillermo Pérez Villalta

 Guillermo Pérez Villalta

Hay quienes desde muy jóvenes tienen clara su vocación creadora aún sin saber muy bien por el camino que deben dirigirse. Algo parecido debió suceder con Guillermo Pérez Villalta al iniciar sus estudios de Arquitectura, carrera que concluyó y que le ha servido para firmar varios proyectos ubicados, sobre todo, en Andalucía (el edificio denominado El Kursaal de Algeciras – en la provincia de Cádiz- es uno de ellos), pero su vocación artística aparcó, en sus inicios, estos asuntos de la construcción para dedicarse casi de lleno a la pintura.

Esto no ha impedido que, a lo largo de su carrera, se pudiera permitir pequeñas o medianas incursiones en campos tan dispares como la escultura, el diseño de mobiliario o la colaboración en grandes obras de bibliofilia. En esta última faceta, el de la ilustración de títulos literarios clásicos, destacan sus intervenciones plásticas editadas por firmas tan señeras como Turner (La Odisea homéricaEl Faetón del Conde Villamediana) y Galaxia Gutenberg/Círculo de Lectores (Los viajes de Gulliver de Jonathan Swift).

La movida madrileña y Guillermo Pérez Villalta 


El artista gaditano empezó a ser conocido por su plena implicación en el movimiento socio-cultural conocido en la década de los ochenta como Movida Madrileña, la primera manifestación underground reconocida como tal en España.

Las ansias de apertura, de libertad y de democracia de la juventud de entonces encontró un cauce de expresión en la capital española donde la estética punk se mezclaba con un afán aperturista y los nuevos modelos de creación tanto musicales (Los secretos sería el grupo emblemático), cinematográficos (abanderado por Pedro Almodóvar), televisivos (La bola de cristal y la artista Alaska), comunicativos en todas las áreas y, por supuesto, artísticos. Es aquí donde encontró acomodo, junto a los también pintores Luis Gordillo, Carlos Franco y Manolo Quejido, el entonces joven Guillermo Pérez Villalta.

 

Obras de Guillermo Pérez Villalta

Es el suyo un arte totalmente original en el que se transparentan influencias de los maniquíes silenciosos de Giorgio de Chirino, del surrealismo de Dalí, de las primeras performances de Marcel Duchamp o la estética kirsch de la factoría Disney. 

Catalogado como barroco e, incluso, manierista, en sus cuadros predomina la figura humana, la cual es tratada con redondeces, con excesivas curvas y prestancias mientras que el paisaje (en el que predominan los elementos arquitectónicos clásicos) es representado con tintes evocadores y oníricos

Muy imbuido por los mitos de la Antigüedad Clásica y por las parábolas bíblicas, en sus cuadros aparecen los grandes personajes que han conformado la civilización occidental tratados, en ocasiones, de forma irreverente, pero siempre con un punto audaz y personal. Los títulos de sus últimas creaciones lo dicen todo: Ninfa y sátiroLa venganza de Letona, Salomé con la cabeza del bautista y Hombre luchando contra un dragón

Reconocido por la crítica, favorito de los coleccionistas privados, sus obras forman parte del fondo permanente de las grandes pinacotecas de España comenzando por el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y el Museo de Bellas Artes de Bilbao para terminar por el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo de Sevilla o la Fundación Juan March de Palma de Mallorca, por solo citar algunos. 

Premio Nacional de Artes Plásticas (galardón que recibe en 1985), Guillermo Pérez Villalta es, hoy por hoy, uno de los mejores exponentes en el campo de la expresión plástica de la posmodernidad española.

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Por Candela Vizcaíno

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Biografía muy reducida de Marc Chagall

El que el artista (como el individuo corriente) es un fruto, más o menos logrado, de su tiempo bien podemos aplicarlo a los avatares vitales de este bielorruso aldeano, judío e hijo primogénito de una familia numerosa imposible hoy en día (eran nueve hermanos).  El jovencísimo Marc Chagall (1887-1986) recibe formación pictórica en San Petersburgo y, al estallar la Revolución Rusa, se implica tan activamente en el nuevo modelo político que, incluso, llegar a ostentar un cargo medio en su aldea natal.

Desgraciadamente, los procesos revolucionarios castigan a aquellos que, andando el tiempo, se atreven a cuestionar los crueles métodos de la ortodoxia dominante y Marc Chagall, por diferencias con la oligarquía, se ve obligado a abandonar su país en 1923. Tras pasar por Berlín, se instala en París, centro de ebullición intelectual, artística y filosófica del momento. Se mueve entre Montmartre y Montparnasse donde entra en contacto con las vanguardias históricas y con pintores de difícil adscripción, tal es el caso de Amadeo Modigliani.

Fruto de ese roce cultural son sus primeros cuadros en los que se aprecian referencias al cubismo, fauvismo, sobre todo, al surrealismo, fuente de la que no se apartará jamás, aunque, como corresponde a un artista único, imprimiéndole su particular interpretación.  La tranquilidad para el maduro Marc Chagall se verá interrumpida con el avance de las tropas nazis sobre territorio francés. De familia judía y de profundas convicciones religiosas, se ve obligado, de nuevo, a otro exilio: en esta ocasión a Estados Unidos. La paz facilita el trabajo y el ahondamiento en su particular universo pictórico, esta vez instalado cómodamente en la Provenza donde muere con más de noventa y ocho años.

  • Yo y el pueblo, 1911
    Yo y el pueblo, 1911
  • El violinista (1913) de Marc Chagall
    El violinista (1913) de Marc Chagall
  • Bestiario  (1968) de Marc Chagall
    Bestiario (1968) de Marc Chagall
  • Retrato de los padres de Marc Chagall
    Retrato de los padres de Marc Chagall
  • Vidrieras en Mainz de Marc Chagall
    Vidrieras en Mainz de Marc Chagall
  • Tres horas y media (El poeta) 1911
    Tres horas y media (El poeta) 1911

El particular estilo pictórico de Marc Chagall

La pintura de Marc Chagall, por su fuerte impronta onírica y simbólica (recordamos que el mundo de los sueños habla el lenguaje perdido de los símbolos universales), ha sido estudiada ampliamente por la escuela analítica de C.G. Jung (sobre todo por Aniela Jaffé).  En ella se repiten los motivos de la luna, el sol, el pez, el río o los caballos (simbolización de las fuerzas inconscientes descontroladas) que forman parte del acervo simbólico colectivo. 

La pintura de Marc Chagall

El joven Marc Chagall se inició en las letras y en las artes con la Biblia. De profundas convenciones religiosas, los temas del Gran Libro están presentes en su obra, a la par que se deja influenciar por otros artistas de renombre internacional. Así, sus primeras obras, las que realiza en Rusia antes del año 1910, tienen una marcada impronta, tanto en los colores como en la forma, del arte del rebelde Gauguin. Y nada más tenemos que echar un vistazo al Retrato de los padres.

A pesar de su característico estilo, en el que priman los símbolos y mitos universales, como no podía de ser otra manera, su paso por París, dejó una huella en el emotivo Marc Chagall. Su encuentro con Picasso, Breton o los Fauvistas hizo que la pincelada del pintor ruso tomara, en ocasiones, un aire cubista. Así son sus cuadros más famosos, los que realizó entre 1910 y 1920-1924.

Antes de la Segunda Guerra Mundial fue crucial en el arte de Marc Chagall el encuentro con el super editor del momento: Ambroise Vollard. Inicia, entonces, una serie de ilustraciones para libros de alta bibliofilia y ahonda aún más en el conocimiento de la Biblia ilustrando la gran mayoría de los pasajes conocidos a nivel popular. 

Una Francia ocupada por el régimen nazi decidió que Marc Chagall entraba dentro de la clasificación de arte degenerado. Comienza así el mito, el cual continúa durante su periplo americano. Aquí no solo hace obras “convencionales” (litografías, ilustraciones u óleos) sino que también se adentra en la escenografía de ballet.

Durante sus últimos años, Marc Chagall trabajó incasablemente en hermosas vidrieras eclesiásticas donde despliega no solo una potente imaginería simbólica sino también un particular colorido (que también significa, como todo en arte) que hacen de estas obras ejemplos únicos en el mundo. Los amantes de las cosas bellas no pueden perderse una visita a su intervención en la Catedral de Reims, la propuesta de la Iglesia de la Madre de Dios en Zurich, Suiza y, especialmente, las vidrieras de la Iglesia de San Esteban en Meinz, Alemania.

Obras de Marc Chagall

Ni que decir tiene que no podemos hacer un catálogo de una obra tan intensa, ya que abarca intervenciones en iglesias, ilustraciones de libros, pintura, cerámica o escultura. Eso no quita para que pongamos una lista con un puñado de nombres. Nos centraremos en las obras aquí reproducidas. 

  • Tres horas y media (El poeta) 1911
  • Yo y el pueblo, 1911
  • El violinista, 1913
  • Bestiario, 1968
  • Retrato de los padres
  • Vidrieras de la Iglesia de San Esteban de Meinz

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Por Candela Vizcaíno

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El arte es lo que queda cuando todo ha pasado. Es lo inmutable dentro del cambio. Es la belleza en un mundo en caos. El arte es parte importante de este sitio. Intentamos comprenderlo pero también hemos montado una galería con artistas emergentes. 

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Biografía muy reducida de Marc Chagall

El que el artista (como el individuo corriente) es un fruto, más o menos logrado, de su tiempo bien podemos aplicarlo a los avatares vitales de este bielorruso aldeano, judío e hijo primogénito de una familia numerosa imposible hoy en día (eran nueve hermanos).  El jovencísimo Marc Chagall (1887-1986) recibe formación pictórica en San Petersburgo y, al estallar la Revolución Rusa, se implica tan activamente en el nuevo modelo político que, incluso, llegar a ostentar un cargo medio en su aldea natal.

Desgraciadamente, los procesos revolucionarios castigan a aquellos que, andando el tiempo, se atreven a cuestionar los crueles métodos de la ortodoxia dominante y Marc Chagall, por diferencias con la oligarquía, se ve obligado a abandonar su país en 1923. Tras pasar por Berlín, se instala en París, centro de ebullición intelectual, artística y filosófica del momento. Se mueve entre Montmartre y Montparnasse donde entra en contacto con las vanguardias históricas y con pintores de difícil adscripción, tal es el caso de Amadeo Modigliani.

Fruto de ese roce cultural son sus primeros cuadros en los que se aprecian referencias al cubismo, fauvismo, sobre todo, al surrealismo, fuente de la que no se apartará jamás, aunque, como corresponde a un artista único, imprimiéndole su particular interpretación.  La tranquilidad para el maduro Marc Chagall se verá interrumpida con el avance de las tropas nazis sobre territorio francés. De familia judía y de profundas convicciones religiosas, se ve obligado, de nuevo, a otro exilio: en esta ocasión a Estados Unidos. La paz facilita el trabajo y el ahondamiento en su particular universo pictórico, esta vez instalado cómodamente en la Provenza donde muere con más de noventa y ocho años.

  • Yo y el pueblo, 1911
    Yo y el pueblo, 1911
  • El violinista (1913) de Marc Chagall
    El violinista (1913) de Marc Chagall
  • Bestiario  (1968) de Marc Chagall
    Bestiario (1968) de Marc Chagall
  • Retrato de los padres de Marc Chagall
    Retrato de los padres de Marc Chagall
  • Vidrieras en Mainz de Marc Chagall
    Vidrieras en Mainz de Marc Chagall
  • Tres horas y media (El poeta) 1911
    Tres horas y media (El poeta) 1911

El particular estilo pictórico de Marc Chagall

La pintura de Marc Chagall, por su fuerte impronta onírica y simbólica (recordamos que el mundo de los sueños habla el lenguaje perdido de los símbolos universales), ha sido estudiada ampliamente por la escuela analítica de C.G. Jung (sobre todo por Aniela Jaffé).  En ella se repiten los motivos de la luna, el sol, el pez, el río o los caballos (simbolización de las fuerzas inconscientes descontroladas) que forman parte del acervo simbólico colectivo. 

La pintura de Marc Chagall

El joven Marc Chagall se inició en las letras y en las artes con la Biblia. De profundas convenciones religiosas, los temas del Gran Libro están presentes en su obra, a la par que se deja influenciar por otros artistas de renombre internacional. Así, sus primeras obras, las que realiza en Rusia antes del año 1910, tienen una marcada impronta, tanto en los colores como en la forma, del arte del rebelde Gauguin. Y nada más tenemos que echar un vistazo al Retrato de los padres.

A pesar de su característico estilo, en el que priman los símbolos y mitos universales, como no podía de ser otra manera, su paso por París, dejó una huella en el emotivo Marc Chagall. Su encuentro con Picasso, Breton o los Fauvistas hizo que la pincelada del pintor ruso tomara, en ocasiones, un aire cubista. Así son sus cuadros más famosos, los que realizó entre 1910 y 1920-1924.

Antes de la Segunda Guerra Mundial fue crucial en el arte de Marc Chagall el encuentro con el super editor del momento: Ambroise Vollard. Inicia, entonces, una serie de ilustraciones para libros de alta bibliofilia y ahonda aún más en el conocimiento de la Biblia ilustrando la gran mayoría de los pasajes conocidos a nivel popular. 

Una Francia ocupada por el régimen nazi decidió que Marc Chagall entraba dentro de la clasificación de arte degenerado. Comienza así el mito, el cual continúa durante su periplo americano. Aquí no solo hace obras “convencionales” (litografías, ilustraciones u óleos) sino que también se adentra en la escenografía de ballet.

Durante sus últimos años, Marc Chagall trabajó incasablemente en hermosas vidrieras eclesiásticas donde despliega no solo una potente imaginería simbólica sino también un particular colorido (que también significa, como todo en arte) que hacen de estas obras ejemplos únicos en el mundo. Los amantes de las cosas bellas no pueden perderse una visita a su intervención en la Catedral de Reims, la propuesta de la Iglesia de la Madre de Dios en Zurich, Suiza y, especialmente, las vidrieras de la Iglesia de San Esteban en Meinz, Alemania.

Obras de Marc Chagall

Ni que decir tiene que no podemos hacer un catálogo de una obra tan intensa, ya que abarca intervenciones en iglesias, ilustraciones de libros, pintura, cerámica o escultura. Eso no quita para que pongamos una lista con un puñado de nombres. Nos centraremos en las obras aquí reproducidas. 

  • Tres horas y media (El poeta) 1911
  • Yo y el pueblo, 1911
  • El violinista, 1913
  • Bestiario, 1968
  • Retrato de los padres
  • Vidrieras de la Iglesia de San Esteban de Meinz

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Imágenes libre de copyright y de contenido libre. 

Por Candela Vizcaíno

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De entre todos los –ismos que surgieron en la primera década del pasado siglo XX, puede ser el que menos duró, ya que se inauguró con una exposición en 1905 y para 1910 se encontraba totalmente agotado. Eso no quita para que las obras que se hicieran en ese periodo pusieran las bases del arte posterior y para que entre sus filas debutara un creador de la talla y la trascendencia como fue el francés Henri Mattisse (1869-1954). Pero vayamos por partes, ¿qué entendemos por fauvismo?, palabra que literalmente, remite a un mundo de “fieras”, tal como lo definió el crítico Louis Vauxcelles.



fauvismo malevich joven con flor

Características del fauvismo

El fauvismo tiene sus raíces en la obra del post-impresionista Gauguin. Es un movimiento eminentemente pictórico e, incluso, si queremos perfilar más, centrado en pinturas al óleo. Se caracteriza por:

  • Uso del color según la técnica de divisionismo. Es decir, los tonos no se mezclan en la paleta. Se colocan puros en el cuadro uno al lado del otro. Las primeras obras presentan, por ejemplo, en el rostro humano colores rojos, verdes o morados que, en principio, es ajeno a la carnalidad.
  • Los contornos se presentan marcados, incluso con una línea gruesa de color negro y nada más tenemos que observar, por ejemplo, Desnudo azul (1907) de Henri Matisse.
  • Rechazaban de forma unánime el concepto de belleza tradicional. El canon se sustituyó por la libertad expresiva. Hay que recordar que Freud acababa de definir el inconsciente con lo que esto supuso de revulsivo en la vida intelectual de entonces.
  • Admiraban las expresiones artísticas de África y Oceanía a través de un incipiente comercio de arte que empezaba a despuntar en los elitistas círculos de París. Las máscaras, los roleos de tatuajes y la desnudez de estas culturas fascinaron a estos artistas.
  • Se elimina la perspectiva, los claroscuros y, en estadios avanzados del movimiento, se reduce al mínimo el “decorado” de los cuadros. La luz llega de los colores, pero no del juego de las sombras.
  • Las formas se simplifican y se recurre a lo natural, a lo primitivo e instintivo.
  • Con el solo uso del color se intenta captar los sentimientos. Para ello se utiliza el simbolismo de los objetos.


fauvisme maurice de vlaminck barcas sena

Por supuesto, estas características se dan de forma particular y peculiar en cada uno de los artistas más señeros del movimiento.

Artistas del fauvismo

Kasemir Melevitch, que luego evolucionó hacia la abstracción, es el representante ruso de mayor proyección. En Francia, donde el movimiento surgió y prosperó, fue abrazado por Georges Braque, Raouel Dufy, Georges Rouault o Albert Marquet .Sus representantes más ilustres te los reseño a continuación.

  • Henri Matisse

Figura indiscutible del arte del siglo XX, junto con Picasso, puede decirse que el fauvismo comenzó con Luxe, Calme et Volupté, (1904). Aquí el pintor francés, con técnicas cercanas al puntillismo, nos presenta un paisaje de colores planos totalmente alejado de la realidad extra-textual.


matisse metropolitan 1

La obra de Matisse, claramente reconocible, nunca abandona los principios del movimiento. Es plástica en sentido extremo. Las figuras son planas. Se prima el color, incluso, con un uso exagerado. Los elementos meramente decorativos son eliminados de la composición pictórica para centrarse en objetos o representaciones humanas impregnadas de un fuerte carácter simbólico.


El color es tan consustancial a la obra del francés que, a mediados de la década de los años veinte, su opus evolucionó hacia la abstracción. Matisse colaboró, además, en la edición de grandes obras de bibliofilia como las realizadas por la editorial Skira.

 

  • André Derain

fauvismo autorretrato derainControvertida a más no poder fue la vida y la producción de André Derain (1880-1954) quien, además, de la pintura manejaba el lenguaje de la escenografía, la danza y el atrezzo. 


Su evolución, al contrario que Matisse, no es considerada como “lógica y natural” por parte de la crítica, ya que a mediados de su carrera vuelve a hacer una pintura calificada como tradicional. Derain, dotado de una gran inteligencia, era un espíritu rebelde y, probablemente inseguro. Muestra de ello fue la destrucción de su mano de gran parte de su obra primera.

 

  • Maurice de Vlaminck


El menos conocido de este grupo el también francés Vlaminck (1876-1958) acusa un clara sustrato inter-textual (palabra académica para, más o menos, referirse a influencia) de Van Gogh. De hecho, sus coloridos paisajes pueden confundirse con la estética del pintor holandés. Su obra se centra en la naturaleza, en las tareas del campo y alguna que otra vez hace retratos.

fauvisme kees van dongen

Movimientos artísticos de principios de siglo XX en este portal de noticias.

 


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Por Candela Vizcaíno

Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla 

 

 

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El arte es lo que queda cuando todo ha pasado. Es lo inmutable dentro del cambio. Es la belleza en un mundo en caos. El arte es parte importante de este sitio. Intentamos comprenderlo pero también hemos montado una galería con artistas emergentes. 

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De entre todos los –ismos que surgieron en la primera década del pasado siglo XX, puede ser el que menos duró, ya que se inauguró con una exposición en 1905 y para 1910 se encontraba totalmente agotado. Eso no quita para que las obras que se hicieran en ese periodo pusieran las bases del arte posterior y para que entre sus filas debutara un creador de la talla y la trascendencia como fue el francés Henri Mattisse (1869-1954). Pero vayamos por partes, ¿qué entendemos por fauvismo?, palabra que literalmente, remite a un mundo de “fieras”, tal como lo definió el crítico Louis Vauxcelles.



fauvismo malevich joven con flor

Características del fauvismo

El fauvismo tiene sus raíces en la obra del post-impresionista Gauguin. Es un movimiento eminentemente pictórico e, incluso, si queremos perfilar más, centrado en pinturas al óleo. Se caracteriza por:

  • Uso del color según la técnica de divisionismo. Es decir, los tonos no se mezclan en la paleta. Se colocan puros en el cuadro uno al lado del otro. Las primeras obras presentan, por ejemplo, en el rostro humano colores rojos, verdes o morados que, en principio, es ajeno a la carnalidad.
  • Los contornos se presentan marcados, incluso con una línea gruesa de color negro y nada más tenemos que observar, por ejemplo, Desnudo azul (1907) de Henri Matisse.
  • Rechazaban de forma unánime el concepto de belleza tradicional. El canon se sustituyó por la libertad expresiva. Hay que recordar que Freud acababa de definir el inconsciente con lo que esto supuso de revulsivo en la vida intelectual de entonces.
  • Admiraban las expresiones artísticas de África y Oceanía a través de un incipiente comercio de arte que empezaba a despuntar en los elitistas círculos de París. Las máscaras, los roleos de tatuajes y la desnudez de estas culturas fascinaron a estos artistas.
  • Se elimina la perspectiva, los claroscuros y, en estadios avanzados del movimiento, se reduce al mínimo el “decorado” de los cuadros. La luz llega de los colores, pero no del juego de las sombras.
  • Las formas se simplifican y se recurre a lo natural, a lo primitivo e instintivo.
  • Con el solo uso del color se intenta captar los sentimientos. Para ello se utiliza el simbolismo de los objetos.


fauvisme maurice de vlaminck barcas sena

Por supuesto, estas características se dan de forma particular y peculiar en cada uno de los artistas más señeros del movimiento.

Artistas del fauvismo

Kasemir Melevitch, que luego evolucionó hacia la abstracción, es el representante ruso de mayor proyección. En Francia, donde el movimiento surgió y prosperó, fue abrazado por Georges Braque, Raouel Dufy, Georges Rouault o Albert Marquet .Sus representantes más ilustres te los reseño a continuación.

  • Henri Matisse

Figura indiscutible del arte del siglo XX, junto con Picasso, puede decirse que el fauvismo comenzó con Luxe, Calme et Volupté, (1904). Aquí el pintor francés, con técnicas cercanas al puntillismo, nos presenta un paisaje de colores planos totalmente alejado de la realidad extra-textual.


matisse metropolitan 1

La obra de Matisse, claramente reconocible, nunca abandona los principios del movimiento. Es plástica en sentido extremo. Las figuras son planas. Se prima el color, incluso, con un uso exagerado. Los elementos meramente decorativos son eliminados de la composición pictórica para centrarse en objetos o representaciones humanas impregnadas de un fuerte carácter simbólico.


El color es tan consustancial a la obra del francés que, a mediados de la década de los años veinte, su opus evolucionó hacia la abstracción. Matisse colaboró, además, en la edición de grandes obras de bibliofilia como las realizadas por la editorial Skira.

 

  • André Derain

fauvismo autorretrato derainControvertida a más no poder fue la vida y la producción de André Derain (1880-1954) quien, además, de la pintura manejaba el lenguaje de la escenografía, la danza y el atrezzo. 


Su evolución, al contrario que Matisse, no es considerada como “lógica y natural” por parte de la crítica, ya que a mediados de su carrera vuelve a hacer una pintura calificada como tradicional. Derain, dotado de una gran inteligencia, era un espíritu rebelde y, probablemente inseguro. Muestra de ello fue la destrucción de su mano de gran parte de su obra primera.

 

  • Maurice de Vlaminck


El menos conocido de este grupo el también francés Vlaminck (1876-1958) acusa un clara sustrato inter-textual (palabra académica para, más o menos, referirse a influencia) de Van Gogh. De hecho, sus coloridos paisajes pueden confundirse con la estética del pintor holandés. Su obra se centra en la naturaleza, en las tareas del campo y alguna que otra vez hace retratos.

fauvisme kees van dongen

Movimientos artísticos de principios de siglo XX en este portal de noticias.

 


Imágenes de contenido libre.

Recuerda que la casilla comentarios está abierta a tus notas y dudas.

Por Candela Vizcaíno

Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla 

 

 

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Todo empezó con La interpretación de los sueños de Freud en 1901. Aunque, en un principio, la obra no tuvo repercusión alguna, las ideas allí plasmadas fueron calando en el imaginario filosófico y artístico del momento. Según el padre del psicoanálisis, el espíritu humano de ser una mole inmutable, pasaba a estar conformado por espacios de sombras desconocidas. Esas oscuridades eran tan reales (o más) que lo que acontecía en el mundo real.

Todo ello fue calando en los artistas del momento que, una vez impregnados de la teoría, se apresuraron a describir, a dibujar, a pintar o a moldear ese mundo fuera del ámbito de la conciencia.


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Características del surrealismo

  • El surrealismo nació en varios países como un movimiento literario, pero acabó invadiendo otras artes: la escultura, el incipiente cine y, sobre todo, la pintura.
  • Se admite todo lo que rebasa la lógica y el inconsciente. Se considera que la verdad está detrás del mundo real.
  • Los sueños (y su interpretación), los mitos, las visiones, lo maravilloso son admitidos. Por tanto, a través del onirismo y de la fantasía se podía acceder a aquello que permanecía oculto.
  • El automatismo, el psicoanálisis y la brujería adquieren un papel preponderante.
  • Al tiempo, se reniega de la moral, de las convecciones y de los protocolos sociales imperantes por considerarse que coartan la libertad que lleva a esa verdad oculta.
  • La obra de arte se convierte en el medio, en el demiurgo, para que afloren todo ese conocimiento desconocido y amordazado por las costumbres burguesas.
  • El surrealismo se presenta como revolucionario, como una estética que, al poner de manifiesto lo desconocido, pretende hacer saltar por los aires los cimientos establecidos de la sociedad.
  • Propugna, por tanto, el cambio radical. Por eso, varios de sus autores se declararon abiertamente marxistas, izquierdistas o anarquistas.


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El Manifiesto Surrealista

Tendríamos que hablar, más bien, de manifiestos, ya que el grupo fue prolijo en escritos, proclamas y estudios sobre su obra y lo que debería ser el arte.


El Primer Manifiesto Surrealista fue publicado por André Breton en 1924. En él se propugna el automatismo psíquico y el dictado del pensamiento sin ataduras.  Este primer manifiesto se presentó casi como una declaración de principios. Había que adherirse como un acto de fe. El que no lo hiciera era, inmediatamente, expulsado del grupo.


Los manifiestos se sucedieron a lo largo de estos años. En 1925 nace una revista: El surrealismo al servicio de la Revolución. En 1929 aparece el Segundo Manifiesto Surrealista salido de la mano también de Breton.


Durante  estos años el grupo tiene sus desavenencias por motivos políticos, ya que la ortodoxia de André Breton dictaba la adscripción a la izquierda. Fruto de esa unión entre marxismo y surrealismo es la publicación en 1938 del Manifiesto por un Arte Revolucionario Independiente. En México firman el documento Breton, Trotski y Diego Rivera.


revolving house

Artistas del surrealismo


Aunque el movimiento exigía fe ciega en sus postulados y principios, hay una serie de artistas que, a pesar de las purgas, peleas y conflictos, tienen que catalogarse como surrealistas. Son:

Pintores surrealistas

El pintor más conocido de la corriente es Salvador Dalí, pero hay otros que también pertenecen al movimiento o hicieron obras claramente surrealistas: René Magritte, Arp, Miró, Picasso, Giorgio de Chirico, Francis Picabia, Klee, Roberto Matta, Yves Tanguy  y Leonora Carrington. No están todos los que son, pero sí son todos los que están.

El surrealismo en literatura

Tristan Tzara, Paul Éluard y René Char son sus máximos exponentes. En las letras hispánicas hizo un primer esbozo Luis Cernuda, que pronto abandonó el movimiento y Vicente Aleixandre. El autor contemporáneo Fernando Arrabal puede inscribirse en la corriente, aunque, por edad, no pertenece a la vanguardia histórica.

Autores del surrealismo

Max Ernst (junto con Dalí) fue uno de los más influyentes. El director de cine Luis Buñuel, con Un perro andaluz y La edad de oro, ha servido de referente a cineastas actuales.


La estética, a pesar de las pullas y depuraciones inadmisibles para un movimiento que buscaba la verdad y la libertad, se extendió a lo largo de la década de los años treinta influenciando todas las artes y a gran parte de los autores más señeros del siglo XX.

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Paul Klee: "Ad Marginen"

Por Candela Vizcaíno

Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

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El arte es lo que queda cuando todo ha pasado. Es lo inmutable dentro del cambio. Es la belleza en un mundo en caos. El arte es parte importante de este sitio. Intentamos comprenderlo pero también hemos montado una galería con artistas emergentes. 

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Todo empezó con La interpretación de los sueños de Freud en 1901. Aunque, en un principio, la obra no tuvo repercusión alguna, las ideas allí plasmadas fueron calando en el imaginario filosófico y artístico del momento. Según el padre del psicoanálisis, el espíritu humano de ser una mole inmutable, pasaba a estar conformado por espacios de sombras desconocidas. Esas oscuridades eran tan reales (o más) que lo que acontecía en el mundo real.

Todo ello fue calando en los artistas del momento que, una vez impregnados de la teoría, se apresuraron a describir, a dibujar, a pintar o a moldear ese mundo fuera del ámbito de la conciencia.


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Características del surrealismo

  • El surrealismo nació en varios países como un movimiento literario, pero acabó invadiendo otras artes: la escultura, el incipiente cine y, sobre todo, la pintura.
  • Se admite todo lo que rebasa la lógica y el inconsciente. Se considera que la verdad está detrás del mundo real.
  • Los sueños (y su interpretación), los mitos, las visiones, lo maravilloso son admitidos. Por tanto, a través del onirismo y de la fantasía se podía acceder a aquello que permanecía oculto.
  • El automatismo, el psicoanálisis y la brujería adquieren un papel preponderante.
  • Al tiempo, se reniega de la moral, de las convecciones y de los protocolos sociales imperantes por considerarse que coartan la libertad que lleva a esa verdad oculta.
  • La obra de arte se convierte en el medio, en el demiurgo, para que afloren todo ese conocimiento desconocido y amordazado por las costumbres burguesas.
  • El surrealismo se presenta como revolucionario, como una estética que, al poner de manifiesto lo desconocido, pretende hacer saltar por los aires los cimientos establecidos de la sociedad.
  • Propugna, por tanto, el cambio radical. Por eso, varios de sus autores se declararon abiertamente marxistas, izquierdistas o anarquistas.


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El Manifiesto Surrealista

Tendríamos que hablar, más bien, de manifiestos, ya que el grupo fue prolijo en escritos, proclamas y estudios sobre su obra y lo que debería ser el arte.


El Primer Manifiesto Surrealista fue publicado por André Breton en 1924. En él se propugna el automatismo psíquico y el dictado del pensamiento sin ataduras.  Este primer manifiesto se presentó casi como una declaración de principios. Había que adherirse como un acto de fe. El que no lo hiciera era, inmediatamente, expulsado del grupo.


Los manifiestos se sucedieron a lo largo de estos años. En 1925 nace una revista: El surrealismo al servicio de la Revolución. En 1929 aparece el Segundo Manifiesto Surrealista salido de la mano también de Breton.


Durante  estos años el grupo tiene sus desavenencias por motivos políticos, ya que la ortodoxia de André Breton dictaba la adscripción a la izquierda. Fruto de esa unión entre marxismo y surrealismo es la publicación en 1938 del Manifiesto por un Arte Revolucionario Independiente. En México firman el documento Breton, Trotski y Diego Rivera.


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Artistas del surrealismo


Aunque el movimiento exigía fe ciega en sus postulados y principios, hay una serie de artistas que, a pesar de las purgas, peleas y conflictos, tienen que catalogarse como surrealistas. Son:

Pintores surrealistas

El pintor más conocido de la corriente es Salvador Dalí, pero hay otros que también pertenecen al movimiento o hicieron obras claramente surrealistas: René Magritte, Arp, Miró, Picasso, Giorgio de Chirico, Francis Picabia, Klee, Roberto Matta, Yves Tanguy  y Leonora Carrington. No están todos los que son, pero sí son todos los que están.

El surrealismo en literatura

Tristan Tzara, Paul Éluard y René Char son sus máximos exponentes. En las letras hispánicas hizo un primer esbozo Luis Cernuda, que pronto abandonó el movimiento y Vicente Aleixandre. El autor contemporáneo Fernando Arrabal puede inscribirse en la corriente, aunque, por edad, no pertenece a la vanguardia histórica.

Autores del surrealismo

Max Ernst (junto con Dalí) fue uno de los más influyentes. El director de cine Luis Buñuel, con Un perro andaluz y La edad de oro, ha servido de referente a cineastas actuales.


La estética, a pesar de las pullas y depuraciones inadmisibles para un movimiento que buscaba la verdad y la libertad, se extendió a lo largo de la década de los años treinta influenciando todas las artes y a gran parte de los autores más señeros del siglo XX.

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Paul Klee: "Ad Marginen"

Por Candela Vizcaíno

Doctora en Comunicación por la Universidad de Sevilla

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El manuelino es un estilo eminentemente portugués, centrado en la arquitectura y relacionado con la época de los descubrimientos en ultramar.

La Era de los Descubrimientos y el Manuelino

 

La denominada Era de los Descubrimientos de Portugal, con su consiguiente poderío económico, comienza cuando Vasco de Gama, tras un largo viaje por medio mundo, pisa de nuevo suelo portugués. 


Traía consigo las codiciadas especias de la India, necesarias para la conservación de los alimentos. Corría el año 1499 y se sentaba en el trono el Rey Manuel I, el Afortunado. 

El navegante es recibido con todos los honores, mientras que desde la corte se inicia un ambicioso plan de construcción a financiar con los beneficios de algunas especias. Aunque se pretendía renovar unas instalaciones palaciegas y administrativas bastante obsoletas, paralelamente, se realizó un metódico plan de propaganda que pusiera en evidencia el nuevo poder económico y político.

manuelino

Características del estilo manuelino

En el reinado de Manuel I, la corte portuguesa se traslada desde el Castillo de San Jorge, en el medieval barrio de Alfama conformado por callejuelas estrechas, hasta la Baixa, hasta las orillas mismas del Tajo y el Océano Atlántico, a zonas amplias, recién urbanizadas y aireadas. Se encargan diversos edificios como el Palacio Real (totalmente destruido en el terremoto de 1755), la Torre de Belém y el Monasterio de los Jerónimos, cuya finalidad última era la de servir de mausoleo real.

Todos están (o estaba) en Lisboa. Para el proyecto de estas nuevas instalaciones se dan claras instrucciones: se debía realizar siguiendo el estilo “moderno”, es decir, tal como mandaban los cánones del gótico tardío (con mezcla de mozárabe) que triunfaba en España, en contraposición al estilo “antiguo” o románico, el que presenta la Sé de Lisboa, por ejemplo.

Con estas especificaciones, arquitectos, diseñadores, albañiles y canteros se ponen manos a la obra y, como resultado, se consiguen unos edificios estilizados, proporcionados, sobrios en cuanto a la ejecución de los muros de cerramiento, pero con una gran profusión de motivos ornamentales en dinteles, ventanales, columnas o arcadas. Nace así el estilo manuelino.


Aunque algunos divulgadores dan explicaciones peregrinas para la elección de los objetos presentes en esta abigarrada decoración, hay que tener en cuenta que tanto el pueblo llano como la intelectualidad de la época (pleno Renacimiento), conocían y tenían en todo momento presente una amplia panoplia de símbolos tomados del mundo vegetal, animal o mitológico. Así, las cuerdas marineras conviven con columnas salomónicas, las granadas (símbolo de la fecundidad) con las piñas (representación de la abundancia),  los leones (el principio solar masculino) con los toros (el principio lunar femenino) y todo ello mezclado con seres tomados de la mitología medieval como aves fénix, dragones o unicornios.

manuelino 3

¿Dónde encontrar el estilo manuelino?

Durante más de un siglo se construyeron monasterios, palacios e iglesias siguiendo esta tipología. Lo normal, por ser el área de influencia de la realeza, es encontrarlo en la zona de expansión de la Baixa, en Lisboa, y en la cercana Sintra, lugar de veraneo de la nobleza. De esta última localidad destacan La Capilla y La Sala de los Escudos del Palacio Real. Uno de los mejores ejemplos de estilo manuelino se encuentra en una localidad cercana a Lisboa, en el Monasterio de Batalha, declarado Patrimonio de la Humanidad por la Unesco.

La mayor concentración de arte manuelino se desperdiga por Lisboa y alrededores, pero, aún así, el estilo tuvo tal aceptación que se construyeron, sobre todo iglesias, por todo el reino. Coimbra, Braga, Tomar o Viseu disponen de bellos edificios realizados, en todo o en parte, en manuelino.

Como es frecuente, cuando una potencia ejerce su influencia en territorios alejados, en las colonias de ultramar, allí donde el imperio luso se afincaba con fines comerciales, se encuentran interesantes ejemplos de esta arquitectura. Destacan, sobre todo, dos iglesias cristianas situadas en Goa (India): La Iglesia de San Francisco Javier y la Iglesia del Priorato del Rosario, ambas con la protección de Patrimonio de la Humanidad por la Unesco.

Aunque durante los siglos que floreció el estilo manuelino, Portugal y España eran reinos en constante rivalidad, la línea artística penetró en territorio hispano (sobre todo en poblaciones fronterizas) contagiando algunas obras que se realizaban entonces, como la Iglesia Parroquial de Almonaster la Real, el Ayuntamiento de Olivenza o el Monasterio de la Magdalena en Sarriá (Lugo).

Decir manuelino, es decir, portugués, es decir renacentista y arquitectónico. Aunque a finales de siglo XIX, el decadente movimiento modernista intentó recuperar esta tradición, no tendría ni la frescura ni la autenticidad de los grandes monumentos del siglo XVI.

Por Candela Vizcaíno

 

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El arte es lo que queda cuando todo ha pasado. Es lo inmutable dentro del cambio. Es la belleza en un mundo en caos. El arte es parte importante de este sitio. Intentamos comprenderlo pero también hemos montado una galería con artistas emergentes. 

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El manuelino es un estilo eminentemente portugués, centrado en la arquitectura y relacionado con la época de los descubrimientos en ultramar.

La Era de los Descubrimientos y el Manuelino

 

La denominada Era de los Descubrimientos de Portugal, con su consiguiente poderío económico, comienza cuando Vasco de Gama, tras un largo viaje por medio mundo, pisa de nuevo suelo portugués. 


Traía consigo las codiciadas especias de la India, necesarias para la conservación de los alimentos. Corría el año 1499 y se sentaba en el trono el Rey Manuel I, el Afortunado. 

El navegante es recibido con todos los honores, mientras que desde la corte se inicia un ambicioso plan de construcción a financiar con los beneficios de algunas especias. Aunque se pretendía renovar unas instalaciones palaciegas y administrativas bastante obsoletas, paralelamente, se realizó un metódico plan de propaganda que pusiera en evidencia el nuevo poder económico y político.

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Características del estilo manuelino

En el reinado de Manuel I, la corte portuguesa se traslada desde el Castillo de San Jorge, en el medieval barrio de Alfama conformado por callejuelas estrechas, hasta la Baixa, hasta las orillas mismas del Tajo y el Océano Atlántico, a zonas amplias, recién urbanizadas y aireadas. Se encargan diversos edificios como el Palacio Real (totalmente destruido en el terremoto de 1755), la Torre de Belém y el Monasterio de los Jerónimos, cuya finalidad última era la de servir de mausoleo real.

Todos están (o estaba) en Lisboa. Para el proyecto de estas nuevas instalaciones se dan claras instrucciones: se debía realizar siguiendo el estilo “moderno”, es decir, tal como mandaban los cánones del gótico tardío (con mezcla de mozárabe) que triunfaba en España, en contraposición al estilo “antiguo” o románico, el que presenta la Sé de Lisboa, por ejemplo.

Con estas especificaciones, arquitectos, diseñadores, albañiles y canteros se ponen manos a la obra y, como resultado, se consiguen unos edificios estilizados, proporcionados, sobrios en cuanto a la ejecución de los muros de cerramiento, pero con una gran profusión de motivos ornamentales en dinteles, ventanales, columnas o arcadas. Nace así el estilo manuelino.


Aunque algunos divulgadores dan explicaciones peregrinas para la elección de los objetos presentes en esta abigarrada decoración, hay que tener en cuenta que tanto el pueblo llano como la intelectualidad de la época (pleno Renacimiento), conocían y tenían en todo momento presente una amplia panoplia de símbolos tomados del mundo vegetal, animal o mitológico. Así, las cuerdas marineras conviven con columnas salomónicas, las granadas (símbolo de la fecundidad) con las piñas (representación de la abundancia),  los leones (el principio solar masculino) con los toros (el principio lunar femenino) y todo ello mezclado con seres tomados de la mitología medieval como aves fénix, dragones o unicornios.

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¿Dónde encontrar el estilo manuelino?

Durante más de un siglo se construyeron monasterios, palacios e iglesias siguiendo esta tipología. Lo normal, por ser el área de influencia de la realeza, es encontrarlo en la zona de expansión de la Baixa, en Lisboa, y en la cercana Sintra, lugar de veraneo de la nobleza. De esta última localidad destacan La Capilla y La Sala de los Escudos del Palacio Real. Uno de los mejores ejemplos de estilo manuelino se encuentra en una localidad cercana a Lisboa, en el Monasterio de Batalha, declarado Patrimonio de la Humanidad por la Unesco.

La mayor concentración de arte manuelino se desperdiga por Lisboa y alrededores, pero, aún así, el estilo tuvo tal aceptación que se construyeron, sobre todo iglesias, por todo el reino. Coimbra, Braga, Tomar o Viseu disponen de bellos edificios realizados, en todo o en parte, en manuelino.

Como es frecuente, cuando una potencia ejerce su influencia en territorios alejados, en las colonias de ultramar, allí donde el imperio luso se afincaba con fines comerciales, se encuentran interesantes ejemplos de esta arquitectura. Destacan, sobre todo, dos iglesias cristianas situadas en Goa (India): La Iglesia de San Francisco Javier y la Iglesia del Priorato del Rosario, ambas con la protección de Patrimonio de la Humanidad por la Unesco.

Aunque durante los siglos que floreció el estilo manuelino, Portugal y España eran reinos en constante rivalidad, la línea artística penetró en territorio hispano (sobre todo en poblaciones fronterizas) contagiando algunas obras que se realizaban entonces, como la Iglesia Parroquial de Almonaster la Real, el Ayuntamiento de Olivenza o el Monasterio de la Magdalena en Sarriá (Lugo).

Decir manuelino, es decir, portugués, es decir renacentista y arquitectónico. Aunque a finales de siglo XIX, el decadente movimiento modernista intentó recuperar esta tradición, no tendría ni la frescura ni la autenticidad de los grandes monumentos del siglo XVI.

Por Candela Vizcaíno

 

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